国画用笔--笔法
中国画用笔－－笔法
骨法用笔
这是谢赫"大法"中的第二条。"骨法"系指形体结构．包括面貌、骨骼的部位，"用笔'概指笔下所表现出来的技巧。连起来讲，是说明用笔不能脱离开形体与结构的准确性，二者是紧密相连的。
晋代顾恺之已经提出了骨法的要求，但他尚未与用笔联系在一起，通过今天广大国画家的实践，对“骨法用笔”方面又有了新的涵义。这是因为过去谢赫"六法"的制定是专对人物而言的，现在用这一条指导绘画，既应体现其原有的同于人的结构，又应体现用笔之骨力。在用笔方面，也比古代的线法描法，有了更多的发展，即状物写形中同时要使用笔与形体一致，不绵软、不纤弱。单从用笔的要求上，荆浩还提出过筋，皮、骨、肉的四势之说，更加丰富了不同等线之变化。
中锋与侧锋
毛笔的笔头共分三段，最关的部位是笔尖，中部是笔腹，与笔管相接的为笔根。通常绘画使用的是笔根以外具有弹性的部位，国画一切技法变化都是笔锋与笔腹作用于纸上的结果。
中锋执笔是将笔管垂直．与纸成90度，笔尖正好留在墨线中间，画出的笔线挺拔流畅，一般使用于勾勒人的面部及衣纹等各种物体的轮廓线。侧锋的执笔是把笔管横卧。与纸成各种角度，笔尖不在墨线中间，笔尖一边光，而笔腹的一边毛，并有飞白的效果，山水人物画在皴、擦部位上多用侧锋，画出的线有厚、重、毛的感觉。在轮廓部位上多使用中锋为佳。除了白描以外，一幅画常要中、侧锋合用，大多数画家是如此，但也有象元代画家倪云林偏爱用侧锋去画山石的。
藏锋与露锋
藏锋是为了使笔线含蓄而不露火气，有意不露锋芒，以强调某些物体的质感。藏锋的用笔有钝拙之意味。
露锋用笔是在笔画首尾处都留下明显的笔痕，看起来锋芒毕露。藏锋和露锋，在书法上吸取了许多经验。藏锋，采用了书法的笔法，即在落笔时，线条当往右行的笔先往左行，收笔时再向左缩回，于是头和尾的锋芒裹藏在内了。
凡是按照自然书写习惯顺序行笔的，都叫顺锋，比如画一道线，一般习惯都是由左往右拉，要是画直线，一般则由上至下拉，这样的笔锋则呈顺势，如果采用相反的方向，把笔锋逆转来画，笔锋也采用逆势，这就是逆锋用笔。
还有一种逆势，是笔锋向正向行笔时，中间突然逆向，笔毫则逆着纸面磨擦而前进，趁着这种散开的笔头画下去，可取得一种特殊效果。
凡表达光滑平整之物体质感，可以用顺锋，获得圆润、流畅的效果。凡表达一些粗糙物体的质感，以逆锋的效果为佳，亦应斟酌内容之需要，使顺锋送锋交互使用。
转折提按
"转"是画圆的手段，“折”是画方的手段，“提”是画细的手段，"按"是画粗的手段。就其形成线的基本形状来说，就是方圆粗细。手段可以千变万化，其基本行笔不外是圆和方两个最基本线型，由此变化而至于无穷。
画方线的转折处，称为桥笔，行笔当折时按一下笔锋而成桥。但圆的转法与折不同，在转弯处要把笔管轻轻捻动一下，这样的转笔可不露生硬的痕迹，墨也不会渗出疙瘩来。如画人脸的轮廓、梅花瓣，都多用圆匀之线型，转运流畅的画出。
又由于一根线条在勾勒衣纹及树干时，要求有粗、细之变化，就必须有时给笔锋的压力大些，有时把压力减少、以提笔运行，而产生出富于变化的线来。
圆转笔，圆转时，可轻轻捻动笔管使线圆匀。
“拖笔”，握管处要高，而且要悬肘画，使拉长之线条有舒畅流之姿，象画水纹、荷梗、藤蔓等都可以使用此法。
"战笔"（又称“颤笔”），是在行笔中微有抖动，以避免线纹之光滑板滞。表现于用笔上，是指在提顿颤抖中行笔，画出的线型，有象枯藤绳索，迟涩而又凝重。
