戏剧艺术名词解释
戏剧名词解释
戏剧名词解释（戏剧概论）1.戏剧动作：戏剧艺术基本手段。
在表演艺术中，又称舞台动作。
2.戏剧情境：戏剧作品的构成要素之一，戏剧中用以表现主题的情节及情况。
3.戏剧冲突：表现人与人之间矛盾关系和人的内心矛盾的特殊艺术形式。
4.戏剧性：戏剧的特性在作品中的具体表现，主要指在假定情境中人物心理的直观外观。
从广义角度讲，它是美学的一般范畴。
5.假定性：在戏剧艺术中，则指戏剧艺术形象与它所反映的生活自然形态不相符的审美原理，即艺术家根据认识原则与审美原则对生活的自然形态所作的程度不同的变形和改造。
艺术形象决不是生活自然形态的机械复制，艺术并不要求把它的作品当做现实，从这个意义上说，假定性乃是所有艺术固有的本性。
6.戏剧风格：由戏剧家的创作个性所表现出来的戏剧作品的艺术特色。
戏剧风格的形式和显现，是戏剧家和戏剧作品趋向成熟的重要标志。
7.戏剧流派：戏剧风格群体化现象。
通常以一两个风格鲜明的戏剧家为标帜，一群风格相近的戏剧家自觉地以组织形式进行艺术性、学术性聚合，或者由于受某一历史时期社会风尚和艺术风尚影响，自觉不自觉地表现出共同的创作倾向，互相呼应，从而构成有社会影响的戏剧流派。
戏剧流派大多产生于戏剧思想比较自由，戏剧事业比较繁荣的时期。
8.现实主义戏剧：戏剧主要流派之一。
它强调在舞台上客观地、精细地再现生活，塑造典型环境的典型人物。
在世界各国的戏剧史上自戏剧的最早形成就包含现实主义因素，这种具有现实主义因素的戏剧随着时代、民族和社会条件的不同而有所变化和发展。
但是，作为比较自觉的、有完整的艺术理论和演剧体系的流派，通常是指19世纪下半叶，欧洲文学与艺术中现实主义占据主导地位以后兴起的一种戏剧运动和流派。
从19世纪30～70年代，随着文学领域里浪漫主义和现实主义两大流派的相继出现，现实主义戏剧也开始在欧洲舞台上活跃起来。
当时欧洲革命兴起，自然科学家大量地发现，哲学家们深思妙想，给他们带来解决这个世界的新式武器，新的方法。
戏剧艺术名词解释(一)
戏剧艺术名词解释(一)戏剧艺术的相关名词：1. 舞台设计•舞台设计是指为戏剧表演创造合适的空间和环境的艺术。
它包括舞台布置、道具摆设、灯光设计、音响设计等方面。
比如在《罗密欧与朱丽叶》中，舞台设计可以通过色彩搭配、道具等来表达戏剧中的浪漫氛围。
2. 剧本创作•剧本创作是指编写戏剧作品的过程，包括剧情构思、角色塑造、对白设计等。
比如《哈姆雷特》就是一部由莎士比亚创作的经典剧本，它通过复杂的剧情和深刻的人物形象展现了人性的复杂性。
3. 角色扮演•角色扮演是指演员通过表演来扮演剧中的角色。
扮演角色需要演员深入理解角色的性格、情感和行为方式，并通过表情、动作和语言等方式展现出来。
比如在《悲惨世界》中，演员通过角色扮演将小人物的悲欢离合展现得淋漓尽致。
4. 导演指导•导演指导是指导演在戏剧表演过程中对演员进行指导，包括演员的动作、表情、语言等方面。
导演通过自己的理解和创意，将剧本中的故事和角色形象具象化。
比如在电影《阿凡达》中，导演詹姆斯·卡梅隆通过对演员的指导，使得虚拟人物能够栩栩如生地呈现在观众面前。
5. 剧场演出•剧场演出是指在专门的剧场中进行的戏剧表演。
剧场是戏剧艺术的重要场所，它提供了专业的舞台设备和观众席，为观众呈现真实而有趣的戏剧体验。
比如百老汇剧院是纽约著名的剧场，吸引了众多戏剧爱好者观看各种精彩的戏剧演出。
6. 音乐配乐•音乐配乐是指为戏剧作品创作或选择适合的音乐。
