西方手工艺时期美学思想汇整

西方手工业时期美学思想汇整古希腊罗马美学思想公元前6～前5世纪之间，希腊进入奴隶社会的全盛时期。

工商业奴隶主掀起的民主运动，促进了文学艺术的发展，悲剧、喜剧、音乐、雕刻等，都达到了高度的繁荣，同时又推动了自由辩论和对于知识的重视，与自然科学结合在一起的哲学取得了空前的发展。

对美和艺术进行哲学思辨性的反省和思考，产生和形成了希腊最早的美学思想。

它支配了以后西方美学思想的发展。

最早提出较有系统的美学思想的，是一些研究宇宙构成的哲学家。

他们认为宇宙是由某种或某些元素，按照一定的“秩序”构成的；人的心灵也是由同样的元素构成的，因之人能够认识世界。

公元前6世纪的毕达哥拉斯学派认为，数的秩序、比例和尺度，不仅构成了宇宙万物，而且构成了宇宙的和谐。

美，就是从和谐中产生的。

例如音乐的美，就是由不同长短高低的声音，按照数的比例关系所形成的和谐。

整个宇宙是一曲和谐的音乐。

他们有“天体音乐”的讲法，其他如“黄金分割”、“多样统一”等美学上的形式观念，也是根据数的秩序提出来的。

节奏、对称、和谐等形式观念，是希腊美学思想的理论基础。

赫拉克利特继承了毕达哥拉斯关于和谐的观点，不过他认为和谐不是由"联合同类的东西"造成，而是由“互相排斥的东西结合在一起”，从而“造成最美的和谐”，和谐是从斗争中产生的。

