浅谈绘画艺术赏析鉴赏论文
绘画艺术论文的范文
绘画艺术论文的范文绘画艺术是视觉造型艺术中重要的表现方法之一，通过梳理绘画色彩史，对以后印象派绘画作品为例的绘画艺术进行以色彩为主的美学分析，从而概括色彩的美学属性，阐述色彩在绘画艺术中的审美意义。
下文是店铺为大家搜集整理的关于绘画艺术论文的范文的内容，欢迎大家阅读参考!绘画艺术论文的范文篇1浅论纳比派的绘画艺术一、纳比派的代表人物保罗·塞律西埃(paul serusier)是这个团体的理论家,他的绘画天赋远不如他的思辨能力。
在他的《绘画入门》小册子中,他阐述了自己的观点,绘画本质上是精神形象的主观集合。
因为它是心灵与精神真实对话的直接记录,没有依赖自然作中介。
莫尼斯·德尼(maurice denis)也是纳比派的理论家。
德尼认为,一幅画的首先得是一件装饰品,题材的选择不重要,以色彩的层次和线条的韵动和谐引发人的情感。
纳比派的创作原则是以德尼提出的“主观与客观双重调整”为指导思想的。
纳比派将理论付之实践并取得辉煌成果的是博纳尔和维亚尔。
皮埃尔·博纳尔(pierre bonnard)1867年生于巴黎郊区丰特奈-欧罗斯,1947年卒于法国坎内。
因受浮世绘影响很大,被称为“日本式的纳比人”。
博纳尔的代表作品有油画《逆光下的女裸体》、《乡间餐厅》、《化妆》,版画插图《达芙尼与克罗依》、《自然史》等。
博纳尔热衷于平面的色彩和富有装饰的造型,基于对生活的观察,融入自己的情感、经历及回忆,形成了自己独具魅力的艺术特点。
博纳尔身处印象派、野兽派和立体派之间,自然受到他们的影响,但在多色运用及革新上远远超过了印象派及野兽派。
他的绘画不是追随自然,而是在和自然平行地工作着。
在他的画中,每一个区域的不同倾向的色彩组成了有着各自一定视觉冲击力的“场”。
也就是说,不同明度、色相的的颜色被组织在一个平面之中,各自居于自己的色彩位置,色彩的强弱变化产生视觉的吸引与间隔现象,这些运动性的感觉是基于各个色彩给人带来的不同的心理感受。
中国古代绘画鉴赏论文
中国古代绘画鉴赏论文引言中国古代绘画作为中国文化的重要组成部分，具有深远的历史和独特的艺术风格。
古代绘画是中国文化的瑰宝之一，在描绘自然、人物和抒发情感方面表现出非凡的魅力。
本论文旨在对中国古代绘画进行鉴赏与分析，探索其艺术魅力和传承意义。
中国古代绘画的发展历程中国古代绘画起源于新石器时代，经历了长期的演变与发展。
从远古的遗址壁画，到商周青铜器上的图像，再到秦汉时期的壁画绘画，中国古代绘画逐渐形成了独特的艺术风格。
此后，唐宋时期的山水画达到高峰，明清时期的花鸟画、人物画、宫廷画等形式也相继兴起。
中国古代绘画的艺术特点中国古代绘画具有独特的艺术特点，其中包括：1. 重视意境：中国古代绘画注重意境的表达，通过细腻的笔墨、构图和色彩运用，以及与文学、音乐等其他艺术形式的结合，创造出深远的情感表达和哲学思考。
2. 追求笔墨技巧：绘画中的笔墨运用是中国古代绘画的重要特点之一。
中国画家注重笔墨的丰富变化和运用技巧，通过不同笔法、墨色等方式，刻画出栩栩如生的对象和氛围。
3. 重视传统文化的传承：中国古代绘画具有浓厚的传统文化氛围，画家们通过吸收前人的经验和智慧，不断传承和发展中国古代绘画的艺术技巧和风格，使其在历史长河中得以延续。
中国古代绘画的传承与发展中国古代绘画在传承和发展上经历了多个时期的转变。
近代以来，中国画坛出现了一批才华横溢的画家，他们在传统技法的基础上融入了现代元素，开创了新的艺术形式和风格。
同时，中国古代绘画也逐渐为国际艺术界所重视，并在世界范围内得到认可和推崇。
结论中国古代绘画作为中国文化的瑰宝，不仅展现了中国人民的审美追求和智慧，更是中国民族精神和文化认同的象征。
