电影摄影技巧：电影创作
电影拍摄技巧
电影拍摄技巧
电影拍摄技巧是指在拍摄过程中，导演、摄影师和剪辑师等影视制作人员运用各种技巧和方法来达到艺术效果或传达故事的目的。
在电影制作中，技巧的运用对于影片的质量和观影体验起着至关重要的作用。
首先，光影在电影拍摄中扮演着至关重要的角色。
摄影师利用光线的方向、强度和色温等因素来创造出不同的视觉效果。
光线的运用能够营造出不同的氛围和情绪，使得影片更加生动和富有观赏性。
其次，镜头语言也是电影拍摄中常用的技巧之一。
通过不同的镜头大小、角度和运动方式等手法，可以给观众带来截然不同的视觉体验。
广角镜头可以拓宽画面，增加空间感；长焦镜头可以突出主体，加强观众对于某个元素的关注。
镜头的选择和组合能够有效地传达电影中的信息和情感。
此外，音频的运用也是电影拍摄中不可忽视的一环。
音效和配乐可以为影片增添气氛，增强观众的情感共鸣。
音频的处理和混音也是影片后期制作的重要环节之一，能够使得声音更加真实、自然和立体。
此外，剪辑技巧在电影拍摄中起着至关重要的作用。
剪辑师通过对镜头的选择、顺序和时长等进行处理，将拍摄到的素材组织成一个有机
的整体。
剪辑的速度、跳剪和交叉剪辑等手法可以创造出紧凑节奏感和跌宕起伏的故事线，使得观众更加投入其中。
总之，电影拍摄技巧涵盖了光影、镜头语言、音频和剪辑等多个方面。
这些技巧的合理运用可以让电影更具艺术性和观赏性，使得观众更加投入和享受电影的世界。
对于电影制作人员来说，熟练掌握这些技巧并灵活运用，能够创作出更加出色的影片作品。
电影拍摄技巧
电影拍摄技巧电影是一种受众广泛，富有观赏性和艺术性的媒体形式。
拍摄一部成功的电影需要众多技术和创意的结合，而其中的拍摄技巧则是不可忽视的重要组成部分。
本文将介绍一些在电影拍摄过程中常用的技巧，以帮助电影人士制作出精彩纷呈的作品。
一、摄影机位的选择摄影机位的选择是电影拍摄中至关重要的环节之一。
通过摄影机位的不同选择，可以突显剧情的紧张感，加强角色的个人魅力，以及传达特定的情感。
例如，当角色面临危险时，可以选择低角度拍摄，以突出角色的力量和勇气；当角色感到害怕或不安时，可以选择高角度拍摄，以表现角色的脆弱和无助。
二、光线运用的巧妙光线是电影创作中非常重要的因素之一，它可以用于表达情感、烘托氛围、突出角色等。
在电影拍摄中，摄影师需要灵活运用各种光线技巧，使影片画面更加生动、有层次感。
例如，利用逆光效果可以轻松地突出人物的轮廓，创造出神秘的氛围；使用阴影可以增加画面的层次感和视觉冲击力。
三、运动镜头的运用运动镜头是电影中常用的一种拍摄技巧，通过镜头的移动来展现剧情，提高观赏性。
合理运用运动镜头可以使观众更加投入剧情，增强电影的张力。
例如，通过手持镜头可以增强戏剧性效果并产生紧张感；通过运用运动平移镜头可以展示场景的全貌，给人以更直观的感受。
四、色彩运用的选择电影的色彩运用是情感表达的重要手段之一。
通过色彩的选择和运用，可以创造出不同的视觉效果和情感感染力。
例如，运用冷色调可以表达出沉闷、冷漠的感觉；运用暖色调则可以表现出温暖、浪漫的情感。
五、剪辑的技巧剪辑是电影制作的重要环节之一，通过对拍摄素材的选择、组合和处理，可以创造出更具有张力的电影作品。
剪辑的技巧包括过渡的选择、镜头的时长和顺序等。
例如，通过使用跳切剪辑可以增加节奏感和紧迫感；通过使用慢镜头可以突出重点，增加戏剧效果。