音乐可以增强剧情的氛围和表达角色的情感，成为戏剧艺术中不可或缺的一部分。
比如在音乐剧《狮子王》中，配乐通过活泼欢快的旋律和动听的歌词，为剧情增添了一份童趣和活力。
7. 戏剧教育•戏剧教育是指通过戏剧艺术的形式来进行教育和培养学生的综合素质。
戏剧教育可以培养学生的表达能力、团队合作意识和创造力等。
比如学校中常常组织的戏剧表演、戏剧课程等都是戏剧教育的一部分。
戏剧学名词解释
戏剧学名词解释戏剧作为一种文艺形式，一直是人们喜爱的艺术表现方式之一。
其中涉及的许多名词和概念，对于戏剧爱好者和专业人士来说都具有重要的意义。
下面，我们就来解释一些戏剧学中常见的名词，让大家更好地了解戏剧艺术。
1. 剧本：剧本是戏剧的基础。
它是一部戏剧作品的文本，包含了剧情、角色、舞台布置、台词等元素。
剧本的写作与表现是戏剧的核心。
2. 演员：演员是戏剧的重要组成部分，他们扮演不同的角色，通过表演展现出角色的性格、情感和动作。
演员艺术是戏剧艺术的重要组成部分，需要经过专业训练和技巧的积累。
3. 舞台设计：舞台设计是指舞台美术设计师根据剧本的要求，为戏剧作品进行舞台布置。
它包括了舞台布景、道具、灯光、声音等方面，是戏剧艺术中艺术效果创造的重要手段之一。
4. 寓意：戏剧具有一定的寓意性。
它的内容和形式通常与社会现实、人性问题等密切相关。
戏剧的寓意性也是其深受大众喜爱和启发人们思考的重要原因之一。
5. 台词：台词是演员在戏剧表演中所说的话语。
台词在剧本中是一个非常重要的组成部分，它通常透露出角色的性格、情感和内心的想法。
演员在表演时需要准确把握台词的内容和情感表达。
6. 独白：独白是指戏剧中一位角色单独说话，与其他角色没有对话的情况。
独白可以透露出角色的内心想法、真实情感和个性特征等，是表现角色性格和情感变化的重要表现形式之一。
7. 导演：导演是戏剧创作和表演的总指挥。
他负责剧本的选定、演员的选角、舞台设计的安排、演出的调度等方方面面。
导演需要根据自己的理解和判断，结合剧本的要求，进行整体的艺术创作。
8. 观众：观众是戏剧艺术的重要组成部分。
观众对戏剧的欣赏和接受，极大地影响了演员和导演的表演和创作。
观众的反应也是演员和导演判断演出效果好坏的重要参考标准。
以上就是一些戏剧学中常见的名词和概念。
戏剧艺术是一种综合的艺术表现形式，它涵盖了文学、音乐、舞蹈、美术、影视等多种元素。
通过对戏剧学名词的理解和掌握，可以更好地欣赏和理解戏剧艺术，从而达到更深入的文化体验和感悟。
戏曲艺术名词解释
戏曲艺术名词解释一、戏曲概述戏曲是中国传统文化中的重要艺术形式之一，源远流长，具有丰富的历史和文化内涵。
它通过演员的唱、念、做、打等多种表演形式，结合音乐、舞蹈和戏剧元素，来讲述故事和传达情感。
戏曲艺术以其独特的表现方式和深厚的文化积淀，成为中国人民喜闻乐见的一种艺术形式。
二、常见戏曲剧种1. 京剧（Beijing Opera）京剧是中国最有影响力的戏曲剧种之一，起源于北京地区，并在全国范围内广泛流传。
它以唱腔为主要表现形式，结合动作和化妆来展现角色性格特点。
京剧具有高度规范的表演技巧和独特的音乐体系，被誉为中国传统文化的瑰宝。
2. 黄梅戏（Huangmei Opera）黄梅戏是湖北省黄梅地区流传最广的一种地方戏曲剧种。
它以柔婉悠扬的唱腔和精美细腻的舞蹈为特色，常常表现浪漫的爱情故事。
黄梅戏在20世纪50年代的电影《天仙配》中受到了广泛关注，成为中国流行文化的一部分。
3. 歌仔戏（Gezi Opera）歌仔戏是福建省和台湾地区流传的一种戏曲剧种，具有浓厚的闽南文化特色。
