浅析威尔第歌剧游吟诗人
浅析威尔第歌剧《游吟诗人》角色唱段——以阿苏切娜唱段为例
I Xi Ju Yu Ying Shi・戏剧与影视■—浅析威尔第歌剧《游吟诗人》角色唱段—以阿苏切娜唱段为例刘博沈阳音乐学院摘要：《游吟诗人》是威尔第杰出的歌剧作品。
在这首作品中，人物形象唱段一直被作为演唱与教学中的范本被后世不断地学习与研究。
本文将围绕作品中阿苏切娜作的唱段进行分析，从人物性格到演唱方式，从音乐本体到风格特征，以求管中窥豹的反映出整部歌剧的创作与表达思维。
关键词：威尔第《游吟诗人》女性阿苏切娜中图分类号:J805文献标识码:A文章编号：1008-3359（2020）20-0167-03一、《游吟诗人》与阿苏切娜（一）背景介绍歌剧《游吟诗人》于1853年问世，并在作曲家的亲自指挥下进行首演，取得了极大成功，这也是继歌剧作品《弄臣》之后又一史诗性力作,与其后创作的《茶花女》并称为威尔第“三大歌剧杰作”。
在歌剧《游吟诗人》中我们能够看到，他将当时意大利歌剧以炫耀演唱技巧为主的表达方式进行极大改革，开始强调歌剧中人物的鲜明性格、戏剧性冲突以及戏剧化的演唱方式，让观众欣赏专注聆听演唱技巧的同时也能够清晰的辨别出故事发展的方向以及人物的性格特征，这就让音乐服务于故事情节，故事情节依托于音乐得以表现的歌剧创作模式得到了极大发展，笔者认为此为该歌剧能够成功的重要因素之一。
这部歌剧共分为四幕，每幕都有标题。
故事以西班牙的比斯开与阿拉贡两地为背景,讲述了15世纪封建社会中被统治阶级迫害吉普赛人复仇的故事，故事内容相对复杂，以复仇为主题，以爱情为主线并穿插亲情的故事铺述方式构成故事脉络。
剧中女中音阿苏切娜作为主线牵引着故事的发展，故事所有的爱恨情仇或多或少的都与其有着一定的联系，这也让故事的内容和表现力得到了极大提升，让人们在欣赏声乐艺术的同时也能够在逻辑上思辨故事所要表现的思想。
而作为故事中的“灵魂“阿苏切娜在音乐演唱上又有着什么样的特点呢？下面笔者将对此进行一系列的相关研究以及叙述。
（二）阿苏切娜的人物性格在这部《游吟诗人》中，对于阿苏切娜人物性格刻画的铺垫并不是很多，更多的是将一些故事情节隐藏于不存在的故事开端中，后续在歌剧故事情节发展过程中能够看出阿苏切娜具体的人物性格。
歌剧《游吟诗人》演唱特征分析
歌剧《游吟诗人》演唱特征分析《游吟诗人》是意大利作曲家威尔第创作的一部歌剧，首演于1851年。
以下是对《游吟诗人》演唱特征的分析。
威尔第在《游吟诗人》中运用了丰富的声乐技巧。
歌剧中的角色要求演唱者有很高的技巧水平和良好的音乐素养。
威尔第运用了各种声音包括颤音、颤音滑音、颤音琶音等来丰富角色的情感表达。
演唱者在演唱时需要准确地掌握这些技巧并将其融入到表演中。
剧中的唱段要求演唱者具备广泛的音域和声音控制能力。
主要角色中的吟游诗人鲍雷世奇、女主角莱昂拉和男主角曼里科雷所有的唱段都要求演唱者在高音、中音和低音区域有出色的表现。
演唱者需能够自如地跨越不同的音域，并能够准确地控制声音的发声点和音量的大小。
这对演唱者的技术要求非常高。
歌剧中的演唱风格具有浪漫主义特点。
威尔第创作了多部感人的抒情曲，如莱昂拉的咏叹调《斗篷下那容颜》，曼里科雷的咏叹调《好人必有好报》等。
这些曲目被赋予了浓厚的情感，并要求演唱者能够真挚地表达出其中的情感。
演唱者需要具备对音乐和角色情感的充分理解和感悟，通过声音来传达曲目的意境和情感。