六、音效的运用音效是电影拍摄中不可或缺的要素之一，它可以增添影片的真实感和观赏性。
合理运用音效可以使电影更加生动有趣，并且能够加强观众的情感体验。
电影导演的五个电影拍摄技巧与故事创作方法
电影导演的五个电影拍摄技巧与故事创作方法电影是一门艺术，而导演是电影的中枢。
导演负责整个电影的拍摄和制作过程，他们展现了独特的才华和创造力，使得电影能够真实地传达故事和情感。
本文将探讨五个电影导演常用的拍摄技巧和故事创作方法，以期帮助您更好地理解电影制作的艺术和精髓。
第一，用镜头语言讲故事。
导演需要通过镜头的运用来传递情感和故事，而镜头语言是实现这一目标的重要工具。
导演可以通过选择不同的镜头大小、镜头角度和移动方式来传达不同的情感。
例如，使用大切入镜可以给予观众强烈的视觉冲击力，而使用远景镜则能够展示广阔的背景和环境。
此外，导演还可以通过运用特殊的摄影技巧，如快慢镜头和特写镜头等，来增强电影的表现力和吸引力。
第二，善于运用配乐。
音乐是电影中必不可少的元素之一，它能够为电影制造氛围和情感。
导演可以通过精心选择和运用配乐来增强电影的情感张力和表现力。
不同的音乐类型可以传达不同的情感，如激昂的音乐可以增强紧张感和刺激感，而柔和的音乐则能够传递温暖和感人的情感。
导演还可以在电影的不同场景中运用不同的配乐，以准确表达角色的情绪和剧情发展的氛围。
第三，注重细节的处理。
导演需要注意电影中的细节，因为这些细节能够增强电影的真实感和观影体验。
在电影拍摄过程中，导演可以通过导演尺、服装、化妆、道具和布景等方面的精心设计来营造特定的视觉效果和整体风格。
例如，在一部历史题材的电影中，导演可以通过恰当的服装和布景来再现特定时期的氛围和环境。
此外，导演还可以通过角色的肢体语言和细微的表情来传递更为深刻的情感和信息。
第四，注重剧情的发展。
一个好的电影应该有一个引人入胜的剧情，导演需要在讲述故事的同时保持观众的关注和兴趣。
为了实现这一目标，导演可以采取多种手段来推动剧情的发展，如使用悬念、反转和冲突等。
悬念可以使观众一直保持好奇和期待，而反转则能够带来惊喜和震撼。
此外，导演还可以通过塑造引人注目的角色和创造紧张的情境，来吸引观众的眼球并推动剧情的发展。
影视拍摄的技巧和方法
影视拍摄的技巧和方法谈到影视作品的拍摄，我们先想到的是那些复杂的运镜技巧以带入剧情的紧扣发展，近年来，影视作品中的众多创作技巧开始被视频创作者们学习和引用。
万变不其宗，本着为大家谋福利的心态，小编为大家为大家整理了一篇关于影视作品中的几招通用技巧，为喜欢拍视频行业的你带来经验之谈。
技巧一、提拉运镜。
从一个动作的细节一直后退提拉稳定器，直到展示出这个拍摄对象的整体画面。
整个过程实际就是一个从细节到全貌的运动模式。
拍摄过程中，将稳定器设置成全跟随模式，运镜从一个细微的动作到展示整个背景全貌，使用全跟随模式解锁稳定器的航向、俯仰、横滚轴，使摄影师能够创意发挥镜头视角。
提拉运镜的拍摄还可结合中点构图等常规的摄影构图做辅助，例如利用简单的抬升镜头或模拟滑轨等运镜，使运动轨迹更加丰富。
技巧二、斜角后退式跟拍。
在侧跟随的运镜中做了改进和提升，为更大范围地展示人物和环境的动态关系，摄影师在侧跟随的基础上可以向斜后方后退拍摄。
如下例，被摄主体沿着直线往前走，摄影师拿着稳定器就一直往斜角方向后退。