它以独特的唱腔和词曲结合形式为主要表现手段，通常讲述历史故事或民间传说。
歌仔戏以其独特的音乐风格和灵动的表演形式，吸引了众多观众。
4. 评剧（Pingju Opera）评剧是河北地区流传最广的一种戏曲剧种，起源于清朝时期。
它以评书为基础，结合唱腔、念白、做功等表演形式来展现故事情节。
评剧具有独特的曲调和语言风格，被誉为中国北方文化的代表。
三、戏曲艺术表演形式1. 唱腔（Changqiang）唱腔是戏曲艺术中的一种表演形式，指演员以特定的音调和节奏进行唱歌表演。
不同剧种的唱腔风格各异，如京剧的咬字清晰、宽音高亢，黄梅戏的柔婉悠扬等。
唱腔是戏曲表演中最基本、最重要的组成部分之一。
2. 念白（Nianbai）念白是戏曲中用来讲述故事情节和对话的表演形式，通常由男性演员担任。
念白要求演员准确地掌握台词并带有情感色彩，以吸引观众的注意力并传达角色之间的关系。
戏剧艺术
生行
旦行
正净 （大花脸）
净行 （花脸）
副净 （二花脸） 武净 （武二花）
丑行
“丑”（小花脸或三花脸），是喜剧角色，在鼻梁眼窝间勾画脸谱，多扮演滑稽调笑式的 人物。在表演上一般不重唱工，以念白的口齿清晰流利为主。可分文丑和武丑两大分支。 丑行，俗称“小花脸”。因化妆时在鼻梁上抹一小块白粉，故而以“丑”为名。又因和净 行的大花脸、二花脸并列，又称“三花脸”。丑行的“丑”是指扮相不俊美，并非专指品 质上的丑恶。丑行扮演的角色既有阴险狡诈的人物，也有正直善良的形象。丑行分为文丑、 武丑两种。
戏
曲
戏曲音乐
戏曲音乐是中国汉族戏曲中的音乐部分,包括声乐部分的唱腔、 韵白和器乐部分的伴奏、开场及过场音乐。其中以唱腔为主， 有独唱、对唱、齐唱和帮腔等演唱形式，是发展剧情、刻画人 物性格的主要表现手段。唱腔的伴奏、过门和行弦起托腔保调、 衬托表演的作用。开场、过场和武场所用的打击乐等则是喧染 气氛、调节舞台节奏与戏曲结构的重要因素。 戏曲音乐是中国汉族戏曲这种综合了戏剧、音乐、表演、杂技、 舞美等多种艺术手段为一体的综合艺术的重要组成部分，可以 集中地表现戏剧的内容，也是区分不同剧种的主要标志。 戏曲音乐的发展历史悠久，汉代的民歌、百戏音乐，唐代的歌 舞音乐和宋代说唱艺术音乐是其发展的基础。 戏曲音乐的结构主要有两种形式： 1、曲牌体（又称联曲体）。即各种曲牌根据唱腔设计的需要 进行联缀的套曲形式。其中包括散-慢-快-散的板式变化； 2、板腔体（也称板式变化体），包括基本板式、附属板式和 各种腔调等。
主要分类
戏剧艺术历史悠久，种类繁多。
1、按照作品容量的大小，可以分为多幕剧和独幕 剧； 2、按照作品题材不同，可以分为历史剧、现代剧、 儿童剧等； 3、按照作品的样式分类，又可以分为悲剧、喜剧、 正剧三大类。 4、戏曲艺术:中国传统戏剧形式总称。我国各地有 三百多个剧种，全国性剧种为京剧。三种古老的 戏剧艺术：古希腊戏剧、印度梵剧和中国 戏曲。 电影电视剧艺术是现代科学技术与戏剧艺 术相结合的产物。
什么是戏剧和表演艺术？
什么是戏剧和表演艺术？随着社会的不断发展，越来越多的人对戏剧和表演艺术产生了浓厚的兴趣。
那么，什么是戏剧和表演艺术呢？这是一个非常广泛的话题，下面就来简单的介绍一下。
一、戏剧是什么？戏剧是一种通过语言、肢体和音乐等方式表达故事情节并给观众带来情感共鸣的艺术形式。
它可以是文化、历史、社会等各方面的呈现，也可以是讲述真实生活中的故事。
戏剧最主要的特点是通过角色的表演来宣传戏剧的主题，同时也显示出了演员的丰富表现力。
