装置艺术的特征
装置艺术
装置艺术，是指艺术家在特定的时空环境里，将人类日常生活中的已消费或未消费过的物质文化实体、进行艺术性地有效选择、利用、改造、组合，以令其演绎出新的展示个体或群体丰富的精神文化意蕴的艺术形态。
简单地讲，装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术。
装置艺术的发展如同其它艺术发展的景况一样，都是受当下多种单一与复合的观念所左右的，也受其自身发展经验的积累所促动。
装置艺术日渐在内容关注、题材选择、文化指向、艺术到位、价值定位、情感流向、操作方法等方面，都呈现出多元繁复的状态。
但从其总体来看，装置艺术的固有特征并没有朝令夕改。
[编辑本段]装置艺术简介装置艺术始于60年代，也称为“环境艺术”。
作为一种艺术，它与六七十年代的“波普艺术”、“极少主义”，“观念艺术”等有联系。
在短短几十年中，装置艺术已经成为当代艺术中的时髦，许多画家、雕塑家都给自己新添了“装置艺术家”的头衔。
在西方已经有专门的装置艺术美术馆，例如英国伦敦的装置艺术博物馆，美国旧金山的卡帕街装置艺术中心，由1983年的一栋楼发展到2000年的四栋楼。
纽约新兴的当代艺术中心，几乎就是一个装置艺术展览馆，在它的庭院中，修筑了露天装置艺术的专用隔间。
美术院校也开始开设装置艺术课程。
在英国，哈德斯费尔得大学已经设有专门的装置艺术学士学位。
在西方当代美术馆的展览中，装置艺术也占据了相当重要的位置。
以美国圣地亚哥当代艺术博物馆为例，在1969年至1996年期间，就举办了67次装置艺术展览。
近年在美国美术院校毕业的硕士生很多人都成了装置艺术家。
[编辑本段]装置艺术产生的原因美国艺术批评家安东尼·强森（Anthony Janson）对后现代主义时期装置艺术如此引人注目是这样解释的，“按照解构主义艺术家的观点，世界就是…文本‟（text），装置艺术可以被看做是这种观念的完美宣示，但装置的意象，就连创作它的艺术家也无法完全把握，因此，…读者‟能自由地根据自己的理解，进行解读。
装置艺术的概念及特征
装置艺术的概念及特征装置艺术是一种现代艺术形式，它通过创造三维立体的装置作品来呈现艺术家的创作思想和表达方式。
装置艺术作品通常由各种材料和媒介构成，包括但不限于物体、声音、视频、灯光、投影等等。
与传统的绘画或雕塑艺术形式相比，装置艺术具有以下几个特征。
首先，装置艺术突破了传统的艺术形式和空间限制。
传统的绘画和雕塑作品通常是二维的，而装置艺术则是三维立体的，它可以占据整个展览空间，不仅可以占据地面和墙壁，还可以悬挂在空中或利用整个房间的空间进行展示。
装置艺术的形式自由度较高，可以根据艺术家的创意和需要进行个性化的创作。
其次，装置艺术强调观众与作品之间的互动和参与感。
观众在观赏装置艺术作品时，不仅仅是被动地欣赏，还可以主动地与作品进行互动。
艺术家通过创造特殊的环境和氛围，引导观众与作品产生互动，使观众成为艺术作品的一部分。
观众可以通过触摸、亲身体验、穿越作品等方式与装置艺术产生身临其境的互动，在这个过程中，他们可以重新思考和感受艺术的含义和作品所传达的信息。
再次，装置艺术的创作关注社会和环境议题。
装置艺术不仅仅是对美学的探索，更注重对当代社会和环境问题的反思和关注。
装置艺术作品常常通过具体的物质和形象表达艺术家对社会经济、政治、文化等问题的独立见解。
这些作品可以是对社会现象的批判，对人类命运的思考，对自然环境的保护等等。
艺术家通过装置艺术作品传递自己的思想和关注度，激起观众的思考和讨论。
最后，装置艺术可以具有临时性和可转移性。
由于装置艺术作品通常具有较大的规模和空间限制，它们往往是临时性的，在一个特定的时间和空间展出，展览结束后可能会被拆除或转移到其他地方。