第四，演唱需注重角色的形象塑造。
歌剧中的角色有着鲜明的个性和情感。
鲍雷世奇是一个风流倜傥的吟游诗人，莱昂拉则是一个热情奔放的女子，曼里科雷是一个正直善良的年轻人。
演唱者需要通过声音的表现来塑造角色的形象，使观众能够更好地理解和感受角色的性格和情感。
演唱需与其他艺术要素相辅相成。
歌剧是多个艺术门类相结合的综合艺术形式，与舞台、舞美、服装等要素相互关联。
演唱者需要与其他艺术家密切配合，通过角色的形象、动作和声音来展现角色的特点和情感。
在演唱时需要将声音与表演、舞台效果等相结合，创造出更加完整和生动的演出效果。
歌剧《游吟诗人》对演唱者的要求极高，需要有丰富的声乐技巧、广泛的音域和声音控制能力，能够真挚地表达情感，塑造角色形象，并与其他艺术要素相互协调。
只有在这些方面都达到了高水平的演唱者，才能够完美地演绎《游吟诗人》这部经典歌剧。
歌剧《游吟诗人》中阿苏切娜演唱的戏剧性探析
歌剧《游吟诗人》中阿苏切娜演唱的戏剧性探析歌剧是十六、十七世纪兴起于意大利的一种综合艺术形式,是以歌唱为主体的戏剧,它把声乐和器乐的手段――独唱、重唱、合唱、管弦乐以及芭蕾舞――与诗歌和戏剧、表演和哑剧、布景和服装结合在一起,其戏剧性主要是通过剧情和音乐的戏剧性塑造来完成的。
《游吟诗人》《茶花女》《阿依达》以及《弄臣》被评论界推崇为威尔第的四大名作。
《游吟诗人》作为四大名作之一有着他独特的魅力,而阿苏切娜是体现这部歌剧戏剧性的一个亮点与焦点人物,通过对于这一人物形象的塑造,我们能更好地领略这部歌剧的戏剧性魅力。
《游吟诗人》是威尔第在十九世纪五六十年代创作的一部作品,他一生创作了二十六部歌剧,其中很多部都被传为经典,在世界各地上演。
十九世纪五六十年代,他的作品主要以描写现实生活,刻画人物性格,表现浪漫主义的离奇情节和强烈的人性冲突为主要特征,作品的结构紧凑、简洁,戏剧冲突得到了新的发展。
歌剧《游吟诗人》是根据古特勒斯的名剧撰写的剧本,威尔第说他很喜欢这个关于爱情、亲情与复仇的故事,里面有强烈的激情,“使他处于一种特殊的状态:创造性的想象力如万马奔腾,上下翻滚,内心兴奋激动,随时准备把心中积累的一切印象倾泻出来。
”他特别钟情于阿苏切娜这个吉普赛女人,她身上有着双重品质――女儿的爱和母亲的爱,以及复仇所蒙上的深重的悲剧色彩。
对于歌剧来说,戏剧性的矛盾冲突设计极其重要,是推动剧情发展的纽带。
情节是人物关系的历史、是戏剧体现人物性格、揭示矛盾冲突的重要线索,而这种矛盾冲突往往都系在男女主人公身上。
在这部充满爱恨矛盾冲突的歌剧中,阿苏切娜是个非常重要的人物,她是所有矛盾产生和变化的关键,对剧情的发展有着承上启下的作用,推动故事戏剧性的发展与变化。
另外,歌剧音乐的戏剧性主要是通过音乐形象的冲突得以体现的。
在这部歌剧中极具戏剧张力的阿苏切娜这一人物形象的展现技巧要求很高,表现难度也很高。
所以出演这一角色对演员是一个挑战,有很高的要求。
歌剧游吟诗人赏析
歌剧游吟诗人赏析《游吟诗人》是威尔第中期的三大杰作之一。
今天店铺将为您介绍一下《游吟诗人》这部歌剧。
这时的他已从意大利歌剧传统手法的模仿挣脱出来，破除成规，创立自己的形态。
此期的作品，剧情处理优异，人物刻画入微，优美的旋律如泉水般涌现，将意大利歌剧的特征表露无遗。
此剧使他进入了世界性的歌剧作曲家行列。
《弄臣》上演前，威尔第就委托在拿坡里的卡姆马罗在《弄臣》首演后提笔撰写根据西班牙戏剧的《游吟诗人》剧本，并在信中告诉他：“让我们同心协力，写出更精采的歌剧”，他本人则再度前往花都巴黎，埋头作曲。