戏剧不仅仅是演员的表演，它还有很多的细节和技术，例如舞台设计、道具、服装、音乐等等。
这些元素的完美结合，能够使观众沉浸其中，感受到情感的共鸣。
二、表演艺术是什么？表演艺术是一种通过音乐、舞蹈、戏剧或魔术等方式，以表演为主要形式来表现艺术价值和审美情感的艺术形式。
表演艺术的特点是需要演员的技巧和才华，以及艺术家的创意和灵感。
表演艺术可以是古老的文化传统，也可以是现代的艺术流派。
现代的表演艺术，例如音乐会、卡巴莱、时装表演等等，它们都具有自己的特色和风格。
与戏剧不同的是，表演艺术更加注重对视觉效果的影响，通常会有更多的舞台布景和灯光效果等。
三、戏剧和表演艺术的区别虽然戏剧和表演艺术都是艺术表演形式，但却有着明显的不同之处。
其中最明显的差异是：1.表演方式的不同：戏剧表演的主体是“角色”，而表演艺术的主体则是“艺术家”。
2.表现形式的不同：戏剧往往是讲述一个故事的完整剧目，而表演艺术则是多个节目组成的演出。
3.视觉效果的不同：戏剧注重故事情节和角色的情感，而表演艺术则更加注重视觉效果，有更加华丽的灯光、道具和服装等表现手法。
总之，戏剧和表演艺术都是非常重要的文化艺术形式。
它们可以帮助人们了解文化历史，更好地理解人类社会，同时也为我们带来文化的宝贵遗产。
我们应该继续传承和发扬戏剧和表演艺术这两种艺术形式，让更多的人能够欣赏到它们的美丽和魅力。
戏剧名词解释
戏剧名词解释戏剧是一种艺术形式，通过演员表演、舞台表现和对话来表达故事情节和思想意义。
它是一种综合性的艺术，涵盖了音乐、舞蹈、视觉艺术等多个艺术形式。
在戏剧中，有许多专门的术语和名词，下面是对其中一些常见的戏剧名词的解释。
1. 剧本（Script）：剧本是指记录下舞台剧、电影、电视剧等文学作品的片段、对话、情节和角色的脚本。
剧本中包括对话、舞台说明和角色的动作，是演员理解剧情和角色的重要依据。
2. 情节（Plot）：情节是剧本中呈现出的一系列事件，按照时间顺序展开，构成了整个故事的发展过程。
3. 角色（Character）：角色是剧本中的人物形象，他们通过台词和动作来展示自己的性格、动机和情绪。
角色可以是主角、配角或者群众演员，每个角色都有自己独特的特点和重要的地位。
4. 台词（Dialogue）：台词是剧本中角色之间的对话，通过台词可以表达角色的心理状态、情感和思想。
角色的台词可以直接展示角色的性格特点，也可以推动情节的发展和表达思想主题。
5. 道具（Prop）：道具是演员在舞台上使用的物品，它们可以是符号、装饰品、道具和舞台装置等，用来增强剧情的真实感和表现力。
6. 舞台设计（Stage Design）：舞台设计包括舞台布景、灯光、音响等方面的设计，通过布景的摆放和灯光的运用来营造出不同的舞台氛围和环境，为剧情的表达提供支持。
7. 导演（Director）：导演是舞台剧或电影的创作中的领导者，负责指导演员的表演、舞台设计和整个剧目的艺术创作。
导演需要具备对剧本深入的理解、对演员的指导能力以及对艺术的敏锐感受。
8. 表演（Performance）：表演是演员通过动作、台词、表情等手段将角色表现出来的过程。
一个好的表演需要演员具备技巧、表达力和艺术感受力，能够准确地传达角色的思想情感。
9. 演出（Performance）：演出是指将戏剧作品呈现给观众的过程。
演出需要演员、导演、舞台设计师等各个方面的合作，通过表演技巧、舞台设计和剧本的完善来成功地呈现戏剧作品。
有关戏剧的名词解释
