高清摄影机在电影中的运用
电影中的十大经典操作技巧
电影中的十大经典操作技巧电影中的操作技巧是指导演和电影摄影师运用各种技术手段、摄影技巧和视觉效果来表达故事情节和情感的一种方式。
下面是电影中的十大经典操作技巧。
1. 镜头运动：镜头运动是通过摄像机的运动来改变画面的视觉效果。
运用移动摄像机的方式，如追踪镜头、飞越镜头、抖动镜头等，可以增强观众的参与感和紧张感，从而更好地传达电影情节的动感和紧张感。
2. 灯光运用：灯光是电影摄影中非常重要的一个要素，通过调整灯光的亮度、角度和颜色，可以创造出各种不同的氛围和情感表达。
例如，柔和的灯光可以营造出温馨和浪漫的感觉，而强烈的红色灯光可以表达热情和紧张的情绪。
3. 剪辑技巧：剪辑是将不同的镜头和画面有机地连接起来，构建电影叙事结构的重要手法。
通过剪辑的方式，可以调节电影的节奏、表达情感和传递信息。
例如，快速剪辑可以增加紧张感和刺激感，而慢镜头则可以突出重要的细节和情感。
4. 深度和视觉构图：深度和视觉构图是指通过布置和安排镜头中的元素来创造出立体感和艺术美感。
例如，运用远景、近景和背景对比来增强层次感，或者使用对称和线条构图来创造出美感和平衡感。
5. 特殊效果：特殊效果是指通过各种特殊技术手段来实现无法在现实中呈现的画面效果，如爆炸、飞行、变身等。
通过特殊效果的运用，可以增强电影的视觉冲击力和观赏性。
6. 音效运用：音效是电影中重要的一个环节，通过调整声音的音量、节奏和音色，可以增强电影的氛围和情感表达。
例如，运用嘈杂的环境声音可以增加紧张感和真实感，而柔和的音乐可以营造出温馨和浪漫的氛围。
7. 色彩运用：色彩是电影中重要的表现手段，通过调整电影的色彩饱和度、色调和亮度，可以创造出不同的情感和美感。
例如，运用冷色调可以表达孤寂和紧张的感觉，而暖色调则可以表达温馨和浪漫的情感。
8. 操作节奏：操作节奏是指通过调整电影的场景切换速度和镜头长度来控制观众的观影体验。
例如，快速切换和短镜头可以增加电影的紧凑感和刺激感，而缓慢切换和长镜头则可以凸显情感和气氛。
电影拍摄中的摄影机位与运动技巧
电影拍摄中的摄影机位与运动技巧摄影机位与运动技巧在电影拍摄中扮演着重要的角色。
通过摄影机位的选择和运动技巧的运用，导演能够打造出生动、有力的画面效果，增强故事的表现力。
本文将介绍电影拍摄中常见的摄影机位和运动技巧，并探讨它们的应用场景和效果。
一、静止摄影机位静止摄影机位是最常见的摄影机位之一。
它通过固定摄影机的位置来捕捉画面，使观众能够稳定地观看角色和场景。
在拍摄对话场景或表现人物情感的片段时，静止摄影机位能够使观众更好地关注演员的表演和情绪变化。
此外，静止摄影机位还常用于拍摄宽大的场景，如风景、城市全景等，使观众更好地欣赏其美景。
二、跟随摄影机位跟随摄影机位是在拍摄移动场景时常见的摄影机位。
通过随着演员或物体的移动来改变摄影机的位置，跟随摄影机位能够增强观众的代入感，使观众更好地跟随剧情发展。
在拍摄追逐或行进场景时，跟随摄影机位能够使观众身临其境，感受到实际的速度和动态。
三、俯视与仰视摄影机位俯视摄影机位和仰视摄影机位是通过改变摄影机的角度来拍摄画面。
俯视摄影机位指的是将摄影机放置在角度高于被拍摄物体的位置，从上往下拍摄。
这种摄影机位常用于强调被拍摄物体的弱小感，突出其地位的低下或无助。
仰视摄影机位则相反，指的是将摄影机放置在角度低于被拍摄物体的位置，从下往上拍摄。
这种摄影机位常用于强调被拍摄物体的威严感或力量感。
四、运动镜头运动镜头是通过改变摄影机的位置和角度来拍摄画面。
它可以是摄影机在平移、旋转、推进等运动过程中拍摄到的画面。
运动镜头常用于拍摄追逐、激烈动作、热闹场景等需要强调动感和紧张感的情节。
