理查德 司契米德(RICHARD_SCHMID)油画人体技法
[ 世界名画 ]《世界人体名画欣赏[全]》
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[ 世界名画]《世界人体名画欣赏[全]》大会堂人民欢迎您!2012-08-16-16:15世界人体名画欣赏[全]前言：世界人体名画是艺术中最隽永的、意蕴最深沉的、表现力最强的绘画作品，是最能体现大师笔色、结构的画种，世界人体名画是人类艺术最辉煌的结晶!screen.width-333)this.width=screen.width-333">《爱情之泉》弗拉戈纳尔[法国]screen.width-333)this.width=screen.width-333">《萨福和帕沃》大卫[法国]screen.width-333)this.width=screen.width-333">《普绪刻接受爱神的初吻》弗朗索瓦·热拉尔[法国] 1798年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《维纳斯》1852-1853年卢浮宫博物馆藏screen.width-333)this.width=screen.width-333">《维纳斯的诞生》波提切利[意大利]screen.width-333)this.width=screen.width-333">《人马怪契朗对阿奇尔斯的教育》雷根劳特1782年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《柯格勒斯和奥姆菲娜》勒莫尼（lemoyne）[法国] 1724年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《狄安娜出浴》布歇[法国] 1742年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《维纳斯诞生》screen.width-333)this.width=screen.width-333">《卡拉特》摩罗年代不详screen.width-333)this.width=screen.width-333">《泉》安格尔1856年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《维纳斯梳妆》布歇1730-1750年之间screen.width-333)this.width=screen.width-333">《大宫女》安格尔1814年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《沐浴的希腊贵妇人》维安1767年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《玛利亚美狄奇的教育》鲁本斯1771年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《真理女神》琼·雷夫波威尔1870年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《诱惑夏娃》斯坦霍普19世纪screen.width-333)this.width=screen.width-333">《帕丝虚帕在浴室》伦勃朗1654年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《土耳其宫女与女奴》安格尔[法国] 1842年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《乌尔宾诺的维纳斯》提香[意大利] 1538年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《三夫人》雷根劳特1793年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《路得》海兹1835年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《睡觉的女人》雷诺阿1897年screen.width-333)this.width=screen.width-333">《浴女》安格尔1806年毕加索名画《熟睡的农民》600)this.width=600;">毕加索名画《熟睡的农民》screen.width-333)this.width=screen.width-333">毕加索（1881～1973）出生在西班牙，是当代西方最有创造性和影响最深远的艺术家。
油画中人体美学的表现手法
油画中人体美学的表现手法油画中人体美学的表现手法是一个复杂而精致的艺术领域，艺术家通过运用不同的技法和表达方式来展现人体的美。
以下是一些常见的油画中人体美学的表现手法：1.解构与抽象：通过对人体进行解构和抽象，艺术家可以突显身体的线条和形状，强调整体的美感。
这种手法常常在现代油画中得到应用，创造出抽象、富有表现力的人体形象。
2.光影的运用：光影对于人体美学至关重要。
艺术家可以通过对光影的精准捕捉和处理，强调人体的轮廓、曲线和肌肤质感，从而塑造出更加丰富立体的形象。
3.肌理的表现：使用油画的质感和层次感，艺术家可以表现出皮肤、肌肉和其他身体部位的质感。
通过不同的刷法和油画材料，创造出丰富而真实的人体表面。
4.线条的运用：线条对于表现人体的优美曲线至关重要。
通过细腻而流畅的线条，艺术家可以准确地表达出人体的动感和生命力。
5.色彩的运用：通过色彩的运用，艺术家可以为人体赋予不同的情感和氛围。
温暖的色调通常用于表现人体的柔美和温暖，而冷色调则常常用于表达人体的神秘或冷静。
6.比例和结构的准确把握：准确把握人体的比例和结构是展现其美感的基础。
通过精确的解剖学知识和深刻的观察，艺术家能够表现出更加真实、栩栩如生的人体形象。
7.立体感的创造：利用阴影和高光的对比，艺术家可以在平面的画布上创造出立体感。
这有助于呈现人体在三维空间中的逼真感。
8.情感表达：人体艺术也是一种情感表达的方式。
艺术家通过人体的姿态、表情和环境的搭配，表达出各种情感，使观者更加沉浸在画面之中。
在油画中，人体美学的表现手法是多种多样的，艺术家可以根据自己的风格和创作主题，运用这些手法来创造独特而令人深思的艺术作品。
14幅世界顶级人体名画赏析,世界经典人体油画欣赏!
