美国舞台美术
历史再现+贝隆夫人——新版音乐剧《艾薇塔》的舞台美术
的 艾薇塔 在洛杉矶的 Ｄｏｒｏｔｈｙ Ｃｈａｎ－ ｄｌｅｒ 帐篷剧场开演 公演了９个星期后 该剧搬到三藩市的奥菲姆剧院 Ｏｒｐｈｅｕｍ Ｔｈｅａｔｒｅ 演出了７个星期之后 就直接进军纽约的百老汇了 在纽约 伦敦剧团的原班人马都汇集在一起 使 艾薇塔 在百老汇一炮而红 艾薇塔 不仅获得了当年百老汇音乐剧界的大量 奖项 在之后的几年里也一直是百老汇 常驻剧目 而许多巡回演出剧团也把 艾薇塔 带到了全球各地 １９９６ 年 麦 当娜击败一众好莱坞女演员 将艾薇塔 的形象带到大银幕上
灯光设计团队为这次经典重现付出 了很大努力 灯光设计师乔 克拉克
Ｊｏｎ Ｃｌａｒｋ 是康斯泰保的助手 灯光 程序师维克 斯莫尔顿 Ｖｉｃ Ｓｍｅｒｄｏｎ 通过Ｓｔｒａｎｄ ５００系列控制台对整个装置
艾薇塔 海报
进行控制 运行于Ｓｔｒａｎｄ ５２０ｉ控制台与 作为在线追踪备份的防灾ｒａｃｋ－ｍｏｕｎｔｅｄ 机 Ｓｔｒａｎｄ ５１０ｉ 联网 格里 阿米斯
部分灯具和灯光控制设备由伦敦的 Ｗｈｉｔｅ Ｌｉｇｈｔ公司提供 包括一些常规装 置 如椭圆成像聚光灯ＥＴＣ Ｓｏｕｒｃｅ Ｆｏｕｒ 和Ｓｏｕｒｃｅ Ｆｏｕｒ ＰＡＲ Ｓｔｒａｎｄ Ａｌｔｏ 和 Ｃａ－ ｄｅｎｚａ ＰＣ Ａｌｔｏ Ｆｒｅｓｎｅｌ Ｓｔｒａｎｄ 和 Ａｒｒｉ ５ｋＷ Ｆｒｅｓｎｅｌ ＰＡＲ６４ 以及 ＡＤＢ Ｓｖｏｂｏｄａ Ｌｉｇｈｔ Ｃｕｒｔａｉｎ吊杆外加２００个不同大小 的Ｒａｉｎｂｏｗ Ｐｒｏ 换色器 还有两个Ｆｏｘｉｅ 和两个 Ｋｏｒｒｉｇａｎ 追光灯 这些都来自于 Ｒｏｂｅｒｔ Ｊｕｌｉａｔ公司 电脑灯装置有Ｖａｒｉ－Ｌｉｔｅ 的新版 ＶＬ５００ 水下灯 ＶＬ１０００ ＶＬ３０００Ｑ Ｗａｓｈ单元 ＥＴＣ Ｓｏｕｒｃｅ Ｆｏｕｒ Ｒｅｖｏｌｕｔｉｏｎ 和Ｃｌａｙ Ｐａｋｙ Ａｌｐｈａ Ｈａｌｏ水下灯
历史再现 贝隆夫人——新版音乐剧《艾薇塔》的舞台美术
又译 《 贝隆夫人 》 ）于 ２ ０ 年 ６ 该 剧 搬 到 三 藩 市 的 奥 菲 姆 剧 院 ０６
关于舞台设计
布景设计 奥拉姆介 绍 ：“ 台设计 舞
】 在伦敦西 区艾德菲剧院 （ ｄｌ ｉ （ ｒｈ ｕ Ｔ ｅｔ ） Ａｅｈ ｐ Ｏ ｐ ｅｍ ｈ ａ ｅ 演出了７ ｒ 个星期之后
、
舞台上的一个巨大墙壁构成了胡宁
殳 计 克 里 斯 托 弗 ・奥 拉 姆 常驻剧目，而许多巡回演出剧团也把 乡下的场景 ，那是一个公共广场 。故事 ： ｈ ｒ ｒｍ） 音响设计米克 一 ｏ ｅ ａ 、 ｐ Ｏ 波 《 艾薇 塔》带到了全球各地 。ｌ９ 年 ， ９ ６ 麦 采用了倒叙的方式， 音乐剧中仅有的录
连成一体。 上部是楼梯和露台， 表政 绕方式 。
府玫瑰 宫 （ ａａ ｏａａ Ｃ ｓ Ｒ ｓｄ ）的那个 著名 的 露台 ，艾薇 塔后 来就是 在这 里发 表
达到 Ｌ ｅ ３ 的强度 ， ｅ ６ ２ 但不是明显的橙 色。 大多数的颜色在Ｌ ｅ ０ 到Ｌ ｅ ０ ｅ ３ ｅ ２５ ２ 或２４ ０之间。康斯泰保还想把布宜诺斯 ”
” 楼梯以及宽大的陶瓦平铺的地面，描 的设备要尽量遮掩起来。 我们还要仔细 长制的社会中表现权贵女人的状态。