然而，不久后他却收到卡姆马罗去世的噩耗，无比哀痛的他立刻把契约上约定的稿酬如数寄给陷入困境中的卡姆马罗的家眷，并且多方照顾他们。
《游吟诗人》剧情简介本剧亦译作《死仇》，故事取材于西班牙的比斯卡亚与阿拉贡为舞台背景的15世纪初期，在封建的王室横暴压迫下的吉普赛妇人报仇的事。
15世纪初期，西班牙封建领主残酷迫害吉普赛人。
本剧讲述了发生在鲁纳伯爵领地的一则因贵族残杀吉普赛人而遭到吉普赛人报复的悲剧故事。
阿拉贡皇后的贴身女官莱奥诺拉和游吟诗人曼里科相爱。
而这个曼里科正是吉普赛人阿苏茜娜为报母亲20年前被伯爵烧死之仇，从伯爵那里偷来的孪生子中的一个，伯爵死后，他的另一个儿子鲁纳继承了爵位，他也深深地爱着莱奥诺拉，因而这对互不相认的孪生兄弟竟成了情敌，互相残杀，而吉普赛人阿苏茜娜终于为母亲报了仇。
演奏时间：第一幕：26分第二幕：40分第三幕：20分第四幕：38分《游吟诗人》剧中人物鲁纳伯爵男中音莱奥诺拉女伯爵女高音阿苏茜娜吉普赛女人女低音曼里科游吟诗人，伯爵弟弟男高音费南多鲁纳卫队队长男低音伊内斯女伯爵之友女高音路易斯曼里科的军士男高音吉普赛人、修女、士兵、狱吏等多人。
故事发生于15世纪，地点在比斯卡亚与阿拉贡两地方。
《游吟诗人》剧幕信息序奏很快的快板，E大调、4/4拍子像暗示着悲剧性的命运，在定音鼓和大鼓的三次渐强奏后，出现猛烈的管弦乐总奏。
浅析威尔第歌剧游吟诗人
浅析威尔第歌剧游吟诗人1引言威尔第是19世纪意大利最伟大的歌剧作曲家之一，歌剧《游吟诗人》是其最著名的歌剧之一，本文通过对歌剧《游吟诗人》的艺术特点、创作特色、人物分析等，阐述了作为意大利浪漫主义歌剧中的杰作的《游吟诗人》独特的艺术魅力。
2人物的冲突推动戏剧的发展歌剧((opera)是综合音乐(声乐与器乐)、诗歌、舞蹈(民族舞与芭蕾舞)等艺术，而以歌唱为主的一种戏剧形式。
在声乐艺术领域内，歌剧是难度最大，最具有魅力的艺术形式。
歌剧之所以成为音乐与戏剧的最高综合形式，是因为音乐在与戏剧有机的完美结合中起主导作用，并强有力推进戏剧的发展，歌剧的咏叹调宣叙调(recitative)、二重唱(duet) ,三重唱(trio)、合唱(chorus)、序曲(overture)、间奏曲(intermezzo)等都可以在音乐会上单独演出，因此，离开或忽视音乐在歌剧中的地位和作用，便失去了歌剧的真正意义。
朱塞佩·威尔第1813年10月10口出生于意大利北部帕尔玛公国布塞托市的小镇隆科莱。
父母经营着一家兼做杂货铺的小饭馆，虽然家境贫寒，但并没有妨碍他对音乐的爱好和他凉人的音乐悟性和才能。
幼年时曾随家乡管风琴师学习音乐，10岁时进入布塞托市的音乐学校，并师从音乐学校的校长普罗维西学习对位和作曲，并广泛参加音乐活动。
1832年6月，威尔第来到米兰，他以极大的热情报考米兰皇家音乐学院，但却被以没有音乐天才为由而拒之门外。
从此，威尔第再没有受过高级别的正规音乐教育。
此后经人介绍投于米兰音乐家拉威尼阿的门下学习，很快掌握了作曲的基本技术，深入系统地学习了意大利和外国的优秀古典作品，在导师的直接引导下，威尔第走上了歌剧创作的道路。
1839年，威尔第的第一部歌剧《奥贝托》在斯卡拉歌剧院上演，观众和舆论给予很高的评价，《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中却有着重要的影响。