勾
国画用线条表现物象。山水的纹路、人物的衣纹及动物的羽毛、流水的浪波……许多物象都用“勾”的形式来完成。人物画更是用线勾出来的。至于富有民间色彩的年画也是单线平涂。山水画的初级阶段，山石树木也全用勾勒，直到南朝马远、夏圭的山水，还喜欢采用勾勒法。唐、宋山水技法在发展中，逐渐增多皴擦点染的成分。从中国画的总体看，虽然技法多样，但是大多离不开'勾"。如：勾和染结合使用的叫勾填或勾染；勾和点相结合的，有先点墨叶后勾叶脉，称做勾花点叶；山水画中先勾轮廓后皴石纹的，称做勾皴。可见"勾"是中国画造型的主要手段。勾法不同，效果亦有所不同，如写字，分楷书和草书，国画分工笔和写意。国画要根据画法的不同来确定勾法，若是工笔画，就要用楷书的笔法来勾，若是写意画就得用草书的笔意勾，既可用中锋、侧锋勾，也可以中、侧交互使用。虚实、粗细、毛光、方圆的线，根据千变万化的描写物而变换使用。
皴
前面提到，皴是后来逐步发展起来的技法，隋代展子虔的《游春图》中，还没有皴笔。皴是中国山水技法逐步完善的标志。
皴的功能在于辅助勾线时所未尽完成的效果，包括物体的体积、阴阳、纹理、质感，进一步填充完成。所以皴不能唱主角戏，一般作画顺序是先勾后皴，随勾随皴。如果画山石分成几块来皴，要注意留下补皴和染色的余地。
皴还可造成距离感人，如近处山石多皴成凹凸之感，中远渐稀，远景则可以略而无皴。过去说“远人无目”、"远水无波'"，这里也可以说成是"远山无皴"。
过去人物无皴，现代人物画凡是分面处，多有用皴法来表现的，以加强肌肤之质感，衣纹的皱折在形体隆起处，也有用皴以助效果的，甚至老人的胡须也用皴笔表现，因此皴法已从山水引用到人物画花鸟画等方面。皴与色在用笔上技法不同，皴用侧锋多，笔触纸面的笔感轻些，而勾多用中锋，且笔感要沉重一些。但是皴时也应当见到笔锋才有力量。
擦
“擦”是横卧笔尖，轻轻地用笔腹蘸着淡墨在皴过的山石树皮上擦拂。以增强厚度和毛的感觉。在使用擦笔时，要使笔头的水分少一些，否则就变成染了。在使用擦笔时，把一些片断分散的皴点进一步连接起来了，效果会逐渐统一。在山水画中常常是皴擦并提，二者的技法比较接近，所不同者，皴法强调笔锋，而擦法要把笔锋减弱。
点
先谈谈“点”在国画中起什么作用。
宋代郭熙给“点”下过一个十分确切的定义："以笔端而注之谓之点，点施于人物，亦施于木叶"。清代唐岱则认为"盖点苔法为助山之苍茫，为显墨之精彩。"（《绘事发微》）。清代唐志契更认为"画不点苦，山无生气"。郭熙先说点之用笔是以笔尖注成的，又谈用途有助于人物树木之使用。可见宋代在人物山水画中，已十分注意到点的作用，并且大量使用了。
在中国山水画中，点在山石上的苔，非有所专指，它概括着许多样蒙茸丛生的野、野花、野树。点在树上的点，便是笼统一些的树叶。点的用色之法，一般在墨点上罩以草绿或花青，也可以直接用白粉点出梨花或梅花，红粉点可表示桃花或红梅，如果直接用石绿石青点即可表明是树叶了。
中国画常把点视作最后一道工序，如画龙之点睛，山水画之最后“醒提”，即用点来解决。明代画家沈石田对点苔特为慎重，据明人李日华记载：“尝闻白石翁集画一箧，俱未点苔，语人曰“今日意思错钝，俟精明澄澈时为之耳”。沈石田和文征明都是点苔能手。沈石田的苔点，真是下笔有八面锋芒之感，用笔苍老钝拙，他和梅道人都可称为点苔画手之冠。
丝