Ｒ Ｓ 架的位置 ， 架设新的光桥 。 康斯泰保说：“ 我试图让这些衣服在灯 绘出一个繁华都市的环境特征。台口 考虑 Ｔ Ｕ Ｓ ｅ ５ ２ 向 台外做 出了延 伸 部分 ，使台 上 台下 所有的工作人员需要重新培训绳索的缠 光中呼 吸。暖色 调可以是 Ｌ ｅ ０ 或者
《 世 巨 星 》 （ ｅ ｕ Ｃｈ ｉｔ 谁 。艾薇塔出生贫寒 ，十五岁时到阿根 万 Ｊ ｓｓ ｒＳ
一
位悲痛的母亲，伴随着安魂曲悲泣。
美国百老汇音乐剧艺术特征分析
美国百老汇音乐剧艺术特征分析美国百老汇音乐剧是世界著名的舞台艺术形式之一，其独特的艺术特征使得百老汇音乐剧成为了世界各地观众所喜爱的经典作品。
在这篇文章中，我们将对美国百老汇音乐剧的艺术特征进行分析，并探讨其在全球范围内的影响力。
百老汇音乐剧的艺术特征在于其多样化的题材和风格。
百老汇音乐剧涵盖了各种不同的题材，包括喜剧、爱情、历史、悬疑、奇幻等等，这使得百老汇音乐剧在内容上具有极大的丰富性和多样性。
无论是《猫》、《音乐之声》、还是《悲惨世界》，每一部音乐剧都有着自己独特的故事线和情感表达，给观众带来了不同的精神享受。
百老汇音乐剧的艺术特征还在于其高水准的舞台表现和制作水平。
百老汇音乐剧所采用的舞台布景、服装设计、灯光效果等都是极其精致和专业的，每一部音乐剧都经过精细的制作和精心的安排，舞台效果极为震撼。
百老汇音乐剧的演员们有着丰富的表演经验和扎实的演技，他们能够将角色栩栩如生地展现在观众面前，吸引着观众的目光，让他们沉浸享受音乐剧带来的视听盛宴。
百老汇音乐剧的艺术特征还在于其独特的音乐和舞蹈编排。
音乐是百老汇音乐剧的灵魂所在，每一部音乐剧都有着精心设计的原创音乐，这些音乐充满了激情、感动和力量，能够深深触动听众的内心。
百老汇音乐剧中的舞蹈编排也是十分精彩，舞蹈设计师们能够将舞蹈和音乐完美融合，为观众呈现出了无与伦比的舞台视觉盛宴。
百老汇音乐剧的艺术特征还体现在其对当代社会和文化的深刻反映和探讨上。
百老汇音乐剧所呈现的不仅仅是一个个生动的故事，更多的是人性的探讨、道德的思考和社会现象的观察。
很多百老汇音乐剧都通过故事情节和角色塑造来反映当代社会的政治、经济、文化等方面的现实，使得音乐剧成为一个思想的交流和碰撞的平台。
美国百老汇音乐剧以其多样化的题材和风格、高水准的舞台表现和制作水平、独特的音乐和舞蹈编排以及对当代社会和文化的深刻反映和探讨而成为了世界舞台艺术的典范。
百老汇音乐剧的艺术特征不仅吸引了无数观众的目光，更极大地推动了全球舞台艺术的发展和交流，对世界文化产生了深远的影响。
美国的现代主义设计
壳牌国际石油公司的标 志（罗维 1967年） 该标志的贝壳型设计代表 壳牌石油公司的企业形象。
罗维为西格蒙特.格斯特 纳设计的复印机。 把原来布局混乱，操作 不便，油腻肮脏，张牙 舞爪的机器变成了造型 整体，形式现代，安全 好用而便于批量生产的 新机器，取得非常好的 市场效果。
“法玛尔”农用拖拉机， 一改以往笨重，零乱和 难于清洗的形象，采用 了人字纹的胶轮，易于 清洗，四个轮子的合理 布局也大大增加了稳定 性，为现代拖拉机设计 特征确立奠定了基础。
美国早期产品设计发展阶段起重 要作用的设计家，来自法国，曾 在巴黎大学和兰诺学院学习电气 工程，1919年到达美国，并长 期在美国工作，早期主要从事橱 窗设计和杂志的插画设计。 1929年为企业家西格蒙特.格斯 特纳设计的复印机采用了现在主 义设计的手法大获成功，1935 年“冰点”电冰箱则标志着设计 水平的进一步提高。此后设计了 宾夕法尼亚铁路的“GG-I型” 火车头，可口可乐的玻璃瓶包装， “协和式”飞机的内舱等。
