构图学讲义

构图学讲义第一章绘画构图概述每一幅绘画作品，它的起点都是从构图开始的，也许作画的人开始的时候并没有太多的构图意识，对构图并没有太多的概念和想法，但事实上，在一张纸上画下第一笔，就已经是一次构图的开始。

绘画是一种形象语言，作画者的形象思维、作品意图必须通过图式这个载体才能表现出来，所以绘画意图的实现首先要落实到构图上。

构图能力的高低固然有些先天的因素，但构图的天才毕竟是极少数的，对于绝大多数的绘画爱好者来说，系统地学习和研究经典作品中成功的构图形式，探索构图的规律，对将来绘画创作的影响是不可估量的。

绘画构图学是研究绘画构图规律、法则和技巧的一门学科。

它的任务是研究绘画的形式语言和表现内容、画家情感传达与方法手段的实现及其形式美的规律。

涉及技法、色彩、视觉心理、美学等各种理论的综合修养。

系统研究、分析、掌握绘画构图的专门学问，对提高绘画爱好者的基本业务素质、补充相关的知识、掌握自由构图的能力是具有现实意义的.第一节构图的含义、目的与任务一、构图的含义构图一词源于拉丁语，其原义为通过结构组合以联结画面的不同部分并形成一个统一体。

《辞海》对构图的定义是：“艺术家为了表现作品的主题思想和美感效果，在一定的空间，安排和处理人、物的关系位置，把个别或局部形象组成艺术的整体。

”换句话说，构图就是根据作画者的意图，对画面的各种形式语言即布局、形态、比例、空间、色块、体积、线条等在有限的平面上进行结构经营的技巧，包含范围、位置、骨架三大要素。

绘画构图学实际上研究的是绘画的视觉心理学和绘画美学的结合方式。

目前，尽管绘画的流派各种各样，多姿多彩，但概括起来表达的方式无非只有三种：一是模仿，二是变形，三是构成。

模仿的心理依据是人们对视觉审美的信赖；变形的心理依据是人们对视觉审美的不满足；而构成的心理依据是人们对视觉审美的敬畏，为消除某种困惑和苦恼而创造出自己的法则来获得抚慰和喜悦。

当它们三者互为关联，很难将其截然分开。

现代绘画经常提到构成，其实构图与构成这两个词义并不完全可以互用，之所以混淆可能是因为英文“Composition”这个单词，包含了构图和构成的意思，因此，常常有人将这两个概念混为一谈，实际上构图和构成既有共同之处又有差异。

我们首先来了解一下什么是构成。

构成是现代艺术的流派之一，此概念形成于1913年左右，是俄国的塔特林首先提出的。

它指的是具体形态抽取之后的点、线、面、形、色、体等基本视觉要素的有机组合，并按画家自己的理解，直观、抽象地表现其内心的世界。

其运用范围原多在工艺美术和一些抽象绘画上，更多的是一种纯形式语言的画面构建。

但现代绘画将构成元素大量引进绘画领域，其中一个显著的标志就是运用抽象构成元素来组织画面。

（附图一）其实，几何构成技巧用在构图上并不是现代某些人的专利，可以说，每一幅作品的最原初、最基本的构建就是它的几何构成形式。

翻开美术西方美术史，在文艺复兴前后的作品中，都能够找到典型的几何构成骨架。

我们学习美术的入门课程是什么？就是石膏几何体的写生。

为什么要进行几何体写生的训练？因为大自然的任何物体都可以回归到几何的基本形状。

所以，从现在开始，你们就要牢固树立几何形的概念，因为在我们的学习中时时都要运用这种意识。

“构图是指绘画作品中各种艺术语言整体的组织方式。

相对构成而言，更多的是根据画家的创意，把自然界的具体形态和形象，如人、物、景，通过提炼、加工，有计划地组织、安排在限定的画幅之中；是指画面上的形象相互联结关系及形式的总体结构：是揭示形象的全部手段的总和。

