中国人物线描画技法
白描人物技法
工笔画基础教程―白描人物基本技法一、白描概况：中国线描人物历史渊源中国白描人物画是从单纯的线条勾勒作为造型手段，借线的粗细、长短、曲直方圆、轻重缓急、虚实疏密、顿挫刚柔、浓淡干湿在造型上生动运用和有机结合，表现形体的质量感、体积感、动态感和空间感，区别于西方以色彩、明暗来表现物体的方法。
这种方法称之“白描”。
无论是工笔人物画还是写意人物画，他们都是以线构成，故而白描人物画不仅可以独立存在，也是中国人物画的基础。
古代人物画按题材可分道释，人物、写貌三类，道释即宗教画，人物以古贤故事为主也包括具有现实主义的风俗画，写貌即肖像画。
中国画表现对象是以线为基础，而对象本身并没有线的存在，所以决定了中国画不是“再现”，而是“表现”为特长；这就决定了中国画必然从写实走向写意。
在上下几千年的历史长河中，历代艺术家对于线描进行了艰辛的艺术劳动，创造了光辉灿烂的线描艺术，留下了无数的优秀白描作品，使之举世瞩目，在世界美术领域中独树一帜，并具有极高的审美价值，也是其它画种无法取代的。
中国人物画发展到东晋前后，卷轴画已经出现，标志着中国绘画开始成熟。
目前我们所能见到最早的中国卷轴画《洛神赋图》、《女史箴图》，是东晋顾恺之传世摹本。
这两幅画中所用的线描已由过去的粗拙简单发展到圆润挺秀的笔法，那种“青云浮空”、“流水行地”的紧劲连绵的线条已具风格化，被誉为“春蚕吐丝”。
顾恺之在理论上提出了“意存笔先，画尽意在”、“迁想妙得”、“以形写神”。
他的“传神”之说和与南朝宋宗炳提出的“畅神”之说，代表着当时的美学思想。
可以说东晋的绘画和理论给隋庸、五代，两宋的绘画出现全面高峰，奠定了基础。
唐代是中国线描人物画繁荣、鼎盛时期，在绘画题材方面倾向面对现实，佛教画也侧重世俗化，技法上意向求巧；这一时期人物画不仅大家辈出，线描人物技法也得到了全面的发展；阎立本溯源顾恺之而融进恢宏博大的气度，他在《历代帝王图》中，以刚劲而厚实的长线恰当而真实地刻画出一批封建帝王自持、骄矜、贪婪、淫威等个性特征的肖像画。
人物画三大技巧讲解
人物画三大技巧讲解人物画三大技巧讲解无论中外，在早期绘画的发展史上，都以人物画为主，而且都为宗教或政治服务。
各种不同形式与题材的人物画，都有细致的感情描写，和唯妙唯肖的形象刻划，给观赏者带来深刻的美感。
下面为大家讲解人物画的三大技法，一起来学习！综观中国古代人物画，在表现的技法上大致可分成三类，一为白描画法。
为工笔重彩画法。
三为写意画法(简笔画法) ，兹分别简述如下人物画技巧——白描法画法白描化法是人类最早，最简洁的绘画表现形式，我国古代称为「白画」，也有人称为「线描」，如战国楚墓出土的两幅我国最早的帛画，即以白描画法表现，早期的白描画，其线描技法以均匀流畅的线条为主，到了唐朝吴道子，才能把白描线条发展到有粗细轻重的变化，能生动的表现衣摺的`动感与厚度感。
北宋画家李公麟可称是白描画法得代表性人物，下图是李公麟的「维膜演教图」，把线条的特色，发挥到最完美的境界。
到了明嘉庆年间，邹得中总括前人丰富的创作经验，在其著作「绘画发蒙」中，提了「十八描」的说法，这十八种描法是指： 1. 行云流水描 2. 高古游丝描 3. 铁丝描 4. 柳叶描 5. 琴弦描 6. 蚂蝗描 7. 混描 8. 橛头钉描 9. 曹衣描 10. 钉头鼠尾描 11. 折芦描 12. 减笔描 13. 战笔水纹描 14. 竹叶描 15. 橄榄描 16. 蚯蚓描 17. 枣核苗 18. 枯柴描以上十八种描法是古人根据当时的服装(大都是宽袍大袖)领略出，有些是唐朝以前就可以见到，有些则是后来逐渐添加的，然而这十八描并不是包罗前人所有的描法，也有人主张简化为五种，或合并为三大类。