威尔第传记作家塔罗齐指出:“《奥贝托》里己包含了《游吟诗人》或者《厄尔南尼》的某些因素:一个为了自己不可遏制的音乐创作愿望而付出昂贵代价的人的痛苦与愤怒。
歌剧《游吟诗人》的人物形象塑造及演唱分析
歌剧《游吟诗人》的人物形象塑造及演唱分析歌剧《游吟诗人》是意大利作曲家威尔第的作品，于1853年首演。
这部歌剧以18世纪中叶西班牙为背景，讲述了诗人曼里科与吉利纳的爱情故事，以及他们与伯爵的复杂三角关系。
以下是人物形象塑造及演唱分析：1. 曼里科（Manrico）：曼里科是一位俊美而具有激情的诗人，也是鹰派起义的领导者。
他充满活力、义愤填膺，但也有柔情的一面。
在演唱上，曼里科的角色要求演唱者具备高度的音乐技巧、强大的表现力和广阔的音域。
其中最著名的咏叹调是《战士之歌》（"Di quella pira"），要求演唱者具备高亢激越的音乐表现力和技巧。
2. 吉利纳（Leonora）：吉利纳是曼里科的爱人，也是伯爵的未婚妻。
她是一个充满浪漫幻想的女子，对诗人曼里科有着深深的爱慕之情。
在演唱上，吉利纳需要具备高度的技巧和表现力，尤其要表现出吉利纳献身于爱情的坚定信念。
其中最著名的咏叹调是《当你知道我要离去》（"Tacea la notte placida"）和《庆祝给我们的生活》（"D'amor sull'ali rosee"）。
3. 伯爵迈拉德（Count di Luna）：迈拉德是西班牙贵族，也是吉利纳的未婚夫。
他是一个野心勃勃、暴戾傲慢的人物，对曼里科充满敌视。
在演唱上，伯爵迈拉德需要具备深情、威严和力量感，尤其在展现他的斗志和对抗曼里科的决心时需要表现出强烈的音乐力量。
其最著名的咏叹调是《我还喜欢她》（"Il balen del suo sorriso"）。
4. 阿佐莱诺（Azucena）：她是一个神秘而复杂的角色，是吉利纳的养母。
阿佐莱诺是吉普赛人，受到世俗社会的歧视和迫害。
她充满着复仇的欲望，立下誓言要为母亲的死亡复仇。
在演唱上，阿佐莱诺需要表现出她内心的痛苦和悲伤，具备丰富的情感表达能力。
其中最著名的咏叹调是《燃烧的园丁》（"Stride la vampa"）和《复仇之夜》（"Condotta ell'era in ceppi"）。
歌剧《游吟诗人》演唱特征分析
歌剧《游吟诗人》演唱特征分析《游吟诗人》是一部以爱尔兰为背景的叙事性歌剧，融合了古典音乐、民间音乐、流行音乐等多种音乐元素。
本文将从歌曲的形式结构、音乐特征等角度对该歌剧的演唱特征进行分析。
一、歌曲结构分析《游吟诗人》的歌曲由独唱、二重唱、三重唱、合唱等形式组成，这些形式的运用与故事情节的展现密切相关。
1. 独唱独唱是歌剧中最常见的演唱形式。
在《游吟诗人》中，独唱被用来表现人物的情感和内心世界。
比如第一幕的开头，游吟诗人的独唱《我来到这里》就表达了他对爱尔兰土地的热爱和对未来的期望。
在第二幕中，女主角谢丽娜的独唱《奥芙拉彩虹》则表现了她对爱情的憧憬和对自由的追求。
2. 二重唱二重唱常用于表达两个人物之间的关系，如情侣、亲人、朋友等。
在《游吟诗人》中，游吟诗人与谢丽娜的二重唱《天上的星星》表现了两人之间的爱情和约定。
4. 合唱合唱常用于表现群体的情感和力量，如士兵、群众、神灵等。
