20世纪音乐概述

20世纪西方音乐浅谈

新年的钟声刚刚敲响，我们也迎来了这个学期的期末。通过一个学期的学习使我对20世纪音乐有了更深入细致的了解。下面就是我通过学习后了解和总结的20世纪音乐的概况以及对美国作曲家格什温的作品《蓝色狂想曲》的分析。

在历史上，从来也没有一个时期象二十世纪那样风云变幻。两次大战改变了各国的边界和人们的思想方法，科学正在以令人目眩的速度把我们推向一种尚未为人所知的未来。在反时代精神的策动下，各种艺术，如绘画、雕刻、文学、戏剧和音乐，正在冲破着各种旧的形式，试图表现新的生活方式。

在每个国家，本世纪的作曲家们都在对音乐的诸要素，如节奏、旋律、和声、曲式等进行着实验。本世纪杰出的前苏联作曲家肖斯塔科维奇曾经说过，他赞成这样一种音乐，在其中所有的主题都绝对不出现重复，而且每个小节都应当同前面所有的小节完全不同。

许多作曲家都对节奏进行着实验。有的作曲家写出了既没有小节线，也根本没有节奏型的乐曲。其他现代作曲家们正在制造另一种音乐，在这种音乐中，一个管弦乐队或合唱队的两个部分有完全独立的节奏。

作曲家们还在旋律上，即各音的横向安排上做出了同样令人惊讶的改变。有些作曲家回到了古希腊人和早年教堂神父们的调式上去；有的作曲家从东方人的滑行音阶取得灵感，将“四分之一音”和比“四分之一音”更小的音程差别运用到了乐曲之中；有些人甚至发明了一架能弹出四分音而不是半音的钢琴。虽然这种音乐并没有得到发展，但它的确有助于使音乐家们更注意半音阶音乐，即利用所有半音的音乐。这种对半音的运用最著名的例子是奥地利音乐家勋伯格的十二音音阶。在形成一个旋律时，十二音音阶（由钢琴上一个八度范围内所有的白键和黑键组成）的每个音都必须逐个用过一次以后才能再用。当然，这种音乐没有特定的调子，因此被称为“无调性的音乐”。

在和声（即不同的音同时发音）方面，也有一些惊人的新发展。那些恢复古代调式的作曲家们往往也重新运用了古代的和声，例如多少世纪以来，曾经被传统和声学认为“用起来太僵硬”和“听起来太别扭”的平行四度和五度进行都得到了利用。

在现代音乐中，我们还可以发现叫做“多调性音乐”的东西，即同时用两个调子写的音乐。例如，一个旋律或主要的主题可能是C调的，而它的伴奏或助奏声部却可能是升F调的。

正如二十世纪的其它艺术形成那样，音乐艺术也趋向于多样化，众多的流派各成一体，都完全脱离了古典的美学传统。比较典型的几个音乐流派为：以巴托克、斯特拉文斯基为代表的“原始主义”；以亨德密特为代表的“新古典主义”；以勋伯格、韦伯恩为代表的“十二音主义”；以普罗科菲耶夫、肖斯塔科维奇为代表的“社会主义现实主义”等。本世纪中叶以后，还出现了“序列音乐”、“偶然音乐”、“具体音乐”等略显“怪异”的全新流派。

无论文学、美术还是电影、音乐等各个艺术分支，许多二十世纪的现代艺术作品问世之初，总难免遭到非议，其原因或者是与传统美学相悖，或者是难以理解。但是其中又有相当一部分作品经过时间的推移，逐渐得到人们的认可，而成为现代艺术中的名作。

随着本世纪电子技术的迅猛发展，音乐艺术也受到很大冲击，电声乐器从它的诞生之日起就对传统乐器提出了挑战。不过，那些至今已经得到广泛使用的电子乐器，如电风琴、电钢琴和电吉它，在音色上并不是新的乐器。前两种乐器只是模仿原有乐器的音色，而第三种乐器则只是扩大了原来乐器的音量。后来由于电子合成器的出现，人类终于可以演奏出人声、风雨声等传统乐器所不能实现的音色。

对新效果的最富戏剧性的追求是在打击乐器上进行的。从前，打击乐器几乎只是由定音鼓组成的，偶然由鼓和钹加以加强。现在，打击乐器组已经变成一个任何地方似乎都可以接受的东西：例如一个打字机、一个发电码的键、一个锤子、一张铁片、或一条沉重的铁链。

自古以来，人类艺术伴随着人类的文明，在历史长河中留下了许多不朽的印记。文学、雕刻与绘画等艺术形成早在远古就通过色彩、形状与线条流传给后世，唯独音乐这种特殊的艺术，却一直无法将声音留给后人。后人只能通过“乐谱”来了解前人的音乐，这就难免在一定程度上对原曲有“曲解”现象。

十九世纪末，旧式唱片的出现终于使名家的音乐得以完美地保存，音乐会再也不是人们欣赏音乐的唯一途径。但老式唱片的缺点很快就暴露无疑是容量小，寿命短，音质迅速“劣变”。虽然老式唱片几经改革，出现了密纹唱片和立体声唱片，但其缺点并未得到明显改善。因此，磁带便逐步取代了老式唱片的地位。磁带的优点是极其明显的，造价低廉、携带方便、容量较大、寿命长，而且可以很好地保持音质。但是，磁带取代老式唱片并不能算作一次“飞跃”，因为普通磁带的音质实在无法与旧式唱片相媲美。

激光唱片（CD）在音质、容量和寿命等各个方面都达到了十分完美的统一，这种“音乐光碟”的出现，使乐曲的保存技术达到一个新的高度。目前，这项技术还在不断发展。

二十世纪，录音技术的革命对于音乐的普及和教育起到了空前的推动作用。但是，唱片、CD泛滥，在无形之中阻碍了新一代演奏家、指挥家的创造性发挥，使得现代演奏家、指挥家的风格日益趋向相同。

可以这样说，在本世纪所有基于民族和社会习俗的音乐中，没有哪一种比美国爵士音乐具有更广泛的影响力了。由于它那狂热的节奏和古怪的不协和音，从某方面讲，它似乎是新时代的一种表现。爵士音乐有许多对职业音乐家们产生吸引力的特色，例如其中带有小三度和小七度的音阶，以及基于小三度和小七度音阶的七和弦等等。

可是，最具强烈感染力的爵士音乐特色，是它那独具魅力的节奏。在爵士音乐里，有一种新的切分音“多节奏性”，即同时有两种很强烈的节奏型相互对立，例如一个三拍子节奏加在一个四拍子节奏上。这种错综复杂的多重节奏显然是原始民族的音乐特点，因此爵士音乐的兴起，无疑是人类对于自然一种理性回归，这是本世纪各种艺术形式的共同趋向之一。

职业音乐家们也被那些不常使用乐谱的、甚至事实上常常不会读谱的原始爵士音乐演员们所迷住。在一时冲动下，这些自发的爵士音乐演员有可能在一个旋律上即兴演奏出最复杂的变奏曲。

我们在本世纪初美国杰出的作曲家乔治·格什温的代表作《蓝色狂想曲》中，可以找到爵士音乐在节奏上、旋律上和和声上最好的扩展运用。还有另一位美国当代作曲家格罗菲，也成功地借鉴了爵士音乐的特色，结合他那超凡的配器才能，描绘出一系列美国自然风景的音画。格罗菲创作的《大峡谷组曲》，表现了大自然的色彩和情调感，简直是一个令人目眩的乐器调色展览会。