这种特点使得装置艺术与展览场地和现场条件紧密相关，同时也增加了作品的珍贵性和独特性。
装置艺术作为一种新的艺术形式，它在表达方式、空间利用、观众参与和社会关注等方面与传统艺术有所不同。
它以其独特的艺术表达方式和思想内涵，引领着当代艺术的发展方向。
装置艺术作品的观赏不再是纯粹的审美体验，而是促使观众思考、反思和参与的全新体验。
浅析装置艺术的形式与观念
浅析装置艺术的形式与观念作者：范丽娟来源：《科学导报·学术》2019年第34期摘要：装置艺术是现当代艺术中的新兴且特殊的艺术形式，越来越活跃于各式各样的画展活动。
装置艺术是将某些场地环境、特殊材料、情感加工以后所形成的的综合艺术形式，它汲取了众多艺术流派的艺术手法与绘画理念，具有广泛性、多元化的特点。
在现当代艺术活动中，装置艺术的意义在于提供给欣赏者全新的艺术体验并且满足观者的精神需要，使得艺术欣赏具有“自主性”。
关键词：当代艺术;装置艺术;多样化;综合材料;空间一、装置艺术的特征受85新潮的影响，画家们开始探讨和试图尝试新的艺术语言，随着这股新思想在国内的蔓延，装置艺术逐步形成。
“装置艺术始于 60年代，作为一种艺术，它与六七十年代的‘波普艺术’、极少主义’、‘观念艺术’等有联系。
” 装置艺术是中国现当代艺术重要的一种新兴艺术形式;它是后现代艺术和传统艺术结合的产物;是艺术家在特定的环境中，将人们日常生活中的各类物品进行有效选择、加工、组合、配成出一个新的艺术形式。
简单地讲，装置艺术，就是‘场地+材料+情感’的综合展示艺术。
” 装置艺术通常就是指在特定地点，为摆放、布置和搭建立体物品而进行的空间构造活动。
装置艺术将人们所有的感官包括视觉、听觉、嗅觉、味觉等都带动了起来，它不受表现形式和场地的制约，将艺术家的艺术思想更自由的更好的表达了出来，使得观众能更好的去感受去感知。
可以说，装置艺术拉近了鉴赏主体与鉴赏客体之间的距离，带动了鉴赏者的思维想象和情感表达，调动了人们的“主观能动性”，将鉴赏者从被动地鉴赏变为主动地贴近作品，让艺术欣赏变得更加“自主性”。
现在大多数的装置艺术仅限于短期的艺术展览，而非作为收藏的艺术品，这主要与其艺术形态密不可分。
装置艺术十分注重空间的延伸与展示，两个相同材料制作而成的装置艺术品，把它们放在不同展示空间中，各自表达出来的思想和意蕴也就大不相同。
“曾有一位评论家风趣的谈到：‘若将雕塑作品放在停车场，它仍然将是艺术品，但倘若将装置作品放置在停车场，它就将是一堆垃圾。
当代摄影教育中装置艺术的表现形式与审美特征
我们常说的摄影与实物相结合的摄影装置艺术，那么在这样类型的作品当中，摄影作为表现元素之一，还有一部分元素是作为三维的装置而出现的。摄影与实物直接密切的发生联系。照片是平面的，很多艺术家要强调照片的三维特征，运用实物与其混搭，突破平面照片的维度更加立体化。比如艺术家蔡东东作品《脱靶》，他搜集各种各样的旧照片和底片，通过主题“挽救”对其进行卷曲、打磨、刮擦、移植等方式，发现其中的戏剧性结构，并赐予照片新的生命力。
（三）摄影与空间相结合
摄影与空间相结合也是当代摄影装置艺术的常用表现方式之一。这种类型的摄影装置艺术当中，空间也作为表现元素参与到整个作品。摄影与空间之间发生联系从而产生一种新的意义[3]。埃瑞克·卡瑟斯作品在展览中，他将自己在一天内上传至flickr的所有图像都打印出来，将这些图像全部堆砌在展览空间的地面上，使其构成图像的海洋。
（二）交叉共融性