在运动镜头中，摄影机与被拍摄物体之间的相对位置和距离的变化，以及与运动方向的一致性，决定了观众的观看体验。
合理运用运动镜头能够让观众更好地感受到画面的冲击力和视觉效果。
五、特殊技巧除了以上常见的摄影机位和运动技巧，电影拍摄中还存在一些特殊的摄影技巧。
比如，快速剪辑、缓慢运动和倒放等效果的运用，可以在画面中注入独特的视觉和心理感受。
电影中推镜头应用典型案例
电影中推镜头应用典型案例
在电影中，推镜头是指摄影机向前或向后移动，以改变镜头焦距的过程。
这种镜头技巧常常用于电影中的情节转换或者突出某个场景的重要性。
以下是一些推镜头的典型案例：
《教父》（The Godfather）：在这部经典电影中，有一场著名的推镜头镜头，即开头的推镜头转换。
影片以一个婚礼场景作为开头，摄影机缓慢地后退，逐渐揭示出了整个宴会场景，引出了整个故事的背景和人物。
《鸟人》（Birdman）：这部电影以一镜到底的方式拍摄，整部电影仿佛是一场长镜头。
在影片中，推镜头的运用非常巧妙，通过摄影机的移动和焦距的变化，实现了无缝的场景转换，增强了观众的代入感和紧张感。
《惊魂记》（Vertigo）：阿尔弗雷德·希区柯克的这部经典悬疑片中，推镜头的运用非常突出。
影片中有一场经典的镜头，主角站在钟楼上，摄影机向后推进，同时拉远焦距，营造出一种极具张力和令人印象深刻的镜头效果。
这些都是电影中推镜头的典型案例，通过推镜头的运用，导演可以有效地引导观众关注重要的情节或场景，营造出戏剧性的效果。
浅议影片《阿甘正传》中的摄影及剪辑手法
浅议影片《阿甘正传》中的摄影及剪辑手法摘要：摄影和剪辑手法在一部影片中具有十分重要的作用，合理的拍摄和剪辑对于一个影片来说至关重要。
本文通过结合《阿甘正传》这部影片中某些具体的镜头和场景，对本片的拍摄手法和剪辑手法进行详细的分析。
关键词：运动镜头长镜头转场镜头蒙太奇引言：本文首先对影片的内容作了详细、具体的介绍，然后通过影片中经典的场景和片断分析摄影的手法及剪辑的手法，在这两个手法的运用上展现了影片整体的效果，突出了影片的艺术价值。
一、影片梗概故事发生在80年代的一天，在美国乔治亚州某镇的一个公共汽车站的长椅上，本片主人公阿甘正在向一同等车的人讲述自己奇特的经历。
天生有智力缺陷的阿甘不仅成为过橄榄球明星而且参加过越战，接见过总统，成为了亿万富翁，人生经历十分坎坷，但是他却有自己的信念和处事原则，始终追求着自己的幸福。
阿甘在结束了讲述之后，匆匆赶往珍妮的住处，他与珍妮还有小阿甘共同度过了一段幸福而短暂的时光。
不久，珍妮去世了，阿甘与儿子又开始了一个新的生活。
二、摄影手法《阿甘正传》这部影片采用了不同的摄影手法，使得整部影片最大限度地突破了舞台框架对空间的束缚，最大限度地接近现实生活空间的原生形态，不仅使得电影脱离戏剧成为了一门独立的艺术，而且给人们带来了完美的视觉享受。
以下就是影片中采用的拍摄手法：1、运动镜头运动镜头是镜头相对于被摄物体的位置变化。
它是与固定镜头相对而言的，它时常被用来加强物像之间的空间关系，引导观众的注意力随着镜头运动，产生不同的心理感受。
⑴推拍。
推拍是摄影机通过移动逐渐接近被摄体的镜头。
随着摄影机的前推，影像经历由远景、全景、中景、近景到特写的变化。
由于推拍过程中取景范围在逐渐变小，因此渐渐的排除了背景和陪衬，主体的体积由小变大，细微部分的特征就逐渐清晰起来。
因此，推拍有突出主体、突出重点、突出细节、层层深入的造型效果。
⑵跟拍。
跟拍是摄影机的拍摄方向与被摄体的运动方向一致或完全相反，同时与被摄物体之间保持相等距离运动的镜头。
影视摄影技术对电影类型与风格的影响
影视摄影技术对电影类型与风格的影响影视摄影技术是电影制作中至关重要的一环，它不仅仅是记录画面，更是能够通过各种拍摄手法和技术手段，对电影的类型与风格产生重要的影响。