终得到的画面效果是拍摄对象越来越小，但是个人所在的环境会越来越饱满，越来越丰富。
稳定器设置为航向跟随模式，或者水平移动或垂直方向的锁定模式。
在后退的行迹中，摄影师还需要注意后侧方的交通情况。
这样的运镜在电影中经常可以看到，利于交代人物与背景之间的交融冲突关系。
另外在取景方面，尽可能做到背景更具带入感。
技巧三、平行推运镜。
推运镜对于大家来说并不陌生，对被摄体/拍摄对象缓慢推进，能充分展示你的拍摄主体一个整体的状态。
用于拍摄人物方面，推运镜与前两者运镜的不同在于：这种运镜方式更注重表现人物状态及内心活动。
作为补充，在推镜头的叙述中加入一个「滑动变焦」的画面来体现人物焦虑、紧张的内容活动也是必不可少的技巧之一。
技巧四、冲突环绕跟随即与被摄物体朝着相反的方向运镜，制造出画面冲突视觉。
这个需要你跟着拍摄对象反向运镜，等到被摄人物走到你跟前的时候，再转动镜头，直到对方走到你前面，再跟随人物身后展示所面对的环境。
电影制作剧本创作和拍摄技术的要点
电影制作剧本创作和拍摄技术的要点电影作为一种流行的娱乐形式，需要通过剧本创作和拍摄技术来呈现出精彩的故事情节和视觉效果。
本文将讨论电影制作中剧本创作和拍摄技术的关键要点，帮助读者了解电影制作的基本流程和技巧。
一、剧本创作的要点1. 故事构思：在进行剧本创作之前，先要有一个好的故事构思。
故事需要有引人入胜的情节、生动的角色和独特的背景设定。
创作者可以从生活中的真实故事、历史事件、文学作品或者自己的想象中获取灵感。
2. 角色塑造：电影的角色对故事情节发展至关重要，因此要注意角色的多样性和可塑性。
每个角色都应该有自己的特点和目标，他们的行为和对话应该与故事的发展相吻合，同时也要考虑角色之间的相互关系和冲突。
3. 结构与节奏：剧本的结构和节奏对整个故事的呈现非常重要。
一个好的剧本应该有引人入胜的开头，发展曲折且有高潮的中间部分，以及令人满意的结尾。
要把握好场景的切换和情节的推进，使整个故事流畅有序。
二、拍摄技术的要点1. 摄影构图：电影是一种视觉媒体，因此摄影构图是拍摄过程中不可忽视的要素。
合理的摄影构图可以有效地传达角色情感、场景氛围和剧情发展。
创作者可以运用各种构图技巧，如对称构图、逆光构图、近景远景等，使画面更加生动有力。
2. 灯光运用：灯光是电影拍摄中至关重要的元素，通过灯光的运用可以创造出不同的氛围和视觉效果。
合理的灯光设计可以突出角色、烘托情感，同时也要注意光线的平衡和自然性。
3. 镜头语言：电影通过不同的镜头语言来表达故事和情感。
选择合适的镜头和镜头镜头动作、角度和镜头运动方式，能够增强观众的代入感和沉浸感。
例如，运用特写镜头可以表达角色内心的情感变化，运用远景镜头可以展示宏大的场景。
4. 后期制作：拍摄完成后，还需要进行后期制作。
后期制作包括剪辑、特效、音乐配乐等环节，这些环节直接影响着电影的观赏效果。
要注重剪辑的流畅性和节奏感，特效的真实性和逼真度，音乐的配合和情感共鸣。
总结：电影制作剧本创作和拍摄技术是电影创作的关键要点。
摄影风格知识：电影风格——如何运用电影的构图和照片处理技巧创作出专业级作品
摄影风格知识：电影风格——如何运用电影的构图和照片处理技巧创作出专业级作品电影的视觉语言源于摄影术，因此电影风格的构图和照片处理技巧与摄影艺术有着紧密的联系。