14幅世界顶级⼈体名画赏析,世界经典⼈体油画欣赏!绘画往往利⽤光来表现⽴体感和空间感。
油画在表现真实感⽅⾯是最擅长的了。
⾊彩是油画最精彩的部分，能不能打动你，主要就是靠的⾊彩的魅⼒！如果⼀张油画⾊彩单调，魅⼒就差的多了。
1、披纱⼱的少⼥拉斐尔·圣齐奥意⼤利约1516年布油彩佛罗伦萨彼蒂宫藏《披纱⼱的少⼥》⼜名《冬娜·薇拉塔》，据传是拉斐尔为意中⼈画的肖像。
画家运⽤了极为丰富的绘画预⾔，充分发挥⾊彩表现⼒，每⼀笔都流露出⼀丝不苟的认真态度：⼥郎闪光的眼睛，安祥⽽略含倩笑的脸庞……华贵⾐裙的百褶纹采⽤浅绛和银灰的调⼦来表现，与肌肤的⾊彩相辉映。
这种⼤胆的⽤亮⾊来转换⾊彩的⼿法，显⽰了拉斐尔对绘画语⾔的⾃如运⽤，在16世纪的西⽅油画中实属⾸创。
由于以真实对象为基础，作品刻划的理想化⼥性成份减少，去掉了不必要的神秘⾊彩，增强了形象的真实感，塑造了⼀位平凡⽽⼜具审美理想的⼥性。
2、夜巡伦勃郎油画 1642年现藏阿姆斯特丹国⽴美术馆《夜巡》是受阿姆斯特丹射击⼿公会委托⽽创作的群体肖像画。
按惯例，订件者的肖像应在画⾯上占有同等重要的地位，因为他们都付了⼀样多的定⾦。
可是伦勃朗并不是⼀个⽢于墨守成规和为了“⽣意”⽽作画的⼈，他想赋予这幅画戏剧性和震撼⼒。
他选择了射⼿队在班宁·柯克⼤尉的带领下，紧急集合准备出发的瞬间，描绘了该场⾯的紧张和仓促。
⼤尉和中尉站在画⾯的中央，神情镇定，他们似被舞台灯光所照亮，显得⼗分醒⽬，周围的射击⼿则沉浸在或明或暗的光影⾥，结果订件者提出抗议并拒绝接受此画，这幅画由于年久⽽变得更暗，后⼈称为《夜巡》。
3、萨宾⼥⼈达维特 1799年油彩⾃从拿破仑征服意⼤利以来，这幅作品⼀直被⼈视为是希腊艺术的再现。
正如⼤卫所有的历史和神话题材的作品⼀样，我们在这幅作品中看到了两个场⾯。
⼀个场⾯是在战⽕之中，⼀个萨⽐诺⼥⼈站在画⾯的中⼼，伸出双臂把战⼠分开；另⼀场⾯是，多年内战之后，⼀封邀请和解的信，其意寓在叙述之中，因此这幅画特别受新的政治团体的欢迎。
理查德迈耶大师作品分析
理查德迈耶大师作品分析理查德·迈耶（Richard Mayer）是一位德国艺术家和大师级的雕塑家，他以其雕塑作品在国际艺坛上享有盛誉。
迈耶的作品以其独特的创造力和精湛的技艺而闻名，他的作品涵盖了各种材料和风格，从石膏和陶土到大理石和铜，从写实主义到抽象主义。
迈耶的作品通常以人体为主题，通过对人体的形态、结构和姿势的深入观察来表达人类的情感和内心体验。
他通过雕塑人体的肌肉纹理、线条和轮廓来传达力量、优雅和动态。
他对人体比例的准确把握和对细节的精细塑造使得他的作品充满生命力和真实感。
迈耶的作品常常赋予观众以深思和情感上的共鸣，同时激发观众对人体之美和内心世界的思考。
迈耶的作品还注重材料的选择和处理，他善于运用不同的材料来表达作品的主题和意义。
他在运用石膏和陶土时注重肌理的表达，通过不同的刀法和雕刻技巧来创造出丰富的质感和形态。
而在使用大理石和铜时，他则注重材料本身的光泽和质地，通过对光影的捕捉和处理来表达形态和空间感。
迈耶的作品具有色彩丰富和情感深沉的特点，他常常使用暖色调和冷色调来表达不同的情绪和情感。
他巧妙地运用色彩的对比和层次感来加强作品的表现力和视觉效果，使作品更具立体感和生动性。