“丝”有两种笔法，一种是常见的尖笔丝，用在画人物的头发，胡须、鸟兽、羽毛、皮衣皮帽等，使用特别的小红毛，一根根画出来，工笔画大都采用此法。另一种是用散锋来丝，就是把毛笔的头捻开压平，利用这种扇锋，一下即可画出很多根细的毛。
丝毛也有"干丝"和"湿丝"的不同画法。如画老虎或鸟的毛羽，千画时一根根把毛画好，再行染色染墨，也可以先行着色，趁湿来丝毛，画人物的头发、胡须也可这样做。
枯笔
枯笔是当笔蘸墨后笔锋经过连续运笔，呈现不整齐的笔毛，可画出干枯的笔意，如桔树皮，石头表层。都可用粗笔去画。清代有位花鸟画家虚谷，最长于用枯笔作画，形成他独特之画风。
飞白
飞白原为古代书法中的一体，是东汉书法家蔡邕看到工人拿着刷子刷墙，有所启发而创造。画家把此法移到国画上。它与枯笔的不同点，在于枯笔用的干笔多，飞白则是借重散锋的效果，画虚处的山石、皮毛、柴草或画不经意的地方，也可具有锥画沙的效果。
大胆落笔 细心收拾
中国画大胆用笔，不宜拘泥，要求流畅一气，不凝滞，不呆板。怎样才能做到这样的用笔，主要应注意：先立其意后落笔，"胸有成竹"而后下笔，这当然不是漫无法则的乱画一气。这种大胆的来源、是凭着技巧的熟练性，如对人物组织安排，衣纹的来龙去脉，构图的疏密聚散，都须心中有数，而不是现想现画，临时对付。
但是无论多么高明的画家，如何审慎的构思和草稿，落笔之后也会出现两种结果：一种是预期的效果已经表达出来；另一种是力不从心，出现某些疏忽不到之处，这就有待于画家"细心收拾"。就是说，有些笔墨间的对比，只有在有了一些初步效果后，再加增益和润色。比如说，如果干笔太多，再补衬一些湿笔；某处过于空疏，再补一点实处；墨色暗淡，再勾提一二笔，以增精神。
即使是收拾，也要细心揣磨，如果确是败笔太多，无法收拾时，那就要总结失误何在，重新再画。所以说收拾也仅限于主体用笔上的加工和润色。
力透纸背
用笔功力深的人，可以力透纸背，这并不是说，真的每一笔画都可透入纸的背面，而是就国画用笔沉雄厚重而言。过去"书画同源"，如果是从用笔都应具备力量，讲求笔法而言，倒是很对的。
初学国画的人，常常失之于软弱浮飘，虽然形象画出来了，但用笔软弱，不耐人欣赏玩味。要做到笔力沉着，一方面是在临摹中认真的磨练，包括用书法来练笔。所谓"百炼钢化为绕指柔'"，不管是浓墨、淡墨，也不管是快笔、慢笔，都要画得不浮不滑。
工笔 写意 兼工带写
凡细笔工谨勾勒，或单用白描，或填染重彩，都属于工笔一类。凡粗略简化用笔，或点染，或泼墨的，都属于写意画一类。凡兼用这二者的方法，使工笔略为随意些，而写意又略带工整者，叫半工半写，兼工带写，或者叫小写意。以书法做比方，工笔如楷书，写意象草书，兼工带写等于行书。
书画同源
中国文字是由象形文字发展而来的，它的雏形象简单的图案。后来在中国书画的发展中，一直有互为增益晴雨之功，加上中国画以线为主的骨法用笔，就又有"工画者多善书"之说。元代书画家赵子昂有一首专门体会书画互补的诗，"石如飞白木如籀，写竹还应八法通。若也有人能会此，方知书画本来同"。即指以书法入画。沈石田用篆法，赵之谦用隶法，吴昌硕用石鼓文，徐渭用草书，可称是善于贯通书画者。
国画技法-中国绘画的基本技法图文教程
国画技法-中国绘画的基本技法图文教程
中国画最基本的技法主要讲用笔、用墨、用色、用水。
一、用笔
书画同源。中国绘画的用笔跟中国书法的用笔基本相同，因为中国绘画的主要造型手段是采用书法式的线条。甚至有人说，把中国书法学到家，中国绘画就学到了一半。用笔的方法又包括身法、指法、腕法。