通过对中国古代绘画的鉴赏与分析，我们可以深刻领略到其中所蕴含的独特魅力和艺术价值。
同时，继承和发扬中国古代绘画的传统，具有重要的现实意义和历史意义。
中国古代绘画的艺术鉴赏是一项深入研究的领域，本论文只是对其进行了简要的介绍。
希望能够引起更多读者对中国古代绘画的兴趣，进一步深入了解和探索中国文化的无穷魅力。
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)
美术鉴赏论文2000字(通用3篇)论文一：对达芬奇《蒙娜丽莎》的艺术鉴赏达芬奇是文艺复兴时期最杰出的艺术家之一，而他的作品《蒙娜丽莎》则是他最具代表性的作品之一。
这幅画作是一幅肖像画，绘制于16世纪初期，目前收藏在法国卢浮宫。
通过对《蒙娜丽莎》的深入观赏，我们可以欣赏到达芬奇在绘画技巧和表现手法上的独特魅力。
首先，在绘画技巧方面，达芬奇运用了光与色彩的巧妙组合，使得画面显得十分生动。
画中女子的面部充满了光影效果，而眼神中的微笑更是达芬奇的创作精髓所在。
他通过运用细腻的笔触和渐变的色彩，使得画中的蒙娜丽莎仿佛具有生命力，能够和观者进行交流。
此外，达芬奇还巧妙地运用了透视法，使得画面具有深度感，使蒙娜丽莎的形象更加立体。
其次，在表现手法方面，达芬奇以其深厚的艺术造诣展示了他对人物心理的独特洞察力。
在画中，蒙娜丽莎的面容表情并非丰腴的微笑，而是一种微妙的、难以捉摸的神秘微笑。
这种表情使得观者难以揣摩她内心的情感，给了观者更多的想象空间。
这种不确定性与神秘感正是达芬奇追求的目标之一。
他通过巧妙挑战传统肖像画表现方式，创造出了一种独特的艺术语言，使得观者能够在作品中感受到蒙娜丽莎内心深处情感的种种可能性。
最后，我们还可以从《蒙娜丽莎》中感受到达芬奇对于自然界的赞美和对于人类美的追求。
画中的蒙娜丽莎身着一袭华丽的礼服，头戴一顶菊花装饰的帽子，这些细节展示了达芬奇对于细节的精心雕琢。
同时，画中的背景正是美丽的自然风景，这个细致描绘的背景象征着达芬奇对于自然世界的热爱与崇敬。
达芬奇通过这幅画作将人类的美与自然美相结合，传递出对于真实与理想的追求。
总之，达芬奇的《蒙娜丽莎》是一幅艺术品，它展示了达芬奇卓越的绘画技巧和对于艺术的深刻把握。
通过细腻的绘画技巧、神秘的表现手法以及对于自然与人类美的追求，达芬奇创造出了一幅极具魅力和内涵的杰作，给观者带来了无尽的欣赏乐趣。
论文二：对梵高《星夜》的艺术鉴赏梵高是19世纪后期最重要的艺术家之一，而他的作品《星夜》则是他在画作风格和表现手法方面的代表作。
绘画鉴赏论文：莫奈的绘画特色
绘画鉴赏论文：莫奈的绘画特色
介绍：
莫奈（Claude Monet）是19世纪法国印象派绘画的代表人物，其作品以其独特的绘画风格和特色而闻名于世。
本文将探讨莫奈的绘画特色，包括他的色彩运用、光影效果和题材选择。
色彩运用：
莫奈在使用色彩方面非常大胆和敏感。
他善于运用丰富的色彩来再现自然景观的丰富细致之处。
他常常使用大量的色块和色调变化，创造出充满活力和光彩夺目的画面。
同时，他的色彩运用也呈现出随光线变化而变化的特点，使观者感受到自然之美。
光影效果：
莫奈对光影效果的描绘也是他的绘画特色之一。
他擅长捕捉光线在画面中的变化和反射，通过不同的光影变化来表现场景的氛围和情感。
他常常使用快速、松散的笔触来描绘光线和阴影的效果，使画面显得生动而有层次感。
题材选择：
莫奈的画作多以自然景观为主题，特别是以花园、水景和田园为常见题材。
他喜欢在户外进行写生，捕捉大自然中景色的瞬间变化。
他不仅通过色彩运用和光影效果来表现自然景观的美，还注重捕捉自然环境中的氛围和情感，给人以宁静和舒适的感受。
结论：
莫奈以其独特的绘画特色创造了许多令人惊叹的艺术作品。
他的色彩运用、光影效果和题材选择都展示了他在印象派艺术中的才华和创新精神。