而他对线条和形状的运用则使作品更加动态和有力。
总的来说，理查德·迈耶的作品以其独特的创造力，精湛的技艺和丰富的情感而备受推崇。
他通过对人体的形态和结构的深入观察，表达了人类情感和内心体验。
他的作品常常通过象征主义和隐喻手法来探索人类的灵性和心灵境界。
他善于运用不同材料和色彩来表达作品的主题和情感。
迈耶的作品在国际艺术界产生了广泛的影响和影响力，并赢得了无数的赞誉和赞誉。
大师笔下的人体油画人体艺术画包含的美一时入眼不觉入心
大师笔下的人体油画，人体艺术画包含的美一时入眼，不觉入心！美的肉体只是最高美的痕迹、影子和反光。
为要显示这种最高的美，必先使灵魂摆脱肉体的污垢。
——普罗提诺，埃及美学家什么是污垢？换言之就是官能感受。
欣赏人体艺术，绝非单纯的情欲、色情、意淫。
而是欣赏者获得精神洗炼的过程。
人体艺术包含的美、情感、纯真、自由，是一颗虔诚的心才能感受到的。
今天，给大家介绍西方十位大师级的画家，让我们一起解读他们笔下的经典人体，发现人体艺术之美！安格尔（1780-1867）让·奥古斯特·多米尼克·安格尔，出生于法国蒙托邦，是举世闻名的新古典主义绘画大师。
《泉》巴黎奥塞美术馆藏安格尔对表现女性裸体充满了热情，他的自然道路就是爱神的道路。
他对女色的嗜好是一成不变的，当安格尔的天才同青春美丽妖娆的女性结合在一起时，创造力往往也是空前的。
《瓦平松的浴女》美国剑桥哈佛大学费哥美术馆藏《泉》是安格尔的得意之作，把古典美和女性人体的美巧妙地结合在一起。
出色地表现了少女的烂漫天真、青春活力，是他毕生致力于美的结晶，也是西欧美术史上描写女性人体的优秀作品之一。
画作灵透自然，纯真无邪，西方少女的纯美在此一览无余。
她给人以无限的遐想，不尽的怀思，忍不住多看几眼。
《爱与美的女神》安格尔一生中在裸体素描上下过精深的功夫，而且只有当他面对裸体模特儿时，他的现实主义真知灼见才特殊地显现出来。
他曾说：“标准的美——这是对美的模特儿不间断观察的产物”，并认为一幅画的表现力取决于作者的丰富的素描知识；撇开绝对的准确性，就不可能有生动的表现。
《土耳其宫女与女奴》这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实技巧，使自己的素描发挥到炉火纯青的境地，其在裸女上所寄予的理想，更是一种“永恒的美”！《土耳其浴女》《洛哲营救安吉莉卡》《梳妆》安格尔《浴女半身像》1808德加（1834-1917）埃德加·德加，是巴黎一位银行家的儿子，从小受到良好的教育，并有着深厚的古典文化功底。
理查·司契米德画人体：轮廓技法展示(2)
理查·司契米德画人体：轮廓技法展示(2)单色的明暗调子薄涂法确有其显著的优点，特别是画很复杂的对象和画那些难以掌握的姿势时，它的优点更加明显。
第一，因为它是单色的，在起稿阶段可以放手去解决素描和构图问题，毋需顾及色彩。
第二，用很薄的薄涂法可以反复进行修改，不会出现一般油画中因为涂改过多而变得杂乱、污秽的毛病。
在起稿阶段解决了素描、色调和边线等问题，以后集中精力于色彩和结构，就轻松多了。
第一步：将熟褐和象牙黑调合成微暖的中间调子，要以熟褐为主，加入松节油使之稀薄、透明，用大猪鬃笔涂在整幅画布上(用中等粗糙程度的画布)，然后画人体的最暗区域--头发。