有关戏剧的名词解释戏剧是一种集合舞台表演、文学艺术和表演艺术的综合形式，具有悠久的历史和广泛的文化传承。
戏剧不仅是一种艺术形式，也是人类思想、情感和社会现象的有效表达方式。
在戏剧的世界中，有许多特殊的名词和概念，它们构成了戏剧艺术的核心元素。
下面将对一些关于戏剧的名词进行解释。
1. 剧本（Script）剧本是戏剧作品的文学基础，是戏剧创作的起点。
它是戏剧的文字表达形式，通过对话、台词和舞台指示，将故事情节和角色塑造具体化。
剧本通常由一个或多个作者编写，并包含了剧情结构、对白、舞台方面的要求，以及引导演员表演的指引。
2. 角色扮演（Role-playing）角色扮演是一种戏剧演出形式，在剧本规定的情节中，演员通过表现自己分配到的角色，展示角色的性格、情绪和行为。
通过角色扮演，演员可以尽可能地融入角色，体现出角色真实的内心世界。
3. 舞台（Stage）舞台是戏剧演出的地方，也是演员和观众进行互动的空间。
通常，舞台由舞台上部的背景和下部的舞台地面组成。
舞台背景可以根据剧情不同进行改变，营造出不同的场景氛围。
舞台地面则是演员表演的区域，通过不同的布景和道具，使演员可以更好地表现角色和情节。
4. 服装和化妆（Costume and Makeup）服装和化妆在戏剧中起到了非常重要的作用。
演员穿着不同的服装可以帮助观众更好地理解角色的身份、社会地位和角色性格。
化妆则可以通过不同的化妆技巧，使演员更好地塑造角色的外貌特征和情感表达。
5. 灯光设计（Lighting Design）灯光设计是舞台上的一个重要环节，在戏剧演出中起到了烘托气氛、突出重点和传递信息的作用。
通过不同的灯光效果，可以改变舞台的明暗、色彩和焦点，创造出不同的视觉效果，帮助观众更好地理解剧情和角色情感。
6. 音乐（Music）音乐作为一种艺术形式，与戏剧紧密相连。
音乐可以通过不同的旋律、节奏和情绪表达，丰富了戏剧的表现力。
在戏剧中，音乐常常作为背景音乐出现，用来烘托气氛、增强情感效果，也可以通过歌曲和舞蹈来展示剧情和角色的内心世界。
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同的象征、暗示、隐喻等表现手法。
有机造型术：
苏联戏剧家В.Э.梅耶荷德训练演员的一种方法体系。
又译“生物机能学”、“生物力学”。
它包括对演员进行体操的、造型的、杂技的技巧训练。
通过实验途径确立演员在舞台上行动的规律”。
有机造型术借助于各种技巧手段和造型小品来提高演员的形体素质，使其善于在舞台上调整自己的动作，服从于一定的节奏构图，迅速而准确地完成导演要求。
间离效果：
又称陌生化效果，是德国戏剧理论家布莱希特所提出的戏剧表演理论，是指将观众疏远于戏剧或电影，其意义在于：“让观众对所描绘的事件，有一个分析和批判该事件的立场”，调动观众的主观能动性，促使其进行冷静的理性思考，从而达到推倒舞台上的“第四堵墙”，彻底破坏舞台上的生活幻觉的目的，突出戏剧的假定性。
在表演艺术上，间离效果要求演员在感情上与角色保持距离。
存在主义戏剧：
存在主义戏剧是现代戏剧流派之一。
20世纪30年代末在法国兴起，40年代，尤其在战后发展到顶峰。
存在主义戏剧认为人的存在先于人的本质；认为人有绝对的选择自由，但又并不具备理性的基础；认为世界是荒诞的，人生孤独而没有意义。
存在主义戏剧在哲学思想上为荒诞派戏剧作了准备。
荒诞派戏剧：
荒诞派戏剧现代戏剧流派之一。
它一反传统戏剧的规律、特点，又被称为“反戏剧派”，“反传统戏剧派”。