擅长白描人物的当代画家董梦梅先生则指出：十八是以线条描法的形状命名，并不妥当。
人物画技巧——写意画法五代石恪的「二祖调心图」即以狂草的笔意，画出深具禅意的作品，到了南宋的画家梁楷发展减笔人物画，开拓新风气，而且创造了大笔泼墨法，成为写意人物画的代表性画家，其作品「泼墨仙人图」、「李太白行吟图」等皆运用豪放而简洁的笔墨，生动的表现出人物的神韵。
中国美术史十八描
——十八描 十八描
传统人物十八描
传统人物画的表现技法以线描为主，所谓“十八描”即是 不同线型的程式化线描，它们大都是中锋用笔。中国画平 面性极强，只有线，没有明暗体积，很容易导致单薄之弊。 传统用笔之所以采用中锋，在于中锋线坚韧浑厚，有助于 弥补平面性造型的单薄之力，这是中国画工具材料特殊性 能决定的一套合理的艺术形式与成功的技法。“十八描” 绝大部分用于工笔画，写意人物画以减笔描之类宽线条为 多，用笔有时会用到偏锋侧锋，并将之扩大为块面，如不 讲究笔力，易显扁薄。现代水墨人物画，有时也有此瑕。 黄宾虹山水浑厚华滋，首先得益于中锋用笔。汲取其长， 用于写意人物画，就是由原来浙派点线面结合的画法中蜕 出，强化中锋线条，婀娜刚健、变化多端，讲究笔力、笔 势、笔趣和笔法。线的加强，为“写”的自由度的提升创 造了条件。因为书写是以线条为主的运动，吴昌硕、黄宾 虹的写意极致，全在于线条的高质量大魅力。写意人物画 要挥写自如，也必须强化线条的地位与质量，能逐步“写” 到极致。
9、折芦描 、
中国古代人物衣服褶纹的一种画法。其线条形似 芦叶折转，故名。勾线时尖笔细长，长于撇捺， 由圆笔转为方笔之法，仍须方中有圆，圆用隶法 为之。然待干后勒以淡墨能使之厚重，并增强立 体感。梁楷《六祖劈竹图》属此一描法典型。其 衣纹方棱削劲，锐利，给人以刚劲、强烈之感。 代表作品：宋·李唐《采薇图》 梁楷《六祖撕经 图》
“曹衣出水，吴带当风”主要是指古代人物画中衣服褶纹的两种不同的
表现方式。 “曹衣出水”——一种笔法刚劲稠叠，所画人物衣衫紧贴身上，犹如刚 从水中出来一般。曹仲达，（北齐）曹国人，最称工，能画梵像。他画 过许多佛陀、菩萨、可惜没有作品流传下来。不过这个风格却在龙兴寺 的出土佛像上找到了。1996年10月在山东青州龙兴寺遗址发现了窖藏 的400尊佛教造像。时代跨越从北魏至于北宋，（跟敦煌藏经有大致相 近的时间跨度与最后的封藏时间，一样具有不解之谜。）龙兴寺北朝作 品，体现了画史上著名的“曹衣出水”样式。 “吴带当风”——一种笔法圆转飘逸，所绘人物衣带宛若迎风飘曳之状。 吴道子，是个道士，又名道玄。吴道子所画的人物颇有特色，与晋人顾 恺之、陆探微不同，以疏体而胜顾、陆的密体，笔不周而意足，貌有缺 而神全；他还一变东晋顾恺之以来那种粗细一律的“铁线描”，善于轻 重顿拙似有节奏的“兰叶描”；突破南北朝“曹衣出水”的艺术形式， 笔势圆转，衣服飘举，盈盈若舞，形成“吴带当风”的独特风格，风行 于时，被称作“吴家样”。吴道子善于把握住传神的法则，注意形象塑 造的整体，故所画执炉女子壁画，达到“窃眸欲语”的地步。十分传神 生动。他的画与张旭的草书、斐的剑术，被誉为当时的“三绝”，传说， 吴道子于洛阳曾遇到书法家张旭和剑手裴的，裴的请吴在天宫寺为他亡 故的双亲作壁画，吴不受金而请裴舞剑以壮气。舞毕，奋笔，俄顷而就。 张旭也在那里写了一壁字。洛阳人都说：“一日之中，获睹三绝。”要 看“吴带当风”当然去敦煌。 代表作品：现代·戴敦邦《红楼梦》