电影拍摄中所运用的构图、色彩、光影、镜头运用等手法，都可以帮助我们在摄影创作中拓展视野，提高技艺。
本文将介绍如何运用电影风格来创作出专业级作品。
一、构图技巧1.使用广角镜头广角镜头能够扩展视野，使画面更加广阔，是电影镜头运用中常用的一种。
在拍摄风景、建筑等场景时，可以选择广角镜头，让画面更具震撼感。
2.使用分镜头分镜头是电影中常用的手法，可以将一段情节拍摄成多个镜头。
在摄影中，可以通过不同的角度、焦距等手法进行拍摄，再通过拼贴、剪辑等后期处理，达到类似于分镜头的效果。
3.运用对称构图对称构图是指画面左右或上下呈现出对称的效果。
在电影中，这种构图常用于表达稳定、平衡等意境。
在拍摄时，可以选择景象较为对称的场景进行拍摄，如建筑、树木等，以此来展现对称美。
4.运用非对称构图非对称构图常用于表达不稳定、冲突、矛盾等意境。
在拍摄时，可以选择一个主体，将其置于画面一侧，同时搭配适当的背景，突出主体，表达出强烈的视觉效果。
5.运用遮挡构图遮挡构图是指在画面中利用遮挡物隐去一部分画面，从而制造出隐秘、悬念等效果。
在摄影中，可以选择利用树木、建筑等物体作为遮挡物，灵活运用遮挡构图来拍摄照片。
二、照片处理技巧1.使用抠图技巧抠图是指将照片中的某一部分，通过后期处理工具，剪切出来并粘贴到其他图层中进行组合。
在电影中，这种技巧常用于特效制作中。
在摄影中，可以利用抠图技巧将不同照片中的主体合成到一起，达到更丰富的效果。
2.调整色彩电影中不同的场景或情节常常有着不同的色彩调配，这样可以更好地表达出情感和氛围。
在摄影中，可以通过调整色彩的方式来突出照片的特点。
可以通过饱和度、对比度、色彩平衡等参数的调节，使照片中的色彩更加鲜明。
3.运用滤镜滤镜是指通过软件方式模拟出不同的镜头效果。
电影中的摄影技巧
电影中的摄影技巧电影是一门综合性的艺术，其中摄影作为一项重要技术，对于电影的表现力起到至关重要的作用。
本文将探讨电影中常见的摄影技巧，例如镜头运动、光影运用和色彩搭配等，从而展现出摄影对电影艺术的独特贡献。
一、镜头运动在电影中，镜头的运动方式可以通过镜头移动来实现。
常见的运动方式包括平移、旋转、提升或下降等。
镜头运动可以改变画面的视角和构图，使观众更加身临其境地参与到故事中。
例如，《阿甘正传》中的开场景，通过镜头平移的方式，将观众引入到故事的环境中，营造出一种身临其境的感觉。
另外，通过改变镜头运动的速度和方式，还可以表现出电影中的紧张感或悲伤情绪。
例如，快速移动的镜头可以增强紧张的氛围，而缓慢的镜头运动则可以渲染出悲伤的情绪。
二、光影运用光影是电影摄影中不可或缺的元素之一。
通过合理运用光线的强弱、方向和角度，可以营造出不同的氛围和表达方式。
例如，明暗对比强烈的场景可以突出主人公的形象，增加戏剧效果。
同时，通过调整光线的色温，还可以表现不同的时间、地点或情绪。
电影中也常用到特殊的光影效果，如逆光、柔光和打光等。
逆光可以产生人物轮廓，柔光则可以增加画面的柔和感，而打光则可以突出特定的主题或元素。
三、色彩搭配色彩是电影中的重要元素之一，不仅可以增加画面的美感，还可以传递情感和情绪。
通过合理的色彩搭配，可以使电影呈现出不同的氛围和主题。
例如，冷色调可以表现出孤独和凄凉，暖色调则能带来温暖和亲切感。
此外，电影中还常用到对比鲜明的色彩来表达特定的意境。