英国BP石油公司标志
长途观光旅游巴士
灰狗汽车公司长途 观光旅游巴士 。
该火车头摈弃不计其数的铆钉，采用焊接技 术，制造机头外壳的设计，不仅使其外形完 整，流畅，而且简化了维护过程，从而降低 了生产成本。
沃尔特.蒂格 美国最早的职业工业设计师
为柯达公司设计的最早的 便携式相机，其基本部件 都被收藏在面盖之内，外 形简洁，利落，使用方便， 为现代135相机提供了一个 原型与发展基础。 具有现代主义外形的设计 不仅使用方便，也较好的 解决了功能与技术的统一。 体现美国工业设计师的一 个重要特点：与企业紧密 联合，使产品最大限度的 满足市场。
5外国美术史第五章
第五章１９世纪欧洲及美国美术概况1、法国大革命打碎了传统观念和权威。
艺术的题材不再限于宗教、神话、风俗、肖像。
2、艺术家摆脱了教会和宫廷的束缚，具有独立个性。
3、官方举办展览会，艺术作品走向市场。
4、以法国为中心的新古典主义、浪漫主义、写实主义、印象主义等各种艺术运动和思潮相继产生，将欧洲艺术发展推向高潮。
（古希腊可视为第一个高潮，意大利文艺复兴是第二个高潮，19世纪以法国为中心的艺术运动就可以称作欧洲艺术发展的第三次高潮。
）第一节法国新古典主义美术新古典主义美术，是相对于17世纪的法国以普珊为代表的古典主义美术而言的。
因为新古典主义美术运动与法国大革命紧密相关，也被称为"革命的古典主义"。
法国两个不同时期的古典主义17世纪法国古典主义美术——具有严正、高贵、秩序的特点。
很多画家到意大利学习，甚至长期居住，他们以希腊、罗马为典范，受到卡拉瓦乔强烈对比的手法及威尼斯色彩的影响。
19世纪法国新古典主义美术——以复兴古希腊罗马艺术为旗号。
但不是古希腊和罗马美术的再现，而是适应资产阶级革命需要，在美术上的一次借古开今的革命运动。
新古典主义美术的艺术特点1、以古希腊，罗马的艺术为范本，以古希腊、罗马神话和英雄故事为题材2、强调英雄主义3、重素描轻色彩4、讲究艺术形式的严谨完整，体现一种庄严、典雅的风格。
新古典主义美术代表人物1、大卫大卫是新古典主义风格的创立者。
《荷加斯兄弟的宣誓》《苏格拉底之死》《马拉之死》《萨宾女人》《加冕式》2、普吕东普吕东的作品具有柔和的效果。
他的绘画形象非常柔美，都是飘忽不定、处于梦幻朦胧境地。
《约瑟芬在马尔梅松》（又名《约瑟芬皇后像》）《西风劫走普赛克》3、格罗《阿科尔桥上的拿破仑》《雅法城的黑疫病人》《埃罗战役》4.安格尔安格尔一生追求古典美，视拉斐尔为典范，以温文典雅为理想，迷醉于古希腊艺术。
他善于描绘女人体，具有圆润细腻，健康柔美的艺术效果。
《瓦平松浴女》《大宫女》《泉》《奥迪普斯和斯芬克斯》第二节法国浪漫主义美术传奇故事、离奇遭遇、具有想象色彩的事称为浪漫主义。
美国百老汇音乐剧艺术特征分析
美国百老汇音乐剧艺术特征分析百老汇音乐剧是美国最有影响力和知名度的舞台艺术形式之一。
它在充满活力和创新精神的同时也延续了传统的音乐剧表演风格。
以下是对美国百老汇音乐剧的艺术特征的分析。
音乐剧是一种综合艺术形式，融合了音乐、舞蹈和戏剧。