画头发要用稍厚一点的颜色，即在调合同样的中间调子时少加一点松节油，头发遮住了整个脸部，但它应能表达出画中人的强烈表情。
我把发块不作为头发处理，而把它处理成一块确定大小和形状的暗色调。
即使在开始阶段，明暗和素描要力求画准确。
画准一个局部，再画准另一个局部。
各个局部是相互关联的，一部分画不准就会影响其它，而整个局面就不能控制了。
第二步：这一步要把人体形象清楚地画出来。
先用软布沿着人体手臂和拱起的膝盖上部表面擦去一些原来的调子，造成亮的层次。
用于猪鬃笔在伸开的腿部和背部擦去更多一些，造成亮的层次，并使整条手臂形成中间调子。
可以用清洁的软布头或笔蘸上松节油改动调子，但在打轮廓阶段绝对不能用不透明的白色。
在这个阶段，边线问题和明暗、素描同样重要。
从肩部顶端到手腕，以及穿过伸展的膝部的这些边线都相当明显，而从腋窝到手腕底部这段手臂下缘的边线却不那么明显，这些并非偶然现象。
第三步：在人体上画出所有的主要亮部。
头、臂、肩和弯着的膝部暂时不去动它们，先在躯干的下部、臀部、收拢的那只脚和伸开的腿部发展亮的调子。
这些部位原来的色层已经干燥，可用软布蘸上松节油将它擦去。
其余部分看起来似乎是模糊的，但仍然是准确的。
除了最终有特别亮的部分外，调子和形状都是正确的，位置也恰当。
世界人体名画 (七)
世界人体名画（七）世界人体名画（七）本页25幅：《朱庇特与伊娥》《照镜子的维纳斯》《维纳斯和丘比特的一则寓言》《马戏团女演员》《魔鬼的语言》《马尔斯脱去维纳斯的衣服》《山林女神奥丽雅得》《维纳斯、丘比特和三美人》《为安德洛米达所作的习作》《浴后的苏珊娜》《沐浴的女子们》《温水室》《沐浴前的更衣》《沐浴的普赛克》《亚当和夏娃》《洗浴》《在浪中》《沐浴的苏珊娜》《丘比特解开维纳斯的腰带》《沐浴女子》《沐浴中的戴安娜与同伴》《阿波罗和玛息阿》《睡觉的女人》《该拉忒亚》《亚历山德里亚的盛凯瑟琳》《朱庇特与伊娥》作者：阿列格利·柯列乔（意大利）1、《朱庇特与伊娥》，作于1531年，规格：163.5x74 cm，材料：布，画种：油彩画，现藏于奥地利维也纳历史博物馆。
这幅画取材于希腊神话。
爱神朱庇特爱上了天后赫拉的首席女祭司伊娥，便化作云雨来与其相会。
他化作一团云雾从天而降，悄悄地拥抱伊娥。
画中的美女伊俄被处理为裸体女郎，身姿窈窕秀美，端庄丰腴，正被朱庇特狂热的爱陶醉得如痴如醉。
伊俄背部的曲线柔和流畅，细腻的肌肤被表现得十分美妙。
整幅作品采用强烈的明暗对比，深化了爱情主题的诗意情调。
画家以非常写实的手法表现了这种想象中的浪漫意境。
《照镜子的维纳斯》作者：提香·韦切利奥（意大利）2、《照镜子的维纳斯》，作于1550年，规格：124.5×105.5cm，材料：布，画种：油彩画，现藏于美国华盛顿美术馆。
这幅画作描绘了罗马神话中维纳斯晨起梳妆时的情景。
维纳斯以一个少妇的庄重神态在对镜自语，显得风姿绰约，画意甚浓。
提香以对比性色调强调了丝绒织物与女人肉体的烘托关系，整个画面映现了一个贵妇人的闺房生活。
提香是威尼斯画派的杰出代表。
《维纳斯和丘比特的一则寓言》作者：阿诺洛·布隆兹诺（意大利）3、《维纳斯和丘比特的一则寓言》，作于1550年，规格：154.9×144.1cm，材料：木板，画种：油彩画，现藏于英国伦敦国家画廊。