比如，在黑白电影中突出使用鲜红的色彩，可以吸引观众的注意力，并突出展现出重要的情节和元素。
四、景深运用景深是指影像中近景和远景的清晰度和模糊度的关系。
通过合理运用景深，可以将观众的注意力引导到电影中的重要元素上，制造出立体感和空间感。
例如，在拍摄一个对话场景时，通过利用浅景深，将主人公的脸部表情清晰呈现，而背景则模糊化，从而突出主角的情感和表演。
总结摄影作为电影艺术中重要的技术手段之一，通过镜头运动、光影运用、色彩搭配和景深运用等方法，能够有效地表达电影的主题和情感，增强观众的观影体验。
电影摄影技巧与创意
电影摄影技巧与创意在电影中，摄影是一项非常重要的技术，它不仅决定了画面的美感，还能够通过运用创意拍摄手法来传递情感和故事。
本文将介绍一些电影摄影的技巧和创意，帮助读者更好地理解电影摄影的魅力。
一、使用光线的技巧在电影摄影中，光线是至关重要的因素之一。
合理利用光线可以创造出令人印象深刻的画面效果。
1. 逆光拍摄：逆光拍摄是一种常用的技巧，可以营造出梦幻般的效果。
通过将光源放在拍摄对象的后方，可以使物体呈现出明暗对比鲜明的效果，同时也能形成轮廓。
逆光拍摄常用于表现人物的英雄主义或者悲壮情怀。
2. 侧光拍摄：侧光拍摄可以让画面更富层次感，创造出独特的氛围。
通过将光源放在物体的一侧，可以使物体一边明亮一边阴暗，产生有趣的阴影。
侧光拍摄常用于描绘人物的复杂心理或者增强画面的戏剧性效果。
3. 散射光拍摄：利用散射光可以营造出柔和温暖的效果。
例如，在日出或日落时拍摄，太阳的光线经过大气层的散射，形成柔和的金色光线，给人一种温馨浪漫的感觉。
散射光拍摄常用于表现浪漫情感或者柔和的氛围。
二、运用构图的技巧构图是电影摄影中不可忽视的一环，它可以决定画面是否美观、整洁，并且能够帮助传递情感。
1. 三分法则：三分法则是一种常用的构图技巧，将画面分为左侧、右侧和中央三个部分。
通过将主题放在其中一个分割线上，可以使画面更加平衡和有层次感。
三分法则常用于拍摄静态的场景，例如风景或人物特写。
2. 运用对角线：对角线是构图中常用的一种线条，可以增强画面的动感和紧张感。
通过将主题或者重要元素放在对角线上，可以使画面更加生动有趣。
对角线常用于拍摄运动场景或者紧张的情节。
3. 利用前景元素：在拍摄中加入前景元素可以使画面更加立体感和层次感。
通过选择合适的前景元素，可以营造出深度和视觉冲击力。
前景元素常用于拍摄大场景或者需要强调距离感的场景。
三、创意的运用创意是电影摄影中的一项重要技巧，可以为作品增加独特的视觉效果和情感表达。
1. 镜头语言的独特运用：摄影师可以通过运用不同的镜头语言来表达不同的情感和主题。
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艺术电影所谓艺术电影即，最为广义的对世界、社会、生命之个人的、原创的、批判性的表达，对电影语言的实验性尝试。
艺术电影是电影的拓荒者：僭越规范，冒犯常识。
毋庸讳言，其探险与拓荒多有落败，甚至迷失，但正是他们在不断地拓展电影世界的疆土。
而当艺术电影的实践一经成功，主流商业电影便立刻将其经验吸纳。
目录艺术电影含义又叫Artist Film，Artist Video。
与商业电影相对立的一种电影类型。
电影艺术电影不仅是一种商业活动，而且也是一种艺术活动，这就是艺术电影得以产生和发展的基础。