通过研究和欣赏莫奈的作品，我们可以更好地理解他在绘画领域的杰出贡献和艺术成就。
中国美术鉴赏美术论文
浅谈美术之“美”对于一个绘画者，别人评价“画技”如何，也许只指绘画技巧。
如果别人评价“水平”如何，这“水平”二字就不止是技巧，更多的包括绘画者的作品面世之后所引起的效应。
当然，作品的面世效应还是起源于技巧，没有绘画技巧就谈不上绘画，也就无从谈起绘画者的意识和情感。
这里先从技巧说起。
在商业社会中，浮躁和投机的急功近利像苍蝇一样盘旋于当代艺术的各个角落，形成了庸俗文化、流行文化，在这样的背景下，潜心于绘画技巧的艰苦磨炼应该视作是成功之母。
一分耕耘一分收获，一个绘画者，首先应该是一个绘画技巧的纯熟掌握者。
素描，是为正确地理解形体，也可以说是为了造型的方便，在特殊情况下，暂时避开色彩，用单色来塑造形体。
素描是引导和锻炼初学者正确地观察形体和理解形体，并准确地将其描绘下来。
理解物体的结构，打准轮廓，校正比例，掌握动态，刻划细部，这些都是造型的一般规律。
色彩是绘画的重要因素，是绘画者传递感情的手段，正确地观察色彩，熟练地调配色彩，才能艺术地表现色彩。
简单地说，要根据客观的色彩作为表现的依据，通过绘画者的感受和想象，用简练概括的笔调，强调鲜明生动的感受，加入你自己的想象，剔除那些重复繁杂的成分，从而使色彩更为鲜明生动。
这里说到色彩，并不是原模原样地照搬物体色彩，即把色彩归入绘画者的纯技巧，也不是一成不变地给物体“照像”，这里所说的“感受”、“想象”以及“剔除”已经加入了绘画者的主观因素。
既然是造就艺术品，首当其冲是绘画者的主观功能。
可以说客观世界是冷漠的，只有通过绘画者的主观创造才可以注入温热。
真实的一盘苹果和画上的一盘苹果，同时放进展厅，真实的苹果也许可以刺激看者的肚腹，而画上的苹果却能够引动观看者的轰然，引发观看者审美意识的飞翔，还可以引发观看者的探究心理。
观看者流下的不仅仅是口水，画幅上色彩的跳跃、结构的虚实，甚至可以引发人们的呐喊，这就是艺术的魅力了。
办一个展览，绘画者与参观者虽然未曾见面，然而通过作品，绘画者与参观者却能够达到心灵的息息相通。
绘画鉴赏论文
绘画鉴赏论文绘画是一种表达艺术家情感和观点的艺术形式。
在绘画鉴赏论文中，可以探讨不同绘画作品的主题、技术和风格。
下面是一篇关于维米尔斯的《午后的一家人》绘画的鉴赏论文的示例：《午后的一家人》是法国艺术家皮埃尔-奥古斯特·雷诺阿维尔的杰作之一。
这幅绘画创作于1881年至1882年间，以浓厚的日常现实主义表达了人们在压抑的社会环境中的孤独和沉默。
整幅画的构图非常平衡，将观众的目光自然地引导到画面的中心。
在画面的正中央，一个年纪稍长的男子坐在一把带有靠背的椅子上，他似乎沉浸在自己的世界中，目光空洞。
在他的左侧，一个年轻的女孩坐在地板上，她小心翼翼地解开自己的鞋带。
在男子的右边，一个年轻的男子倚靠在壁炉旁，眼神游离，额头上留下深深的思考印记。
在画面的边缘，还有一只小狗静静地坐着，它看起来也受到了整个氛围的影响。
这幅画使用了柔和而暗淡的色调，以增强整体的沉闷和沉默感。
维米尔斯运用了精细的绘画技巧，通过细致的笔触表现出织物的质感和光影效果。
例如，男子的背后有一条白色的披肩，维米尔斯巧妙地用细腻的画笔勾勒出了它的褶皱和柔软的触感。
维米尔斯通过这幅作品传达了他对现代社会的不满和对人与人之间关系的思考。
他以精确的细节和生动的表达，揭示了当时法国社会中的冷漠和孤立。
男子的目光空洞，女孩解开鞋带的动作小心翼翼，男子的思考印记，所有这些都暗示着他们在现代社会中的无力感和沉默。
《午后的一家人》是维米尔斯艺术中的一次成功尝试，他通过绘画表达了对人类孤独和冷漠的深入思考。
这幅画引起了观众对当代社会关系的反思，强调了个体在现代社会环境中的无力感和沉默。