国画十八种工笔线描技法图文详解
国画十八种工笔线描技法图文详解十八描是中国传统的线描，指古代人物衣服褶纹的各种描法。
明代邹德中《绘事指蒙》载有“描法古今一十八等”。
分为高古游丝描、琴弦描、铁线描等18种。
这18种描法，都是根据历代各派人物画的衣褶表现程式，进行归纳为18种，按其笔迹形状而起的名称。
当然，现代衣褶描法已有所发展，如现在的面料与古有别，在此不作评述。
中国画的白描勾线可分三类：较粗的线条叫琴弦，较细的线条叫铁线，极细的线条叫游丝。
不论采用哪种线描，都突“写”字，使每一条线具有书法气韵。
1)柳叶描柳叶描，线条如柳叶迎风，故名。
因柳叶描似柳叶迎正稿时，先勾头、手部位，再勾衣纹、配件等。
勾正稿时，要风，忌浮滑轻薄，吴道子常用此法。
其特点，行笔雄浑圆全神贯注，一气呵成，且柳叶描的特征要鲜明。
厚，衣纹飘举，很有动感。
先作底稿，再将熟宣纸覆其上。
勾如图《西施浣纱》，画中转身的姿态使画面呈“s”形构图，身上的衣带随风而飘，手挎竹篮，装束简单，天真烂漫的村姑形象栩栩如生。
西施浣纱(柳叶描)2）战笔水纹描它是粗大的减笔，形虽颤颤，可用笔要留而不滑，停而不滞，似水纹流畅之感。
线条特点是节奏感强，留而不滑。
此描法在《姜子牙》中的须发、披风衣部分，使用得最为充分，且恰到好处，将人物坚毅、智慧的性格通过笔端巧妙地表现了出来。
姜子牙（战笔水纹描）3)竹叶描颐名思义，其线描状如竹叶。
一般用中锋来勾勒表现，压力用于线中，且柔而不弱。
在具体使用中，短笔可借用竹叶、芦叶描，长笔则如画柳叶描，但较其要刚，变化也大，如同书法中变错力中锋写之。
此描法主要适用于人物画中较紧身的短打衣、裤，图中孙悟空那灵活、好动的性格处理得妙趣横生，完全适于此描法。
孙悟空（竹叶描）4)减笔描减笔，虽线条概括、简练，但笔简意远，非常耐看。
创作时要切记抓住形体，以最简略之笔写之。
元代马远、梁楷常用此法。
注意线条的起落笔及抑、扬、顿、挫都要清楚可辨，且墨线长而富有变化。
在复描正稿时，运笔要干净利索，一气呵成。
工笔人物画线条的运用技巧
工笔人物画线条的运用技巧工笔人物画线条的运用技巧是绘画过程中非常重要的一环。
线条的运用可以决定作品的表现力和呈现效果，对于工笔人物画来说更是至关重要的。
下面我将详细阐述工笔人物画线条的运用技巧。
首先是线条的粗细和力量的运用。
在工笔人物画中，线条的粗细可以用来表现人物的轮廓和立体感。
通常来说，人物的主轮廓可以使用较粗的线条来描绘，以突出人物形象的整体感。
而在人物面部和细节部位，可以使用较细的线条来描述细致的纹理和细节，在线条的运用上要注意力度的掌握，不宜过于用力，应以轻柔、细腻的笔触表现形象特征。
其次是线条的曲直和流畅的运用。
在工笔人物画中，线条的曲直可以表现出人物的性格和动态。
例如，画中的优雅女子可以使用流线型的线条来描绘，使得人物显得柔美而动感。
而刚毅的男性形象则可以使用直线条来描绘，以体现出其刚强而有力的特质。
另外，线条的流畅与否也是影响作品质感的重要因素。