艺术电影的倡导者们大多认同电影的艺术性，力图通过电影活动展示电影作为艺术的魅力，以及表达电影创作者自己独特的个性。
他们认为，只有这样，才能与所谓的商业电影活动真正区别开来。
从叙事策略上看，艺术电影大多极力突出自己的艺术个性，反对程式化的情节和模式化的人物形象刻画，并力图运用独创性的电影语言。
艺术电影在电影艺术的发展历史上做了重大贡献。
艺术电影特指艺术电影的概念常常被用于特指二战之后（并持续到现在）的叙事电影，它们展现了艺术电影全新的形式概念和内容蕴涵，并以知识文化阶层观众作为对象。
它们中绝大多数出现在欧洲，并于欧洲战后五十年地电影运动（意大利新现实主义，法国“新浪潮”和新德国电影）直接相关。
斯蒂夫·尼尔对艺术电影的定义斯蒂夫·尼尔对“艺术电影”提出了一个“本文式”（textual）的定义，该定义将强调人物性格和视觉风格，抑制动作性和关注内在戏剧冲突当作艺术电影的突出特征。
他指出：“艺术电艺术电影影的倾向于强调视觉风格（具有个人化视点特征的关注方式，而不是制度化的奇观），对好莱坞动作性的抑制以及对人物而非情节的强调，对人物内在戏剧冲突的强调。
一种不同的文本估价依照新的符码来进行，这种符码在画面和语言的表达方式上都与好莱坞电影形成显著的区别。
在动作和状态之间建立了一种不同的等级，动机的不同秩序支撑着两者的关系。
……艺术电影以本文状态为其标志，而本文状态又由作为宣传式的特征在影片中表达出来，因此也强化了作者的声音（和画面）。
由于部分地派生自另一共识作用（其本文区别于好莱坞制作地本文），艺术电影的准确特征具有历史和地理上的差异性，因此，它们与好莱坞电影一同变化，其支配性或本质性特征在不同时间里感知和表达出来就各不相同。
”艺术电影的观众取向具有“国际化”的观众取向，它的市场战略是达致许多国家的相对较少的文化精英观众，而不是针对地区性市场。
……字幕（而不是配音）作为艺术电影的标准方式要求观众容忍异族的语言和艺术电影文化。
虽然艺术电影不一定使用外国语言（对美国观众而言是使用英语以外的任何语言），但艺术电影的观众的确被期待接受“跨文化”（intercultural）和“内文化”（intracultural）的交流。
跨文化的交流往往以欧洲为源头，并将艺术电影与其他高雅艺术（如古典音乐和歌剧）联系起来。
艺术电影欣赏塔可夫斯基曾经以自身的感触为艺术家下了定义：“艺术家并不自由，因为她必须置身于一些艺术规范当中，这些规范确定他的职责但也束缚了他的自由；然而他又是自由的，因为他体现了一种高度的可能性，即“对自己的命运作出假设，并且坚持到底，不会因时而变。
”艺术家外没有艺术，这句话点出了我们欣赏一部艺术电影时所要把握的两个部分：一方面，电影艺术的高度自由使得它可以超越古典主义对美、丑的定义以及其他种种限制，包括叙事、风格、画面等，因而对于这种艺术活动的欣赏要拥有多层面多角度的综合思考和详尽分析，用单纯一种电影分析规则来解读所有艺术电影是完全不可能的；另一方面，电影艺术也受到各方面规则的限制而不可能显得过于难以解索，不论我们是否认为电影是否具有超越其他各门艺术的优越性，我们欣赏其他艺术形式时的方法和手段对电影至少是部分适用的：我们从绘画的角度欣赏电影中的构图，从音乐的角度欣赏电影中的配乐，从文学和戏剧的角度分析电影中情节……同时，文本分析（结构主义和符号学等）、精神分析（弗洛伊德，第二电影符号学等）等众多分析方式的引入使得电影艺术的形象终于有迹可循。