摄影照片和选择到的实物之间产生关系，这种关系可能时相对的，相统一的，也可能毫无关系，这就产生了很有张力的艺术性，也是特别之处。正如文法造句一样，在视觉表达过程中，视觉元素就如同行文过程中的基础词汇，艺术家正是通过对词汇的选取，来营造出具有主题倾向的艺术氛围。作为一种前卫艺术，摄影装置艺术的视觉表现元素十分多元，由于在创作中大量使用现成品，几乎所有生活中的物体都能够成为摄影装置艺术使用的“基础词汇”。蔡东东作品，他通过改造老照片，在照片面前摆放了一堆石头。这时候石头与照片就发生了一个很有趣的关系，使得观者去思考[4]。
三、摄影装置艺术的审美特征
正是因为摄影装置艺术的特点，给观者带来了独特的审美体验。让我们领略到了摄影装置的审美价值。
（一）空间体验性
传统摄影是一种造型艺术，通过光影在平面上形成图像，具有很强的平面性。而摄影装置艺术，它不仅有平面的摄影，还有摄影装置艺术的三维特征，让整个作品活灵活现，作品表现力更强。摄影装置艺术创造的空间是用来包容观众、促使甚至迫使观众在界定的空间内由被动观赏转换成主动感受，这种感受要求观众除了积极思维和肢体介入外，还要使用他所有的感官，包括视觉、听觉、触觉、嗅觉，甚至味觉。例如埃瑞克·卡瑟斯的作品，人们在观展过程中，“被迫”置身到这样的一个空间下去感受作品产生思考，从而获得特殊的审美体验。
初中美术了解装置艺术的新潮流
初中美术了解装置艺术的新潮流第一篇范文：初中美术了解装置艺术的新潮流在现代美术教育中，装置艺术作为一种新兴的艺术形式，逐渐受到广泛关注。
初中美术教育旨在培养学生的审美情趣和创新能力，了解装置艺术的新潮流对于拓宽学生视野、激发创造力具有重要意义。
本文将从初中生的认知特点和美术教育目标出发，探讨如何介绍装置艺术的新潮流，以期为初中美术教育提供有益的参考。
一、装置艺术的定义及特点装置艺术，又称设备艺术，是指艺术家在特定空间内，运用各种材料创造的一种三维艺术形式。
它强调观众的参与和互动，打破了传统艺术作品的界限，使艺术与生活紧密相连。
（1）空间性：装置艺术强调空间观念，作品往往与展览场所相互呼应，形成独特的空间氛围。
（2）材料多样性：装置艺术家运用多种材料，如塑料、金属、纤维、玻璃等，丰富作品的表现力。
（3）互动性：观众参与和互动是装置艺术的重要特点，作品的存在价值在于与观众的互动过程中不断演变。
（4）观念性：装置艺术强调观念的传达，作品往往具有强烈的社会关怀和时代特征。
二、初中生对装置艺术的认知1.认知特点初中生正处于青春期，思维活跃，好奇心强，但对艺术的认知尚处于起步阶段。
他们在学习过程中，需要通过具体、生动的形象来感知和理解艺术。
2.认知需求初中生对装置艺术的认知需求主要包括以下几点：（1）了解装置艺术的基本概念和特点，以便更好地欣赏和理解作品。
（2）通过实例了解装置艺术家的创作观念和手法，激发自己的创造力。
（3）关注装置艺术在现实生活中的应用，提高审美情趣。
三、初中美术教育中装置艺术的引入1.教学内容（1）介绍装置艺术的基本概念、发展历程和代表人物。
（2）分析装置艺术的特点，如空间性、材料多样性、互动性、观念性等。
（3）通过实例解析装置艺术家的创作思路和手法，如互动装置、观念装置等。
（4）探讨装置艺术在现实生活中的应用，如公共艺术、环保艺术等。
2.教学方法（1）采用讲授、讨论、实践等多种教学手段，引导学生了解和思考装置艺术。
装置艺术介绍
二、装置艺术特点
二、创作方法
1. 装置艺术是多媒体艺术的一个部分，
多媒体艺术包括了：集成、装置、视像、照
相、观念、地景等艺术。 2.创作手法包括：错置、悬空、分割、集 合、叠加等，现成品挪用、人为的装配购置 是装置艺术显现的两种基本特质。
杜尚（1887~1968）
三、装置艺
5．装置艺术创造的环境，要求观众除了积极思维和肢体介入外，