《蓝色狂想曲》创作于1924年，同年2月12日在纽约的伊奥利亚音乐厅由保罗·怀特曼的管弦乐团首演，格什温担任独奏。

《蓝色狂想曲》的前半部由两个主题所主导：第一个是由单簧管向上滑音的布鲁斯主题，第二个主题为节奏上富于活力的曲调，机敏地与开篇的辉煌主题相对应。格什温认为第一主题为他积蓄了整整十年的乐曲奠定了基调：“这首乐曲是动荡的20世纪20年代音乐的声音，一个打破旧传统主张、享乐主义、蔑视习俗惯例和疯狂追求快乐的时代；轻年女子不受传统拘束的年代……在后裤袋里装酒瓶和非法经营酒馆，不承担法律义务的同居和多萝茜·帕克的俏皮话的年代。”

格什温在两个主题中给予钢琴很大的发挥空间，而管弦乐队时常以其华丽的声音穿插进入。最后，他引入了另一支爵士乐曲调，它作为通向我们更熟悉和更缓慢的第二部分。

钢琴和弦以宁静的半音进程以及富有神秘色彩和充满期望的步步上升，将我们带到广为人知的那一大段浪漫旋律的开始。弦乐开始缓慢而费力地演奏出个性化独特的旋律，它源自开始时有感染力的带切分的附加乐句。这个可爱的旋律相继变得敏感、辉煌、反复无常且具有金属的音色。然后乐曲转向了基于前面主题的快速再现，钢琴此时向着第二个节奏轻快的

旋律挺进，管弦乐队奏出了开头那段由单簧管演奏的主题。整个乐曲在简洁而富有戏剧性辉煌的旋律中结束。

《蓝色狂想曲》早在格什温创作生涯的初期，他就怀有成为严肃音乐家的雄心壮志。因此，当保罗·怀特曼为组织"现代音乐实验"音乐会而邀请他写一部"爵士协奏曲"时，格什温很感兴趣，他一直向往着写作掺有爵士乐因素的严肃音乐。

《蓝色狂想曲》是为钢琴和管弦乐队而写的类似单乐章的协奏曲作品，其中主题的即兴式表达同交响性的发展有机地结合在一起。黑人布鲁斯音乐的调式及和声因素、爵士音乐的强烈的切分节奏和滑音效果，都赋予这部构思独特的作品一种与众不同的色彩。格什温在这部作品中，对那些情绪全然不同的段落的安排，如抒情性与戏剧性，舞蹈性与歌唱性的对置，也颇具匠心。

由于格什温创作《蓝色狂想曲》的时间十分紧迫，他对配器没有把握，所以这首乐曲最初的配器是由美国著名作曲家格罗菲完成的。后来格什温又为这首曲子重新配器，这也就是现在演出的版本。

以上便是我对20世纪音乐的理解及对作品《蓝色狂想曲》的分析。

2006-1-6

巴洛克时期的音乐特点

巴洛克时期的音乐特点巴洛克时期是西方音乐史上的一个重要时期，以意大利歌剧的产生为标志。意大利歌剧中流传至今的优秀曲目成为这一时期音乐创作中的古典艺术精品。这些歌曲可称得上是世界声乐作品中一枝独放的奇葩，虽然距今已有300多年的历史，但仍以主题内容具有鲜明的人文特征；旋律声部优美、流畅；钢琴伴奏的织体简洁、纯朴；以及歌唱风格柔美、抒情等特征为世界各地的声乐爱好者和歌唱家们所珍爱。这些歌曲在当今的声乐教学中具有十分重要的价值。巴洛克音乐节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，很看重力度、速度的变化。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展，弦乐的音色更能体现出巴洛克的特色。巴洛克时期的三个代表人物有巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。巴赫是德国最伟大的古典作曲家之一，又是管风琴演奏家。他的主要作品有《约翰·受难曲》、《十二平均律钢琴曲集》等。巴赫的作品对近代西洋音乐具有深远的影响，所以在西欧他有"音乐之父"和"不可超越的大师"的荣称。亨德尔，著名的英籍德国作曲家，主要作品有《弥赛亚》、《哈利路亚》等。他的作品熔德国严谨的对位法、意大利的独唱艺术和英国的合唱传统于一炉，成为世界音乐史上的瑰宝。他同巴赫、维瓦尔第一起，为辉煌的巴洛克时代划上了一个圆满的句号。维瓦尔第，巴洛克时期意大利著名的作曲家、小提琴家。他最著名的作品是小提琴协奏曲《四季》。他的音乐天才启迪了后来的

巴洛克大音乐家，尤其是他丰富的作品和新颖的、科学的歌剧创作方法，刺激了现代意大利作曲家的好奇心。下面，我们具体的说一下巴洛克时期音乐的特点。一、旋律特点。旋律作为构成歌曲的首要要素，是人们感受并理解歌曲音乐的最直接载体，蕴藏着深刻而丰富的内涵。这一时期的歌曲具有篇幅短小但艺术表现独立而完整的特点，为了更好地表达作曲家对生命浓缩的感受，展现内心世界丰富的情感，作曲家在旋律上倾注了更多的心血。巴洛克时期的意大利歌曲一般具有音域不宽，音程以级进为主，旋律优美、流畅自然，感情真挚细腻，即使偶尔出现一些音程的大跳，也是为了情感表达的需要。二、伴奏织体的特点。巴洛克时期，在音乐上的一个突出的特点就是“数字低音”，它的运用构成了一种典型的巴洛克音乐织体——基本上是由旋律加和声伴奏构成。这种织体的优点在于：它强调的是两端的声部，即低声部和高声部这两个基本的旋律线条。我们现在接触到的乐谱是根据当时的“数字低音”而编配的钢琴伴奏谱，所以伴奏织体具有上述的特点。三、演唱风格的特点。巴洛克时期意大利歌曲的演唱和作品一样简单，不矫揉造作，宁静又连贯。演唱者必须严格按照谱面的要求，不能随意加快、放慢或者延长，尤其是有装饰音的乐句，必须认真对待装饰音中的每个音符，使

中国传统音乐概述

第一章中国传统音乐概述一、教学目的与任务 1 、了解中国传统音乐的悠久历史，激发学生的民族自豪感及对祖国优秀音乐文化的热爱之情。 2 、了解民歌与民间音乐的有关知识。二、教学重点 1 、传统音乐的历史概况 2 、民歌的特征三、教学时间：四学时四、教学过程第一单元（2 学时）（一）中国传统音乐文化的悠久历史 1 、原始社会时期 A ）河南舞阳县贾湖新石器时代遗址墓葬中出土的20 余支骨笛，能准确奏出七声音阶，距今约7000 ——8000 年。（1986 ——1987 年发掘） B ）浙江杭州湾余姚河姆渡遗址出土的160 余支大小与形制不同的骨笛，已有开管乐器、闭管乐器、拉管乐器三类不同的管乐器的雏形。 2 、先秦时期 A ）殷商甲骨文中的“乐”字、“鼓”字、“艺”字等。 B ）春秋时期孔子编辑的《诗经》是我国最早的歌曲总集。 C ）周代的“八音” D ）钟属乐器（湖北随县出土的战国编钟，十二律俱全，可在三个八度内构成完整的半音音阶） 3 、汉、魏晋时期： ?相和大曲：集歌、舞、乐于一体的大型套曲。 ?鼓吹乐的发展。 4 ）隋唐时期： ?西域音乐盛行。主要有：天竺乐、龟兹乐、西凉乐、高昌乐、康国乐、安国乐、疏勒乐。?法曲、鼓吹、古琴音乐等。 ?说唱音乐形成（寺院的变文讲唱为标志） 5 、宋代：词乐、古琴音乐的高度发展 6 、金元时期：戏曲音乐与说唱音乐 7 ）明清时期：戏曲音乐、说唱音乐、民间音乐均得以发展。（从明代的四大声腔到清代的京剧的产生）第二单元（2 学时）（二）、民间歌曲的界定民间歌曲简称民歌，是劳动人民在生活和劳动中自己创作、自己演唱的歌曲。在漫长的历史发展过程中，传统民歌是以口头创作、口头流传的方式生存于民间，并在流传过程中不断经受着人民群众集体的筛选、改造、加工和提炼。因此，流传至今的民歌集结了不同时期、不同地域、不同身份、不同经历的人民群众集体的智慧和情感体验。民歌是人类社会生活中最早形成的音乐形式，并由此孕育出其他民间音乐体裁以及专业音乐形式。可以说，民歌是一切音乐艺术的基础。