在欣赏艺术电影的过程中，这些分析理论的运用（即使是下意识的调用）是理解这类电影最重要的一环，另外一环，则是充分的人文情怀与思辨。
影片分析正如雅克奥蒙曾指出的：“影片分析……是依照个别对象应用、推衍或翻新其他的学科理论。
也无意也无篇幅用大段分析理论使得这个概念变得更加抽象，而希望通过接下来的例子引导大家对艺术电影欣赏有进一步的认识。
阿伦雷乃[广岛之恋]无疑是艺术电影气质的绝佳代言人。
其故事之松散，情节之淡化，技巧之花哨，即使置于五十年后的今天同样可以称之为先锋。
“什么也看不见，什么也写不出，什么也说不了。
正是因为无能为力，才有了这部电影。
”作为编剧的杜拉斯这番话可以说为电影奠定了基调。
她与雷乃都带有“左岸派”的典型特质，因而这部电影充满着艺术化的表现手法和意念。
欣赏的时候，我们需要的不仅仅是电影的整体欣赏，更需将其分解至场，甚至分解至帧，寻找雷乃意识流般的剧情推进方式和如诗般抽象无逻辑的对白中蕴藏的含义，分析精美的构图及繁复的剪辑所要传达的讯息，解构电影中的现实、过去、幻想、梦境所代表的象征意味。
这部电影的艺术性正是在于多重解读性，所有的意义都隐藏在精心构架的结构和符码中，所有的解释都需要思索和挖掘。
电影可以是存在主义的，可以使反战的，可以是浪漫的……全在于观众自己的价值观和所运用的理论。
而我们对这部电影的欣赏总是需要我们将电影片段抽离，解读，再代入电影整体之中，才有可能理解。
如开场梦呓般的旁白，如果机械地听过，则根本无法理解其中的非理性的表达，必须要看完电影之后重新品味，认真思索之后才具有价值。
换句话说，艺术性几乎从来都不是直观的，各种分析手段的引入以及反复观看的必要都明确地表明了这一点。
[1]艺术电影的丰收台湾电影和大陆电影在上世纪后期的欧洲三大电影节上可谓风光无限，侯孝贤，蔡明亮，杨德昌，王家卫，张艺谋，陈凯歌等的电影多次获奖，这是中国艺术电影的高峰。
这是华语电影的第一次国际化高潮。
陈凯歌的《黄土地》是华语电影第一次国际化开始的标志。
影片描写了弄家少女翠巧在八路军文工干部顾青的启发下，大胆出走，抗拒世代相传的命运，追求自己爱情和婚姻的幸福。
在影片中，在大远景中高天厚地与渺小如蝼蚁般的人的对比，勤劳俭朴却生活艰辛，命运悲惨的农人，那娶亲的热闹场面，那时而欢悦时而悲凉的陕北信天游，滔滔不息的黄河，腰鼓，祈雨，牧羊，耕地等意象构成了一组整体的象征，超越了一时一地的指向性，而上升到对我们这个历史悠久的民族的历史和命运的回溯和追问，透出一种历史的沉重与苍凉。
1989年的台湾电影《悲情城市》自1945年8月日本投降开始，至1949年12月国民党定都台北结束。
在这两个极具意义的台湾历史纪事之间，有著名的二·二八事件、戒严、日侨撤离以及白色恐怖时期。
影片通过一个失语者林文清的家族兴衰与情感历程串起全剧，形象地刻画了当时生活在国民党暴政之下，台湾人民无声的反抗以及无奈的沉默。
它把二战刚刚结束的台湾混乱的历史破败，浓缩在一个普通的家庭当中，用一个家庭的悲情来映照整个社会整个时代。
这部电影获得第46届威尼斯电影节金狮奖。
张艺谋的《红高粱》通过讲述“我爷爷”“我奶奶”的爱情故事，展现最原始的生命的野性与粗犷，以及对生命和自然的敬畏与崇拜，表达对于自由的爱与鲜活奔放的生命的热烈追求。