还要使用它所有的感官：包括视觉、听觉、触觉、嗅觉，甚至 味觉。 6．装置艺术不受艺术门类的限制，它自由地综合使用绘画、雕 塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录 像、摄影等任何能够使用的手段。 7．为了激活观众，有时是为了扰乱观众的习惯性思维，那些刺 激感官的因素往往经过夸张、强化或异化。 8．一般说来，装置艺术供短期展览，不是供收藏的艺术。 9．装置艺术是可变的艺术
装置艺术的
三、装置艺术的分类——“感知派”
三、装置艺术的分类——“技术派”
1.装置艺术，就是“场地+材料+情感”的综合展示艺术
2.装置艺术，装置艺术不受艺术门类的限制，是可变的艺术
3.装置艺术是多媒体艺术的一个部分，多媒体艺术包括了：集
成、装置、视像、照相、观念、地景等艺术
4.装置艺术的分类有物派、造梦派、感知派、技术派等
四、作业要求
1、了解装置艺术的基本原理与创作历史，阅读杜尚的艺术 理论即传记作品。 2、将具有某种意味，形式感的现成物品进行收集 3、进行装置的构成作业，具体的创作类型和方式不限
对装置艺术的理解
对装置艺术的理解
装置艺术是一种新兴的艺术形式，它将艺术与现实生活紧密结合，创作的作品可以用整体空间进行对比，从而具有比其他艺术形式更深刻的艺术效果。
装置艺术的特点在于它是一个综合性和跨学科的艺术形式，它把多种艺术形式，如视觉艺术、触觉艺术、声音艺术、文字艺术等等，结合起来，形成一个可以满足观众不同视觉和感觉的多维度的空间。
装置艺术可以以不同的形式表现出来，有时会以装置的方式，把不同的材料、物体和形状安排在一个空间的空间中，让它们在空间、时间、物质和感觉上具有独特的表现力、传达力，以及完成一个作品，使观众可以感受到它背后的思想和情感。
除此之外，装置艺术还可以采用多媒体的方式，把文字、图像、影像和声音等传达出来，表达出一个全新的空间感受。
装置艺术有这么多的优势，所以它才能够吸引大家的眼球。
它不仅是一种表现形式，更是一种思想，可以让观众从作者的视角看到整体的世界，还可以让观众去体会作品中的每个细节，去发现藏在其中的深层次的意义和情节。
- 1 -。
装置艺术的概念及其实现方式
装置艺术的概念及其实现方式一、装置艺术的定义与特点装置艺术，作为一种独特的现代艺术形式，超越了传统的二维平面，将艺术创作扩展到了三维空间中。
它不再局限于画布和雕塑，而是利用各种实物、材料、甚至环境本身，创造出一种全方位、多感官的体验。
这种艺术形式强调空间、物体与环境的深度融合，同时，艺术家们往往鼓励观众参与其中，使艺术作品与观者的互动成为作品不可分割的一部分。
1.1 超越二维的艺术形式装置艺术突破了传统艺术的边界，它不再受限于画布的尺寸或雕塑的立体形态，而是将整个空间作为创作的媒介。
艺术家通过组合不同的物体和材料，构建出具有深度和复杂性的艺术场景，旨在引发观众对空间、时间和感知的新思考。
这种艺术形式的出现，标志着艺术创作从静态到动态，从单一视点到多元视角的转变。
1.2 空间、物体与环境的融合装置艺术的核心在于其与周围环境的紧密联系。
艺术家会根据特定的空间条件，选择或创造合适的物体，使作品与环境产生对话。
这种融合不仅体现在物理层面，更在于情感和概念上的共鸣。
环境成为了作品的一部分，而作品也反过来改变了环境的氛围，两者相互影响，共同塑造了全新的艺术体验。
1.3 与观众互动的体验在装置艺术中，观众的角色不再仅仅是旁观者，他们被邀请参与到作品之中，成为艺术体验的一部分。
艺术家通过设计可触摸、可移动或可响应观众行为的作品，激发观众的参与感和想象力。
这种互动性让艺术作品的生命力得以延续，每一次的互动都可能带来新的解读和感受，从而使艺术作品具有了更为丰富的内涵和可能性。