德谟克利特则提出文艺创作中灵感与模仿两个重要的美学观念。

到了苏格拉底，希腊哲学的重点从宇宙论转到政治伦理方面，美学思想也强调对于人类社会的效用。

苏格拉底认为同样的东西，当它适合目的，对人有用的时候，是美的；反之，当它不适合目的，对人无用的时候，就是丑的。

柏拉图和亚里士多德对美和艺术进行了真正的系统的哲学思考，建立起完整的体系，从而成为以后西方美学思想的奠基者。

柏拉图在《理想国》、《会饮篇》、《伊安篇》、《大希庇阿斯篇》、《法篇》等对话中，把美学思想融贯在哲学思想中，广泛地探讨了美与艺术的问题。

他认为，世界的根本是“理念”，现实世界是从理念世界派生出来的，事物的美也是从美的理念派生出来的，美的理念是“美本身”。

现实事物之所以美，是由于分享了“美本身”。

他离开美的事物，认为另外还有一个高高在上的美的理念存在，这是客观唯心主义。

但是，他把美学研究从现象引向美的本质，从个别事物的美引向美的普遍规律，则是一个历史的贡献。

西方美学史关于美的本质问题的争论，是从柏拉图开始的。

柏拉图比较系统地提出了“艺术是模仿”的理论。

他认为现实世界是理念世界的模仿，而艺术又是现实世界的模仿，因此，艺术是“模仿的模仿”，是“影子的影子”。

从而否定了艺术能够认识真理的价值和意义。

他认为诗往往挑动感情，败坏人性，亵渎神圣，因而要把诗人从他的“理想国”中赶出去。

不过，他并不完全否定艺术。

亚里士多德是柏拉图的学生。

传说他写过许多有关美学和艺术的论著，但只有《诗学》和《修辞学》两部流传下来。

他在哲学上批判了柏拉图的“理念论”，提出“四因论”。

例如就建筑而言，建筑材料是质料因，建筑设计是形式因，建筑师是动力因，建筑物本身则是目的因。

四因统一起来，方才构成宇宙万物。

他认为，不存在脱离现实世界的理念世界，艺术也不是“影子的影子”，而是通过现象反映本质，通过个别反映一般。

由于艺术通过现象所反映的是本质，所以艺术比历史更真实，更带普遍性。

艺术的模仿本身就是“求知”。

丑的事物经过惟妙惟肖的模仿，也能引起人们的愉快。

亚里士多德也不同意柏拉图关于艺术挑动情欲、败坏品德的观点。

他认为悲剧的作用，能够把人们最根本的两种感情“怜悯”和“恐惧”加以净化，从而达到心境的平静，恢复心理的健康。

亚里士多德不仅探讨了艺术中的哲学问题，而且探讨了艺术中的心理学问题。

他经常联系政治和道德来探讨艺术对心理的影响。

在《诗学》中，他从形式的安排上，谈体积不能太大、太小，在结构上要显出是一个有机的整体等等。

在《修辞学》中，他从事物本身的价值以及它们所产生的快感来谈美。

在《伦理学》中，他对美感经验作了更为具体的描述。

古希腊建筑古希腊建筑风格的特点主要是和谐、完美、崇高。

而古希腊的神庙建筑则是这些风格特点的集中体现者，也是古希腊，乃至整个欧洲最伟大、最辉煌、影响最深远的建筑。

这些风格特点，在古希腊神庙的各个方面都有鲜明的表现。

首先是柱式。

古希腊的“柱式”，不仅仅是一种建筑部件的形式，而且更准确地说，它是一种建筑规范的风格，这种规范和风格的特点是，追求建筑的檐部（包括额枋、檐壁、檐口）及柱子（柱础、柱身、柱头）的严格和谐的比例和以人为尺度的造型格式。

古希腊最典型、最辉煌，也是意味最深长的柱式主要有三种，即多立克柱式(Doric Order)、爱奥尼柱式(Ionic Order)和科林斯柱式(Corinthian Order)。

这些柱式，不仅外在形体直观地显示出和谐、完美、崇高的风格，而且其比例规范也无不显出和谐与完美的风格。

古罗马建筑古罗马的建筑艺术是古希腊建筑艺术的继承和发展。

古罗马的建筑不仅借助更为先进的技术手段，发展了古希腊艺术的辉煌成就，而且也将古希腊建筑艺术风格的和谐、完美、崇高的特点，在新的社会、文化背景下，从“神殿”转入世俗，赋予这种风格以崭新的美学趣味和相应的形式特点。

建筑的基本原则应当是“须讲求规例、配置、匀称、均衡、合宜以及经济”。

这可以说是对古罗马建筑特点及其艺术风格的一种理论总结。

在这些特点中，显然仍有着古希腊建筑的和谐、完美、崇高的风格内容，但是“合宜以及经济”的杠杆，又显然将古希腊建筑风格的“神”意，转变为了世俗的人意。

这一点，可以直接地从建筑类型、建筑外观的设计方面看出。

哥特式建筑主要由石头的骨架券和飞扶壁组成。

其基本单元是在一个正方形或矩形平面四角的柱子上作双圆心骨架尖券，四边和对角线上各一道，屋面石板架在券上，形成拱顶。

采用这种方式，可以在不同跨度上作出矢高相同的券，拱顶重量轻，交线分明，减少了券脚的推力，简化了施工。

由于采用了尖券、尖拱和飞扶壁等建筑形式，哥特式教堂的内部空间高旷、单纯、统一。

装饰细部也都用尖券作主题，使建筑风格与结构手法形成有机整体。

在设计史上，文艺复兴时期的设计摒弃中世纪的刻板作风，从古希腊、罗马的设计中吸收营养，并借助这个时期科学技术的大发展，追求具有人情味的曲线和优美的层次，在设计上提倡个性的解放和自由，面向现实，面向人生，推出了大量新的、对后来工业时代的设计产生重大影响的优秀设计。

从设计的具体实践上看，文艺复兴时代的建筑、家具、绘画、雕刻等文化艺术领域都进入了一个崭新的阶段，众星灿烂，大师辈出，如建筑大师行维尼奥拉和帕拉第奥文艺复兴盛期三杰是指建筑师米开朗基罗、画家达·芬奇和拉斐尔。

在设计上也具有伟大成就。

16—17世纪交替的时期，巴洛克式设计风格开始流行，其主要流行地区是意大利，经荷兰传遍欧洲。

巴洛克艺术是为教会服务，被宗教利用的，教会是它最强有力的支柱。

这种风格一反文艺复兴时代艺术的庄严、含蓄、均衡而追求豪华、浮夸和矫揉做作的表面效果，它突破了古典艺术的常规。

它既有宗教的特色又有享乐主义的色彩，它是一种激情的艺术，它打破理性的宁静和谐，具有浓郁的浪漫主义色彩，强调艺术家的丰富想象力，它极力强调运动与变化，注重作品的空间感和立体感。