西方音乐史笔记

西方音乐史笔记 Document number：BGCG-0857-BTDO-0089-2022

柏辽兹：标题音乐的代表人物，标题交响曲的创导人，配器史上的重要人物。中期：李斯特、勃拉姆斯、柴可夫斯基、瓦格纳、瓦尔夫、布鲁克纳李斯特：标题音乐的代表人物，交响诗的创导人，钢琴音乐的重要代表。勃拉姆斯：浪漫主义时期的古典主义者柴可夫斯基：与强力集团相对，以借鉴西方作曲技术为主的俄罗斯世界主义作曲家布鲁克纳：受瓦格纳影响，在交响曲创作领域具有重要影响晚期：马勒、理查斯特劳斯晚期浪漫派的主要风格：受瓦格纳影响，注重庞大的乐队标志和冗长的音乐篇幅，运用尖锐德奥歌剧：瓦格纳乐剧改革法国歌剧：大歌剧概念及代表作（3部）抒情歌剧概念及代表作（1部）十九世纪的法国抒情歌剧多取材于文学名着，它避免大歌剧的浮华和轻歌剧的肤浅，强调用朴实真挚的音乐语汇来表达感情。主要代表作有古诺所作的《浮士德》等。轻歌剧概念及代表作（2部）

巴洛克时期键盘音乐的演奏风格

巴洛克时期键盘音乐的演奏风格作为一名钢琴学习者，把握作品的演奏风格与提高个人演奏技术是同等重要的。纵观西方钢琴艺术发展，钢琴音乐的创作风格大致经历了四个主要时期:巴洛克风格时期、维也纳古典主义风格时期、浪漫主义风格时期、印象主义及20世纪现代音乐风格时期。四个风格时期中，距离我们最远的是巴洛克时期。巴洛克是西方艺术史上的一种艺术风格，16世纪末期产生于意大利，17世纪盛行于整个欧洲。巴洛克风格表现在各个艺术领域，内涵也极为复杂，但最基本的特点是打破文艺复兴时期的严肃，含蓄和均衡，崇尚豪华和气派，注重强烈情感的表现，气氛热烈紧张，具有刺人耳目、动人心魄的艺术效果。巴洛克时期，器乐艺术开始与声乐艺术并驾齐驱，作为音乐艺术最主要的两种表现方式，开始走向世界各自独立发展的道路。在巴洛克时期的器乐中，键盘乐器的地位举足轻重，它既用于演奏通奏低音的声部，也可以用来独奏。这一时期的键盘乐器可分为羽管键琴（也称“拨弦古钢琴”）、楔槌键琴（也称“击弦古钢琴”）和管风琴三种主要形态。在古钢琴发展中有两个盛期：英国伊丽莎白时期的拨弦古钢琴在钢琴艺术史上被称为“古钢琴第一盛期；在法国形成的羽管键琴音乐的繁荣时期是钢琴艺术史上的“古钢琴第二盛期”。在巴洛克时期的键盘音乐中最有代表性的作曲家有约翰·塞巴斯蒂安·巴赫(Johann SebastianBach)、乔治·弗里德里克·亨德尔(George Friderie Handel)以及多美尼科·斯卡拉蒂(DomenicoSearlatti)，他们的键盘音乐作品在学习钢琴演奏的各个阶段中都有所涉及。但是，很多人在演奏他们的作品时，经常会与后来的古典主义时期、浪漫主义时期的演奏风格混淆不清，造成学习和演奏上的诸多问题。因此，在学习、演奏巴洛克键盘音乐时，正确理解和把握其演奏风格就显得尤为重要。巴洛克时期的作品总体来说，速度中庸，音乐平衡、庄严。由于古钢琴音量非常小，钢片拨弦有局限性，所以力度上没有很大的变化，只是采用音区式力度和阶梯式力度，不能做渐强、减弱起伏的变化。和声上以复调音乐为主，产生了对位法，即在大小调式的基础上把不同的旋律线条按一定原则组织起来，不仅要求横向线条独立，同时还要主意纵向的和声关系。复调音乐是多层面、多线条、多重性的复杂思维，在声音上重视每个音的触键，不但每个音符要有良好的音质，同时还要注意每个线条的歌唱性。奏法上也非常讲究。当时古钢琴演奏强调表现力时靠奏法和装饰音，通常有两种奏法，即连奏和断奏。由于这一时期铺面上没有奏法的标记，所以只能靠演奏着自己的分析和理解弹成连奏或断奏，大致有两种基本原则：1.音阶性-----级进的音弹成连奏。2.三度以上的音处理成断奏，或者是八分音符弹成断奏，十六分音符弹成连奏。装饰音在巴洛克时期非常重，它是为了使旋律更美，更富趣味性，同时也是为了弥补当时你的古钢琴的局限性而大量出现的一种记法。复调性是巴洛克钢琴音乐的的重要特点。巴赫的音乐充满内部结构的平衡与美感，是复调性程度最高的。亨德尔的作品相比较之下具有更多主调成分，但仍带有十分强烈的复调倾向。D·斯卡拉蒂的奏鸣曲则基本上以主调写法为主体，

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第六章浪漫主义时期的音乐文化时间：整个19 世纪时代概述背景：十八世纪兴起的浪漫主义文学 1815 年、1830 年、1831 年、 1848 年、1861 年、1871 年、主要音乐风格：塑造与现实对立的想象中的形象情感大于理智个性大于共性注重心理刻画和声色彩性大于功能性内容重于形势创新体裁、发展手段、改变形势加强与姐妹艺术的联系民族主义音乐迅速崛起浪漫主义音乐的时期划分早期： 19 世纪初 ~19 世纪上半叶中期： 19 世纪中 ~19 世纪下半叶晚期： 19 世纪末浪漫主义音乐的主要分支：标题音乐、民族乐派浪漫主义个时期的主要音乐家早期：韦伯、舒伯特、门德尔松、舒曼、柏辽兹、肖邦门德尔松：创办德国第一所音乐学院，确立用指挥棒指挥，发掘并指挥演出前辈的作品舒曼：由钢琴演奏转向作曲与评论，创办的《新音乐杂志》起到了传播新思想，介绍新音乐，推荐新人，并对“庸夫俗子“音乐进行抨击的作用。柏辽兹：标题音乐的代表人物，标题交响曲的创导人，配器史上的重要人物。中期：李斯特、勃拉姆斯、柴可夫斯基、瓦格纳、瓦尔夫、布鲁克纳李斯特：标题音乐的代表人物，交响诗的创导人，钢琴音乐的重要代表。勃拉姆斯：浪漫主义时期的古典主义者柴可夫斯基：与强力集团相对，以借鉴西方作曲技术为主的俄罗斯世界主义作曲家布鲁克纳：受瓦格纳影响，在交响曲创作领域具有重要影响晚期：马勒、理查斯特劳斯晚期浪漫派的主要风格：受瓦格纳影响，注重庞大的乐队标志和冗长的音乐篇幅，运用尖锐的不协和弦和半音和声。瓦格纳在论著《音乐与戏剧》中提出：戏剧是目的、音乐只是手段（认为以往的歌剧已本墨倒之）。他强调未来艺术必须以浪漫主义歌剧的发展线索古希腊悲剧为榜样达到再次综合。运用场幕结构、无终旋律、德奥歌剧：诵唱旋律、主导动机、半音和声、重浓的管弦乐等改革性手段，韦伯的歌剧《自由射手》并改称为“乐剧” ，以替代以“歌”为主的传统歌剧。半音和瓦格纳乐剧改革声打开了通向调性瓦解的大门。代表作有《特里斯坦与伊索尔德》、四部剧《尼伯龙根的指环》等。