二、装置艺术的创作过程装置艺术是一种三维空间的艺术形式，它将环境、材料和概念融合，创造出独特的艺术体验。
创作过程涉及多个阶段，从概念的孕育到观众的互动，每一步都是艺术家匠心独运的体现。
2.1 概念开发2.1.1 主题与思想的孕育在装置艺术的初期，艺术家需要确定作品的主题和想要传达的思想。
这可能是对社会现象的批判，对个人情感的表达，或者对特定环境的回应。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
装置艺术的特征是一个能使观众置身其中的三度空间，包括室内和室外，但主要是室内是艺术家根据特定展览地点特地设计和创作的艺术整体要求相应独立的空间，在视觉、听觉等方面不受其它作品的影响和干扰观众介入和参与是不可分割的一部分所创造的环境促使甚至迫使观众由被动观赏转换成主动感受，除了积极思维和肢体介入外，还要使用所有的感官：视觉、听觉、触觉、嗅觉甚至味觉不受艺术门类的限制，自由地综合使用绘画、雕塑、建筑、音乐、戏剧、诗歌、散文、电影、电视、录音、录像、摄影、诗歌等任何能够使用的手段刺激感官的因素往往经过夸张、强化或异化一般供短期展览，不是供收藏的艺术是可变的艺术，既可以在展览期间改变组合，也可在异地展览时增减或重新组合在帝门艺术中心一间灯光昏暗的展室里，《中国美术馆》月刊的英文编辑唐泽慧和她的一个伙伴相隔4米对坐在两只雪山模型似的椅子上。
她们的头上各戴着一顶接有电极和电线的由金属条编成的帽子，看起来就像在接受医疗检查。
她们眯着双眼，两手自然地放在大腿上，身体一动不动，仿佛已进入佛教徒那种忘我的禅定状态，而身前的地板上，由上方投影下来的满池碧水中的粉红色莲花在荷叶间忽大忽小、忽开忽灭。
大约3分钟后，两个人结束了游戏。
“不分胜负啊。
”站在房间一侧的林书民走过来笑道，“你们心无旁骛的程度旗鼓相当。
”唐泽慧和她的伙伴参与体验的游戏实际上是林书民正在展示的一件互动性影像装置作品，名为《内功》。
它的目的是通过侦测参与者的脑波活动状况来探讨人们面对外界不同情况时的内心活动轨迹，其表现是，靠近心境杂乱一方的莲花会快速生灭，而另一方的莲花则格外壮硕。
“这就像是两个武林高手在相距甚远的两座雪山上用意念比拼内功。
”林书民说。
林书民是旅居美国的华裔影像装置艺术家，作品在过去10年间曾获得过日本ARTEC95双年展杰出奖、美国席瓦特艺术创作奖最高奖金和2002年南斯拉夫双年展首奖等国际奖项。
帝门艺术中心总经理陈绫蕙说，该中心之所以选择《内功》这样的作品展览，是希望能为北京带来不一样的视觉经验，让人们欣赏到不同艺术家探讨人与人、人与环境关系的不同视野。
然而这其实并不是一个开始。
在中国，装置艺术尽管还没有像在西方那样大行其道或者说被广泛接受，但已被认为就像油画在中国一样是迟早的事。
而且，装置艺术在中国已存在了20年之久并拥有一大批艺术家。
在这些艺术家中最具影响力的可能应该算是谷文达了。
自从1980年代起，谷文达就已成为中国现代艺术运动的代表艺术家，活动及作品往往以本土文化反省为主题。
从1990年代至今，他在美国创作了《联合国》等许多以国际政治、文化为主题的作品并蜚声海外。
《联合国》是一系列人发装置艺术作品。
最初，谷文达计划在25个在世界历史、文明和政治等方面都占有重要地位的国家就地搜集人的头发进行创作，而这些国家将代表世界上的大多数人种和民族。
作为一个侨居纽约的移民艺术家，谷文达对于美国的种族问题特别敏感。
美国缅因美术学院美术史系副教授徐淦说，如果说《联合国》针对的是全球的种族矛盾和冲突，那么《联合国：美国纪念碑———美梦国》则关注着美国国内的种族问题。