“荒诞派戏剧”这一名词，最早见于英国戏剧评论家马丁•艾思林1962年出版的《荒诞派戏剧》一书。
荒诞派戏剧继承了象征主义、表现主义、超现实主义、意识流小说中所体现的荒诞性，是存在主义在戏剧舞台上的延伸。
荒诞派戏剧多为短剧和独幕剧，以极度荒诞和夸张表演来代替情节，使荒诞本身戏剧化，戏剧形式荒诞化，扩大舞台效果。
人物形象个性丧失，角色不确定，外形残缺，稀奇古怪。
语言怪异，没有逻辑性，人物对白文不对题，语无伦次，不断重复，杂乱无章，使语言失去意义而变得荒诞可笑。
注重直喻性道具和场景的运用。
残酷戏剧（Theatre of Cruelty）
最早在20世纪30年代产生于法国，它的创始人是法国戏剧家阿尔
托(Antonin Artaud)。
他主张戏剧应该是残酷的，应该表现“生的欲望、宇宙的严峻以及无法改变的必然性”。
戏剧的功力在于使观众入戏，观众不再是外在的、冷漠的欣赏者，舞台与观众席应融于一体。
此外，在戏剧的表现手段中，最重要的表现手段已不再是舞台对白，而是形体语言，通过形体语言表达有声语言所无力表达的一切。
“残酷戏剧”的理论，日后被西方各国的先锋派奉为圣经，并指导于他们的实践中。
质朴戏剧：
又可称作贫困戏剧，是格洛托夫斯基提出的，他认为演员与观众的关系是直接的、现实的、互相感应的、富于生命力的，为其他艺术所不能取代。
表演艺术是戏剧演出的根本，没有服装、布景、音乐和灯光效果，甚至没有剧本，戏剧照样存在。
演员既创造戏剧动作，又引导观众进入戏剧情节之中。
演员成为演出与观众精神、心理、感情及理智的沟
通者与建树者。
环境戏剧（Environmental Theatre）
又称环境剧场。
环境戏剧是一种对戏剧空间的使用基础的演出方法。
环境戏剧的要求尽量地消除演员与观众之间的界限，让观众更多的参与到戏剧活动中来，它是脱离传统剧场之外的戏剧，是脱离了传统演出模式的戏剧。
皮娜•鲍什（Pina Bausch）：
1940年生于德国的佐林根，被誉为“一个未被加冕的舞蹈女皇”。
少年起开始在福克旺舞蹈学校Folkwang School学习古典芭蕾和现代舞，19岁时到了纽约跟随约斯•林蒙林、保罗•泰勒等现代舞大师学习，以后在1963年回到德国。
经过10年的演员和编舞创作实践，从1973年开始，33岁的皮娜•鲍什开始出任德国的乌帕塔尔舞剧院Tanztheater Wuppertal艺术总监和首席编导，从这时开始，皮娜•鲍什马上着手她的“舞蹈剧场”想法的实现。
代表作品有：《春之祭》、《穆勒咖啡馆》、《贞洁的传说》、《蓝胡子》、《华尔兹》、《玛祖卡FOGO》、《康乃馨》、《1980》、《窗户清洗工》等。
，皮娜•鲍什在乌珀塔尔舞剧团的部分作品有：《陶利斯的伊菲格
尼》(IPHIGENIE AUF TAURIS)，《七宗罪》，舞剧《穆勒咖啡馆》、《交际院》（KONTACKHOF）、《咏叹调》（ARIEN）、《1980——一部皮娜•鲍什的作品》（1980-A PIECE BY PINA BAUSCH）、《康乃馨》（NELKEN），舞剧《胜利者》（VIKTOR）、《帕勒莫，帕勒莫》（PALERMO PALERMO）、《拭窗者》（DER FENSTERPUTZER）、《水》（water）、《献给昨天、今天和明天的孩子》、《NEF蒘》、《天地》、《粗剪》（ROUGH CUT）、《满月》（VOLLMOND）、《穆
事新编》(2000)、《查理三世》(2001)、《樱桃园》(2004)等。
莎夏•瓦兹（Sasha Waltz）
