日本电影《情书》观后感

这部电影现在看来也可以算是一部老电影了。从1995年到现在，已经经过了10多年的沉淀。其实在很早的时候就已经看过，不过那时候对艺术手法什么的一概不知（当然，现在也只是略知一二），再加上时隔已久，对片中的很多细节已经全然记不起来了。

在05年的时候，本片发行了十周年纪念版的DVD，并在日本等地举行了重映，不过并没能引起年轻人（指20岁以下的青少年）的兴趣。有评论认为是现在的年轻人已经不再有那种10年前那一代人的情怀，他们太浮躁，太浅薄。也许并非如此，现在的电影手法实在太多，很多桥段10多年前才刚刚出现，非常的时尚，但在现在看来却已如同陈词滥调一般，所以那些年轻的观众对此不以为然，也无可厚非。毕竟他们是在电影发展到现在这个高度后才加入进来的，他们的起点已经不一样了。

对比

对比应该说是电影最重要的一种手段，目的便是造成反差。可以是人物、场景、情节（影片节奏）都可以形成对比，其中人物之间的对比是最直观的，而场景的对比却往往被观影者所忽略。

首先就是《情书》里的人物对比。

因为都是由中山美橞来饰演的缘故，所以从相貌来区分两人显然是不合适的。所以岩井俊二刻意为两人准备了两种完全不同的心境。渡边博子的出场基调就是伴随着忧伤，白茫茫的一片雪景，把苍茫、无助、凄冷之意全然展现。而女性藤井树的登场却完全不一样，即使生病，却还是带着精灵古怪，那个邮递员的配戏部分则更是烘托出了这种愉悦的气氛。需要一提的是，导演为了保持这样一种对比，女性藤井树全片都是带病出场的（初中场景除外）。由此同为中山美橞的两位女性的反差已经出现，同时也很好的解决了观众会搞混两人的问题。

当然，少男与少女藤井树之间也存在着对比，只是这样的对比非常明显，无需深入分析。

所以，对于女性藤井树而言，存在着双重对比，一边是和相貌相同的渡边博子，而另一边是和姓名相同的男性藤井树。这样的处理，可以说是非常独到的。

接下来是一个场景的对比。

上一个场景是开场不久后的一个全景镜头，只有两种颜色：黑与白，完全的冷色系镜头。渡边博子独自一人身着黑衣在白色的雪地上行走，形单影只，孤独无助，整个画面看不到一丝的希望。因为是葬礼的关系，黑色则自然而然的代表了死亡，我们在后面知道，死去的是她的未婚夫。所以此时的博子是和孤独、死亡、绝望联系在一起的。

而下一个远景却完全不同（因为是在室内的关系，所以不可能像上一个镜头一样，那么的宽阔）。因为玻璃炉中火光的关系，整个画面显得非常温暖，不再是上一个场景中冰冷无情的感觉。而人物也变成了两个，渡边博子不再是一个人，还有和她的关系有些暧昧的秋叶茂。博子已经不再孤独，而柔和的光线也仿佛带来一种希望。

这里除了镜头的色系、博子的处境这两方面有着前后对比之外，还间接存在着两个男人之间的对比。在雪地场景中，藤井树是不存在的，令人忧伤、寒冷，而在玻璃工艺品作坊的那个场景中，秋叶茂却是活生生的站在那里，让人感到一丝暖意。

还有一个是剧情上的对比。

虽然两场戏中的人物都是坐着，但是气氛全然不同。上一个场景中，藤井树的母亲和爷爷正在激烈的争论是该等救护车还是直接跑去医院。而第二个场景中，则情节发展的很慢，还稍有些凝重，三个人一起陷在对阿树的思念之中。这两段戏，在剧情上并没有关联，而且是否是同时发生也未作明确交代，所以很明显，是导演有意把他们剪辑到一起的。用剧烈和舒缓的节奏对比，带给观众一种张弛有度之感（当然这两部分也可以看成是平行剪接的一种）。