《联合国：美国纪念碑———美梦国》是谷文达在美国制作的第2个人发装置艺术作品，由“美国的过去”、“美国的今天”和“美国的未来”三部分构成：第一部分是根据美国历史创造出来的4面美国国旗，用美国印第安人、白人、黑人、拉丁人、亚洲人的头发制成，分别被命名为“殖民时期的美国国旗”、“自由平民和自由奴隶的美国国旗”、“南部联邦美国国旗”和“金园帝国美国国旗”；第二部分是一个里面锁着只无头无身、只有一对用人发制成的翼展6米的秃头鹰巨翅和鹰尾的巨大铁笼，而铁笼两侧，则是由高4米、宽1.2米的人发组成的美国地图；第三部分是一面巨大的新星条旗。
在这面旗帜上，作为各州象征的五角星只剩下1颗，它的5个角由白人、黑人、印第安人、拉丁人和东方人的头发胶成，旗的横条也变为5条，同样由5个人种的头发胶成。
每一个熟悉美国种族主义历史的人都应该能体会到谷文达这件作品理想主义般的象征意义。
徐淦后来评论说：“谷文达用震撼人心的视觉形象向每个观众疾呼，要在未来的美利坚合众国，让每个人———每个白人、每个黑人、每个印第安人、每个拉丁族人、每个东方人都能实现他们的美国梦。
那时候，美国才称得上是一个‘美梦之国’。
”另一组大型装置《碑林——唐诗后著》是谷文达历时12年、直至2004年才在中国大陆完成的揭示当代人类文化在全球化过程中种种困境和问题的作品。
它以50块中国传统碑石为媒材、以50首唐诗的中英对译文本为碑文内容，旨在通过语言转译的不精确性论证文化间的不可翻译性。
可能正是这种看起来深不可测或者不可捉摸的作品内涵使装置艺术在最近几年越来越频繁地出现在中国的画廊里甚至艺术博览会上。
例如，谷文达的一件《联合国》就曾出现在4年前举办的成都第一届双年展上。
那件作品高73米、宽8米，所用头发的重量接近1吨，长度足够绕地球两圈。
上个月在北京中华世纪坛结束的《墙：中国当代艺术20年的历史重构》展览上也有谷文达的人发装置艺术作品，题为《十万里——中国人的长城》。
它包括一面3米高的墙和一座长50米、高1.5米的长城，每块砖都严格按明朝长城砖的规格制作而成。
为这件作品，谷文达用去了1.5吨中国人的头发。
与谷文达同龄的艺术家徐冰展示了他的装置艺术作品《鬼打墙》。
这是一件早在1990年就已完成的作品。
当时，徐冰和他的工作队花了24天的时间用墨拓印下北京金山岭长城的墙面，随后又历时数月把所有的拓片组装起来。
有媒体援引今年已50岁的徐冰的话说：“这个可以移动的大墙今天回到此地与它离开时已经不一样了。
改变是必然的，即便是金山岭上那段被我们选用过的墙也与16年前的那段不同了。
过去的某一阶段被一种方式留住，成为那个时间段的说明物。
这也许就是艺术的价值所在。
”徐冰、谷文达等艺术家参展的作品大都是旧作，但都是首次在中国大陆展出，而且其中有不少是在国外获奖或受到关注后再拿回来的。
郑连杰叹息说：“如果我们的亲人都不管我们，不关注我们的作品，那多悲哀啊。
”郑连杰展示的是他12年前在北京司马台长城上创作的系列作品，其中的《大爆炸》是用红布带像包扎伤口一样把长城的1万多块废弃砖块包扎起来。
费解吗？但这种始于1960年代的艺术在当今西方已成为主流的艺术形式之一，以至于几乎成了当代艺术的同义词，许多画家、雕塑家也都给自己新添了“装置艺术家”的头衔。
在《墙：中国当代艺术20年的历史重构》展览上，一位来自英国的年轻人说，装置艺术在他的祖国比较流行，很多非艺术界的人也喜欢创作装置艺术作品。
他并认为，装置艺术离普通人很近，是思考力和创造力的表现。
在许多西方国家，专门的装置艺术美术馆甚至早在20多年前就出现了，像伦敦的装置艺术博物馆和旧金山的卡帕街装置艺术中心，而纽约新兴的当代艺术中心PS1几乎就是一个装置艺术展览馆，它在庭院中还修筑了露天装置艺术的专用隔间。