音乐是百老汇音乐剧的灵魂，通过歌曲和配乐来展现故事情节和角色的内心世界。
舞蹈也是百老汇音乐剧的重要组成部分，通过精彩的舞蹈编排和动作表演来展示故事情感和表达角色性格。
戏剧元素通常通过对话和表演来呈现，结合音乐和舞蹈创造出独特的艺术形式。
百老汇音乐剧注重演员的表演和演技。
演员的声音培训和表演能力是成功演出音乐剧的关键。
他们需要能够通过歌唱、对话和舞蹈来传达角色的情感和角色的复杂性。
演员通常具有出色的音乐才华和声乐技巧，擅长演唱各种音乐类型，如流行、摇滚、爵士等。
他们还需要具备出色的舞蹈技巧和戏剧表演能力，以充分展现角色的动态和情感。
百老汇音乐剧在剧本和故事情节方面具有创新和原创性。
百老汇音乐剧不仅通过改编经典文学作品和电影来创作剧本，还创造了大量具有独特故事的原创音乐剧。
它们经常涉及到现实生活中的社会问题和人类情感，让观众在欢乐和娱乐的同时思考和反思。
剧本的创作和故事情节的发展是音乐剧艺术的关键要素，它们必须使观众产生共鸣并引起他们的兴趣。
第四，百老汇音乐剧注重舞台艺术设计和制作。
音乐剧的舞台设计包括舞台布景、灯光设计、服装设计等，它们都是为了营造适合剧情发展的氛围和环境。
舞台和道具的设计要符合剧本的需求和故事背景，通过视觉效果激发观众的情感和想象力。
音乐剧的制作还需要配乐、音效、化妆和特殊效果等，以增强表演的质量和观赏性。
百老汇音乐剧是现场表演的艺术形式，背后需要团队的协作和合作。
剧中的演员、乐队、舞者、导演和制作人等各个角色都需要密切合作以呈现出完美的演出。
百老汇音乐剧的制作周期是一个复杂而耗时的过程，包括创作、排练、舞台化和表演等环节。
所有参与者的专业技能和艺术才能都是成功演出的关键。
舞台美术知识：舞台美术的历史沿革发展
舞台美术知识：舞台美术的历史沿革发展舞台美术，是指利用各种艺术形式和技术手段来设计和布置舞台以及舞台上的美术装置，旨在展现剧情、突出主题和构建戏剧的视觉效果。
舞台美术在戏剧、音乐剧、舞蹈和其他舞台艺术表演中起着非常重要的作用，它通过布景、道具、灯光、音响和特效等手段，为观众呈现出一个精彩的视觉世界。
舞台美术的历史沿革可以追溯到古代文明时期，不同文化背景、不同艺术形式对舞台美术的演变和发展都有着自己独特的贡献。
下面将分别从古希腊、中世纪、文艺复兴以及现代舞台美术的发展历程来进行详细探讨。
古希腊时期，戏剧艺术是舞台美术的发源地。
在古希腊时期，人们开始意识到舞台美术对于戏剧演出的重要性，并开始尝试用装饰艺术来丰富戏剧的表现形式。
在古希腊时期，舞台美术的布景主要以帷幕和画面为主，人物和情节表现都是通过后台的布景来呈现。
这一时期的舞台美术在发展初期主要是以绘画为主，刻画希腊古代神话和历史故事，其装饰艺术和色彩运用都十分丰富多彩。
而在中世纪，由于教会在戏剧表演中扮演着重要角色，舞台美术也随之受到教会宗教文化的影响，舞台美术呈现出了极具宗教色彩的特点。
教会崇尚宗教思想和教义，对于戏剧演出装饰和表现形式都有着自己独特的要求。
舞台美术作为戏剧演出的重要组成部分，在中世纪时期仍然承担着大量宗教色彩的装饰任务。
在文艺复兴时期，舞台美术经历了一次重大的历史变革。
文艺复兴时期，人们对古典艺术和文化进行了广泛的研究和传承，这对于舞台美术的发展产生了深远的影响。