在《游吟诗人》中，合唱被广泛使用，如第一幕中的游吟诗人与爱尔兰村民的合唱《爱尔兰的子民》、第二幕中谢丽娜与爱尔兰军队的合唱《爱尔兰之歌》和大地女神艾瑞亚与自然之神的合唱《自然之神的欢呼》等。
二、音乐特征分析《游吟诗人》的音乐风格多元，既有古典音乐的庄严与优雅，又有爱尔兰民间音乐的朴实与热情，再加上现代流行音乐的影响，使得此剧音乐独具特色，充满了无限的音乐魅力。
1. 古典音乐的运用古典音乐在《游吟诗人》中占有重要的地位，剧中的一些独唱、二重唱、三重唱部分都采用了古典音乐的曲式形式。
比如第二幕中谢丽娜的《奥芙拉彩虹》和游吟诗人的《我只想歌唱》等歌曲都运用了A-B-A’的三段式结构，旋律优美动人，充满感染力。
爱尔兰民间音乐在《游吟诗人》中也占据着重要的位置。
在第一幕的开头，《我来到这里》的旋律采用了爱尔兰传统音乐的手风琴演奏方式，在旋律上融入了爱尔兰音乐的元素，让人充分感受到了其浓郁的爱尔兰气息。
现代流行音乐成为了《游吟诗人》音乐的一个重要组成部分。
论威尔第《游吟诗人》的特殊性
论威尔第《游吟诗人》的特殊性《游吟诗人》是50年代威尔第著名三部歌剧的第二部。
此歌剧是该作曲家在浪漫歌剧风格中成就的巅峰,也是该领域的一个里程碑。
据萨卡洛(O.Sakalo)说,在《游唱诗人》与其他两部歌剧《弄臣》和《茶花女》比较时,可以发现更多的特殊之处。
在《弄臣》和《茶花女》中描述的是一个主角相关的命运,而《游唱诗人》包含两条线的发展,因此打破了单一主角抒情剧的限制。
威尔第根据西班牙话剧创作歌剧的想法早在创作《弄臣》半年前就出现了。
《游唱诗人》剧本中老吉普赛女人的形象吸引了威尔第注意,他指出：西班牙戏剧是极好的艺术,因其包含了有趣的创意和出色的剧情,在给意大利脚本作家卡马拉诺(S.Cammarano)的一封信中威尔第强调了：本歌剧我希望有一个主角是个老吉卜赛女人,是个不寻常的人物,就以她的名字命名歌剧的名称。
对威尔第的想法起到重要作用的是吉亚克莫梅耶贝尔《先知》在1849年4月于巴黎歌剧院的首演。
俄罗斯著名评论家拉罗什(roche)在纪念威尔第80周年诞辰的一篇文章指出,在作曲家创作的第二个十年对他而言最疯狂的是他开始接近梅耶贝尔,并开始学习其职业生涯中体现的灵活性和敏捷性这种十九世纪音乐剧剧作家的先进技巧。
吉亚克莫梅耶贝尔《先知》首次在浪漫主义歌剧表演中,将一个平凡并地位低下的母亲作为主角之一。
英国音乐学家约翰巴登(J.Budden)称之为歌剧之第一重要母亲角色。
一个年轻的西班牙人古铁雷斯(G.Gutierrez)也发现了该角色所体现出的重要性。
《游唱诗人》是年轻的西班牙人安东尼奥加西亚古铁雷斯的第一篇戏剧。
如柏辽兹一样,他告别了医生职业,并决定开始尝试他的文学创作。
该戏剧1836年3月1日在马德里西班牙剧院上演,著名的浪漫主义西班牙诗人何塞德埃斯普龙塞达(JosdeEspronceda)的参与使其获得了显著成功,一年内演出25场,古铁雷斯因此扬名。
古铁雷斯在戏剧中的创新如下：创造了第二个独立的故事情节,其中一个内容针对老吉卜赛女人阿苏塞纳的命运。
论威尔第歌剧《游吟诗人》中曼里科的人物形象塑造