1960年代艺术家对艺术博物馆的室内建筑空间产生浓厚兴趣，欣喜若狂地向观众展示墙上没有一张画的博物馆室内空间经过他们的灯光和反射镜的处理，比挂满画的展览室更有魅力。
艺术家研究和试验各种光源对人的心理的影响，用心理空间来替代实用的和物理建筑空间。
艺术家试图消除艺术和生活的界限。
1970年代开始出现社会意义强烈、政治倾向明显的作品，批评锋芒指向社会弊病，还挺身为保护环境而战。
1980年代电视和录像越来越广泛使用，涉及的题材更加广泛。
1990年代题材涉及当代人生活和思想的很多方面，尤其是环境保护、世界和平、多种文化、种族矛盾等热点问题。
美术院校也在纷纷开设装置艺术课程。
在英国，哈德斯费尔得大学已经设有专门的装置艺术学士学位；在美国，从美术院校毕业的硕士生有很多人都成了装置艺术家，如缅因美术学院2000年10个硕士生的毕业展品中有9个是装置作品。
装置艺术在西方当代美术馆的展览中也占据了相当重要的位置。
以美国圣地亚哥当代艺术博物馆为例，在1969－1996年期间，它一共举办了67次装置艺术展览，并且有58件作品被博物馆收购，成为永久性的收藏品。
一些为数不多的中国人也在开始尝试购买装置艺术作品。
陈绫蕙说，林书民的《内功》在帝门艺术中心的定价为15万美元，目前已有两三个有意购买者，其中包括中国台湾的一个科技基金会和中国南方的一家私人娱乐企业。
总是通过对生活进行错位表现几乎是装置艺术的特点。
艺术评论家们说，经过错位处理，艺术家就会迫使观众超脱对作品的简单接受状态而进入主动参与的多元理解过程。
而且，由于这种艺术所使用的材料往往是日用品和工业品并且作品往往在地面上放置，因而与传统架上艺术不同地，要求观众从多角度和多种社会关联意义上，甚至从作品与展览环境的关系上去观赏。
如果想更感性地了解不同的装置艺术的深刻思想性，那我们不妨看看陈箴的作品。
陈箴被来自意大利的常青画廊负责人白飞德称为“我们这个时代的重要人物之一”。
她说，多元化的艺术趋势在陈箴的艺术作品中“得到了极大的呈现”。
1955年出生于上海的陈箴已于2000年12月在巴黎病逝。
常青画廊准备在24日展出他1990－2000年间的20件装置艺术作品，这也是该画廊在北京的开业展。
作为一位装置艺术家，陈箴也同他的其他同行一样收集日常生活物品，如床、椅子、桌子、抽水马桶、吊床以及床垫等废弃物品进行创作，作品涉及从国际政治到个人日常生活的多个领域。
他的妻子徐敏说，他经常把水、土、火等自然成分放入作品中以创造一个物质与自然对话的精神空间，并提醒生活在这个充满矛盾的物质世界中的人们对自己的行为进行反省。
比如《双圆桌》和将1400支塑料玫瑰花种植在2立方米的犹如一块土碑的牛粪上的《自然与人工产品———重译鲜花插在牛粪上》。
徐敏说，前者反映的是东西方的文化冲突、误会，而后者则对美与丑进行了重新评判：被认为“丑”的牛粪是有价值的自然养料，而鲜艳夺目的玫瑰花则是毫无香味的人工产品———真与假、丑与美的倒错与矛盾的重叠，反映了当代人远离自然、成为现代城市的“软禁囚”以及自我满足的狭隘目光。
这确实是艺术家的创作初衷。
陈箴在留下来的创作笔记中写道：“人的欲望导致了物品的泛滥；物品的泛滥侵犯了自然；自然的失衡对人类进行反抗与报复。
这是一个恶性的循环过程。
”在巴西的时候，陈箴曾经花了整整1个月的时间与一些无家可归的儿童共同生活、交流，并指导他们认识和分析城市中由不同阶层居住的6种建筑风格。
最终，孩子们用蜡烛搭成了30多幢小房子。
那是一件作者期望唤起孩子们对生活与社会的关注意识，同时憧憬用自己的双手建造美好家园的作品，题为《超越脆弱》。
不过不管艺术家怎么解释，由杂乱的实物、令人目不暇接的录像、昏乱怪异的声响、玄言断句和雕塑加绘画组织起来的装置艺术确实仍然是一个让绝大多数人说不清、看不懂的世界，仿佛第四度空间。