巴洛克建筑的主要特征是：一、炫耀财富。

大量使用贵重的材料，充满了华丽的装饰，色彩鲜丽。

二、追求新奇。

建筑师们标新立异，前所未见的建筑形象和手法层出不穷。

而创新的主要路径是，首先，赋予建筑实体和空间以动态，或者波折流转，或者骚乱冲突；其次，打破建筑、雕刻和绘画的界限，使他们互相渗透；再次，这是不顾结构逻辑，采用非理性的组合，取得反常的幻觉效果。

三、趋向自然。

在郊外兴建了许多别墅，园林艺术有所发展。

在城市里造了一些开敞的广场。

建筑也渐渐开敞，并在装饰中增加了自然题材。

四、城市和建筑，常有一种庄严隆重、刚劲有力却又充满欢乐的兴致勃勃的气氛。

这些特征同时也是文艺复兴晚期手法主义的发展洛可可式建筑风格（Rococo Style）于18世纪20年代产生于法国并流行于欧洲，是在巴洛克式建筑的基础上发展起来的，主要表现在室内装饰上。

洛可可风格的基本特点是纤弱娇媚、华丽精巧、甜腻温柔、纷繁琐细。

洛可可建筑风格的特点是：贝壳和巴洛克风格的趣味性的结合为主轴，以室内应用明快的色彩和纤巧的装饰，家具也非常精致而偏于繁琐，不像巴洛克风格那样色彩强烈，装饰浓艳。

德国南部和奥地利洛可可建筑的内部空间显得非常复杂。

洛可可装饰的特点是：细腻柔媚，常常采用不对称手法，喜欢用弧线和S形线，尤其爱用贝壳、旋涡、山石作为装饰题材，卷草舒花，缠绵盘曲，连成一体。

天花和墙面有时以弧面相连，转角处布置壁画。

为了模仿自然形态，室内建筑部件也往往做成不对称形状，变化万千，但有时流于矫揉造作。

室内墙面粉刷，爱用嫩绿、粉红、玫瑰红等鲜艳的浅色调，线脚大多用金色。

室内护壁板有时用木板，有时作成精致的框格，框内四周有一圈花边，中间常衬以浅色东方织锦。

从发展根源上说，罗可可式风格是巴洛克式风格的延续，同时也是中国清式设计风格严重浸染的结果，所以在法国，洛可可又称为中国装饰。

工业时代的来临改变了传统的手工艺设计方式，带来了标准化、批量化和机械化大生产的方式。

伦敦水晶宫如果我们把科技进步带来的新材料、新工艺和新设计成果，暂时放一放，看一看水晶宫的圆拱式屋盖，虽然没有了歌特式建筑“刺破青天锷未残”的外部造型，但是，人们仍然能够从那罗马式的半圆形拱券上，感受到一切朝向上帝的宗教精神，因为那透明的圆拱式玻璃屋顶，更便于人们与上帝神灵的沟通；看一看空旷直达透明玻璃屋顶的大厅，仍然使人回味起中世纪教堂的祈祷大厅；环绕大厅的柱廊，虽然失去了古希腊柱式和古罗马柱式的风采，但是，人们仍旧能够感受到欧洲古典建筑内部空间的宗教气氛；彩色玻璃幕墙上的多彩图案，虽然没有了欧洲古典主义建筑的浮华雕塑，但是却也能够勾起人们对欧洲古典建筑壁画的遐想……这就是一种文化的精神，它可以在古典主义的砖石艺术中得到展示，也可以在现代工业化材料、工艺和设计中得到体现。

这幢由英国园艺师约瑟夫·帕克斯顿（Joseph Paxton）设计的钢结构装配式建筑。

后来，人们都称它为水晶宫。

水晶宫仅用了八个月即全部竣工，正是因为这幢建筑的几何形状、建筑尺度的模数化、定型化、标准化，以及坚硬晶莹的玻璃墙壁和工厂化生产，使这个商业圣殿，成为世界上第一个体现初期功能主义风格的重要作品，预示了二十世纪设计的三大发展——机器成了风格的塑造者；技术作为新建筑或者新产品材料的直接来源；非建筑师取代建筑师的地位，俨然成为建筑风格的革新者。