”这是蒋跃的《构图学教程》里对构图所下的定义。

我个人认为构图和构成最大的区别在于构成是一种纯形式的需要，而构图则需要表现内容，有一个构思和主题的要求，在构思成熟、主题明确的条件下，完全可以利用构成的原理来进行构图。

构图形式规律是客观生活的反映。

综观美术史上每个不同时期的作品，每一时期作品反映的内容和形式都带着很深刻的时代烙印。

画面的视觉效果不能离开客观规律来凭空杜撰，它必须符合人们生活的规律，也必须符合人们的心理要求。

这里应该注意的是，每个时期人们的视觉心理要求都是不相同的，在这基础上，学习过程中要找到不同时期作品内在的形式特点，通过自己的理解和处理，使形式更强烈、更集中，更富有感染力。

二、构图的目的和任务构图的目的是用特定的绘画手段，充分表达、阐述和提示作品的主题。

构图的任务是以恰当的形式语言，表达画家的构思，既要挖掘出作品的鲜明思想，又要寻找到完美的画面形式；在边框限定的画幅中，对视觉形象进行最能体现主题、最能表达画家情感的形式结构的组合，分布好骨架气势，决定形、色位置，构建出一个人为的视觉空间，并运用形态和形式因素使之具有多样性又有条理性、有变化又有和谐、体现形式美感、引导观众的注意力、形成画面表现中心、生动集中地突出主要形象，进而表达出画家的思想和境界。

第二节构思、构图与主题中国画论中，构图的两大要素早就被提出，即立意与为象。

“必先立意，然后章法是也”，立意，就是创作者的创作意图；为象，则是根据构图原理将视觉要素加以安排。

构思是立意为象的形象思维过程。

如挖掘主题思想、找出情节和细节，推敲人、物之间的内在联系，理顺各种关系等。

实际上构思与构图、立意与章法两者之间存在辨证关系，它们相互依存，互为条件。

画家单凭抽象的思维是无法进入创作活动的。

作者对生活感受的理解，要向观者表达清楚，就必须借助于形式美的规律进行结构经营。

构思，起始于对生活的积累和捕捉。

构图是随着构思的开始而开始，随着构思的展开而展开的；而构思则随着构图的进行而不断深化。

两者相互促进、互相交集、共同上升，以臻绘画作品的完美。

构图过程是探索、体现创作构思的具体表现形式的过程。

其间既包含着作者对生活的体验、选择和提炼，也包含着对作者依据一定的构图法则，运用造型、明暗、色彩、线条……等形式语言使主题更富有感染力的显现过程，它是思想、创意和表现的统一体。

米勒就说：“所谓的构图就是把一个人的思想传递给别人的艺术。

”这种传递不是用语言，而是具体的画面形式。

说到底，绘画的真实并不是生活的真实，而是利用人们的视觉经验所创造出的一种视觉“真实”感受，所以，构图的过程也就是探索和研究视觉心理感受的过程。

许多画家在完成经典作品时，都经历了反复推敲构图，反复斟酌构思的过程，同一个题材，往往要画许多的变体画，在具体的形式展现过程中，构图逐渐贴切了主题，实现了构思的意图。