综上所诉，人物、场景、剧情的对比在《情书》中无一缺少，由此也可以看出，本片作

为日韩纯爱电影的一个巅峰代表、一个先行者，并不是徒有虚名的。

戏剧冲突

一部好的影视作品就像文学作品一样，是不能缺少戏剧冲突的，就好比茶叶之于开水。只有在矛盾之中，剧情才能逐步深入（这与哲学中的矛盾理论倒是不谋而合）。

下面是中山美橞和豊川悦司之间的对手戏。

两人各占据着差不多一半的画面。左边，博子因为写信的人不是她的未婚夫而沮丧；右边，秋叶因为博子至今还陷于不切实际的幻想中而恼火。两个人的矛盾显而易见，秋叶想让她走出阴影接受自己，但博子却执着于过去的回忆中，想方设法要找寻阿树的痕迹。没有太多激烈的言语（当然，秋叶还是稍稍得吼了几句，不过总体来说是比较收敛的），气氛却已经剑拔弩张。这就是“戏剧”冲突的一个最好的例子，绝非肢体冲突，也不是普通的口角，点到为止。当然并不是说戏剧冲突就不可以有肢体接触、言语冲撞的场景，只是那样的话更多的是流于表象，而这样一种内敛的手法则更具有艺术的张力。

此外还可以看到（当然这和戏剧冲突无关），仔细看一下这个场景的光线，可以发现，博子刻意低着头，把脸埋在阴影之中（秋叶的脸上则可以清晰地看到光线的反射），这也可以作为是她不愿正视现实、还沉浸于痛苦的过去的一个佐证。

而这这两个冲突则已经发展到肢体阶段了。

特别要说一下的是这一组场景的构图。与之前那个例子，博子和秋叶分布于屏幕的左右两边不同，这次，四个主角两个一组，集中在画面的差不多正中间的位置。这是冲突最直观的表现，相较之余，高下立见。前者的高明之处就在于，即使矛盾双方本身没有接触，但是两人的冲突早已凝聚在画面的中央。就好比高手对决，身未动而剑气已直指对方。而后者借助于肢体语言来表达，太过直白，显然逊色不少。

另外，把这两个场景作为一组，是因为他们想要表达的意思是一样的。不论是少年还是少女藤井树，他们做出过激行为的目的都是为了掩饰自己内心的感情。

上面三幅画面，来自本片的第一个煽情部分。之所以引用同一场戏的三个不同角度，是因为这三个角度的发展，就像是在为“戏剧冲突”来了次最完整的解释。先是藤井树的母亲和爷爷扭打在一起，集中在画面的中央；之后两人分开，但是岩井俊二并没有直接转入第三个画面，而是用第二副做了个过渡，可以看到虽然两人分开了，但是还是处于画面的正中；最后才给出第三幅，两人分布于画面的左右。第二个镜头的用意很明显，就是矛盾双方虽然并没有接触，但是他们的“冲突”还是纠缠、碰撞在一起，并没有分开。所以，可以说这一组镜头给全片的戏剧冲突来了次很好的总结。

重复

就像音乐，时常会有重复的乐句出现，而电影作品中一般来说重复最多的便是是场景。更进一步说，电影中场景的重复很多时候是没法避免的，但就像音乐中所谓的主题变奏一样，好的导演也会让它看起来和上一次的有所不同。

下面是一组在秋叶的玻璃工艺品作坊的场景。

两个画面同为中景，粗略看来有点像两个不同的场景，但是仔细看一下物品摆设可以发现，其实是在同一个房间内。抛开白天与夜晚的时间差异不说，可以很明显的感觉到，摄影机的机位是截然不同的。上一场景中摄影机的位置在玻璃炉附近，而下一场景则到了对面。从某种意义上来说，也可以算是一种“场景变奏”了。

另外，可以发现，白天场景的画面有种烟雾弥漫的感觉。很显然这不是玻璃作坊的特有效果，因为同样是这所房间，在晚上的场景中就很干净，完全没有这样的雾气。而且，在画面的上方有一道很诡异的蓝光。所以是导演有意而为之，用来配合这一场戏的朦胧氛围——