为什么艺术家大多喜欢画裸女，而很少有人画裸男？
为什么艺术家大多喜欢画裸女，而很少有人画裸男？作者：孙志超来源：《艺术品鉴》 2017年第7期其实在19世纪之前，西方艺术中的人体一向以男性裸体为理想美标准。
欧洲艺术学院体制从1 6世纪设立以来，即奉古典美学为圭臬，视历史画为最上等的画类，而男子的体魄和神情最能表达人物的高贵情操。
历史画取材自古代历史、文学、圣经，以恢宏格局展现英雄、神祗、圣人、烈士等教化人心的故事。
因此，学院画家须培养阅读经典和知性想象的能力，熟悉解剖医学，从临摹古画和雕像中的男体开始，进阶到人体写生，调和理想与真实的人体，转化铺陈为宏伟叙事。
最终男性裸体艺术于18世纪末至19世纪初的新古典画派，达到巅峰。
《大卫的画室》这幅画，让我们看见这一画派的工作环境和共同目标。
大卫的学生Le on-Mathieu Cochereau画出静穆简约的室内，一中年男模特脱去衣鞋，像雕像般端坐在暖炉旁的方凳上，定睛望向窗外，日光投射在他高大身躯上，木几支撑着手脚，墙上挂着辅助固定姿态的备用绳索。
画面左侧有十来个师承大卫的年轻学子，手持各式的画具，全神贯注在人体写生上。
当时的画家需要描摹一个至多个模特的面容和肢体动态，赋予古典美的理想形体，搭配各式物件和背景，演绎经典故事的关键场景。
大卫的另一个学生Jean-Auguste-Dominique Ingres．传承了刻画男体的纯熟技巧，掌握以人体表达复杂叙事的窍门。
《阿伽门农的使者》是他获得1801年罗马大奖的一呜惊人之作。
这一幕取自荷马的史诗《伊利亚特》，休战拨琴的阿喀琉斯和叉腰闲立的帕特罗克洛斯，属俊美青年的精实体格，筋骨柔韧颐长。
希腊联军使节奥德修斯和大埃阿斯，则身形魁武，线条坚硬。
虽然此刻阿喀琉斯拒绝重返特洛伊战争，但全画绽放着壮盛的阳刚躯体，散发出英雄情谊的熠熠光辉。
造成裸男图像由盛而衰的原因，首先是美学递变和历史画式微。
学院体制维系着历史画中男性裸体的崇高地位，然而1840年代学院权威逐渐受到现代艺术家的挑战，历史画便失去了绝对优势，英雄式裸体也不再闪耀光芒。
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理查德司契米德(RICHARD_SCHMID)油画人体技法整理人：徐君冬除了紫红以外，我所用的各种颜色在正常条件下都是耐久的。
我所说的正常条件，第一是遵守保护画的程序，包括用凡立水上光；第二是不让画直接曝晒日光或受气体腐蚀，不放在散热器或其他热源上面，不让外行的人去擦抹它。
我对所有的颜色进行检验（在日光下直接曝晒三个月），只有紫红有些改变、当用它薄涂或与其他颜色调合成浅色时会出现褪色的情况。
因此紫红色只能以充分的浓度使用。
在艺术学校里，通过一系列色彩图表了解色彩的各种属性，诸如浓度、干燥时间、授色力、调合特性等。
第一个图表包括全部十种直接从软管挤出的颜料。
在一小块画布上分出五十个小方格，每列十格，每行五格。
最上一列由淡镉黄到黑色依次排列十种颜色。
然后，在以下几列中加进白色，数量递增，形成五个色度层次。
也就是说，第一列是纯色，第二列色度较浅，第三列是介于纯色和白色之间的中间调子，第四列是另一个更浅的色度，最下一列接近于白色。