本文将从摄影技术对电影类型和风格的影响角度，进行探讨和分析。
一、影视摄影技术对电影类型的影响1.1 镜头运动与动作片动作片通常以刺激、快节奏、紧张的剧情为特点，讲述激烈的打斗、追逐等场面。
影视摄影技术在动作片中发挥着至关重要的作用。
通过运用快速移动的镜头运动、快速切换的镜头角度以及运动模糊等技术手法，能够增强动作片的紧张感和刺激感，让观众更好地感受到电影中的动作场面。
1.2 高光与浅景深与浪漫爱情片浪漫爱情片注重呈现两位主角之间的甜蜜和浪漫，而摄影技术中的高光效果和浅景深则为影片增添了浓郁的浪漫氛围。
高光效果通过调整光线和色调的运用，使画面中焦点部分呈现明亮的光芒，给观众带来一种温馨的感觉。
而浅景深则专注于主体的清晰呈现，使得观众更加关注主角情感的表达和交流。
1.3 反差色与恐怖片恐怖片常常采用反差色调，强调画面明暗对比，以制造紧张和恐怖的效果。
通过导演和摄影师调整画面的亮度、对比度，使得画面呈现出强烈的黑白对比，或者运用冷色调和暗色调来打造一种阴郁、恐怖的氛围。
这些技术手法使得观众在观影过程中感受到强烈的紧张和恐怖感。
二、影视摄影技术对电影风格的影响2.1 手持摄影与纪录片纪录片常常需要通过真实、原汁原味的记录方式来展示真实的生活和社会。
而手持摄影技术能够通过模仿人眼视角，增强电影的真实感。
通过摄影师手持相机拍摄，可以灵活地跟随主体，拍摄出更加真实的画面，使观众更好地沉浸在电影的场景之中。
2.2 镜头焦距与艺术电影艺术电影追求独特的表现方式和独特的影像风格，而镜头焦距则是摄影技术中一项十分重要的手段。
通过调整镜头焦距的远近，能够突出电影中的特定画面元素，制造一种奇幻、梦幻或者超现实的影像感。
同时，焦距的运用还可以模糊背景，使观众更加聚焦在主体上，为影片创造出独特的艺术氛围。
电影与摄影摄影技术对电影视觉效果的影响
电影与摄影摄影技术对电影视觉效果的影响电影与摄影：摄影技术对电影视觉效果的影响摄影技术是电影制作中至关重要的组成部分，它对电影的视觉效果起着不可忽视的作用。
通过使用各种摄影技巧和器材，电影导演能够创造出强烈的视觉冲击和深刻的情感表达。
本文将探讨摄影技术对电影视觉效果的影响，并讨论其在电影艺术中的重要性。
一、摄影技术的发展与电影摄影技术的发展对电影产业产生了深远的影响。
在电影的早期发展阶段，摄像机是一个庞大而笨重的装置，限制了电影制作的灵活性和创造力。
然而，随着摄影技术的进步和创新，摄像机变得更加轻巧且易于操作。
这种技术的进步，使得电影制作可以更加自由地捕捉各种场景，并呈现出更加真实与生动的画面。
二、摄影技术的应用与电影1.摄影角度与视觉表达摄影技术中一个重要的因素是摄影角度的选择。
通过不同的角度，摄影师可以呈现出不同的视觉效果，创造出更加生动和引人注目的画面。
例如，低角度拍摄可以使人物或物体看起来更加庄重和威严，而高角度拍摄则会给人以居高临下的感觉。
这些摄影角度的巧妙运用，可以为电影注入独特的观看体验。
2.光影的运用与氛围营造光影在电影中起着至关重要的作用。
通过灯光的明暗变化和阴影的投射，摄影师可以为电影创造出独特的氛围和情感表达。
浓郁的暗影可以营造出紧张和压抑的氛围，而明亮的光线则可以传递出轻松和明快的情感。
光影的运用不仅可以增强电影的视觉冲击力，还可以深化观众对电影情节和人物的理解。
3.色彩搭配与情绪表达色彩搭配在电影中是一个极具表现力的因素。
通过不同的色调和色彩组合，摄影师可以传达出丰富的情绪和情感。
冷色调可以表达出悲伤和冷漠，而暖色调则可以传递出温暖和喜悦。
色彩的运用使得电影画面更加丰富多彩，能够深入人心并引起观众的共鸣。
三、摄影技术对电影艺术的重要性摄影技术在电影艺术中的重要性不容忽视。