身法
是指在书写或绘画时身体的各个部位要采取正确的姿势，姿势又分为“坐姿”与“立姿”。“坐姿”就是坐着书写或绘画，身要正，肩要平，背要直，两腿分开，双脚平放在地上，左手按纸，右手执笔，两眼注视下笔处，眼与笔尖保持约30cm的距离，全身要舒展，自然放松，精神集中。一般写小字和画工笔画都是坐着写或画。如果写大字或作写意画就要采取“立姿”，其要领和坐姿相似，要特别注意勿使驼背，防正僵直。
指法
是执笔的关键。(如图一)中指与食指勾住笔杆的外侧；大拇指的指肚抵住笔杆，与中指、食指形成合力握住笔杆；然后，依靠无名指由内向外抵住笔杆，加上小指在无名指的下面辅助推动，配合上面的中指、食指和大拇指，使笔头能做360°的自由挥动。
“指法”的要领：指实而掌虚，各手指按不同的分工落在实处，灵活运用，要点在“灵”字上。从生理上讲，肌肉要放松，掌心要空虚，似乎能放入一个鸡蛋。手在笔的位置应根据字的大小有所不同，一般在笔头的3-4cm的上面。运笔时，笔杆要保持与纸面垂直。初学者要注意，一开始就要掌握正确的姿势与方法，以期久而久之养成良好的习惯，以免日后积习难改。当然作为绘画，特别是作写意画和大画的时候，其执笔的方法就有所变化，
可参考以后的示范作画图。
腕法
上述“指法”固然重要，同时也要注意腕力和肘力的相互配合，这是三个有机组成部分，缺一不可。相对说，腕力尤为重要，熟悉乒乓球的人都知道，球拍的握法类似指法，但击球技巧中，腕力、肘力甚至臂力都需有机结合，他们也十分重视腕力。
中国书画在运用腕力上有以下四种不同的方法：
中国画基础技法
中国画基础技法
中国画又称为水墨画，墨在中国画中就是黑色。中国画古代有墨分五彩之说，即黑、白、浓、淡、干、湿六种效果。那么，下面是店铺为大家整理的中国画基础技法，欢迎大家阅读浏览。
第一节 笔 法
笔法是由行笔而形成的。行笔包括起笔、运笔、收笔三个部分，起笔和收笔逆入藏锋、自然含蓄，行笔要有力度。用笔要意在笔先，以意使笔才能因意成象，笔自动人之处在于有意趣。笔要有力度，古人称笔 “力透纸背”、“骨法用笔”、“力能扛鼎”，就是强调用笔的功力，所以用笔要全神贯注、凝神静气、以意领气、以气导力，气力由心而腰，由腰而臂，由臂而腕，由腕而指，由指而笔端纸上，于是使产生了具有节奏和韵律、奇趣横生的用笔。
运笔有中锋、侧锋、逆锋、拖笔、散锋等区别，以中锋用笔最重要，它是笔法的骨。
笔锋可分中、侧、逆、拖、散数种。
中锋用笔。握笔较直，使笔头中间有力，笔锋基本上在笔痕的中央，笔痕呈圆柱形。
侧锋用笔。笔锋略向左右倾斜，使笔尖、笔腰同时一侧着力，笔痕变化较多，有时出现一面光一面成锯齿形的效果，能同时表现线与面。
逆锋用笔。将笔头倒逆而行。顺笔作画时，笔根在前，笔尖尾随;逆锋用笔则相反，笔尖在前，笔根尾随，自上而下，自右而左逆毛而行，具有苍劲、古拙的效果。
拖锋用笔。拖锋也叫拖笔、露锋。笔头侧卧于画面，顺毛而行，笔痕舒展流畅，自然松动。
散锋用笔。笔毛散开而笔痕丰富虚灵、轻松飘逸、面积较大，皴擦点簇常用散锋。
五代荆浩在《笔法记》中提出：“凡笔有四势，谓筋、骨、肉、气。笔绝而不断谓之筋，起伏成实谓之肉，生死刚正谓之骨，迹画不改谓之气。”
古人总结了用笔的几种特点：
1.平，如“锥划沙”，力量匀实，不结不滞，只有控制住笔，线才能平实有力。