然后再准备九个图表，每列九格，每行五格。
在第二个图表中，将第一种颜色——淡镉黄与其余九种颜色调合，以黄色为主，最上一列的第一格是淡镉黄和土黄，第二格是淡镉黄和镉朱红。
第三格是淡镉黄和玫瑰土红，依次类推，直到黑色。
然后，再象第一个图表那样，把这些混合物制成五种色调。
在第三个图表中则以土黄为主色，用同样的方法与其余九种颜色调合。
十个图表制成后，每一个都有一种颜色作为主色。
制作这些图表的目的是弄清这些颜色相互调合所可能产生的一切颜色及它们的五种不同色度，十个色彩图表可以按顺序产生455 种混合物。
如果在十种基本色以外再增加其他颜色，则产生的混合物可超过1600 种。
数量甚至还可以增加，因为那些很暗的颜色可以分成九个色度，而不是五个色度。
上述制作程序诚然是很繁琐的，但是当图表制成时，对色彩的知识就非常丰富了。
整个制作过程要花几个星期，当我在制作中感到厌烦时，摩斯贝教授鼓励我说，过去（无疑是十九世纪二十年代时）安特卫普（注）高级学院里有人曾经做出14000 多种色别的色表呢！如果说色彩难讲，那么比较起来构图就几乎是不可能讲的了。
部分原因是，将近一个世纪的所谓“现代运动”之后，大部分关于构图的传统法则和规律似乎已经被抛弃了。
由于“现代运动”历史悠久，地位重要，我以为它可以恰当地被看作是我们时代的学院艺术（不知怎么，“国立现代艺术学院”在我听来颇有点趣味，虽然有些人觉得它一点也没有趣）。
不管怎么说，事实上关于构图的一些严格的定义毕竟已经不存在了，至少是暂时不存在了（我所说的构图是指的绘画，不是装饰图案）。
有朝一日，在两三代以后它们一定会复兴起来，并受到赞扬，象这类事经常会得到的那样。
但是，在现在，它们之间有许多并没有被丢掉，至少没有被我丢掉。
在绘画中要注意到匀称、不匀称、力的匀称、黄金律、平衡、节奏、进色、退色、对角线、集中线、放射线、同等区域、重复平行线，以及所有别的古典美术的规则、定律和公式，这些够你干的。
注：安特卫普比利时北部一地名，该地是十五世纪法兰德斯艺术的中心（译者）当我面对一幅空白画布时，自然会考虑在什么地方安排什么东西的问题，由于我放弃了有些我认为是“人为的”规则和概念，我感到在构图上做出决定是容易多了。
对于我来说，构图的唯一规则就是没有规则。
归根到底，我的标准很简单，就是看最后的效果是不是使我喜欢。
构图不能通过那一套所谓的“构图规则”来完成，但我还是要在这里举出一些我称之为“人为的”规则和概念，它们包括下列看法：存在着“好”的趣味和“坏”的趣味；有些东西本来就是美的，而另外一些东西却是丑的或中庸的；一张素描或油画必须在空间上是平衡的；不能在矩形的正中央安排任何东西；一幅画的中间不能有水平线，垂直线或对角线；每个矩形有它的“审美”中心点，在一幅构图中不能只有两个元素，而是要有三个或五个；如果无法避免两个时，它们必须具有不同的大小、形状、色彩或色调；某些线条和色彩具有欢乐、悲伤、平静、悲剧、和平、激动等固有的性质。
这些条文可以继续列举下去，但它们都有两种共同的情况：第一，许多艺术家一直十分认真地对待它们（现在还这样）；第二，它们都是过时的，没有道理的，尽管它们之中有些韧看起来具有逻辑性。