民族音乐概论

民族民间音乐戏曲音乐戏曲：是在中国传统的戏剧形式，是以文学剧本为主体，是集音乐、舞蹈、表演、舞台美术等多种艺术手段于一身的综合性舞台艺术，戏曲音乐是戏曲艺术中表现人物思想感情，刻画人物性格，烘托舞台气氛的重要艺术手段之一，也是区别不同剧种的标志。戏曲发展概况：一）宋以前——戏曲艺术的孕育期二）宋元年间——戏曲艺术的形成期（戏曲艺术的第一个繁盛期）三）明清时期——戏曲艺术的繁荣期（戏曲艺术的第二个繁盛期）唱：是戏曲演出中剧中人物进行内心情感抒发或叙事的主要方式念：是对戏曲演出中对人物间的对白和独白的总称做：是对戏曲演员的身段，表情，气派，风度等表演的总称打：指戏曲中对点头场面的表演手段，也叫‘开打' 舞台布置的写意：一桌二椅人物化妆的写意：戏曲脸谱人物服饰的写意：长袖善舞舞台行动的写意：有话则长，无话则短一切自然状态的喜剧材料，按照美的原则予以提炼，概括，夸张，变趟马走边自报家门跑龙套档一、昆腔：又名昆曲、昆山腔，为百戏之祖。元末明初产生于江苏省昆山一带，是南曲与当地民间音乐结合衍变而成。明嘉靖年间经魏良辅、梁辰鱼等艺术家改革昆山腔，创立以笛、鼓板为主，辅以笙、箫、三弦、琵琶、月琴等的伴奏乐队，曲调柔婉优美、圆润舒缓、表情细腻，人称‘水磨腔'。两人合作的《浣纱记》誉为昆腔传奇，代表着昆腔的改良。昆腔的套曲结构：引子+正曲 +尾声。节拍形式：一板三眼、一板一眼、散板和加赠板的四八拍代表作—— 明代汤显祖的《牡丹亭》选段游园惊梦传统剧目—— 《十五贯》、《钟馗嫁妹》、《雷峰塔》一、高腔：即明代的弋阳腔，产生在江西省弋阳一代。弋阳腔以不用丝竹乐，仅用锣鼓铙钹等打击乐伴奏和运用人声帮腔而区别于其他声腔。行腔灵活自由、通俗、纯朴等特点。属戏曲声腔的剧种根据各地方言，音乐曲调的异同、流行地区的不同而形成的各种中国戏曲的艺术总称。戏曲的特点： 1 综合性： 2 写意性： 3 程式性：形，使之成为节奏鲜明，格律规整的戏剧（起霸子对子刷下场抬轿跑圆场）。 4 虚拟性：对时间的虚拟对空间的虚拟戏曲中的主要声腔和代表剧种

中国民族音乐的特点

中国民族音乐的特点中国的民族音乐艺术是世界上非常具有特色的一种艺术形式，那么，中国民族音乐有什么特点呢?下面就跟随小编的步伐一起来了解一下中国民族音乐基本特点的相关知识吧! 中国民族音乐的基本特点首先，从音乐的构成上来说，中国音乐是以五声调式为基础的音乐。所谓五声调式，是由指宫、商、角、徵、羽这五个音组成的调式，类似于简谱中的1、2、3、5、6。民族音乐中的六声调式和七声调式是在五声调式的基础上发展起来的。中国传统音乐一般都是由五声音阶写成的，如民歌《茉莉花》、《小河淌水》、《五哥放羊》，器乐曲.《春江花月夜》、《梅花三弄》..等等。过去经常有人把唱歌不准的人称为五音不全，这里说的五音就是指五声调式中的这五个音。其次，在音乐的表现形式上，中国音乐注重音乐的横向进行，即旋律的表现性。与中国的书法、绘画等艺术一样，在艺术风格上，中国音乐讲究旋律的韵味处理，强调形散神不散。传统的中国音乐作品在旋律进行上常常以单旋律的方式进行，对和声的运用较少。如人们熟悉的中国古代的十大名曲，基本上都是某一种乐器的独奏曲目。合奏音乐一般用在宫廷典礼、宗教仪式、迎神赛会等大型场合，这与讲求和声效果的西方音乐是有较大区别的。再次，中国传统音乐与舞蹈、诗歌等姊妹艺术也有着密切的关系。

在古代，音乐一般都离不开舞蹈，如远古时期的..《六代乐舞》、唐朝的歌舞大曲以及唐宋以后兴起的戏曲音乐都体现了音乐与舞蹈结合。古代的诗歌一般分为诗、词、曲三类，开始都是用来演唱的，只是后来诗歌的功能有了分化。从现代音乐角度来看，歌曲的歌词大都是押韵的，一首好的歌词本身也是一首好的诗歌。另外，中国的民族声乐艺术在演唱方法上也是很有特色的。我们通常把这种中国人千百年来在音乐实践中创造的，具有鲜明的民族特色，符合中国人欣赏习惯的演唱方法叫做民族唱法。民族唱法的特点是:强调声音的明亮与甜美，语言生动与感情质朴，强调行腔的圆润和咬字吐字的清晰，讲求气息的运用，并以真声演唱为主。近年来，我国声乐工作者在继承我国民族传统唱法的基础上，不断借鉴和吸收美声唱法的特点，使民族唱法更加科学，生命力更强。中国的戏曲唱法也是民族唱法的一种，是很具特色的演唱方法。中国戏曲种类很多，不同的戏曲有不同的演唱方法，戏曲唱法以京剧的唱法最有代表性。在京剧中，演唱方法又叫唱腔。京剧中的生、旦、净、末、丑五种角色各有各的唱腔，其唱法复杂多变，真假声并用，方法考究，是世界上特色鲜明的演唱方法。现代民族唱法中的很多精华都来自中国的戏剧唱腔。中国民族音乐的来源中原音乐、四域音乐、外国音乐是中国传统音乐的三大来源。 1、中原音乐指的是以黄河流域为中心发展起来的音乐。在漫长的历史发展过

西方音乐史古典讲稿

（一）概述：定位——；社会文化历史背景——；两大时段——“前古典”和“维也纳古典时期” （二）古典主义时期的音乐有如下这样一些新的特征：一、器乐继续发展和走向成熟，并在这一时期取得了前所未有的成就。具体表现在：1、大小调体系成熟； 2、对比、对称、平衡和简洁的音乐语言结构，主调音乐处于主导； 3、交响曲、古典奏鸣曲、弦乐四重奏的形成； 4、维也纳古典乐派产生；二、受启蒙运动影响，歌剧领域出现革新潮流： 1、喜歌剧的产生。 2、歌剧改革。早期古典主义音乐（前古典主义音乐）第一节前古典主义的概念：大约1730~1780属于这一时期；歌剧和器乐是这一时期音乐的主要内容第二节歌剧的变化 ?一、喜歌剧（opera buffa）的兴起： ?1、意大利的喜歌剧。喜~产生于意大利，从正歌剧的幕间剧（intermezzo）中脱胎而出。第一部喜歌剧《女仆作夫人》—作者：乔瓦尼.巴蒂斯图塔.佩格莱茜（G.B.Pergolesi,1710~1736）?喜歌剧的特点：（1）、大众化，生活化。（2）、表现形式比较简单（3）、音乐比较通俗。（4）、娱乐性，常常具有讽刺性。 ?2、法国的喜歌剧（opera comique）。 “喜歌剧之争”是法国音乐中的重要事件。卢梭的《乡村卜者》 ?3、英国的《乞丐的歌剧》盖伊曲、佩普什脚本。 ?4、德国的歌唱剧（singspiel）。二、歌剧改革 ?1、歌剧改革的背景； ?2、格鲁克的改革； (G.G.Gluck,1714~1787)德国作曲家代表作：《奥菲欧与优丽狄茜》 ?3、改革的要点：《阿尔采斯特》（1）、歌剧中的一切服从于戏剧表现的需要；