维米尔斯以他细腻的绘画技巧和精确的画面构图，成功地传达了他对现代社会状况的不满和对人与人之间关系的深刻思考。
中国画鉴赏论文（推荐五篇）
中国画鉴赏论文（推荐五篇）第一篇：中国画鉴赏论文中国画赏析中国画具有十分悠久的历史渊源，同时也具有与时俱进的时代风格，它不仅是中华文化的国宝，也是传承中华民族精神的主要载体。
中国画第一特点是意境创作的追求，推陈出新是中国画进步的宗旨，中国画主张“缘物寄情”，“以景寓意”，“以神取形”，“笔不周而意周”，“笔不工而心恭”。
在概括客观物象的同时，必须融进画家的主观感受，透过描绘对象创造形象的方式来借以体现画家的主观感受，使主观情感和客观的物象精神性格交融和转化使画家在作画前的主观感受得以充分的表达，而产生动人心魄的意境创作。
在中国画章法布局中状物立象，就是首先必须剪裁取舍分别主宾然后根据物象往来逆顺的运动之势部署画面。
使之造成动人心魄的气象。
而中国画在“置陈布势”中，如果要使画面章法获得灵动舒畅，富有变化，必须巧妙地处理空白，疏密，虚实之间的关系。
所谓空白是无画处，是虚处，是疏处是与密实相对而言的是与疏密虚实有密切联系的，虚实对构图，笔墨有极大的概括性，所谓“虚实相生无画处皆成妙境”既是疏密有致，可以打破构图中的平均布置，“虚中有实，实中有虚”空景难图，实景清而空景现，虚与实在意境中不仅相辅相成，而且相互转化，中国画用墨有干湿，浓淡之分，构图遵循计白当黑，知白守黑的艺术原则，有藏有露，有隐有显造成一种虚虚实实，真真假假的美妙，而又带有几分迷蒙感的意境创作。
中国画在发展的早期就重视表情的描述，南朝的王微在《叙画》中提出山水并不是地图，应求“容势”，要表现大自然的生动变化，“望秋水，神飞扬，临春风，恩浩荡••••••此画之情也”。
文人画家也旨在写意而不写实。
欧阳修指出“古户画画意不画形”从“意”出发把追求形式看成是画工的事，真正的画家应是得意忘形。
中国画凝聚着中华民族的性格，心理，气质，以其鲜明的特色和风格在世界画苑中，独具体系，中国画被风起云涌的时代气息所驱动，推陈出新，魅力长存一、欣赏以线造型的中外美术作品，提高学生对“线”这一艺术形式的审美能力。
美术论文鉴赏优秀3篇
美术论文鉴赏优秀3篇美术鉴赏论文篇一从《瑞鹤图》谈美术鉴赏的意义经过这一段时间美术鉴赏课的学习，我想从一幅花鸟画，《瑞鹤图》简单谈一下美术鉴赏的意义。
那么要谈美术鉴赏的意义，首先我们要知道什么是美术鉴赏。
了解了什么是美术鉴赏，下面就要说说美术鉴赏的意义。
既然是鉴赏美术作品，那美术鉴赏的意义就首先是美术作品的意义。
而美术作品的意义又分为本身意义及延伸意义。
其本身意义就是说我们看到一件美术作品时所获得的美感和愉悦感。
拿《瑞鹤图》来说，此图绘彩云缭绕之汴梁宣德门，上空飞鹤盘旋，鸱尾之上，有两鹤驻立，互相呼应。
画面仅见宫门脊梁部分，突出群鹤翔集，庄严肃穆中透出神秘吉祥之气氛。
此幅一改常规花鸟画构图的传统方法，将飞鹤布满天空，一线屋檐既反衬出群鹤高翔，又赋予画面故事情节，此在中国绘画史上是一次大胆尝试。
绘画技法尤为精妙，图中群鹤如云似雾，姿态百变，无有同者。
更为精彩之处，天空石青满染，薄晕霞光，色泽鲜明，鹤身粉画墨写，睛以生漆点染，顿使整个画面生机盎然。
卷后为徽宗瘦金书题记及诗，款“御制御画并书”，签押“天下一人”，观其书风，健笔开张，挺劲爽利，侧峰如兰竹，媚丽之气溢出字里行间。
看到此图后，我们为之一震。
一片生机跃然纸上。
我们在看图的同时，也得到了美的享受。
这就是其本身意义。
北宋政和二年上元之次夕（即公元1112年正月十六日），都城汴京上空忽然云气飘浮，低映端门，群鹤飞鸣于宫殿上空，久久盘旋，不肯离去，两只仙鹤竟落在宫殿左右两个高大的鸱吻之上。