它不仅可以提升电影的视觉效果和观赏性，还能够加深电影的情感表达和主题呈现。
通过摄影技术的运用，电影制作者能够创造出独特而引人入胜的电影作品，使观众得以身临其境地体验电影故事，增强观影的沉浸感和观赏价值。
电影摄影器材操作手册
电影摄影器材操作手册一、摄像机的操作在电影拍摄过程中，摄像机是最重要的工具之一。
正确地操作摄像机能够大大提高拍摄效果和质量。
以下是一些关于摄像机操作的要点：1. 设置曝光曝光是摄像机最基本的设置之一。
合适的曝光能够保证画面明亮但不过曝或欠曝。
通过调整光圈大小、快门速度和ISO感光度来实现合适的曝光。
在不同的拍摄场景中，需要根据光线情况进行相应的调整。
2. 焦距调节摄像机的焦距调节对画面的视觉效果有很大影响。
长焦距能够突出主体并模糊背景，适用于特写镜头或远景拍摄。
短焦距则能够呈现更广阔的画面，适用于拍摄大场景或需要更多环境信息的情况。
3. 平稳移动在电影中，摄像机的移动是非常常见的。
为了保持画面的稳定和流畅，需要使用稳定器或轨道等辅助设备。
在移动过程中要保持手臂和肩膀的稳定，避免晃动和抖动。
4. 白平衡设置白平衡是调整摄像机对不同灯光环境下白色的还原。
不同的灯光会给画面带来不同的色温，通过正确设置白平衡可以还原真实的颜色。
一般摄像机会提供自动白平衡功能，但在特殊情况下需要手动调整。
二、镜头的选择和运用镜头是决定电影画面风格的重要因素之一。
根据拍摄需要选择合适的镜头能够更好地表达故事和情感。
以下是常用的几种镜头和其应用场景：1. 广角镜头广角镜头适用于拍摄宽广的场景和近景特写。
广角镜头有助于捕捉环境信息并制造视觉冲击力。
在拍摄近距离特写时，广角镜头可以产生一种独特的透视效果。
2. 长焦镜头长焦镜头适用于拍摄远景或需要突出主体的场景。
它可以拉近物体之间的距离感，带来更加聚焦的画面效果。
长焦镜头也常用于拍摄运动或动作场景，可以远距离捕捉到细节。
3. 变焦镜头变焦镜头具有可调焦距的特点，可以在不改变摄像机位置的情况下实现不同焦距的拍摄。
变焦镜头可以帮助摄影师在镜头不变的情况下调整画面构图，方便灵活地捕捉不同场景。
4. 特殊镜头除了常规的广角、长焦和变焦镜头，还有一些特殊的镜头可以用来创造不同的影像效果，比如鱼眼镜头、微距镜头等。
3d电影的拍摄和放映利用的视觉原理
3d电影的拍摄和放映利用的视觉原理3D电影的拍摄和放映利用的视觉原理。
3D电影是一种通过特殊的技术手段，使电影画面呈现出立体感的电影形式。
它利用了人类视觉系统的特点，通过模拟双眼立体视觉的原理，使观众在观影时可以感受到画面的深度和立体感，增强了电影的沉浸感和观赏体验。
在3D电影的拍摄和放映过程中，涉及到许多视觉原理的运用，下面我们将对这些内容进行详细介绍。
首先，我们来谈谈3D电影的拍摄。
在拍摄3D电影时，摄影师需要使用一对特殊的摄像机，它们模拟了人类双眼的视觉系统。
这两台摄像机之间的距离和角度可以调整，以模拟人眼的视觉效果。
当这对摄像机同时拍摄同一个场景时，它们会捕捉到不同的视角，这样就形成了左眼和右眼的图像。
在后期制作中，这些图像会被合成成为一部3D电影。
其次，我们来说说3D电影的放映。
在放映3D电影时，观众需要佩戴特制的3D眼镜。
这些眼镜通过特殊的设计，使得观众的左眼和右眼分别只能看到左眼和右眼的图像。
这样，当观众戴上眼镜观看电影时，左眼只能看到左眼的图像，右眼只能看到右眼的图像，从而产生了立体的视觉效果。
除了摄影和放映技术外，3D电影的视觉效果还受到了人类视觉系统的影响。
人类的双眼视觉系统是通过两只眼睛同时观察同一景物，由大脑将两只眼睛所看到的图像合成为一个整体的立体图像。
这种立体视觉是由于人类双眼视网膜上的图像差异所引起的。
这种差异使得左右眼看到的图像略有不同，大脑通过对这些不同进行比较和合成，产生了立体感。