对中国民族音乐认识

对中国民族音乐认识中国民族器乐的历史悠久。从西周到春秋战国时期民间流行吹笙、吹竽、鼓瑟、击筑、弹琴等器乐演奏形式，那时涌现了师涓、师旷等琴家和著名琴曲《高山》和《流水》等。秦汉时的鼓吹乐，魏晋的清商乐，隋唐时的琵琶音乐，宋代的细乐、清乐，元明时的十番锣鼓、弦索等,演奏形式丰富多样。近代的各种体裁和形式,都是传统形式的继承和发展。中国民族音乐一般分为五大类，即歌曲、歌舞音乐、说唱音乐、戏曲音乐和器乐。每类音乐又各有多种体裁、形式、乐种和作品，如歌曲又有古代歌曲和民间歌曲之分；民间歌曲中又分劳动号子、山歌、小调、长歌及多声部歌曲等不同的体裁；同是山歌，又因地区、民族的不同而风格迥异，各具特点。又如民族乐器，早在两千多年的周代就有七十多种乐器了。现在经常使用的乐器已达两百多种。按其演奏方法和性能，可分为吹管乐器、拉弦乐器、弹弦乐器和打击乐器四类，这些乐器既能独奏，又能组合成各种形式和乐队进行重奏和合奏，并具有独特而丰富的艺术表现力,民族器乐有各种乐器的独奏、各种不同乐器组合的重奏与合奏。不同乐器的组合，不同的曲目和演奏风格，形成多种多样的器乐乐种。各种乐器的独奏乐是民族器乐的重要组成部分。中国民族器乐的历史悠久。从西周到春秋战国时期民间流行吹笙、吹竽、鼓瑟、击筑、弹琴等器乐演奏形式，那时涌现了师涓、师旷等琴家和著名琴曲《高山》和《流水》等。秦汉时的鼓吹乐，魏晋的清商乐，隋唐时的琵琶音乐，宋代的细乐、清乐，元明时的十番锣鼓、弦索等,演奏形式丰富多样。近代的各种体裁和形式,都是传统形式的继承和发展。中国民歌民歌是人类历史上产生最早的语言艺术之一。我们的祖先，在生产劳动中，创造了音乐，唱出了最早的民间歌曲——劳动号子。原始的民歌，同人们的生存斗争密切相关，或表达征服自然的愿望，或再现猎获野兽的欢快，或祈祷万物神灵的保佑，它成了人们生活的重要组成部分。随着人类历史的发展、阶级的分化和社会制度的更新，民歌涉及的层面越来越广，其社会作用也显得愈来愈重要了。说唱音乐这种音乐是以一段固定的旋律、节奏，配上合成器、刮唱片和快得听不懂的说唱所组成，很多人觉得太怪异、太单调，所以预测它维持不了多久，可是事实证明，从它发展到现在所有正式的音乐颁奖礼及歌曲排行榜上都有说唱这个项目的细分，像Billboard的年度说唱专辑大奖便是了解美国说唱流行趋势的最佳指南。许多人认为所有的说唱音乐听起来都是一样的，其实不然。你要先去听说唱所表现出来的节奏和押韵的感觉，再去了解它要表达的内容。戏曲音乐戏曲音乐是中国戏曲中的音乐部分,包括声乐部分的唱腔、韵白和器乐部分的伴奏、开场及过场音乐。其中以唱腔为主，有独唱、对唱、齐唱和帮腔等演唱形式，是发展剧情、刻划人物性格的主要表现手段。唱腔的伴奏、过门和行弦起托腔保调、衬托表演的作用。开场、过场和武场所用的打击乐等则是喧染气氛、调节舞台节奏与戏曲结构的重要因素。

西方音乐史概述

一、古代希腊和罗马音乐概述：古希腊文化艺术的繁荣期和音乐的成就：我们对古代音乐状况的了解主要是间接地通过文字记载、瓷器等历史遗迹所提供的资料。公元前8世纪以来，希腊社会结构发生了重大变化，氏族部落演化为城邦制，雅典、斯巴达等重要城市崛起。公元前6到4世纪古希腊的文化艺术空前繁荣。歌唱、抒情诗、器乐演奏和有音乐伴奏的戏剧等发展到很高水平，围绕着它们展开的各种公众比赛，竞技活动丰富多样。音乐理论成就：古代希腊的音乐哲学，以及关于音律、音阶、调式、记谱等理论主要产生于这一时期。（一）、古希腊音乐的特点：单声部音乐，有自然音类型以及自然音与各种变化音（半音或小于半音）混合的旋律风格，音乐同舞蹈、诗歌紧密结合，歌唱时可以有乐器伴奏，用字母记谱，歌词往往是当时一些重要的诗篇。（二）、常用乐器：里拉和阿夫洛斯管（三）、音乐理论：两个方面：1、音乐材料和构成方式的理论，它涉及音程、音阶、调式等方面的内容 2、关于音乐的本质的理论，它涉及哲学、艺术美学等方面的问题。毕达格拉斯认为宇宙和谐的基础是完美的数的比例，音乐与宇宙天体存在类似，因此音乐可以最好地说明宇宙现象。弦长比2：1时发出相隔八度的两个音高；弦长比例分别为3：2和4：3时发出相隔纯五度和纯四度的两个音高。公元前4世纪希腊著名音乐理论家阿里斯多塞诺斯著有《和谐的要素》，音乐理论最核心的内容就是四音音列，古代关于旋律、音阶、调式的理论都建立在四音音列基础之上。四音音列建立于一个固定四度框架，中间的两个音不固定，它们可以灵活变动，形成三种类型的四音音列，即自然音列、变化音列以及更细微划分的四音音列。大完整音列体系由四个相同结构四音音列构成，四音音列以相交和相隔方式混合联结。小完整音列体系由三组四音音列构成，省去了大完整音列体系的最高一组四音列。调式以几个重要氏族部落命名记谱法有两种，以字母和符号分别用于记写歌唱和器乐的演奏。古希腊理论家认为音乐充满了伦理价值的取向，古希腊人认为不同的调式与不同的情感相联系，不同调式的使用可以影响人的道德情感。（古希腊著名的模仿说）柏拉图认为，体育训练体质，而音乐训练心智。二、中世纪音乐概述中世纪的时期划分：音乐史研究一般倾向于公元5世纪西罗马灭亡到14、15世纪之交。与古代文明的联系：七艺的高级学术，即语言艺术的“三艺”：语法、修辞、逻辑；数学艺术的“四艺”：算术、几何、天文、音乐。对中世纪的认识：西方历史上的“中世纪”在过去很长时间被视为无所作为的“黑暗时代”，然而今天的历史学家倾向于以一种更为客观的态度来面对这一段历史。中世纪僧侣对古代文化的传统和发展具有不可低估的历史贡献，西方音乐后来的独特发展包含着中世纪音乐家在理论和实践方面的重大成就。西方音乐真正的开始是从中世纪开始。（一）、格里高利圣咏定义：礼拜活动中的唱诵经文称为圣咏。格里高利圣咏使用于罗马教会礼拜仪式，以著名教皇格里高利一世命名，因表情肃穆、风格朴素也被称为素歌。特征：格里高利圣咏的特点和意义：