2.圆，如“折钗股”，丰腴，光滑圆润，圆转有力，富于弹性，转折自如，刚柔相济，富于弹性而有力量。
3.留，如“屋漏痕”，高度控制，积点成线，不漂不浮，象刻进墙皮，沉稳有力。线条是高度控制，行处皆留，意到笔随。宋郭熙说：“一种使笔，不可反为笔使;一种用墨，不可反为墨用。笔与墨，人之浅近事，二物且不知所以操纵，又焉得成绝妙也哉?”(1)
国画白描笔法技巧
国画白描笔法技巧
1. 嘿，你知道吗，国画白描里的中锋笔法那可是基础中的基础啊！就好比建房子得先打牢地基一样。你看画那线条，稳稳当当，流畅自然。就像画一片叶子的轮廓，用中锋一笔下去，那感觉，哇塞，太爽啦！
2. 哎呀呀，侧锋笔法也超级重要哦！它就像是给画面增添了一份独特的韵味。好比给一道菜加上特别的调料。你想想，画块石头的时候，用侧锋轻轻一带，那纹理一下子就出来了，是不是很神奇呀？
3. 还有逆锋笔法呢，这可是能制造出特别效果的哟！就如同给你的作品来点小惊喜。像画树枝的粗糙质感，逆锋这么一用，哇，那种感觉就有了。你不试试看吗？
4. 拖笔笔法也很有意思呀！这就好像是轻轻地拖着什么东西往前走。比如画水的波纹，用拖笔慢慢画过去，那水的动感不就有啦，是不是很有趣呢？
5. 转折笔法可得重视呀！它就像人生路上的拐弯点。在画一些有转折的物体时，这个笔法一用，那形状马上就生动起来了。这不值得你好好去研究吗？
6. 顿笔笔法，那可是能带来停顿和力量感的哦！就像音乐里的重音。画某些关键部位时，顿一下笔，感觉一下子就不一样了。快来感受感受这种神奇呀！
7. 最后的提笔笔法，绝对不能小瞧。这就好比给作品来个完美的收尾。比如画花朵的最后一笔，轻轻一提，那美感就出来了。你还不赶紧去试试这些神奇的笔法技巧呀！
我觉得啊，国画白描的这些笔法技巧真是太有意思了，每一个都有独特的魅力和用途，只要用心掌握，就能画出超棒的作品！
图文详解黄宾虹作画用笔、用墨、用色、用水及画法步骤
图文详解黄宾虹作画用笔、用墨、用色、用水及画法步骤
黄宾虹在毕生的艺术探索实践中，致力传承、发展、光大中国传统绘画技法，总结出：“五笔七墨”、“二色六水”、以及以书入画的“三步九面”画法。
用笔：五笔
平、留、圆、重、变
一曰'平',运笔时,指与腕平,腕与肘平,肘与臂平.又以全身之力,运用于臂,由臂使指,用力平均.做到如'锥划沙',起讫分明,笔笔送到,不柔弱,不轻浮.即使是灵动用笔,也不能'油腔滑调',毫无风骨。
二曰'圆',落笔'无往不复,无垂不缩',如'折钗股',不妄生圭角.即使是欲其曲折,亦当圆而有力.'刚中有柔'和'柔中见刚'都在于用笔要圆。
三曰'留',用笔不疾不徐,有如'屋漏痕',不能使笔画放诞狂野,全无含蓄.黄宾虹诗云:'我从何处得粉本,雨移墙头月移壁.'雨淋墙头就是'屋漏痕'的另一说法.雨淋到墙头,墙壁上有石灰,吸水后很强,流到哪里,吸到哪里,而且自然有其痕,这痕迹,就是'留'。
四曰'重',笔力既'能扛鼎',也如'高山坠石'.还要做到举重若轻,虽细也重,犹如齐白石画的蟋蟀的触须。 五曰'变',是说'点不变谓之布棋,画不变谓之布算'.做画时既要有变化又要有呼应,没有变化不能灵动活脱,没有呼应不能协调整体.做到笔有回顾,上下映带.既要意在笔先,又要自自然然,无造作之风. 中锋圆浑,用笔沉着,与'平''留''圆'都有关系.元赵松雪诗云:'石如飞白木如籀',就是指塑造山石与树木形态的线条与篆书的笔意一样. 用中锋,也不排斥用侧锋.但用得要恰到好处.