另外，深度感是3D电影的一个重要视觉效果。
在3D电影中，通过调整景深和透视关系，可以使得观众在观影时产生距离感和深度感。
这种深度感可以增强电影的真实感和沉浸感，使观众更加投入到电影情节中。
总的来说，3D电影的拍摄和放映利用了人类视觉系统的特点，通过模拟双眼立体视觉的原理，使观众在观影时可以感受到画面的深度和立体感。
在这个过程中，摄影技术、放映技术以及人类视觉系统的特点都起到了重要作用。
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高清摄影机在电影中的运用 ----------------------------------------------------电影摄影中的数字革命：高清摄影机在电影中的运用（刊载于《电影世界》杂志）对于已经诞生了一百多年的电影来说，它已经构成了一个完整而庞大的体系。
而这个体系的基础，就是胶片摄影。
在电影制作流程中，拍摄、制作和发行都是依靠胶片完成的，正是因为这一点，化学感光胶片在过去的一百年里经历了几乎是翻天覆地的变化。
现代电影胶片所能达到的技术标准，在二十年前都是不敢想象的。
正是有了这种技术上的飞跃，现代电影制作才会发生众多意义深远的变革，而我们才能在银幕上看到各种非凡的影象奇观。
但从电影制作的原理来说，现代电影拍摄方式和卢米埃尔兄弟当年拍摄《火车进站》时并无不同。
只要现在的导演有耐心，他完全可以利用当年卢米埃尔兄弟使用过的摄影机拍摄出和现代电影并无太大不同的影片片段。
作为例证，我们可以在《卢米埃尔兄弟和四十大导》这部片子中看到现代电影导演是如何运用一百年前的机器进行拍摄的。
在这一百多年的时间里，电影都是建立在化学感光材料的基础之上。
虽然这种方式有诸多麻烦和不便之处，但迄今为止仍然没有人可以发明出更好的替代方法来。
不过随着技术的进步，作为电影基础的胶片摄影已经开始出现小小的革命曙光，这就是刚刚开始在电影前期拍摄中暂露头角的数字高清技术。
对于一般人来说，直接解释“高清（HD）”这个概念会很麻烦。
但是对于DV爱好者来说，解释“高清”是什么就相对容易一些。
因为接触过DV摄像机的人都很清楚DV的成像原理，无非是将透过光学镜片的光线通过CCD转为电信号，然后这些电信号再压缩为数字信号记录到磁带上。
而对于高清摄影机来说，原理是一样的，区别就在于镜头好很多，CCD好很多，电信号的转换方式好很多，数字信号的压缩方式好很多，磁带的记录方式好很多，等等而已。
虽然HD和DV在最终的成像质量上差很多，但重要的是二者在原理上是一样的。
这就好比原来主要用于拍摄家庭录像用的8mm胶片和拍摄电影用的35mm胶片，虽然最终的成像质量和用途都完全不同，但它们的原理是一样的。
随着HD设备在成像质量上开始开始接近电影胶片的水平，现在越来越多的电影制作人员开始认真地考虑用HD设备来取代传统的胶片摄影机。
作为先行者，乔治・卢卡斯成为了使用数字电影设备拍摄电影的第一人。
在他于1999年拍摄《星战前传》第一集的时候，因为后期大量的数字特技需要，乔治・卢卡斯开始尝试在电影中运用Sony HDW-F900高清摄像机拍摄人物特写和特技场面。
这样他就不需要经过胶转磁的工序，影象直接就可以进入电脑中进行后期合成和特效生成。
随后高清开始在电影制作中越来越多地得到应用，现在已经开始出现完全使用高清设备拍摄的电影。
诸如最近的《间谍小子2》，就是一部完全使用高清设备拍摄的主流商业电影。
对于现在正在使用DV拍摄自己作品的人来说，如果将来有机会能够拍摄正规制作的电影，也许拍摄DV时养的一些偏好会使得他们更习惯选用高清（HD）设备开始拍摄自己的电影。
作为一种可能性，这里对DV爱好者介绍一下高清（HD）设备在电影摄影中的运用。