虽然构图的规则随着时代和艺术流派的不同而变化，但是这些规则（包括被“现代运动”所发展了的规则和古典学派所制定的规则）的基础理论仍然是不交的。
在绘画中，这些原则首先是吸引观者的注意，其次是让观者注意画中的重要区域，最后是使它尽可能对观者具有长时间的吸引力。
我以为使用任何方法或手段来达到这一目的都是合法的。
仔细审察我自己的绘画和对我有深刻影响的艺术家的绘画，可以看出它们常常具有那样几个构图上的优点。
首先是全面的简朴。
即便是最强烈的构图（不论画有多大或题材有多复杂）基本上也都是简单的。
与简朴有关的是和谐——用单个绘画元素形成统一的构图。
在多数情况下，用到对象上的光（如果只有一个光源）就是一个自然的统一因素。
在和谐上同样重要的是，统一的调子、有关色彩的区域、形成整体的线条、仔细处理的边线，以及以一项为主导把所有这些因素巧妙地结合起来。
第三项基本原理是微妙。
如果一幅画的构图一目了然，那就达不到预期的效果。
象色彩、形体、题材等绘画的其他因素一样，构图是作品整体的有机组成部分。
在人体画中（除去纯粹的装饰画以外）每项因素都应该从属于对象的气质。
关于构图问题如要讲得更多，就得制定一批规则了，而我却是反对规则的。
不过我最后要指出一点，这就是不要对任何有利于安排构图的可能性加以限制。
在简朴、和谐和微妙的前提下，在构图上大有创新之余地，可运用新方法来观察。
可能的话，一个画家应该在构图上从“可靠”、“真实”、“稳妥”的框子里跳出来。
虽然使用传统老方法没有害处（我自己也用），但尝试一些新的方法也决不会有所损失。
构图的变化：这四幅构图都可以用来代替35 页的那幅构图。
它们每一幅都是使人满意的。
由于大块的亮调子和暗调子同人体的位置安排上都有所不同。
它们的构图同最后定稿的那幅构图在气氛上也就略有不同。
人体：布面油画8″×12″。
这幅小小的习作是在我考虑了34 页那四幅构图之后最后决定下来的。
主要考虑两点：第一，模特儿的姿态是孤独和亲切，我感到还是画成小幅的好。
第二，我将人体放在中间偏右的位置，因为多数人看画和阅读一样，是从左到右的。
如果人体放在画的左面，看的人的视线从左到右看过去就可能会忽略了人体而停留在大块的背景和前景上。
一、单色明暗调子的薄涂二、线描加单色薄涂三、线描加彩色薄涂四、线描和块面五、阿拉普列马（一次完成法）六、直接画法七、抽象底子上的直接画法八、纸面炭描九、板面炭描十、龚戴笔素描十一、油画素描从下列四件示范作品中可以看出，我的关于“打轮廓”的定义与字典上的定义不同，字典上的定义是“只有粗糙轮廓没有细节的草图”，而我的是“有必要的细节，精确地描绘轮廓的草图”。
打轮廓时，我很注意精确性和细节。
一幅稿子可以画得既生动自然，又很精确。
那种认为如果注意了长度、形状和色彩的精确性就会影响笔触生动的说法是没有根据的。
开始阶段画得愈准确，就愈能产生成功的作品。
但这个浅显的道理往往被忘记或忽视。
我在学生时代画真人大小的人体画，遇到种种复杂问题，犯过种种错误。
后来才懂得一幅画不能一挥而就，必须一笔一笔地画，而最好的笔触应该是从描绘对象的最明显的明暗关系、形状和色彩开始。
每个对象总存在着最暗的暗部、光亮部分、阴影或者一个几何形的色彩区域、我就先画这些局部，因为它们最明显，容易画得精确。