流畅的线条能够使整幅作品显得自然、饱满，给人以愉悦的感觉。
因此，在绘画过程中要注意练习和掌握使用流畅的线条，避免线条的生硬和断裂，保持线条的连贯性。
第三是线条的变化和层次的运用。
在工笔人物画中，线条的变化可以使人物更加生动和有表现力。
通过改变线条的粗细、明暗和强弱，可以表现出人物形象的深浅、立体感和光影效果。
例如在画面中，可以使用较粗的线条来勾勒人物的整体轮廓和大部位，再通过细线条来表现人物的细节和纹理，以使人物形象更加丰满立体。
此外，线条的层次和细节的描绘也会影响作品的观赏效果。
可以先用大体的线条勾勒人物形象，然后逐渐加入细节和纹理，使作品更具层次感和真实感。
最后是线条的变化和层次的运用。
在工笔人物画中，线条的变化可以使人物更加生动和有表现力。
通过改变线条的粗细、明暗和强弱，可以表现出人物形象的深浅、立体感和光影效果。
例如在画面中，可以使用较粗的线条来勾勒人物的整体轮廓和大部位，再通过细线条来表现人物的细节和纹理，以使人物形象更加丰满立体。
工笔人物画线条的运用技巧
工笔人物画线条的运用技巧工笔人物画是中国传统绘画中的一种绘画形式，强调对人物形象、服饰细节的精确描绘，注重细腻的线条表现和画面的细节处理。
下面我将从线条的运用技巧来介绍工笔人物画的绘画技巧。
首先，工笔人物画对线条的运用非常重要。
线条是构成画面的基本元素，通过线条的运用，可以表现出人物的形态特征、服饰纹理等。
在画人物头部时，线条要柔和、流畅，轻灵地勾勒出人物的脸型、眼睛、鼻子等特征，使画面有生动感。
人物身体的线条则要力度适中，线条要有张力，体现出肌肉的稳定感。
当描绘衣服和服饰时，线条要有变化，能准确地表现出服饰的褶皱、纹理等细节，使画面更加丰富有层次感。
其次，工笔人物画还注重线条的精细处理。
人物画需要精确地描绘面部的各个部分，如眉毛、眼睛、鼻子、嘴巴等。
所绘制的线条要准确无误，精细入微，力度掌握得当，使得人物的面部特征真实可信。
画面细节的处理也需要用到细腻的线条，通过精细的线条表现对人物服饰的纹理和细节进行描绘，真实地再现出人物的服饰特点，增强画面的细腻感和立体感。
此外，工笔人物画中的线条运用还需要注意层次感的表达。
画人物时，可以通过线条的粗细、长短来突出人物的主次关系，将重要的部分用粗线条描绘，轻松干练；次要的部分则用细线条勾勒，突出层次感。
利用线条的变化，可以更好地表现人物的形态和服饰纹理的层次感，使画面更加丰富有深度。
最后，为了更好地运用线条，在进行工笔人物画创作时，可以参考一些著名画家的作品，学习他们对线条的运用和表现手法。
例如，可以学习顾恺之的线描精湛、意境深远，吴道子的线条骨感、有力，张大千的线条流畅、激情四溢等。
通过研究他们的作品，可以提高对线条运用的理解和把握，丰富自己的创作技巧。
总而言之，工笔人物画线条的运用是画家表现人物形象和服饰细节的关键之一。
合理运用线条不仅可以描绘出人物的面部特征和身体形态，还可以表达出服饰的纹理和细节，增强画面的层次感和立体感。
因此，在进行工笔人物画创作时，画家需要注重线条的柔顺、精细、层次感，并通过学习名家作品，不断提高自己对线条的运用技巧，以创作出更富有魅力和表现力的作品。
中国人物画用色法
中国人物画用色法
中国人物画是中国传统绘画的一种重要形式，其用色法主要有以下几种：
1.线描上色法：线描上色法是中国人物画中最常见的用色法之一。