用墨：七墨
浓墨法、淡墨法、破墨法、泼墨法、积墨法、焦墨法、宿墨法。浓墨法、淡墨法、破墨法泼墨法、积墨法、焦墨法、宿墨法。
浓墨、淡墨、破墨、泼墨、积墨、焦墨、宿墨。
浓墨法,淡墨法,破墨法,泼墨法,积墨法,焦墨法,宿墨法。
黄宾虹作画,对于笔,他不甚选择,而对于墨,却很在意.一九五一年冬他在北京出席全国政协会议,休息期间友人请他作画,他只在画桌上看了看那锭墨,然后便从身上掏出一个小布袋,取出一块墨头和一只存放宿墨的铜墨盒,本来给他研好的那些墨,他没有去用.他认为磨墨也是写字方法之一,同样是锻炼腕力.手要握得紧,往里弯,要平,力要匀。
中国画之山水画理论
1 中国画之山水技法理论
孙文前
1、中国画为什么要讲“用笔”和“笔法”？
《易经》中说：“形而上者谓之道，形而下者谓之器”。简单讲，形而下就是指具体的，感性的事物。形而上就是指比较抽象的规律，原则。所以形而上者谓之道。
中国画中讲“用笔”和“笔法”，笔法既服务于客观造型的需要，又必须接受画家思想感情的指挥，所以随描绘对象和画家个性感情的不同，就产生了各种不同的笔法，这也与毛笔这种特殊工具有关。
古来制笔要求具备“尖、齐、圆、健”四种品德。用笔靠指，但归属于心，指掌运动，腕肘支持，笔触纸上，留下点、线，构成物象，总结这些线条变化的规律就产生了笔法。古人极重笔法，有“失其笔法，岂曰画也”的警告。
黄宾虹集古人用笔大成，留下五字用笔诀——平、圆、留、重、变。
平：指运笔平缓，力度均匀。行笔过程如物凝碍，持重而行。用笔须匀，无跳跃，不飘浮，此为中国画用线之根本。
圆：指线条圆浑沉厚，同时指有弹性的曲”线。树无寸直，石也多圆笔画法，“折钗股”的效果就是“圆”，线是柔和而有弹性的，而不能刻板僵硬。
留：就是收得住，是功底的显现，控制得力就叫留。古人讲“屋2 漏痕”就是“留”的效果。中国画还讲究起止无痕，’同时又力能扛鼎，这就是留。
重：就是往纸背后去的力量感，即厚重感。大家用笔无一不厚。厚重的对立面是浮薄轻滑，是用笔的大忌。古人用笔如“高山坠石”，笔在纸上运行要沙沙有声。
做到以上四条，便体味得到“骨法用笔”。“骨法用笔”系南齐谢赫首提，五代荆浩解释为“生死刚正谓之骨”，没有力或力不够强的用笔，是不配叫骨法的。
用笔有两个基本要求：力量感、含蓄性。力量在以上论述中提到，这是线条的基本审美要素。含蓄是体现笔墨精神的元素之一。不剑拔弩张，不狂怪奇诡，有内在的美存在于笔中，这是极高境界。两者结合，为物述形，形式美和内质美都在其中。至于“十八描”，各种皴法及各种点法，都是用笔程式，须知不一定一一照搬。用笔有规律，不要强守定法，立足于“变”字。
中国画的绘画技法
- 1 - 中国画的绘画技法
中国画是中国传统绘画艺术的一种，具有独特的绘画技法和风格。以下是中国画的绘画技法：
1.笔法。中国画强调笔墨的运用，笔法是其中的核心。笔法包括用笔轻重、深浅、粗细、快慢等方面的技巧，通过变化来表现物象的形态、气势和情感。
2.皴法。皴是一种表现纹理的技法，可以用来表现树木、山石、草地等自然景观。皴法有直皴、横皴、斜皴、曲皴、钩皴等不同的形式。
3.点洒。点洒是用笔在纸上点出不同大小的“点”，使其呈现不同的密度和层次，可以表现出空气、波浪、烟雾等景象。
4.留白。留白是指在画布上保留一些空白区域，让观者自行想象和填补，增强作品的艺术感染力。
5.色彩。中国画颜色以水墨为主，但也可以用彩色颜料进行表现。颜色的运用是画家表现情感、气韵的一个重要手段。
以上是中国画的几种绘画技法，中国画的绘画技法是非常丰富的，需要通过长期的学习和实践才能掌握。
国画中的34种技法，你会几种？
国画中的34种技法，你会⼏种？
⼯笔 细笔亦称“细笔”，与”写意”对称。是我国传统绘画艺术中⼀朵奇葩,向来以细腻和丰富著称。
传统的⼯笔绘画需要极⼤的耐⼼和⾼超的运笔技巧和渲染技术。