开始时这些精确的局部画得愈多，后来也就愈容易处理那些不容易掌握的困难部位。
这幅示范从多层次的打轮廓开始，用透明的单色薄涂法。
先在画布上涂一层用松节油调薄了的熟褐加象牙黑的中间调子。
然后将对象的所有明暗色调画下来，要画亮一点的调子就多加些松节油，画暗一点的就少加些。
这样画出来的稿子就接近于单色画，接下去稍稍加工，几乎不用色彩。
这种示范可以便初学者学会运用色调层次，并让他们在运笔方面获得感性知识。
这种起稿方法也有些小缺点。
画小幅画不大方便。
画不到真人三分之一大的画时应避免使用这种方法（这幅示范作品是20x30 英寸）。
另外，这种方法程序繁琐，画起来沉闷。
但是，单色的明暗调子薄涂法确有其显著的优点，特别是画很复杂的对象和画那些难以掌握的姿势时，它的优点更加明显。
第一，因为它是单色的，在起稿阶段可以放手去解决素描和构图问题，毋需顾及色彩。
第二，用很薄的薄涂法可以反复进行修改，不会出现一般油画中因为涂改过多而变得杂乱、污秽的毛病。
在起稿阶段解决了素描、色调和边线等问题，以后集中精力于色彩和结构，就轻松多了。
将熟褐和象牙黑调合成微暖的中间调子，要以熟褐为主，加入松节油使之稀薄、透明，用大猪鬃笔涂在整幅画布上（用中等粗糙程度的画布），然后画人体的最暗区域——头发。
画头发要用稍厚一点的颜色，即在调合同样的中间调子时少加一点松节油，头发遮住了整个脸部，但它应能表达出画中人的强烈表情。
我把发块不作为头发处理，而把它处理成一块确定大小和形状的暗色调。
即使在开始阶段，明暗和素描要力求画准确。
画准一个局部，再画准另一个局部。
各个局部是相互关联的，一部分画不准就会影响其它，而整个局面就不能控制了。
这一步要把人体形象清楚地画出来。
先用软布沿着人体手臂和拱起的膝盖上部表面擦去一些原来的调子，造成亮的层次。
用于猪鬃笔在伸开的腿部和背部擦去更多一些，造成亮的层次，并使整条手臂形成中间调子。
可以用清洁的软布头或笔蘸上松节油改动调子，但在打轮廓阶段绝对不能用不透明的白色。
在这个阶段，边线问题和明暗、素描同样重要。
从肩部顶端到手腕，以及穿过伸展的膝部的这些边线都相当明显，而从腋窝到手腕底部这段手臂下缘的边线却不那么明显，这些并非偶然现象。
在人体上画出所有的主要亮部。
头、臂、肩和弯着的膝部暂时不去动它们，先在躯干的下部、臀部、收拢的那只脚和伸开的腿部发展亮的调子。
这些部位原来的色层已经干燥，可用软布蘸上松节油将它擦去。
其余部分看起来似乎是模糊的，但仍然是准确的。
除了最终有特别亮的部分外，调子和形状都是正确的，位置也恰当。
这是起稿的最后一步，所有人体结构上的细节都已具备。
这就开始画前景。
先用软布蘸松节油涂抹，使之提亮。
再用大号扁猪鬃笔以阔的横笔触涂上一层用松节油调薄了的熟褐和象牙黑，使之有流动感。
然后以同样方法在人体的两边画背景。
人体下面的笔触要柔和，这就要用清洁的大号扁笔来画横的笔触。
要特别注意人体与前景或背景接触处那些轮廓鲜明的边线同轮廓模糊的边线的相互作用。
以及人体上重叠部分那些边线的相互作用。
例如，在手臂下方的暗部。
用大圆锥笔画调子，再用清洁的干猪鬃笔以短促的笔法扫一扫，使这块调子的上缘模糊。
这块调子的下缘实际上是手臂在两条腿部的投影。