构思是想象力发展，并根据绘画的特性产生的一种理性的定格，可以说是通过想象把主题掩藏、寄寓于形象的手段，是主题在想象活动中深化的过程。

随着想象畅游，会在创作者的头脑里产生种种意念，当这些意念和主观的某种情感因素产生联系，欲求把某种思想或意图贯入想象过程之时，就是构思的开始。

构思的完成则是在对未来的创作内容和形式、表现、展示诸因素有了总的概念之后实现的。

构思活动的产生，意味着作者已进入创作阶段。

绘画的构思虽然与想象并存，但作者意图表现主题的需要、思维的方法和趋势，目的就是怎样艺术地表达主题。

主题是什么？在绘画作品中，主题就是画家想对观众说的话，就是以艺术的、技巧性的，以视觉传递给观者的种种观念和态度。

“主题”对于任何艺术都一样的具有共同性。

主题性绘画是明确有“主题”的，非主题性创作亦是有主题的。

正如无标题音乐一样，没有标名的音乐亦能以音乐形象反映作者的表达意图。

一般说来，所谓的主题性创作，多是再现性的，是指与意识形态相关联的人和事。

“主题”的表达易于鲜明，难的是绘画意思如何去表现，这是题材、内容、形式所制约的创作。

主题性绘画也是我们这门课程所要涉及的主要内容。

当然艺术创作的领域十分宽广，就是抽象绘画也是有主题的。

有的画家追求纯绘画和纯艺术的创作，注重表达作画者的主体意识，讲求艺术的实验性，可能没有情节的因素参与，但是创作本身就是一种创造，即使是情绪的表达也一样，都应该具有首创意义的。

完全没有绘画内涵的实验，只是在技法上“千锤百炼”，没有艺术创作的构思，并不属于绘画创作。

一般人对“主题”的认识，往往停留在是否看得懂，内容是否确切、是否看得出故事为标准。

这是不懂鉴赏绘画的人的肤浅认识。

在一般的艺术作品中主题本身不应该局限于内容。

往往“主题”是埋藏在作品背后的。

正如恩格斯说的：“作者的意图，越隐蔽越好”，绘画作品一览无遗，则不成为艺术，而是图示了。

对于绘画创作，对于绘画形象的直观性，人们误认为绘画作品中画的什么就是主题，这是十分肤浅的认识。

绘画创作是讲主题的深度挖掘的，也将求藏、隐，因此，中国花鸟画才有用“比”“兴”的手法流传于世。

作为艺术的绘画，不应是生活素材的原始状态的复制，在绘画创作中，由于画面的特性，仅能够展示客观物象的瞬间定格，以一当十，以小见大，以静为动，这都是具体的绘画创作的方法。

所以构思的过程，就是怎样用巧妙的绘画语言去传递那掩藏着主题的构想过程。

学习创作是每个绘画爱好者都要面对的，如何学习创作呢？首先就是要让自己的作品具有独创性，这对作品的成败具有决定意义。

纵观中外美术史，相同题材内容的作品不少，但由于艺术家主观认识不同，个性气质不同，文化品味不同，审美经验和表达方式不同，身处的时代背景也不同，导致他们笔下的作品面貌也就很不相同。

例如圣经题材的作品，如《最后的晚餐》、《圣母子》、《下十字架》，许多文艺复兴时期的大师都画过这一题材，每个人的表现都不一样，作品的艺术感染力也有高下之别。

（图例二）契珂夫曾经说过：“即使观察人们已经观察了千万次的月亮时，也应得到自己的发现，而不是别人的已经陈旧的东西。

”所以，在创作构图的实践中，为求得作品有独创的构思和构图，应该采用“一题多画”、“迁想妙得”的方法，尽量在同一感悟的创作欲望引导下，逐步深化，使头脑里的形象活跃起来，构成关系更为理想，形式美感逐渐增加，最终经过筛选，确定一幅富有独创意义的构图来完成作品。

不同的作者，在对待同一客观事物时，必然以各种不同条件而创作出不同层次、不同观念的作品。

就创作者来讲，必须主观地具有个性特征地来表现自己的情感及运用平日储备的素材方可提高自己的构思和构图能力。

我们学习创作构图，多画变体画，能够有效提高创作实践能力，可以从中探索绘画形式美的规律。

不少大师的创作生涯中，为某幅作品的创作，总是留下许多草图和一些变体画，我们从中可以见到作者创作思绪变异的过程。

以前有个别同学不愿做变体画的研究，不愿为此付出艰辛的劳动；或者浅尝则止，某种意象表现了初步的形态便已满足，没能反复推敲，以提高画面质量，体会“个中三昧”；还有的人，误以为真正的创造活动是随激动而激动，创作中强调随意性。

要知道进行创作，作者头脑中的美感形象，最初时刻一般是两种形态的：一是直觉的、粗糙的原始状态，有待深化；另一种是似曾相识的形态。

因为作者头脑中的往往容易把别人的作品中出现过的形态作为此时此刻创作活动的参照。