巴洛克时期的音乐历史文化背景及音乐特点简析

学院：工商管理学院班级：08会计学三班学号：200842114351 姓名：朱华越 2010---2011学年第二学期《西方音乐简史》考试试题巴洛克时期的音乐历史文化背景及音乐特点简析摘要：“巴洛克”是一个时期，而不是一种“风格”，这个时期出产的音乐作品就称为巴洛克音乐，1600到1750年这150年间就叫做巴洛克时期，14至16世纪就是“文艺复兴时期”，这两个时期虽然在时间方面的区别不是很大，但在艺术方面的东西有很大的区别，所以把它们分为两个时期！“巴洛克”也译为“巴罗克”，这一词产生于文艺复兴时期，并源语葡萄牙语，原意指体大且形状不规则的珍珠，在意大利语中有冲动、任性、夸张、幻想之意。它的节奏强烈、跳跃，采用多旋律、复音音乐的复调法，比较强调曲子的起伏，所以很看重力度、速度的变化。巴洛克音乐是后期发展的一个基础。在声乐方面，巴洛克音乐带有很浓的宗教色彩，当时的宗教音乐在西方音乐的发展占很大的分量。那个时期的器乐曲发展也很迅速，尤其是弦乐方面的发展。那个时期的代表人物有：巴赫、维瓦尔蒂和亨德尔。小提琴的出现、拨弦古钢琴的成形都为巴洛克音乐提供了更丰富的表现力；其他乐器的发展也使得某些特定风格的巴洛克音乐其配器得以朝着多元化、大规模的方向发展。关键字：巴洛克、文艺复兴、音乐特点、代表人物一、巴洛克音乐的历史文化背景巴洛克是西方艺术史上的一种艺术风格，最初是指那些产生于文艺复兴时期的，并且在1600~1750年间繁荣起来的音乐和其他一些视觉艺术。巴洛克风格的产生经历了一个相当长的时间过程。随着文艺复兴的衰落和反宗教改革潮流的蔓延，在意大利以及天主教甚至新教世界中，艺术和音乐比纳入具有新的教会精神的文化氛围中。在古典主义形式的完美、平衡、和谐被打乱之后，综合、调和以及刻意的修饰成为新一代风格教会为自己的世界从建筑形式上提供了富丽堂皇、瑰丽精致的形式，同时也给音乐打下了自己的文化烙印。随着文化功能的转变，艺术和音乐实际上远离文艺复兴的人文精神，而在教会精神中获得原动力。虽然“巴洛克”这样一个术语是无法总括一段历史中多样的音乐风格，但是，由于“巴洛克”在使用中确实被用来泛指整整一个历史时期的艺术和文学，并且这样一个时期的音乐，与当时的建筑、绘画、文学，甚至与科学、哲学都有某种相似的文化品性，因此，出于这样一种看法，即音乐和人类其他创造性活动之间存有一种联系，而一个时代的音乐又往往会以为它特有的方式去反映其他时代艺术中表达相似的观念和倾向，人们才会在艺术史上，用巴洛克、浪漫派之类的称谓来表示一个历史时期的艺术。

中国民族音乐概论读书笔记

《中国民族音乐概论》读后笔记赵昭狄德罗说过——不读书的人，思想就会停止。作为一名教师，如果思想停止了是多么可怕的一件事情。学生来到学校为的是学习知识，而知识是学无止境的，随着时间的发展和社会的进步，我们要学的知识也越来越多，越来越繁琐。现在的小学生看到的见到的事物也是越来越多，想要从老师这里获取的知识也不在局限在课本上了，学生要学习，老师更要进步。读一本好书，什么样的书才所是好书呢？对学生有用的书就是好书。现在的学生对于课本上的歌曲都显得没有兴趣，而对于听不清楚歌词，节奏悠长的流行歌曲却听几遍就会。中国的民族音乐是怎样发展的，古代人们耳中听到的音乐是什么样的呢？带着这个好奇我找到了一本好书——《中国民族音乐概论》这本书共有两册，一册为《中国民族音乐概论——文字部分》和《中国民族音乐概论——谱例部分》，基本内容是围绕中国民族音乐的五大类别即：民间歌曲、歌舞音乐、说唱音乐、戏曲音乐、民族器乐等而展开，详细介绍了其历史发展脉络，体裁分类形式，音乐风格特征，以及代表人物，代表作品，风格流派等方面的内容和知识。同时，这本书兼顾汉族与少数世族的歌种、舞种、曲种、剧种、乐种的音乐形态做了细致分析，并附以完整的谱例对其代表性的优秀曲目进行介绍；对宗教音乐中的佛教音乐、道教音乐也做了一般性叙述。通过这一段时间的对这本书的阅读，对于我国音乐史的发展也有了肤浅的理解。中华古乐，源远流长。史实为证中华文明是古乐的发源地之一，不仅承载了五千年的文化精髓，也埋藏整个人类文明的巨大宝藏，无论是物质的还是非物质的，皆蔚为大观。历史蹉跎，许多曾经广为流传的乐章已成残曲败谱，甚至于成了千古绝唱，更有那些曾经盛极一时的古代乐器到如今却已埋骨黄沙，永久的失传了。诸多怀古之辈，一直不停的追寻着民族古乐的芳踪，却也只能触其冰山一角。古中国的文化历史有固有局限，音乐的传承方法单一，音乐的载体转瞬即逝，乐谱符号也与现今的通用七音不同。西周至春秋战国这段时期，民间攻于笙竽、鼓瑟、击筑、弹琴等器乐演奏，那时涌现了师涓、师旷这类古琴大家和家喻户晓数千年的《高山》和《流水》。春秋战国时期，诸子齐出，百家争鸣，音乐作为一种文化载体也发展得相当繁荣，儒家、墨家、道家皆形成了自己独特的音乐思想，更有人将那时的宫廷贵族乐和民间乐喻为阳春白雪和下里巴人。唐朝是整个华夏文明的杰出代表，在这盛世天朝下自是一幅歌舞升平的繁荣景象，而此时外来文化的传入也囊括了音乐。