目录目录 0中文摘要 (1)英文摘要 (2)绪论 (3)第一章威尔第与歌剧《游吟诗人》追溯 (9)1.1 风云变幻的时代背景 (9)1.2 烦恼阴郁的个人生活 (12)1.3 曲折复杂的歌剧由来 (14)第二章曼里科的戏剧音乐形象塑造 (18)2.1 勇猛刚毅的侠义武士 (19)2.2 甜蜜浪漫的柔情诗人 (23)2.3 传奇宿命的悲剧英雄 (27)第三章戏剧性与音乐性的完美结合 (31)3.1 优美抒情的传统美歌 (32)3.2 激情四溢的戏剧新声 (37)3.3 哀婉动人的经典重唱 (42)余论与结语 (47)参考文献 (53)后记 (57)中文摘要论威尔第歌剧《游吟诗人》中曼里科的人物形象塑造朱塞佩·威尔第(Giuseppe Verdi,1831——1901)是继罗西尼、贝利尼、多尼采蒂之后19世纪意大利最伟大的歌剧作曲家，他继承并发扬了意大利歌剧的优良传统，以更为深刻、现实的风格将意大利歌剧推向了顶峰，把由蒙特威尔第开创的意大利歌剧传统发展到了更加完美的境界。
威尔第成功地塑造了歌剧《游吟诗人》中曼里科这一人物形象，对其进行了非常细腻的心理刻画，将一位融勇猛刚毅的的侠义武士和甜蜜浪漫的柔情诗人于一身的传奇宿命的悲剧英雄形象惟妙惟肖地呈现在大家面前。
本文主要立足于曼里科的戏剧形象分析及其主要唱段的音乐形象分析和演唱处理，探悉威尔第是如何刻画曼里科在不同剧情下的复杂的情感活动的，有助于演唱者从更深层次上塑造曼里科的歌剧形象。
全文主要按照由理论文献—实践—上升到理论高度的脉络，运用传记式批评方法、本体性批评方法、社会学批评方法进行分析和论述的，共分为五部分：绪论对本课题的研究意义、思路和方法作简要的介绍；第一章介绍了威尔第与歌剧《游吟诗人》的创作背景；第二章从戏剧和音乐两个方面来分析曼里科这一人物形象；第三章从音乐本体入手，分析曼里科的典型唱段，探讨其二度创作。
结语概括曼里科人物形象诠释要点和威尔第歌剧创作对美声唱法的影响。
歌剧《游吟诗人》演唱特征分析
103桑秋慧歌剧《游吟诗人》由卡姆马罗诺编剧，“意大利歌剧之王”威尔第谱曲，是作曲家威尔第中期三大杰作之一。
《游吟诗人》作为戏剧冲突性极强的作品，其演唱也尤其需要重视气息流动，做到声音与音色的融合，将声音同曲式旋律与剧情融合。
一、歌剧《游吟诗人》简介《游吟诗人》的人物性格鲜明，情节丰富，角色关系对比非常明确，同时剧情处理优异，人物刻画入微，旋律优美。
《游吟诗人》作品虽处在类似《奥赛罗》的历史背景下，但其描述的是爱情以及为爱情牺牲的精神，这也是威尔第歌剧作品中矛盾冲突与情感冲突最激烈的一部。
威尔第采取人声旋律对人物形象进行刻画，极富情感表现力与戏剧性，将意大利歌剧特征表露得淋漓尽致，威尔第极富情感表现力和戏剧性的音乐，也完全消除了《游吟诗人》剧情的繁冗杂乱之感，戏剧人物的刻画也尤为生动自然。
时至今日，《游吟诗人》已是全世界最受欢迎、上演率最高的歌剧之一。
[1]二、歌剧《游吟诗人》的演唱特征分析歌剧的演唱必须为剧中人物心理、情感等戏剧性矛盾发展需要发挥作用，演唱的力度、速度、节奏变化以及曲式结构、音调风格特征等都需要合理运用，以深入刻画歌剧人物形象特色。
威尔第的歌剧多用音乐来表现出强烈的戏剧冲突，其歌剧演唱需要带有强烈的情感。
《游吟诗人》也不例外，为能够精准地描绘出人物形象，表现戏剧冲突，需要有华丽、明亮的声音，拥有较强的爆发性。
《游吟诗人》中明朗的调式，滑音颤音的震撼效果，以及六、八度旋律上下行跳进、三连音烘托氛围，都需要表现出强烈的震撼力。
因此其演唱也需要嘹亮、丰满、有质感的音量；重音、高音的演唱需要爆发力强的硬起音，体现戏剧冲突性；声音需要做到有韧性、集中连贯。
例如剧中第二幕的咏叹调《火焰在燃烧》，此首咏叹调在剧中第二幕，属于叙事性咏叹调。