在绘制人物轮廓和线条之后，使用颜料填充并上色。
常用的颜料有水墨、彩墨、颜料等。
这种用色法注重线条与色块的结合，使画面具有清晰的形态感和层次感。
2.美人色法：美人色法是以美女形象为主题的人物画中常用的一种用色法。
它追求色彩的鲜艳明亮，以突出人物的美丽和典雅。
常用的颜色有红、粉、绿、蓝等，通过对色彩的运用和组合，表现出人物的娇艳和柔美。
3.清晰丰润色法：清晰丰润色法强调色彩的透明和饱满感。
通过运用不同的色调和层次，创造出画面的深度和立体感。
这种用色法常用于描绘山水人物或历史故事中的人物形象，使画面更加生动和富有变化。
4.素色法：素色法是一种追求简洁和素雅的用色法。
它以淡雅的色调和柔和的色彩为特点，强调人物的气质和内在美。
常用的颜料有淡墨、浅水墨等，通过简约的线条和淡雅的色彩，传达出一种含蓄和空灵的美感。
工笔人物白描勾线详细教程图解
工笔人物白描勾线详细教程图解
工笔画勾线讲究提按虚实。
多用中锋用笔，画出的线条挺而圆润，有弹性，笔画收放自如。
握笔不可太用力，否则线条显得死板。
要勤加练习，体会手感，勾出的线才会灵活生动。
一根线条从起笔到收笔之间有很多变化。
也有多种方法，实起虚收实起实收虚起实收虚起虚收。
勾眉毛要用虚起虚收。
眼睛要内实外虚，上眼线要实，下眼线要虚。
勾画鼻子，鼻梁处要虚起虚收，鼻翼上虚下实，鼻孔实起实收。
嘴唇的上下唇线要用淡墨勾出来或者也可以不勾，上下嘴唇中间的线，如果是正面唇可从一个嘴角到另一个嘴角之间，实起实收。
头发一般用虚起实收和虚起虚收，由于发丝密集，线条排列和衔接部分要清晰分明。
五官
头发
衣服的线条大部分是用实起虚收，注意线条的转折和线与线之间的衔接关系，整体要流畅透气，画出衣服的质感和体积感。
以下是完整的白描成品。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
中国人物线描画技法.txt吃吧吃吧不是罪，再胖的人也有权利去增肥！苗条背后其实是憔悴，爱你的人不会在乎你的腰围！尝尝阔别已久美食的滋味，就算撑死也是一种美！减肥最可怕的不是饥饿，而是你明明不饿但总觉得非得吃点什么才踏实。
内容简介
《中国人物线描画技法》内容简介：对于阐述创作所涉及的问题，的确难于下笔。
因为文学家、艺术家一生的基本实践过程，应该是一个创作的过程，是在一定的艺术思想指导下的一种极其复杂的精神劳动。
那么，什么是画家的“创作”活动？正如人，有话就要说，作为从事绘画的人，有“画”也要说。
这可能就是美术“创作”了。
但美术“创作”的艺术形式是多样的，美术家的艺术气质、艺术个性皆不同，因此，在绘画领域，艺术风格和手法千差万别。
不同的历史条件，艺术主张各异，近似者结成绘画诸多流派，在绘画史上留下了各自的足迹。
因此在美术“创作”这一课题中，是难于概括详述的。
绘画作为一种艺术门类，由于画种不同，表达方式因体系原因亦有各自的规律和特定的外部条件；又因政治、经济变化的影响，不同民族、不同地域之风情，使其充分体现出民族性和鲜明的时代性。
“创作”作为一个过程，是一种艰辛的实践活动。
它要求作者具有相应的技能技巧和从事专业行当的能力，表现的形态不是概念的而是可视的、具体的。
作为绘画创作，是在平面上的瞬间定格。
“创作”作为一种修养，它是一种精神寄托，是人格的体现，是文化水准的体现。
它概括了作者从事艺术以后的“台上功夫和戏外功夫”。