中国民族器乐的分类发展及演奏形式

中国民族器乐的分类发展及演奏形式我国的民族器乐是世界音乐文化宝库中一颗璀璨的明珠，我们的祖先为我们保留了大量优秀的民族乐器乐曲。目前，我国传统乐器按其演奏方法及音响效果可划分为吹、打、弹、拉四大类。一、吹奏乐器中国民族乐器的吹奏乐器主要是竹、木制片，发音原理上很像西洋乐器的木管乐器。吹管乐器是我国比较古老的乐器，浙江河姆渡遗址发掘的乐器如“陶埙”距今已经有七千多年的历史。吹管乐器在民族管弦乐队中应用得最为广泛。根据其起振方法不同，可分为三类：第一类，以气流吹入吹口激起管柱振动的有箫、笛(曲笛和梆笛)、口笛等。如《姑苏行》笛子独奏和《五梆子》笛子曲第二类，气流通过哨片吹入使管柱振动的有唢呐、海笛、管子、双管和喉管等。如《百鸟朝凤》唢呐曲和《江河水》双管独奏曲第三类，气流通过簧片引起管柱振动的有笙、抱笙、排笙、巴乌等。如《凤凰展翅》笙曲和《草原骑兵》由于发音原理不同，所以乐器的种类和音色极为丰富多采，个性极强。并且由于各种乐器的演奏技巧不同以及地区、民族、时代和演奏者的不同，使民族器乐中的吹奏乐器在长期发展过程中形成极其丰富的演奏技巧，具有独特的演奏风格与流派。典型乐器：笙、芦笙、排笙、葫芦丝、笛、管子、巴乌、埙、唢呐、箫。二、弹拨乐器我国的弹拨乐器分横式与竖式两类。弹拨乐器在中国民族乐器中占有很重要的位置，琴、筝、琵早在周秦时代就有了，这类乐器分两种：横式，如：筝(古筝和转调筝)、古琴、扬琴和独弦琴等；古琴传统曲目较著名的有《流水》、《广陵散》、《渔樵问答》、《酒狂》等。竖式，如：琵琶、阮、月琴、三弦、柳琴、冬不拉和扎木聂等。琵琶曲中著名的如《阳春白雪》、《十面埋伏》、《大浪淘沙》、《彝族舞曲》等。弹奏乐器音色明亮、清脆。右手有戴假指甲与拨子两种弹奏方法。弹奏乐器除独弦琴外，大都节奏性强，但余音短促，须以滚奏或轮奏长音。弹拨乐器一般力度变化不大。在乐队中除古琴音量较弱，其它乐器声音穿透力均较强。弹拨乐器除独弦琴外，多以码(或称柱)划分音高，竖式用相、品划分音高，分为无相、无品两种。除按五声音阶排列的普通筝等外，一般都便于转调。各类弹奏乐器演奏泛音有很好的效果。除独弦琴外，皆可演奏双音、和弦、琵音和音程跳跃。我国弹奏乐器的演奏流派风格繁多，演奏技巧的名称和符号也不尽一致。典型乐器：琵琶、筝、扬琴、七弦琴(古琴)、热瓦普、冬不拉、阮、柳琴、三弦、月琴、弹布尔。三、打击乐器我国民族打击乐器品种多，技巧丰富，具有鲜明的民族风格。根据其发音不同可分为： 1、响铜，如：大锣、小锣、云锣、大、小钹，碰铃等； 2、响木，如：板、梆子、木鱼等； 3、皮革，如：大小鼓、板鼓、排鼓、象脚鼓等。我国打击乐器不仅是节奏性乐器，而且每组打击乐群都能独立演奏，对衬托音乐内容、戏剧情节和加重音乐的表现力具有重要的作用。民族打击乐器在我国西洋管弦乐队中也常使用。民族打击乐可分为有固定音高和无固定音高的两种。无固定音高的如：大、小鼓，大、小锣，大、小钹，板、梆、铃等有固定音高的如：定音缸鼓、排鼓、云锣等。典型乐器：堂鼓(大鼓)、碰铃、缸鼓、定音缸鼓、铜鼓、朝鲜族长鼓、大锣小锣、小鼓、排鼓、大钹。四、拉弦乐器

巴洛克时期音乐精要

第二节巴洛克时期（17世纪至18世纪上半叶）意大利歌剧的产生与发展 1．音乐史上第一部歌剧是诞生于1597年，里努契尼作剧，培里作曲的《达芙妮》。2．1600年被称为歌剧的诞生年。 3．歌剧诞生于意大利弗罗伦萨。 4．歌剧的发展： ⑴罗马歌剧代表人：卡瓦利埃里，代表作《灵魂与躯体》 ⑵威尼斯歌剧代表人：蒙特威尔第，代表作《奥菲欧》是其第一部歌剧。 ⑶那波里歌剧的代表人：阿·斯卡拉第。贡献：确定了意大利歌剧序曲的典型形式。 5．1637年在威尼斯建立了欧洲第一座公开演出的歌剧院。法国歌剧——17世纪法国歌剧代表人：吕利。贡献：确立了法国歌剧形式“抒情悲剧”。代表作：《卡德缪斯和赫尔米昂》（1673年，第一部真正的抒情悲剧）英国歌剧——17世纪英国歌剧代表人：波塞尔，代表作《狄东与伊尼》。其他声乐体裁清唱剧和康塔塔都是产生于17世纪初的意大利。器乐音乐 1．巴洛克时期对风琴音乐贡献最大的国家：德国。 2．17世纪德国管风琴音乐代表人：布克斯特胡德。（17世纪） 3．巴洛克时期对古钢琴音乐贡献最大的国家：法国。 4．法国古钢琴音乐代表人：F·库普兰（罗克克风格代表）。 5．小提琴音乐代表人： ⑴维瓦尔第（意大利）代表作：《四季》贡献：确立了古典小提琴协奏曲的结构样式。 ⑵塔蒂尼代表作《魔鬼的颤音》第三节巴赫与亨德尔巴赫——巴洛克时期德国作曲家（西方音乐之父） 1．巴赫的音乐创作 ⑴声乐作品：康塔塔①世俗康塔塔《咖啡康塔塔》②宗教康塔塔《宗教改革康塔塔》 ⑵受难曲：《马太受难曲》 ⑶弥撒曲：《b小调弥撒曲》 ⑷钢琴音乐：《十二平均律钢琴曲集》 ⑸管风琴音乐：《d小调托卡塔与赋格》 ⑹管弦乐曲：《布兰登堡协奏曲》

中国民族音乐的发展之我见

中国民族音乐的发展之我见中国的民族音乐是伴随着中国传统文化逐渐发展起来的，它以其独特的音乐及韵味受到人们的喜爱。然而随着时代不断进步和发展，以及西方文化潮流的冲击，使我国民族器乐音乐在发展道路上不同程度地受到了影响，人们更多的欣赏流行音乐以及西方的交响乐，民族音乐似乎已经成为了老一辈人的一个美好的童年记忆。这种时候一个新的民族音乐表演形式出现了，它融合了中国传统文化与现代流行元素，一出现就给观众带来了耳目一新的感觉，这就是新民乐，民族音乐又重新回到了艺术文化的风口浪尖上。传统音乐是我国民族音乐中一个极为重要的组成部分，传统音乐与新音乐的区别并不在于创作时音的先后，而是在于其表现形式及风格特征。如二胡独奏曲《二泉映月》、《渔舟唱晚》虽是近代音乐作品，但其表演形式属中华民族所固有，所以也是传统音乐。传统文化，我们是一定要保留的，尤其有着五千年历史的中国，它的传统文化在世界文化遗产中也是重要的篇章，传统文化的保留与传承是至关重要的，但是这种保存不是封闭性的，绝对排斥任何改变，所追求的是原封不动的传统样式，其传承方式、内容等全部均严格地按“求真禁变”的方针进行。虽然这种方式用于传统艺术成品的保存尤为重要，但是，这对中国传统民族音乐的发展封锁了道路。在其他文化领域都在寻求发展的同时，中国传统民族音乐却还是按部就班地在发展，不接受外来文化，不寻求任何改变，认为一旦接受了外来文化就不再是中国传统音乐了，况且中国文化底蕴如此深厚，根本就不

需要改变，这就好像清朝末年清政府实行“闭关锁国”的政策一样，看到的只是自己如何的强大，却不知外面的世界根本不如自己想象中的不堪。以“女子十二乐坊”为代表的新民乐就是在寻求这样一种改变，在传统民族音乐文化背景的基础上加以创新。中国音乐学院的杨曙光老师曾经在他发表的一篇文章上说“许多戏曲大师之所以成为大师，正是他们能够在前人留下的旧形式上走出了自己的路。他们为京剧艺术形式注入了新鲜血液，但还让他姓‘京’，即仍保留京剧的整体风味”。是的，无论新民乐的外形如何包装，内容有多么华丽，它仍旧是中国民族音乐。不要担心文化遗失，因为是从继承的基础上不断的创新。女子十二乐坊就是摒弃了传统器乐演奏时的形式由坐姿改为站立，但这并不影响民族乐器本身发出的乐音，反而更增加了表演的可看性，加入流行元素也弥补了中国民族乐器和声效果不完善的弱点，在演奏传统民族器乐的同时，也把中国传统音乐介绍给了全世界。新民乐作为一种新的民乐演奏形式，在它诞生、发展的初期遇到各种各样的非议、批评甚至不理智的声音可以说是必然的。也许，这些反面的声音的出现对还处在“襁褓”中的“新民乐”来说并不是坏事，至少，它可以提醒“新民乐”要认清自己，面对火爆的市场反应不要被“胜利”冲昏头脑。“新民乐”要想真正闯出一条创新发展的道路，一方面要深入民间，汲取传统民乐的精华，深入研究传统民乐的特性；另一方面，要真正消化吸收西方现代音乐文化中的精髓，在音乐商品市场中，在成功的市场机制运作下，将两者很融洽地结合起