首先需要说明的是，高清本身实实在在的是一个新科技，高清的产品、高清的整个制作模式，对创作人员、对技术人员来说，完全是一场革命。
直到现在为止，高清在电影中运用都处在摸索和尝试的阶段，还没有一个大家公认的标准能够供使用高清设备的人作为参考。
现在我们说的数字电影标准，都是借用的高清电视行业标准。
最好的电影胶片拍摄出的画面，如果转换为数字信号的话，每一格画面的信息量大约是在4K左右。
而高清在最好的情况下每桢画面的信息量大约是在1.55K左右。
不过由于胶片电影的画面质量在后期制作过程中会有损失，而在制作送影院发行用的拷贝时又会进一步有损失，加上电影院放映过程中的损失，到最终的影院效果时，从硬盘中直接进行放映的数字电影就会在画面质量上略有胜出。
不过能够有条件做数字放映的影院目前在国内还是凤毛麟角，所以大部分观众也就没机会体验二者的差别了。
高清制作的工艺流程，跟拍摄电视剧没有太大的区别，关键在于后期。
最大的不同就是将来要不要做成胶片来放映。
从拍摄的程序上来说，要根据每一个制作组自己的要求来决定。
如果觉得你追求的是电影感、胶片感的效果，灯光方面恐怕也不能像拍电视的方法一样简单，会跟传统的电影胶片拍摄基本差不多。
在灯光方面，使用的灯光数量基本上和拍胶片差不多。
如果一个电影摄影师在处理一个场景时要用20个灯，那么他在拍高清时恐怕也要18、19个灯。
但是由于高清的敏感度、灵敏度，对暗部的反应比较好的缘故，用的灯在功率上可能会小一点，不需要同样大小的灯光来做补光。
另外高清摄像机的成像器件对某种颜色的灯光，对某种角度照过来的灯的反应跟胶片不一样，可以用小一点型号的灯。
不过如果要作出和胶片同样的效果，就要在同一个地方放灯。
这样虽然灯光的总功率会少一些，但灯具的数量不会少，不会因为用了高清可以少打一半的灯，因为这样出来的效果不一样。
制作人员也有同样的情况，用高清拍摄不见得摄影组人员会减少很多。
在美国使用高清设备的电影剧组中，相比使用胶片拍摄可能是少了一个装片的和打板的第二助理之类的人。
但是同时，由于目前高清摄像机的取景器是黑白的（SONY最新型号的F950高清摄象机的取景器是彩色的，但在明年之前还不会上市），没法看得很清楚，摄影师、摄影指导能发挥的最大作用是站在监视器前面，与导演一起研究镜头，指挥灯光师和助理把机器架起来，布好灯光。
在拍摄的过程中，如果看着摄像机的观景器，黑白图像有时候会让摄影看不清楚灯光效果是否最好，机器运动和演员走位的搭配是否最理想。
所以理想的环境是需要一个掌机的人，其他什么都不管，就是负责控制机器，这样就可能会多一个人。
摄影师、摄影指导兼顾掌机也可以，但效果并不好。
对于摄影师来说，使用高清设备在控制曝光方面也有许多新问题。
在这种情况下，曝光的参考工具就剩下示波器、斑马线、监视器和独立的手持式测光表。
四种工具都各有应用，有时候摄影师把它们混在一起使用。
但从实际操作中来看，虽然示波器可以帮助摄影师知道怎样在技术上达到标准的光圈，但是如果要拍一个远景、一个中景、一个有特殊气氛的夜景、一个黑人、一个白人、一个黄皮肤的人，光圈到底是怎样才是标准的呢？作为一个创作者，作为一个导演，作为一个摄影师，对某个环境一定有特定的要求，有自己预想的视觉效果，怎样才能达到这个效果，这是示波器无法提供的。
有些摄像师在拍夜景的时候，为了达到统一的效果，会使用手持式测光表，可以是拍胶片电影时用的入射式测光表，也可以是点测光表，他们先用示波器把摄像机的敏感度量一下，再转换成ASA数字来反映敏感度。
但是从技术上考虑，CCD的敏感度会随着做白平衡以后会有轻微变化，不同的滤光镜组合、不同的环境会有轻微的变化。
连机器开机使用的时间长短，热量升降变化也会使CCD的敏感度有偏差，所以这并不是一个最好的办法。