引皇城宫人仰头惊诧，行路百姓驻足观看。
空中仙禽竟似解人意，长鸣如诉，经时不散，后迤逦向西北方向飞去。
当时徽宗亲睹此情此景兴奋不已，认为是祥云伴着仙禽前来帝都告瑞，国运兴盛之预兆，于是欣然命笔，将目睹情景绘于绢素之上，并题诗一首以纪其实。
但“祥瑞之兆”却难以挽回衰败的国运，此后第十五年，即公元1127年，金兵攻陷都城汴梁。
宋朝军民纷纷起来抗击金兵，金人自知无力吞下这个腐朽然而却十分庞大的仅仅通过一幅画，我们就了解到这么多的历史文化知识，我们的文化底蕴、艺术和文化素养得到极大提高。
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浅谈绘画艺术赏析鉴赏论文现代绘画艺术以其产生之时的狂热激情、原创的魅力给现代美术史增添了浓墨重彩的一笔，并对其后的艺术形式产生了深远的影响。
下面是小编为大家整理的绘画艺术赏析论文，供大家参考。
绘画艺术赏析论文篇一：《浅谈中世纪宗教绘画艺术赏析》摘要：中世纪绘画没用继承希腊罗马客观写实、典雅肃穆的艺术创作风格，而是围绕格列高尼大主教所倡导的原则，即以宣传教义为第一原则，用艺术来表达对上帝的无限崇敬。
本文从中世纪绘画特征入手，结合中世纪宗教背景，继而分析中世纪宗教绘画特征。
以中世纪宗教绘画《善良的牧羊人》《面包和鱼的奇迹》《基督为使徒洗足》《圣马太像》为例，浅谈对中世纪绘画艺术的赏析。
关键词：宗教;希腊罗马风格;宣传教义;绘画作用一、中世纪绘画特征欧洲中世纪是一个政教合一的时代，因此，其绘画艺术亦与宗教有千丝万缕的联系。
众所周知，欧洲____之神学观念对人本主义和现实生活采取一种否定的态度，从而使本应反映人和现实生活的一切艺术都成为了基督____神学的奴仆，因此，艺术为基督____是欧洲中世纪艺术的重要特征，绘画艺术亦然。
其次，基督____是欧洲中世纪人民生活以及灵魂寄托的场所，从而使得教堂建筑成为了这个时期艺术发展的重心，在这个时代，雕塑、绘画、工艺美术一般从属于建筑艺术，亦因此成为了建筑艺术的从属品。
这个时期的绘画形式，多以壁画、镶嵌画和彩色玻璃窗画为主。
总之，其艺术风格重在表现，也就是去反映____徒对教义和宗教故事的虔诚态度。
可见，欧洲中世纪的绘画艺术特征多表现为不注重真实空间的描绘以及真实的色彩关系，而更多地强调色彩的象征性，喜欢运用寓意象征的手法来表现人们对宗教的虔诚。
此特征也反映了其不同于由古希腊罗马奠定的西方绘画写实的传统，亦可以说，此写实传统于中世纪遭到了破坏，同时从中世纪绘画题材上讲，其题材十分单一，表现的主要为宗教题材之绘画。
至于欧洲中世纪如西班牙等一些信奉伊斯兰教的国家，由于伊斯兰教严禁偶像崇拜，因此，这些国家的画家们就将他们的研究主要集中于伊斯兰教的宗教建筑――清真寺的各类植物及几何图案装饰上面了。
二、中世纪宗教绘画在德国自然神话派中涌现出许多学者对宗教均有自己的看法，如麦克斯?缪勒提出了“自然神话说”，而英国人类学家泰勒对于宗教有着相反的看法，他提出了“万物有灵论”。
无论哪种学说，我们可以从各种起源论中得出这样一种结论：宗教和艺术都产生于原始人类对自然中不可解释现象的蒙昧性，这些看法均是源于原始人类在自身力量之外对异己力量猜测的表现，这些表现跟人类的观念、想象、情感、意愿等相关。
同时也体现了在生产力低下之状态下，人们特别渴望一种力量帮助他们战胜生存困难，基于这点，我们找到了宗教和艺术有着共同的文化根基之处。
假设原始人没有对“超自然力量”意念的渴望，就不会有超凡的宗教之神，也就不会出现围绕宗教之神产生讨论的理性神学和宗教哲学;最后，也就不可能出现把“超自然力量”还原为自然力量的现代科学精神。
人类社会发展到一定阶段，出现了展示人类精神世界的文化现象，____是在展示人类精神文明虚幻和超凡的精神品质的背景下出现的，它直接切入到人类生存的终极命运层面上，是对人类精神层面的思考和感悟。