吉普赛妇人阿苏切那在燃烧的篝火旁用悲愤、仇恨的情感，向众人讲述当年母亲被烧死的场景。
全曲极具戏剧的震撼性。
其第一部分1—18小节由四个乐句组成，演唱时需要凸显旋律感；第二部分为19—35小节，演唱时需要突出连贯性保持深呼吸控制，要有稳定的气息支持，表现出火刑现场的恐怖氛围；第三部分为35—55小节，由四个乐句构成，其演唱需要更为饱满的情绪，体现出阿苏切娜愤怒的心情，尤其是第三句为情感冲突最高点，需要有极强的表现力。
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浅析威尔第歌剧游吟诗人
1引言
威尔第是19世纪意大利最伟大的歌剧作曲家之一，歌剧《游吟诗人》是其最著名的歌剧之一，本文通过对歌剧《游吟诗人》的艺术特点、创作特色、人物分析等，阐述了作为意大利浪漫主义歌剧中的杰作的《游吟诗人》独特的艺术魅力。
2人物的冲突推动戏剧的发展
歌剧((opera)是综合音乐(声乐与器乐)、诗歌、舞蹈(民族舞与芭蕾舞)等艺术，而以歌唱为主的一种戏剧形式。
在声乐艺术领域内，歌剧是难度最大，最具有魅力的艺术形式。
歌剧之所以成为音乐与戏剧的最高综合形式，是因为音乐在与戏剧有机的完美结合中起主导作用，并强有力推进戏剧的发展，歌剧的咏叹调宣叙调(recitative)、二重唱(duet) ,三重唱(trio)、合唱(chorus)、序曲(overture)、间奏曲(intermezzo)等都可以在音乐会上单独演出，因此，离开或忽视音乐在歌剧中的地位和作用，便失去了歌剧的真正意义。
朱塞佩·威尔第1813年10月10口出生于意大利北部帕尔玛公国布塞托市的小镇隆科莱。
父母经营着一家兼做杂货铺的小饭馆，虽然家境贫寒，但并没有妨碍他对音乐的爱好和他凉人的音乐悟性和才能。
幼年时曾随家乡管风琴师学习音乐，10岁时进入布塞托市的音乐学校，并师从音乐学校的校长普罗维西学习对位和作曲，并广泛参加音乐活动。
1832年6月，威尔第来到米兰，他以极大的热情报考米兰皇家音乐学院，但却被以没有音乐天才为由而拒之门外。
从此，威尔第再没有受过高级别的正规音乐教育。
此后经人介绍投于米兰音乐家拉威尼阿的门下学习，很快掌握了作曲的基本技术，深入系统地学习了意大利和外国的优秀古典作品，在导师的直接引导下，威尔第走上了歌剧创作的道路。
1839年，威尔第的第一部歌剧《奥贝托》在斯卡拉歌剧院上演，观众和舆论给予很高的评价，《奥贝托》虽然算不上是一部杰作，但在威尔第的创作生涯中却有着重要的影响。
威尔第传记作家塔罗齐指出:“《奥贝托》里己包含了《游吟诗人》或者《厄尔南尼》的某些因素:一个为了自己不可遏制的音乐创作愿望而付出昂贵代价的人的痛苦与愤怒。
这些旋律充满着自豪、自尊的感情和对周围
一切的隐隐蔑视，充满着把这一切用激动坦率的乐声，向全世界倾诉的强烈愿望。
威尔第的激动的、发人深省的音乐，不仅可以有新的唱法，而且使人对歌剧、剧院产生新的理解。
”1842年3月9口，威尔第创作的以反映意大利民族主义情绪为主题的歌剧内布科在斯卡拉歌剧院上演大获成功。
其中的合唱《飞翔吧思想，展开金色的翅膀》是欧洲歌剧艺术中最伟大的合唱曲之一，并在威尔第逝世后的葬礼上被成千上万的人们吟唱。
《纳布科》的成功把威尔第引上了意大利歌剧之王的宝座。
威尔第的歌剧奉行“人性戏剧”的理念。