而且采用高清来拍电影是为了从胶片的束缚中解放，为了给导演和创作人员带来了很多便利条件。
如果为了控制曝光，要再回到胶片的时代，拿着手提测光表来量度，每一点一点地去量，然后去决定用什么光圈的话，这就是一种倒退。
就导演而言，使用高清设备的最大好处是不用换磁带，这样就可以不用打断演员的情绪，可以多拍而不需担心和胶片相关的成本。
而对于摄影来说，更大的好处是能直接看到高清监视器上的效果，今天的技术已经达到监视器显示的基本上是将来得到效果的90％或95％――从色彩、对比度、亮度等等方面来考虑，如果不打算转胶片的话，是95％；如果打算转成胶片的话，有90％的准确度。
这样摄影就可以根据监视器上的效果直接判断构图、反差、色调、曝光以及整个画面的气氛。
同时导演现场马上就可以和摄影师、美工、副导演和道具沟通，根据监视器就可以判断这里太亮，那里太暗，这里太空，那里太虚，真正做到“所见即所得”，这对于导演来说在沟通上方便了很多，也不用事后来补救，或者猜测。
以往拍摄胶片时，摄影师告诉导演，这个镜头拍出来，一定很暗，气氛一定很好，但是导演不知道，这“气氛”到底是怎么样的，一直到影片洗印出来才能看到效果。
如果不满意也没有办法了，除非重拍。
对于很多导演来说，这是最大的进步，最大的吸引力。
从电影的角度看，用惯了35毫米摄影机的摄影师，有一个问题目前暂时解决不了，就是景深的问题。
因为现在高清摄影机成像的2/3英寸CCD面积比超16mm胶片的底片面积还要小，当然更没法和35mm胶片比了。
光学镜头在这个基础上的景深非常大，大概是35毫米胶片的两倍半左右。
这就表示为了要达到同样的景深效果，在使用高清拍摄时要开大两档半的光圈。
这是物理上没有办法解决的。
举个例子，我们在同样的距离、用相应的镜头焦距拍摄同一大小的画面，如果电影摄影机用T4光圈，高清就要放大到T1.6光圈，才能得到相近的景深效果。
为了解决这个景深的问题，其中一个方法就是把光圈开大2又2/3档，这样做整个灯光的控制要改变，灯光亮度要降低。
在室外拍摄时要加多一些密度镜。
另外一个补偿的方法就是用较长的焦距镜头，如果我们用电影摄影机的50mm镜头、距离1米拍摄一个特写，为了要获得相似的景深效果，现在要把摄像机挪后2又2/3倍的距离，用摄像机的50mm 镜头拍摄(同焦距的电影镜头涵盖角约是摄像镜头的2又2/3倍)。
当然我们这样做，两者的透视效果会不一样，这是目前没有理想的解决办法中的一个补偿方法。
高清设备在开始的时候只配备了装在普通摄像机上的电视变焦镜头，这种镜头在成像上为了顾及大变焦比的需要，在光学性能方面作出了不少妥协，最后的成像质量并不是很令人满意。
后来随着高清设备被越来越多的电影制作人采用，一些生产电视镜头的厂家开始生产在原有电视镜头基础下衍生出来的电影专用镜头。
这些镜头光学特性没改，还是用摄像机的镜头，只是将外壳和齿轮按照电影标准改装，并改用T值光圈，以方便习惯电影摄影机操作习惯的摄影师能够使用阿莱标准的变焦伺服器，方便了刻度读出和精密性。
目前佳能、富士、蔡司三个厂家都推出了自己的系列高清专用镜头，其中蔡司的镜头效果最好。
而美国的Panavision公司也推出了高清专用镜头，号称目前最好，但这家公司的所有设备包括镜头在内都是只租不卖的。
法国安琴公司也是生产电影电视镜头的老牌厂家，它生产了一款专用接环，可以加在蔡司的35mm电影镜头上，并通过改变光学路径的方式最后用在高清摄像机上。
不过这款专用接环作为一种代用品来说成本太贵，而且最后的成像是倒转过来的，需要摄象机再外加一块倒像卡将图象反转回来。
在对焦的问题上，电视摄像师习惯的方法，就是简单地把镜头推到长焦距处，对一下焦，然后拉开，在取景器或监视器上看一看，没有问题，就算是对好了，其后主体移动也不会有精密的跟焦操作。