属于⼯整细致⼀类密体的画法。如宋代的院体画，明代仇英的⼈物画，清代沈铨的花鸟⾛兽画
等。北宋韩拙《⼭⽔纯全集》有“⽤笔有简易⽽意全者，有巧密⽽精细者”之说，⼯笔的要求乃属
于后者。
⼯笔画法出现较早，远在魏晋时期就被画家采⽤，并成为主要的或唯⼀的表现技法。像顾恺之
的《洛神赋图》、《列⼥仁智图》就是⽤⼯笔画法创作的。隋唐⾄五代两宋，⼯笔画法得到了
长⾜的发展，并⽇趋成熟。
⼯笔⼜分为⼯笔⽩描和⼯笔重彩两类。⼯笔⽩描就是完全⽤墨的线条来描绘对象，不涂颜⾊。
⽩描本来⼤抵是⽤来打草稿的，宋代画家李公麟把它发展成独⽴的画种，他的⽩描如⾏云流
⽔，变化⽆穷丰富，有很强的表现⼒。
他画的《五马图》，⼈和马都⽤单线勾出，⽐例准确，肌⾁⾻骼的结构清楚，甚⾄马的⽑⾊所
具有的光泽也细致地表现出来，动态极为⽣动，是古代第⼀流的⽩描作品。⼯笔重彩，就是指
⼯整细密和敷设重⾊的中国画。在中国绘画的早期，⼯笔重彩占有主要的地位。
湖南长沙马王堆汉墓发现的帛画、都是道地的⼯笔重彩，特别是轪妃墓的t形⾮⾐”，构图巧妙，
线描精细，设⾊绚丽，显⽰了当时⼯笔重彩达到了⾼度的成就。古代绘画普遍使⽤丹砂和青绿
之类的重彩颜料，因此称绘画为丹青”，由此可见⼯笔重彩在古代绘画中的重要地位了。
《五马图》宋 李公麟 纸本墨笔 纵29.5厘⽶ 横225厘⽶ ⽇本东京末次三次私⼈收藏
写意 粗笔
俗称“粗笔”。与“⼯笔”对称。中国画技法名。属于简略⼀类的画法。要求通过简练概括的笔墨，
着重描绘物象的意态神韵，故名。如南宋梁楷、法常，明代陈淳、徐渭，清初朱耷等，均擅长
此法。清代恽寿平说：“宋⼈谓能到古⼈不⽤⼼处，⼜⽈写意画。两语最微，⽽⼜最能误⼈，不
知如何⽤⼼，⽅到古⼈不⽤⼼处；不知如何⽤意，乃为写意。”宋代韩拙说：“⽤笔有简易⽽意全
写意画国画基本步骤和笔法
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国画分为工笔和写意，写意两个字，写是用笔，意是造境，不是狂涂乱抹的。勾勒皴擦既完毕，再拿水墨一次的渲染，必定要能显出阴阳、向背、高低、远近。近处石头稍浓，远处要轻清写意画创作自元代四家，到了四高僧，石溪、渐江、石涛、八大，神明变化一直按盖过了前人。
写意画要求用粗放、简练的笔墨，画出对象的形神，来表达作者的意境。据传唐代的时候，玄宗命令画家李思训和吴道子，一起在大同殿描绘嘉陵江的山水。李思训是擅长工笔重彩的，他用了几个月的工夫完成这幅壁画。吴道子则在一天之内就画成三万余里的嘉陵山水，这可以想象，他不可能用工笔重彩的技法来画，一定是比较粗放、简练的。这说明那时的绘画已经有了工笔、写意的区别了。
笔法：
指各种点、线、面的画法，而以线为主
用笔：
有中锋、侧锋、顺锋、逆锋等变化，又以笔着纸以提按运腕动作的变化，可出现轻重、虚实、粗细、转折等用笔形态。中锋用笔是用途比较广泛的一种笔法，这种线条，运笔时笔尖始终在线的中间运行，具有圆润、厚实、壮健、沉着的特点，无偏枯纤弱之病。
墨法：
分浓、淡、焦、湿、破、积、泼等诸种变化。各种墨法，在画中要综合运用，浓、淡、干、湿要形成对比。特别是破墨与积墨，更是山水画中的两种重要墨法，因为山水画要表现出景物的复杂层次，使人感到深厚，必须通过笔墨相叠、相间的对比互相识、破，造成笔中有笔，墨中有墨的效果。一般是先破后积，在作画过程中，根据表现景物的需要，或先用浓墨画，再用淡湿墨破，干后，视具体效果再在上面积，如此，不断反复积、破，直至感到已充分地把画意表达出来为止。
笔意和笔势：
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虚、实、粗、细、浓、淡、干、湿等是笔墨本身的表现形态；疏密、聚、散、穿插、参差等是笔墨在构形过程中的组织规律，它们都和景物的形态与结构紧密结合，为造型服务。