文艺复兴时期，图画、雕塑和建筑等艺术形式都得到了极大的发展和提高，这使得舞台美术在装饰艺术和造型设计方面得到了前所未有的发展。
在文艺复兴时期，舞台美术呈现了更为多样化和丰富多彩的特点，装饰风格趋于大胆、个性化，这在一定程度上推动了文艺复兴时期戏剧艺术的繁荣和发展。
在现代舞台美术的发展中，舞台美术逐渐摆脱了传统的束缚，开始注重审美效果的营造和观念表达，对于舞台美术的形式和内容都有着更为宽泛的选择和展示。
舞台布景艺术
舞台布景艺术- 舞台布景艺术舞台布景艺术- 正文舞台演出视觉形象中构成景物环境实体的部分。
它与灯光、化装、服装等共同综合塑造演出外部形象，帮助演员表演，揭示剧本内涵。
古代和中世纪布景在古希腊戏剧的演出中，“换装建筑”上的门和剧场两边的观众出入口已具有指示事件发生地点的作用。
古代戏剧中也出现过立体布景如山石、祭台等，这就把绘画引进了剧场。
古罗马剧场开始出现了大幕。
罗马建筑家维特鲁威在他的《建筑十书》中提到古希腊和罗马剧场的演出台上出现过“三棱柱景”和分类布景。
中世纪欧洲戏剧的布景中“同台（场）多景”的原则具有代表性，所谓“同台（场）多景”，是指在一次演出中把剧情所需要的若干行动地点(称为布景点)，如天堂、地狱以及人间的教堂、海洋、耶稣诞生地、磔刑十字架等等，在一个演出场所同时布置出来，使之“同台(场)”并置。
中世纪的演出中还常运用机关装置、魔术变幻等特技效果，其中天堂和地狱是最吸引观众的地方。
16～17世纪布景15～16世纪初，在意大利出现了布景艺术的新变化，突出标志是焦点透视法则和多种造型手段在舞台上的综合应用。
最早研究焦点透视法并用于布景的是画家和建筑家伯拉孟特，最早付诸舞台实践的是佩·乌金诺和鲍·佩鲁齐。
建筑家赛利奥在舞台上实践了古罗马建筑家维特鲁威记述的分类布景：演悲剧用的宫殿庙宇、演喜剧用的市井住宅和演牧歌剧（田园诗剧）用的山林幽谷。
当时的一些大艺术家如达·芬奇、拉斐尔等都参加过演出设计工作。
舞台布景艺术16世纪末至17世纪欧洲布景艺术的发展与宫廷歌剧和舞剧有着密切联系。
演出的神话题材和对豪华富丽场面的追求，促进了舞台技术和舞台机械的发展。
古代的三棱柱景被借鉴来解决换景问题。
透视法在舞台上进一步应用并同舞台技术结合，产生了新的布景样式──侧片布景体系。
这种布景体系的特点是在边片、簷幕、背幕上面画出各种不同的形象，组成树拱、建筑群或带天花板的室内景物等。
这种布景体系的发明者是意大利布景师阿列奥蒂，使其进一步得到完善的是许多意大利的建筑家及布景师，其中最著名的是剧场建筑家、布景师、舞台机械师托列利·德·法诺。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
美国舞台美术（Martha S. LoMonaco博士，美国Fairfield大学表演艺术系主任、副教授）从18世纪到20世纪，美国舞台的发展与政治、经济、科学、技术的发展齐头并进，同步发展，也正是在这段时间里美国从一个英国殖民地变成了现在强大的世界超级大国。
所以你们也应该不会感到意外，美国舞台在18、19世纪引进并模仿了很多英国的舞台技术。
只有在20世纪和21世纪，美国才开始发展它自己舞台技术，并创立了一种特殊的美国风格的舞台美术设计。
有四种主要的舞台美术风格可以表现美国舞台的特色：布景设计，现实主义，“新舞台技术”，还有一个我把它叫做“建筑设计与演员/观众的关系”，或者简单的叫做“建筑舞台美术”。