他的作品在很多方面更多的反映现实生活中有血有肉的普通人，着力表现世俗人情和社会悲剧，传达了强烈生动的原始感情:爱、恨、报复、权力、欲望等，剖析了人性的伪善奸险，以细致明晰的乐汇，描绘人物心态，塑造了众多有艺术感染力的人物形象，具有积极的社会意义和强大的悲剧力量。
威尔第的歌剧十分注重大场面的描写与人物性格的刻画，丰富的旋律性和强烈的戏剧性相结合，运用主导动机的手法，加强了戏剧的表现力。
他在歌剧艺术的创作历程中，继承了意大利传统歌剧的艺术底蕴，丰富了歌剧的连贯性、情节的真实感、角色的鲜活个性，发展了歌剧艺术的戏剧性。
在其之前，音乐家更多地去考虑展示歌唱家的个人演唱技巧和风格。
在音乐创作方面给歌唱家更多的自由表演空间。
如:在歌剧演出中扮演角色的歌唱家可以随着自己的情绪，自由演唱一首与本歌剧毫不相关的其他艺术作品，以表现自己的艺术才能并博得观众的掌声，接下来再继续演唱该歌剧。
这种风气使歌剧的故事情节、角色的鲜明个性、音乐的缤密发展、作品的严谨结构、舞台上的视觉感官、乐队的演奏情绪等诸多方面都遭到了破坏。
观众在歌剧结束后所谈论的主题大多是对某某歌唱家的演唱才能、技巧、音色、风格的评论，却对歌剧的主题、结构、音乐与歌词的结合、角色的个性等歌剧艺术方面谈论较少。
其原因就是歌唱家的自由表现破坏了歌剧艺术的本质—戏剧性。
威尔第拒绝传统歌剧咏叹调里过度的炫技表演，认为这样会影响艺术形象。
他希望歌唱家能够从艺术性和戏剧性方面进行展示。
他创作的歌剧作品建立了“纯粹”的美声艺术，并在音乐戏剧艺术史上奠定了坚实的基础。
他所采用的音乐素材自然、朴素，非常贴近真实，音乐语言富有人文主义和民主主义特征，所以能够鲜明地体现人物的真实情感。
在这些作品中，他通过优美的旋律、戏剧
化的表现力和炽热的艺术感染力，征服了世界各国的听众。
威尔第一生创作了26部歌剧，善用意大利的民间音调，管弦乐的色彩也很丰富，能非常绘声绘色的刻画剧中人物的欲望、性格以及内心世界。
《游吟诗人》便是其中最具代表性和最优秀的作品之一，其实，《游吟诗人》并不能算是一部成功的剧本，在一定程度上是因为剧中的很多情节是开幕后通过剧中人物的追述来告诉观众的，这就造成了剧情发展有些混乱，给观众的理解造成了困难。
但威尔第用其美妙的、丰富的、热情的、深入人物内心的旋律贯穿全剧，赋予了《游吟诗人》更加强烈的感染力和生命力。
这部歌剧无论在题材的选择，还是戏剧内涵的挖掘，人物形象的塑造，音乐语言的锤炼，都使它成为意大利浪漫主义歌剧中的杰作，也是一部生动的、自由发展的歌剧。
这是威尔第四十岁的作品，不惑之年，功成名就。
3结语
威尔第是19世纪意大利乃至欧洲最伟大的歌剧作曲家，他的艺术生涯本身就是一部19世纪下半叶的意大利歌剧史。
他的作品跨越了3/4个世纪，建立了“纯粹”的美声艺术，在音乐戏剧艺术史上奠定了坚实的基础。
他的创作始终体现了着以声乐为主，器乐为辅，声乐刻画人物，器乐烘托气氛的创作特点，他采用的音乐素材自然、朴素、贴近真实，音乐语言富有人文主义和民主主义特征，所以能够鲜明的体现人物的真实情感。
威尔第心目中的歌剧是人的戏剧，是能够使人心灵震颤的激情表达，他认为歌剧不是理念，也不只是悦耳或戏谑的娱乐，而应该用美好旋律去重新塑造文学作品中人物及情境，揭示出活生生的各类不同人的丰富性格和复杂心理。
在他的作品中，歌颂纯洁、正直、善良的高贵品质，同清受迫害、被压迫的人们。
富饶的意大利音乐文化沃土培养了威尔第，他也把他的一生都奉献给了歌剧，他的名字永远和意大利、意大利音乐及意大利歌剧同在。