目录
引言
第一章中国人物画线描的历史
第二章传统线描程式——十八描
第三章线描工具的使用和线描的基本方法
（一）线描人物画的工具材料
1.纸和绢
2.毛笔
3.墨
4.砚
（二）线描持笔和运笔的方法
第四章线描的艺术审美规律
（一）线描的对比因素分析
（二）线描的书法用笔
（三）线描与造型的关系
（四）用线描表现空间
（五）线描与体积感
（六）内轮廓线与外轮廓线
第五章线描人物的临摹
（一）临摹的意义
（二）临本的选择和分析
第六章线描人生写生
（一）人体结构解剖分析
（二）头部五官画法
（三）手、脚的画法
（四）衣纹的画法
（五）写生中模特的安排
（六）视角和透视
（七）写生的步骤（全身人像写生）
（八）写意线描写生的画法
（九）线描写生的造型能力训练
第七章线描在人物画创作中的应用
图版
第一章中国传统线描
第一节历代有代表性的画家及作品
第二节线描的技法与表现形式
一、用笔的法则
二、十八描和应用分类
三、程式化的借鉴
第二章线描的造型功能
第一节粗细
第二节疏密
第三节方圆
第四节虚实
第三章线的气质与个性
第一节传统中的表现
第二节日本、西方的表现
第四章临摹、写生、创作图例
第一节临摹
第三节写生
第三节创作
后记本书主要介绍了线描摹及写生的工具、材料、基本技法及其方法步骤。
作者结合自己在中央美术学院从教十多年的实践，系统地介绍了中国传统描艺术的基本程式和方法要领，以及西方绘画中关于线条的基本观念、表现规律。
同时对不同历史时期的中西方的优秀作品进行了生动的分析，并以实践教学为基础，在比较中探索线条的本质区别及产生的艺术效果，与同类书相比具有较强的实用性和明确的目的性。
本书语言简练、论述精辟，配有近200幅精美图片。
适合高师美术专业本、专科及同等学力和美术爱好者使用。
=★= 作者简介
色调是画色彩一个很重要的要素，色调直接感染着我们的情绪。
画色彩时，首先要抓住调子，具体讲就是色彩要统一在特定光线下作为一种带倾向性的色彩。
色彩必须有对比，如冷暖对比、节奏对比，如果一味地强调对比，色彩又必然零乱，所以在对比的同时，色彩一定要统一。
但只有统一没有驿比、变化，色彩又会显得单调。
画色彩应注意整体、统一、对比。
在找出色彩细微变化的同时，别忘了整体。
只要大的色调抓住了，色彩又非常丰富而有变化，又特别的整体，又体现传达出作者的感情，这就算是一幅较好的色彩作品了。
画色彩必须感性多于理性。
注意“彩”味，不然必定是光有色而没有“彩”色彩，不但有色，更要有“彩”。
绘画是一种语言，绘画的过程就是画家把他所看到的、所感兴趣的事物用线条、光影和色彩表达出来，当然这种表达并不是如实的模仿，而是有选择性的。
一切艺术的表达都是有选择性的，因为绘画的意义不在于它能客观地再现自然，我们顶多只可以画出一种对自然的错觉。
任何绘画都是两维的，既宽和长，而深度则是错觉而已，并不是真正意义上的“深”，而且我们的颜料的明度、色度都是有限的，颜料的色调范围远远没有自然的色调范围大，颜料中白色就是最亮的，而自然中的太阳、灯水、火焰等发光物，其明度远远超过白色。
因此，绘画需要用非常有限的颜料来表现万物就需要学会技巧和原理，不仅如此，如何能表达出你对事物的看法，如何传达情感，如何用你自己独特的绘画语言来创造你自己的风格，都需要学习。
本书企图通过对不同风格和处理的静物作品的分析，给艺术学校以直观的感受。