国画基本笔法
- 1 - 国画基本笔法
国画是中华文化的瑰宝，它具有浓郁的民族特色和丰富的艺术内涵。作为一种传统的绘画形式，国画的笔法是其灵魂所在。笔法是国画艺术的基础和核心，它对于国画的表现手法、形式和内容都有着至关重要的作用。因此，学习和掌握国画基本笔法是每位国画爱好者必须经历的一个重要阶段。
一、国画基本笔法的分类
国画基本笔法主要包括线条、点、面、墨渍、水渍、干笔、湿笔等。其中，线条是最基本、最常用的笔法，也是国画最重要的表现手法之一，其他笔法都是在线条的基础上发展而来的。
线条分为直线、曲线、勾线、点线、断线、虚线、实线等。直线可以表现出刚直、刚毅、阳刚的形象，曲线则可以表现出柔美、婉约、阴柔的形象。勾线是一种特殊的线条，它可以表现出笔画的精细、细腻和流畅，点线和断线则可以表现出画面的变化和层次感，虚线和实线则可以表现出画面的虚实和深浅。
点是一种特殊的笔法，它可以表现出画面的点缀和补充，同时也可以表现出画面的细节和纹理。面是指绘画中的色块和色彩，它可以表现出画面的色彩变化和层次感。墨渍和水渍则是在国画中常用的一种表现手法，它可以表现出画面的墨色和水色，同时也可以表现出画面的渗透和流动。干笔和湿笔则是在国画中常用的一种表现手法，它可以表现出画笔的干湿和笔锋的变化，同时也可以表现出画面的纹理和质感。 - 2 - 二、国画基本笔法的练习方法
学习国画基本笔法需要进行反复的练习和实践，只有通过不断的练习才能掌握笔法的精髓和技巧。下面介绍一些国画基本笔法的练习方法：
1、线条练习：用毛笔或画笔在宣纸上画直线、曲线、勾线、点线、断线、虚线、实线等，反复练习，直到线条流畅有力。
2、点练习：用毛笔或画笔在宣纸上画点，大小、间距、形状都要有所变化，反复练习，直到点的大小、形状和间距都能掌握。
3、面练习：用毛笔或画笔在宣纸上填充不同的颜色，反复练习，直到能够掌握色彩的变化和层次感。
简述中国画的用笔法和用墨法
- 1 - 简述中国画的用笔法和用墨法
中国画的两种基本画法是用笔法和用墨法，一般都被合并为“写意画法”。在写意画法当中，用笔法和用墨法是两种不同的画法，分别占据着中国画创作中的重要位置。
用笔法是指在绘画过程中，使用毛笔把墨色沾取在纸上，渐渐形成线条，根据不同的笔触，表达画面中的轮廓、细节等信息。用笔法既可以表现抽象化的画面，也可以表现出直白的意境，有利于表现作品中的气势、神韵。古人有“笔墨若游龙”的比喻，形容用笔法制作的作品表现出的自然自如、气势磅礴的感觉。
墨色是用笔法的重要后援，它也是中国画的特色和中国传统文化的象征。用墨法是指在绘画过程中，采用墨色直接涂在纸上，搭配不同的笔触，形成色块，以此来构建画面上的色彩。用墨法可以模糊虚实，加强画面的表现力；又能强调画面中物象的丰满度，从而达到加强画面气氛的效果。传统画家多喜欢以“少而精”的画法来制作作品，用墨法就可以把最少的墨色，搭配灵活多变的笔触，构建出复杂多变的画面，使画面生动、自然、生机勃勃。正因此，《四库大全》中曾说：“墨画，须以无限度来取得有限度。”
用笔法和用墨法是中国画创作的必备要项，它们不仅能够更好地表现出作品中的感情色彩，而且又能有效增加画面的可观性和美感，使画面显得更加精致。
传统中国画家须要熟练掌握用笔法和用墨法的技法，把它们糅合在一起，才能使作品充满了气势和神韵。例如，晚唐画家洛河村的《乌 - 2 - 夜啼》，采用泼墨和走笔的手法，将雁的羽毛实现的非常逼真，令人叹为观止；另一张名作《寒雁横塞南山》更是惊艳，把南山的景物层层叠叠地描绘出来，宛如一幅天籁。
总而言之，用笔法和用墨法是中国画中重要的基本画法，它们在中国画创作中占据着重要的位置，在表现画面、气势和神韵方面都起着重要的作用。中国画家在创作中，一定要深刻的理解这两种画法的内涵，用笔法和用墨法糅合在一起，才能使作品充满灵性，显现出色彩深厚的画面。