前面两个――布景设计和现实主义――出现在18世纪和19世纪，受英国和欧洲的影响很深。
但是，在20世纪的时候发展成为有美国特色的特殊风格，因此在今天的美国舞台和娱乐行业保持的主要的是美国自己的艺术风格。
美国奢华而又富含高科技的舞台布景通过像百老汇音乐剧这样的传达手段在全世界广泛传播。
后面两种风格――“新舞台技术”和“建筑舞台美术”――是在20世纪出现的，是为了顺应编剧形式和非文本娱乐的潮流而出现的，也叫做“表演艺术”。
虽然“新舞台技术”和“建筑舞台美术”都真实的体现了美国舞台艺术作为一种严肃的艺术形式，这并不是人人都知的艺术形式，所以也并不出名。
但是要对美国舞台艺术从18世纪开始到今天的发展有一个全面的了解，我们必须弄懂这四种风格。
在开始探索这四种风格之前，我们有必要先提到灯光设计技术在新的舞台美术形式发展过程中所担当的重要角色。
18世纪早期气体灯光的发展使得19世纪舞台美术复杂的舞台布景和现实主义的特性得到发展。
当时的气体灯光是舞台照明用的灯光也是可以控制的光源。
20世纪之交，剧院电子灯光系统的安装完全永远的改变了舞台美术设计，这通常被认为是20世纪唯一一场真正的舞台革命。
20世纪的灯光不仅仅是提供照明，它已经转换为舞台艺术有效的工具了。
”灯光画面”和拥有灯光效果成为生动活泼的舞台场景的主要因素，并且成为20世纪越来越多人更普遍的选择。
自从舞台场景的颜色、结构和整体效果在单场演出中能够通过简单的改变灯光而迅速、连续的改变以来，灯光也成为更多传统舞台改革的一个动力。
在我个人作为舞台艺术系主任的工作来说，我对灯光设计比对具体场景的布置更感兴趣。
给我一个立体结构的舞台，再配备多层次的演出空间和先进的灯光效果，我就会很高兴作为这个舞台的导演，真的。
但是，我作为一个21世纪的导演，如果没有丰富的美国本土舞台艺术传统，我的个人审美观也就不会有现在这么好的发展。
布景设计美国舞台最著名的也许是它的壮观的舞台美术，特别是通过很多百老汇音乐剧在全世界的传播，例如“歌剧院的幽灵”、“西贡小姐”、“猫”、“悲惨世界”、“42街”、“俄克拉荷马”，还有其他很多很多，我在这里讲都讲不完。
虽然这些很多都是由英国和法国都作曲家和作词家的作品，这些音乐作品经过包装和推广就成为美国独特的作品，通常舞台美术比音乐或者表演者本身更著名。
然而，布景设计对于美国舞台来说并不陌生，因为它从18世纪开始以来就已经成为我们舞台的一个重要部分。
当英国的巡回演出公司到美国来演出的时候都会带来他们最新的潮流，早在1784年的时候就有一位法国的布景画家，叫Charles Busselotte的开始在美国工作。
最早形式的舞台布景是由善于制作丰富着色背景幕的艺术家们创作的。
Charles W. Witham是公认的美国第一个著名的土生土长的舞台布景艺术家，而且他的出名是因为他与一位人们认为的19世纪最著名的演员Edwin Booth通力合作。
Booth于1869年在纽约城建了一个剧院，那是当时技术最先进、布置最豪华的剧院，而Witham是那家剧院的首席设计工程师。
[SLIDE] 这是一个侧面图，包括拱形舞台、侧包厢、观众席和布景，这些都是由Witham为Booth的开篇力作莎士比亚的“罗密欧与朱丽叶”而设计的。