中世纪(一般认为其时代为约476年西罗马帝国灭亡至1640年英国资产阶级革命)，通常也认为是欧洲历史上的封建时代(主要是西欧)。
一提及中世纪，我们很快就想起17、18世纪文艺复兴学者对它的定义“黑暗的时代”。
仿佛这一千多年给我们留下的就是杀戮、禁欲、黑死病，诸如此类。
是的，从罗马城的人口在不断锐减这一事实来看(公元前5世纪，至少有80万人口;公元4世纪，君士坦丁时期，大约有60万人口;公元419年，“罗马之劫”之后，30～50万人口;公元800年，查理曼大帝时期，不超过三万人)，当时的欧洲的确是民不聊生。
转过头，我们再来看艺术，中世纪最伟大的艺术是高耸入云的哥特式和厚重敦实的罗马式教堂。
至于绘画和雕塑艺术，过了希腊罗马时期，到这个时候仿佛就开始急转直下，沉入没流。
那我不禁要问，中世纪身前是辉煌灿烂的希腊罗马，身后是伟大进取的文艺复兴，为什么单单这一千年出现了诡异的断层?为何人们的审美出现戏剧化的改变?希腊人成熟的造型技巧也一夜之间蒸发?从前的希腊艺术家以及他的继承者们都去了哪里?如图1所示，这幅绘画是公元5世纪的一位罗马皇后墓室镶嵌壁画，我们看到画面中的这位基督鼻梁高耸，双眼深邃，典型的希腊青年形象，他身穿罗马袍，手拿____的标志性十字权杖，身边的羊群，山坡的刻画十分生动且富有很强的立体关系，人物与背景的关系显得真实自然。
此时的基督____得到罗马官方的认可，本身还在不断的认识和定义自我。
宗教画家们也因无程式可以遵循，只好从他们的先人那里继承希腊罗马的艺术审美和技巧。
所以这幅画不但没有宗教的神秘庄严，反呈现一派宁静祥和的田园风光。
而到了公元6世纪，我们再来看看同样的一幅镶嵌画(如图2所示)，这幅作品图解的是福音书中的故事，基督用5个饼和2条鱼给5000人吃了顿饱饭。
基督站在画面的中间，身着象征高贵的紫袍，表情庄重祥和，门徒们均匀的站在其左右，人物的表情雷同。
这幅画相较于上一张作品而言刻板而且平淡，既没有运动感也缺少表情刻画。
时间不过才过了一个世纪而已，缘何希腊罗马的荣光就差不多消失殆尽。
早期____信徒们对于用何种态度对待为上帝造像进行过一番激烈的挣扎，一部分人反对造像，他们认定为上帝造像和过去希腊人为宙斯制作雕像没有区别。
而以格列高尼大主教为代表的另一部分人则认为“文章对识字的人能起什么作用，绘画对文盲就能起什么作用”，充分肯定绘画在宗教宣传中的地位。
在中世纪宗教艺术的发展中，后一部分人最终战胜了前者，绘画艺术得到了承认。
但以这种方式承认的艺术类型，显然是受到限制的艺术，他们承认了绘画的认识和教化功能，却完全否定了其艺术性。
“如果要为格列高尼的目的服务，就必须把故事讲的尽可能地简明，凡是可能分散对这一神圣主旨注意力的，就应该被省略。
一开始，艺术家们还是在使用罗马艺术中发展成功的叙述方式，但是慢慢的就越来越注重于事物的核心精义所在。
[1]”我们再回到图2，相较于11 世纪的完全程式化处理的《基督为使徒洗足》(如图3所示)，图2的绘画者受到希腊艺术熏陶的痕迹还是显而易见的。
人物的造型比例，衣褶的处理，人物之间的空间处理，人物与环境之间的空间关系，甚而地面上投射的阴影无不在出卖艺术家的出身――他是希腊那一路的。
不过画家为了秉承宣传的目的而刻意简化了多余的东西，对于他而言，绘画已经不是为了自身的美好而存在，忠实的描摹是没有必要的，与宣传教义无关的东西最好不要画进来。
他要做的是把故事叙述的尽可能简洁明了，通俗易懂，让虔诚的信徒们感受到上帝的慈悲与威力。
时间往后推几个世纪，看看9世纪这幅《圣马太像》(如图4所示)。
中世纪人习惯在福音书的扉页画上作者，圣马太的题材是中世纪绘画的传统题材，许多艺术家表现过它，但图4的圣马太形象一定是最有感染力的一位。