当代舞坛的炼金术士莎夏˙瓦兹，让舞者回归到自我的肉体，以神学、科学、医学、哲学、心理学等各种角度，破解身体密码，用身体书写一本巨大的人体百科全书，记录人类文明对身体的观点；同时以建筑装置对应人体躯壳，和舞者产生密切互动。
如果你有幸观赏她的作品，结束时你可能会想戳一下自己，确定你的身体还在场！当台湾还在崇拜碧娜˙鲍许(Pina Bausch)的时候，莎夏˙瓦兹早以桀骜不羁的前卫编舞手法震惊世界！你可以称莎夏˙瓦兹为这个时代的编舞大师，也可以称她为舞蹈剧场的鬼才，但是请不要称她为碧娜˙鲍许的接班人，因为她在舞作中显露的丰富意象与超现实氛围，是当今任何一位编舞大师都望尘莫及的！莎夏˙瓦兹作品获奖无数，曾于二○○○年赢得德国评委协会（Verband deutscher Kritiker）的评审大奖、贝尔格勒国际剧场艺术节年度大奖，以及二○○一年布鲁塞尔「影像舞台」艺术节（Le Festival"Sc ènes d'Ecran"）大将等，并曾应邀担任柏林列宁广场剧院的艺术总监。
震惊世界的舞蹈作品《肉体》中，莎夏˙瓦兹巨细靡遗地探索身体的各种可能性，并且巧妙地拿身体与空间中的几何图形相互呼应。
舞台上的大型装置忠实复制了柏林列宁广场剧院及柏林犹太博物馆的建筑元素，在九十分钟的演出中，舞者像百科全书般用力丢出所有人体知识和童话故事，展现了身体的内部及外壳、丑陋及美丽、不可避免的死亡及对完美身体的梦想，让我们看见艺术、心理、医学、体育、爱情、社会、暴力中的身体意象。
观众在经历一场绝妙的、高潮迭起的超现实旅程之余，也像参与一场集体仪式般，为身体的「存在」和自己的「在场」感到亢奋无比。
透析莎夏．瓦兹的解剖刀：影片中，赤裸的舞者被抓著皮肉，拎过来丢过去，或是集体夹在玻璃中空墙中，挤扭著五官与身体向上蠕动，或是恣意堆叠成一座人肉山……这一切，让人感到一份切身的痛
楚。
后戏剧剧场(Postdramatisches Theater)
后戏剧剧场时期（萌芽于二十世纪初，在二十世纪七十年代后蓬勃发展，直到今天）“后戏剧剧场”这个骇人听闻的名词其实恰恰精当地概括了七十年代以来新型剧场艺术的核心特点，即其对戏剧文本及剧本阐释在剧场实践里的中心地位的颠覆。
在后戏剧剧场中，文本只是整个戏剧统一体的一个组成部分，它的地位与音乐、舞蹈、动作、美术等其它戏剧手段平起平坐。
心象说：
“心象说”是我国当代著名话剧导演焦菊隐在５０年代初排演《龙须沟》时候提出的关于演员创造角色的重要理论，并成功地进行了实践。
其三大源头是：以狄得罗、考兰克等为代表的欧洲演剧理论；以中国戏曲为代表的文化与美学传统；以体验论为核心的斯坦尼体系。
心象说”是焦菊隐戏剧美学体系中最有光彩，也是最富创造性的一个部分，是对斯坦尼体系进行的“精心的校正和发挥”。
心象说”的核心内容是“先要角色生活于你，然后你才能生活于角色”
熊佛西：
(1900-1965)戏剧教育家，剧作家。
原名福禧，谱名金润，字化侬，笔名戏子，有时署名向君，丰城市张巷乡瓘山村人。
熊佛西是中国话剧的拓荒者和奠基人之一。
他一生创作了27部多幕剧和16部独幕剧，有7种戏剧集出版，撰写了《写剧原理》、《戏剧大众化的实验》等理论专著三种。
对戏剧教育，他一贯主张“教育民主”，“学术自由”，坚持“戏剧教学不能拘束于课堂，必须通过舞台实践”。
他提倡聘用教师必须是“有真才实学，而不问其来自何处，有何思想倾向”。
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