然而Booth是因为他扮演的“哈姆雷特”形象而著名。
[SLIDE]，这个节目为他带来了全世界的掌声。
[SLIDE] 这是一副水彩画，表现的是Witham 为Booth主演的作品“哈姆雷特”的第1幕，第2场（在宫殿的接见室）的舞台设计。
我们可以看到这是一副非常漂亮的画面，还有包厢布景的特色，这是19世纪中期起源于英国的一种非常受欢迎的新的舞台美术风格。
Witham和一批能干的助手们在剧院特别设计的绘画室里面制作出了他那些漂亮的布景[SLIDE]。
Witham绘出的这副水彩画，不仅体现了舞台结构上的美观，而且体现了这作为一个精心设计而创造了一个大型多样化的舞台布景。
Booth的剧院和剧院先进的技术同样著名，该剧院可以容纳各种各样的机械设备来增强舞台效果。
O.B. Bunce于1870年5月在Appleton’s Journal 期刊上发表了一篇文章，赞美舞台后台装备，附有这些图表。
[SLIDE] 这副图可以看到舞台底下有活板门的小房间和平台，这些东西是可以通过水压机来升降的布景设备，“几乎没有任何声音而且升降的位置非常精确”。
对于观众来说，这些道具的升起“就像魔术一样，激起他们美的感观”。
[SLIDE] 这里图片里面的索具装配阁楼为我们展示了幕布的上面部分。
[SLIDE] 这张升降画布显示的位置是工人在适当的位置适当的时间利用平衡力系统提升和下降幕布的位置。
Bunce 告诉我们这个升降画布是离舞台地面65英尺[ 20 米]，而且帮助提升道具的人的水压机是在他们的下面95英尺[29米]的地方。
这种类型的剧院成为美国很多主要城市剧院的标准，而且今天仍然存在，虽然现在使用的是更精密的电脑化电力驱动系统来实现场景幕布的变化。
随着19世纪中期的工业革命连续发明了更多先进的机械设备，剧院很快就结合使用这些先进的设备并非常骄傲的宣传他们的剧院正在使用的是最先进的技术来创造前所未有的令人惊异的壮观布景。
Steele MacKaye，一位19世纪末期非常有才气的演员、剧作家、建筑师和发明家，在1879年开设了一家比Booth的剧院更加高科技的剧院，拥有一个像升降机一样的舞台。
[SLIDE] “麦迪逊广场剧院”，就是这个标有1880年的节目封面描写的这样，这个剧院是集中于更好的舞台布景。
注意看一下在那个扩大了的舞台拱形墙里面的双舞台。
两个舞台可以同时放到适当的位置或者在演出过程中通过舞台管理人员来改变，这都是得益于MacKaye升降舞台的发明。
[SLIDE] 如这副图所示。
在这张图里面，演出正在舞台上进行中，而舞台管理人员正在忙着改变舞台上面的布景。
一场演出或一幕戏完了的时候，幕布就可以暂时的降下来，只剩四个人在绞盘上升的位置，或者让一个节目正在舞台上演的时候在适当的位置放下有些幕布让下一个演出能够做好准备。
根据一份很受欢迎的杂志Scientific American上面的一篇文章所述，这篇文章出版于1884年，文章说到“舞台就像电梯车箱一样以同样的方式上升和下降。
这个巨大的电梯舞台通过一个轴上升和下降，离顶上到底下的高度是114英尺[35米]。
这个舞台就在一个紧凑的两层结构的铁制木头结构上升和下降，并且上面和下面都交织装有灯具吊架结构。
提升或者下降舞台到适当的位置只需要大约40秒的时间，整个过程不会产生噪音、刺耳声或者振动，这是因为舞台的平衡性及其平衡力作用。