乍一看，他已经与古希腊的典雅静穆相去甚远，线条飞扬跋扈，没有透视和空间感。
但正是这种飞扬的节奏使我们相信这位圣徒是受到灵感的激励，满含敬畏和喜悦写下神谕。
凸起的眼球，笨拙的大手都赋予人物全神贯注的样子。
在这位画家来看：绘画，不是为了一心一意的客观描绘，也不是要创造优美的东西，他是要表达对上帝的崇敬，表达对宗教的无尽信仰。
中世纪夹在希腊罗马的荣光和文艺复兴的伟大之间，我们不断将三者进行比较，可是艺术领域的发展无所谓进步与倒退，“埃及人大画他们知道确实存在的东西，希腊人大画他们看见的东西，而在中世纪，艺术家还懂得在画中表现他们感觉到的东西”[1]，不牢记这一创作意图，我们就无法公正的对待中世纪艺术作品，也不可能真正理解其他包括中国在内的西方文化系统以外的艺术形态。
正如老师在课上提及的，“一部艺术史即是一部人类的观念史”，要了解和欣赏一段美术史，我们必须将它放在特定的历史语境中，了解当时人所思所想，方能感同身受。
三、结语宗教的价值和审美是存在内在矛盾的，其反应在宗教艺术美术当中。
当精神对于审美趣味和宗教对于现实审美中起到绝对主宰作用时，审美趣味的能量可以放大。
纵观西方美术史，由于人类对于宗教狂热而激发出来惊人的精神、物质力量，从而反作用于人类艺术的范例很多。
正如贡布里希所说“过分的道德严肃性可能会扼杀艺术”。
从另一方面(审美价值的角度)来说，如果没有足够的道德严肃性也可能对艺术扼杀，这也是宗教与审美矛盾辩证统一的关系;同样，也就是说当宗教的审美趣味被放大时，同时也就夸大了其之于宗教精神的批判性。
参考文献：贡布里希.艺术的故事[M].南宁：广西美术出版社，2008.王宏建，李建群.欧洲中世纪美术[M].北京：中国人民大学出版社，2010.绘画艺术赏析论文篇二：《试谈郎世宁绘画风格的艺术特色赏析》摘要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。
郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。
关键词：郎世宁;传统中国画;中西文化Giuseppe Castiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。
由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年(1715)来中国传教。
最初以传播教义为目的他为了获取传播天主教的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。
他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。
因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。
一、人物肖像画郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。
郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。
这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。
他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。
二、纪实画郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。
这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。