这部电影获得1988年柏林国际电影节金熊奖。
这段时期获奖的电影还有《大红灯笼高高挂》获第４８届威尼斯电影节银狮奖、《秋菊打官司》获第十四届威尼斯国际电影节“金狮奖”《香魂女》《喜宴》获第４３届柏林国际电影节“金熊奖”。
《霸王别姬》获法国第４６届戛纳国际电影节“金棕榈奖” 《活着》获第47届法国戛纳国际电影节评委会大奖 ,《春光乍泄》获第50届戛纳电影节最佳导演奖.......当时的艺术电影的繁荣是有原因的。
大陆当时还处在市场经济和计划经济的过度时代，主要的电影制片厂也不反对拍艺术片（当时电影厂主要由国家出资养活，所以如果在艺术上得到认可，即使拍的艺术片在票房上没什么收获也会得到支持）。
而且当时处于改革开放的初部阶段，人们的精神生活远没有现在丰富，艺术电影容易得到观众的认可。
在这中情况下拍出的电影很多都具有非常高的艺术性。
所以许多电影在当时都取得了相当可观的票房收入，像《红高粱》是400万（这在当时是非常高的），《悲情城市》在台湾也有很高的票房收入（侯孝贤靠这还清了欠债），而《霸王别姬》的全球票房更高达2100万美元（很可惜国内被禁）。
总之，这时期是话语电影中的艺术电影的全面繁荣的时代。
这段时间是中国艺术电影的丰收时代，产生了大量的优秀的华语艺术影片，它们在屡屡在国际电影节上获奖，它们使西方开始关注和重视华语电影,华语电影已经成为世界影坛上不可忽视的新兴力量,让华语电影在世界范围内产生影响,为20世纪后期的是世界影坛上写下中国（中华）电影的重重一笔。
随着市场经济的发展和一些电影创作上的累赘，艺术电影的生存空间越来越有限，具体表现在创作资金的缺乏，票房的低下，在西方电影节上的收获也相对稀少。
如顾长卫获得银熊奖的《孔雀》票房仅为600万，而《青红》的票房才300多万，而同期许多生业大片票房都有上亿。
而许多电影人,像贾樟柯,张元等第六代导演都寻求外部资金的支持来拍片,而它们的许多片子都难以在国内上映.华语电影的艺术电影进入了整体低潮的时代，只有少数电影人坚守着艺术电影的天空。
[2]文艺片第一艺术，集合了文字、图像与声音三种文学表现形式，所以欣赏电影要求有很高的审美性。
目录定义文艺片不是艺术片。
它有很商业的、主流的、迎合潮流的，也有很另类的、边缘化的。
但更多的文艺片，我觉得是需要引起人们共鸣的（此类影片好像更倾向于女性观众），以表达人类的情感的（表达爱情占多数）影片。
它通过导演的艺术拍摄手法和演员的艺术表演，使观众深刻的感受人类的美好情感，引起情感上的共鸣，从而达到影片拍摄的最终目的。
电影语言的运用也更平实，更适于人们的接受习惯。
与商业片区别文艺片相对的就是艺术元素更多一些，商业片商业元素多一些，强调的故事的内容上不一样，形式上也不一样，投资上也有根本的区别。
经典举例比如我们的《英雄》一部片子投了将近三个亿，这次我们是张艺谋文艺片中最大的投资是六千万，《十七岁的单车》(2000年) ，该片是第六代导演代表人物王小帅的最新作品。
王小帅在没有拿到审片结论之前便携片参加了柏林国际电影节，虽赢得一尊银熊，却被禁止公映。
（1）商业片专指向票房，从编剧到主演均从此角度考虑。
文艺片则反其道行之文艺片，全称“文学艺术片”，这个词应该是偏正结构，“文学”修饰“艺术”，而不是并列结构。
本意为文学作品改编成的电影，现在已经是专门针对商业片讲的了。