” [SLIDE] 这些都是MacKaye对电梯舞台的设计图纸，他在1879年在美国专利局已申请专利。
布景设计是19世纪的美国剧院两大最流行的流派――情节剧和音乐剧，中主要的部分。
情节剧，注重的是情感情节和完美的舞台效果，情节剧很快就应用了最新的技术来吸引观众的眼球。
其中最著名的一场是在Dion Boucicault的非常受欢迎的戏剧，1857年的“纽约的街道“ The Streets of New Yo rk ，[SLIDE] 那时候有一个大的经济公寓住宅在舞台上面着火被毁坏了。
舞台景象通过场景画面、音响效果和灯光方面的新发展受到非常大的影响，气体热力特性的发展为舞台灯光亮度提供了统一整齐的控制，舞台上面采用了Drummond 或石灰灯，提供了第一个高亮度的有方向性的舞台照明――这就成为第一个聚光灯。
在音乐剧方面，采用的技术能让歌舞团的女演员在舞台上空“飞翔”。
[SLIDE] 这副图描绘的一些女演员在音乐剧《恶骗子》里面表演空中芭蕾的场面，人们广泛认为这是美国音乐喜剧的开端。
演出是在1866年9月开演的，连续演出了16个月的时间，通过壮观的舞台布景和舞蹈演员的性感穿着吸引着无数的观众。
当时的一位评论家说：“布景很壮观，芭蕾舞很优美，而戏剧本身是垃圾”。
但是，漂亮的空中飞行女演员的景观的出现主要是由于舞台新技术的应用，在1866年确实是一件很轰动的事。
而这一年正是美国内战结束后的一年，当时的美国人只是想放松放松并在剧院节目中享受一下的时候。
《恶骗子》之后随之又出现了一系列同样类型的剧目，包括1899-1900的Ben-Hur ，这部音乐剧被认为是十九世纪舞台布景的顶峰。
[SLIDE] 这是楼座布景，[SLIDE] 这是过道布景。
这部音乐剧有一段开场白、6幕、17场，第一幕就有14场。
当时有一个评论员惊讶的说“这台演出最重要的人员是现场布景的绘画师”，因为没有他们，这场演出就不会有这么好的效果。
当然，Spectacle成为美国剧院的舞台美术全世界都知是在20世纪和21世纪这段时间内。
20世纪的老板和设计者很快引进了新的技术使得他们的演出更宏伟、更精细。
[SLIDE] 设计师Joseph Urban 和舞台监督人员Florenz Ziegfeld一起为一系列的音乐喜剧创造了五光十色的布景和服装，这些音乐喜剧也叫做Ziegfeld Follies，在1907年到30年代中期每年一版连成了一套音乐喜剧。
这是Urban 对1916年Follies音乐剧开场剧的设计。
他的布景的特色之处是舞台上五颜六色的生动的舞台图案，他采用了法国的点画法技术，典雅的灯光使得整个布景看上去微光闪烁。
也许他对Ziegfeld最大的成就就是他为《表演船》这部音乐剧所设计的布景。
[SLIDE] 1927 年Jerome Kern －Oscar Hammerstein II 的音乐剧是真正的第一部具有美国特色和主题的美国音乐剧。
Urban的布景设计，虽然也是非常奢侈的设计，他引进了现实主义，这是一种从意大利舞台布景技术引进过来的现实主义，这种风格完全占据了但是美国文化的新理念，后来成为20世纪中期美国音乐剧的典范。
Shubert兄弟是20世纪最成功的剧院老板，在他们的高峰期，他们在全国拥有100多家剧院，并垄断了其他1000多家。