在分析过程中，作者自然地溶入一些相关的绘画在理，这样可以使学子们举一反三，触类旁通。
中国画艺术有着悠久辉煌的历史。
绘画古代亦称“丹青”，“丹”指丹砂（朱砂），“青”指石青、石绿等重彩颜料。
说明绘画古来无不着色，中国画在漫长的成长过程中，经过继承、发展创造，已形成了我国独特的表现形式和强烈鲜明的色彩艺术风格，堪称东方色彩美学的典型代表。
中国绘画的色彩艺术在表现形式上，在画底、颜色的研制和使用上都有着丰富的完整的独特的功能和严谨的程序。
然而历代的画论，记述的却很零散，学术界对传统绘画的色彩研究也普遍忽视，这要部分地归咎于南宋“文人画”兴起之后，国人对水墨画强烈的审美和哲学的兴趣。
在中国美术史上，工笔重彩和水墨写意的发展，其升沉起伏既与功能有关，又离不开作者群的审美旨趣和艺术观念。
当“文人画”独领风骚的那些朝代，民间绘画及民间的工艺美术在
中华大地上仍是生生不息，显示色彩艺术的生命力，继续谱写着中国绘画色彩的篇章。
试想，如果没有敦煌壁画、李贤墓室壁画、永乐宫壁画、法海寺壁画及全国各地的庙堂壁画、年画、传神画等的存在，那么中国绘画的色彩发展将会是什么样子?虽说水墨画从元代以来积累了丰富的经验，发挥了高度的艺术表现力，应该说民间绘画与文人画犹如鸟之两翼，相互影响，相互促进，构成了中国绘画的色彩体系，屹立于世界艺术之林。
对中国画色彩的精神性、表现性价值以及中国画颜色的性能、表现技法的全面研究是我们面临的一个重要课题。
对于一个初学者来说，认识色彩世界，掌握中国画色彩的特点（规律），也包括中国画所运用的材料及其处理，应有全面的了解。
从而使自己在探索的过程中，从必然王国到达自由王国，这也是作者编写本书的初衷。
不容讳言，传统的工笔重彩画，几百年来走的是下坡路。
建国以后，虽有好转，可是至今一提到中国画的创新，人们仍认为色彩应是一个突破口。
在中国画中怎样发挥色彩的更大潜力，从这一点出发，我们将涉及到对我国传统绘画色彩的再认识、再发现、再宏扬；包括对民间绘画色彩的再发掘和吸收。
西方绘画对色彩的研究和表现，当然也应当借鉴。
不论绘画如何发展，从画面效果看，色彩永远是首要的构成因素；色彩的探索只有热爱色彩的人才能深刻地领会其内容，感受其内在的实质。
色彩可供不同民族、不同地域的人们使用，然而它只向热心探索的人们显示其更深的奥秘。
当此世纪之交，对中国画问题的讨论进行过多次，见仁见智，变革是不可阻挡的必然。
可是，世上不存在没有传统的创新。
传统中有阻碍创新的东西，也有未被我们充分认识，体现着艺术规律的东西。
要求我们正确意义上的继承和拓宽，在现代化和纵横借鉴中去拓宽。
这种变革需要开放的、多元的文化环境，更需要当代艺术家在观察、思维、表现等艺术创造过程中，为自觉、自由的色彩感觉、色彩感情和色彩想象不断探求色彩的个性审美形式。
引言
第一章中国画色彩的创造历程
第一节古代中国画的色彩
第二节现代中国画的色彩
第二章中国画的颜色
第一节中国画颜色的品种
第二节中国画颜色原料的选择与研制
第三节中国画颜色的使用方法
第四节中国画画底的制作方法
第三章中国画色彩理论与表现形式
第一节中国人的色彩观
第二节中国画的色彩画论
第三节中国画色彩的画理要求
第四节中国画色彩的表现形式
第四章中国民间绘画的色彩
第一节中国民间绘画
第二节壁画的色彩
第三节木版年画的色彩
第四节民间绘画颜色的使用和用色艺诀
第五章中国画色彩赏析
后记
图版。