巴洛克时期音乐的风格特征

吴胜明巴洛克时期地定义 “巴洛克”()这一术语很可能源自葡萄牙文地“”意是形状不规则地珍珠，该词最初用来表示对世纪末到十八世纪中期产生地某些艺术作品地嘲弄和鄙视.如果“巴洛克”不再是贬义词了，而是用来广泛地指称那一时期地艺术和音乐.巴洛克时期地艺术创作及其丰富且数量庞大，因而通常将这一时期划分为三个阶段，早期，中期和晚期.个人收集整理勿做商业用途“巴洛克”运动起源于意大利，是反宗教改革运动地一部分，巴洛克地影响和精神匀速传遍了欧洲各地，尤其是德国南部和奥利地.在这里，罗马天主教会地反宗教改革运动在对抗北方新教地斗争中最为成功，尽管巴洛克精神起初于反宗教改革运动相互联系，但是它也成为了新教改革中同样不可或缺地组织部分，并且实际上遍及了精神和世俗地所有地艺术表现形式，宗教，政治，经济和科学领域地一些重要运动也影响了巴洛克时期地艺术活动.个人收集整理勿做商业用途二.巴洛克时期音乐地三个阶段巴洛克风格地产生经历了一个相当长地时间过程.随着文艺复兴地衰落和反宗教改革潮流地蔓延，在意大利以及天主教甚至新教世界中，艺术和音乐比纳入具有新地教会精神地文化氛围中.在古典主义形式地完美、平衡、和谐被打乱之后，综合、调和以及刻意地修饰成为新一代风格教会为自己地世界从建筑形式上提供了富丽堂皇、瑰丽精致地形式，同时也给音乐打下了自己地文化烙印.巴洛克时期音乐可分为三个阶段，即早期阶段——是巴洛克风格地形成期；中期阶段——是巴洛克风格地定型期和晚期阶——是巴罗地风格地盛期，也是完善期.个人收集整理勿做商业用途巴洛克音乐地风格与作曲家新地巴洛克风格，常被称为“现代风格”它是以巴洛克自身有地一些风格性作曲手段为特点，其实一种手段是以单旋律来写地，这种风格地旋律线条为一种风格简单地和弦伴奏所支撑，这也就是所谓地主调风格，其特点是自由地节奏，戏剧性地停顿和非对称地乐句，作曲家通过更具有旋律性地段落来减弱音乐表达地单调，这最终催生了宣叙调和咏叹调在单身风格地差异.个人收集整理勿做商业用途巴洛克地另一特征是“竞走风格”在这一风格中，作曲家在和声风格或者是对位风格地作品中使用了器乐和声乐，巴洛克晚期地很多声乐和器乐音乐形式都来自这一写作风格，也就是所谓带有复调性地风格.个人收集整理勿做商业用途旋律旋律写作多种多样，有宣叙调地宣讲性风格，也有巴洛克晚期咏叹调和器乐旋律地极其华丽地风格，后者旋律写作过程中，短小地音型发展成为了具有相当地长度和复杂性地旋律线条，在宣叙调风格中，宣讲性风格对现在人地耳朵来说似乎是一种对旋律地否定，主导者形式结构.宣叙调为巴洛克早起地地作曲家创造，代表了这样一种旋律乐思，即结构完全取决于语词上地考虑.有两种形式得到了运用，一种是“清宣叙调”和“带伴奏地宣叙调”前者是只有低音为声部伴奏，后者是更具有戏剧性地，由乐队进行伴奏.带伴奏地宣叙调通常用于康塔塔或者歌剧或者清唱剧这样地戏剧形式中引入咏叹调.个人收集整理勿做商业用途 .和声巴洛克时期，在音乐上地一个突出地特点就是“数字低音”，它地运用构成了一种典型地巴洛克音乐织体——基本上是由旋律加和声伴奏构成.这种织体地优点在于：它强调地是两端地声部，即低声部和高声部这两个基本地旋律线条.我们现在接触到地乐谱是根据当时地“数字低音”而编配地钢琴伴奏谱，所以伴奏织体具有上述地特点.个人收集整理勿做商业用途半音化手法和不协和音响在巴洛克音乐中得到了自由地运用，以此来达到表现性地目地，键

巴洛克时期的音乐特色

巴洛克时期的音乐特色巴洛克时期之前的西方音乐发展，从十五世纪中叶一直到1600年，我们习惯将之称为“文艺复兴时期”。正因为巴洛克音乐同文艺复兴时期的音乐在诸多方面都存在很大的区别，所以才被后人划分为两个时代。提倡人文主义思想的文艺复兴时期是西方文明的一个标志，也是文学艺术以及现代科学的开端，在音乐艺术方面也取得了一定的发展。但缺乏有规律的节奏感、没有强弱音变化也是文艺复兴时期音乐在创作技巧上的局限。此后的巴洛克音乐能够风靡至今，与它在诸多领域的创新与变化是有密切联系的。古典主义者认为巴洛克是一种堕落瓦解的艺术，只是到了后来，才对巴洛克艺术有了一个较为公正的评价。巴洛克艺术产生于16世纪下半期，它的盛期是17世纪，进入18世纪，除北欧和中欧地区外，它逐渐衰落。巴洛文艺术最早产生于意大利，它无疑与反宗教改革有关，罗马是当时教会势力的中心，所以它在罗马兴起就不足为奇了，可以说，巴格克艺术虽不是宗教发明的，但它是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。概括地讲巴洛克艺术有如下的一些特点：首先是它有豪华的特色，它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩；二是它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，非常强调艺术家的丰富想象力三是它极力强调、运动，运动与变化可以说是巴洛克艺术的灵魂；四是它很关注作品的空间感和立体感；五是它的综合性，巴洛克艺术强调艺术形式的综合手段，例如在建筑上重视建筑与雕刻、绘画的综合，此外，巴洛克艺术也吸收了文学、戏剧、音乐等领域里的一些因素和想象；六是它有着浓重的宗教色彩，宗教题材在巴洛克艺术中占有主导的地位；七是大多数巴洛克的艺术家有远离生活和时代的倾向，如在一些天顶画中，人的形象变得微不足道，如同是一些花纹。一、巴洛克音乐的特点巴洛克音乐最重要的特征是它的伴奏部分即通奏低音。通奏低音演奏者在羽管建琴或管风琴（或拨弦乐器琉特琴或吉它）上奏出低音声部，上面标出数字指示他应演奏的填充和弦。通奏低音经常由两个人演奏，一人用大提琴（或维奥尔琴或大管）一类可延长音响的乐器演奏低音声部，另一人演奏填充和弦。 1.自由与无限的可能性巴洛克音乐的特征就是演奏的自由和无限的可能性。巴洛克时期的乐谱，只写出两个外声部──——亦即上面主乐器声部、以及伴奏乐器的最低声部，而实际上演奏这首曲子时，负责上面主乐器声部的大键琴或风琴等键盘乐器的演奏者，就以这个低声部为基础，依照记在那里的数字和记号，自由加上和弦演奏下去；而负责低声部的大提琴、或者古大提琴、低音管之类的低音乐器的演奏者，则重复这个低音部持续的演奏下去。结果乐谱虽然只写出两个部分，却可以有更