浅谈关于作曲的一些小技巧之一.
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法
作曲的技巧和方法可以因个人的风格和喜好而有所不同，但以下是一些普遍适用的原则和建议：
1. 寻找灵感：灵感来源可以是生活中的各种情感、景色、事件等等。
可以试着关注周围的事物，记录下来并深入思考，寻找创作的灵感。
2. 学习音乐理论：音乐理论是作曲的基础，了解音乐的基本元素，比如和弦、旋律、节奏等，可以帮助你更好地组织和表达想法。
3. 创造旋律和和声：旋律是作曲的核心，尝试用琴键、嗓音或其他乐器找出旋律线。
同时，和声是增添音乐深度和层次的重要组成部分，通过使用和弦和音程可以塑造作品的情感色彩。
4. 结构化作品：保持作品的结构和逻辑性可以使其更易于理解和欣赏。
尝试使用不同的乐章、主题重复或发展等手法来组织你的作品。
5. 创造独特的音色：通过选择不同的乐器和声音特效，可以为你的作品带来更丰富的层次感和个性。
6. 尝试进行编曲：把你的作曲想法进一步展开，添加其他乐器的演奏部分，调整和改进声部编排，使其更加丰满和完整。
7. 培养创作的习惯：坚持每天写作曲目，即使只是简短的片段
或想法，也能够培养创作的习惯并逐渐提高作曲技巧。
8. 听取他人的意见：与他人分享你的作品并聆听他们的反馈和建议，有助于你发现潜在的改进空间和创作方向。
总之，作曲是一种个人创作的过程，尝试不同的技巧和方法，发现适合自己的方式，并保持练习和探索的精神，才能不断提高作曲的水平。
音乐制作中的编曲技巧
音乐制作中的编曲技巧音乐编曲是指将原始音乐素材进行重新编排、重组和改写的过程。
通过巧妙地运用编曲技巧，音乐制作人能够赋予音乐作品更具个性和创意的表达方式。
本文将介绍一些常见的音乐制作中的编曲技巧，旨在帮助音乐人和制作人提升音乐作品的品质。
一、声部编写和配器技巧声部编写是指在编曲过程中，根据具体的音乐风格和要表达的情感，合理地安排各个乐器或声部的音高和旋律走向。
要注意保持声部之间的和声关系，使得整个音乐作品更加和谐和统一。
配器技巧则是选择和运用合适的乐器音色和组合，并在不同地方进行适当的变化，以增加音乐的表现力。
可以通过合理运用和谐音、对位和交叉编写等手法，来创造丰富多样的音乐效果。
二、和声的运用和声是指在音乐中多个声部同时发声产生的声音叠加效果。
在进行编曲时，合理运用和声可以使得音乐更加丰富，表现力更强。
一些常用的和声技巧包括：1. 和弦进行变化：通过改变和弦进行的顺序和结构，可以使得音乐在不同的部分产生不同的情感体验。
2. 和声的分声部：将声部分成高音、中音和低音，可以铺展出更宽广的音乐画面。
3. 立体化和声：利用不同的音色和声部在空间中的位置，使得音乐听起来更加层次分明和立体感强。
三、节奏感和动态处理节奏感是音乐中非常重要的元素之一。
在编曲时，要注意合理运用不同的节奏元素，使整个音乐作品更具生命力和活力。
可以通过合理的速度和节奏变化，增加音乐的张力和表现力。
同时，动态处理也是编曲中需要关注的重要方面。
通过运用不同的音量和音色的变化，可以使得音乐更加丰富多样。
要注意在音乐的不同部分进行动态上的合理控制，使得音乐的起伏和变化更加自然和流畅。
四、效果处理和音色设计效果处理和音色设计是现代音乐制作中常用的技巧。
通过运用各种音频效果器和合成器，可以对音乐进行环境、时态、混响等方面的处理，从而创造出丰富多样的音乐效果和音色。
在进行编曲时，要根据音乐作品的整体风格和情感需求，选择合适的效果和音色，使得音乐更加出色和个性化。
音乐创作与编曲技巧
音乐创作与编曲技巧音乐创作和编曲是音乐创作者展现自己创意和表达情感的重要手段。
对于这两个方面，艺术家需要结合自己的灵感和技巧来打造出独特的作品。
本文将探讨一些音乐创作和编曲的技巧，帮助读者进一步了解如何在音乐创作中发挥自己的才华。
一、音乐创作技巧1. 灵感的获取创作音乐的第一步是获得灵感。
灵感可以来自各种各样的地方，如个人经历、自然景观、艺术作品等等。
为了获得灵感，创作者可以尝试不同的方法，如旅行、观察、阅读等。
此外，与其他艺术家和音乐人交流也可以激发创造力，获得新的灵感。
2. 曲式结构曲式结构是音乐创作中的基本组织形式。
常见的曲式结构包括ABA、ABAB和ABAC等。
创作者可以根据自己的创作需求选择适合的曲式结构。
同时，创作者也可以在曲式结构上进行创新，打破传统的框架，创造出独特的音乐作品。
3. 和声与和弦进行和声和和弦进行是音乐创作中重要的技巧之一。
掌握和声的基本原理，创作者可以通过构建和弦进行来创造出丰富的音乐效果。
了解不同调式的特点和变化也有助于创作者在创作中赋予不同的情感色彩。
4. 创造独特的旋律旋律是音乐作品的核心部分。
创作独特的旋律需要有良好的音乐素养和创作技巧。
创作者可以通过运用不同的音乐元素，如音程、节奏、音符的变化等，来打造出富有个性和魅力的旋律。
5. 良好的节奏感节奏是音乐中不可或缺的元素之一。
具有良好的节奏感可以为音乐作品注入活力和动感。
创作者可以通过选择不同的节奏模式和节奏变化来丰富作品的表现力。
二、编曲技巧1. 选择合适的乐器和音色编曲是将创作的音乐通过不同乐器和音色的组合呈现出来。
选择合适的乐器和音色可以为音乐作品带来独特的韵味和质感。
创作者需要了解各种乐器的特点，并根据作品的风格和需求进行选择和搭配。
2. 合理的音部编配音部编配是指将不同的音符分配给不同的乐器演奏。
合理的音部编配可以保持作品的清晰度和平衡感。
创作者需要注意乐器之间的音域和声音层次，并做出相应的调整。
音乐作曲中的旋律构成要素与技巧
音乐作曲中的旋律构成要素与技巧音乐作曲是一门艺术，旋律构成要素与技巧是其中至关重要的部分。
旋律是音乐的灵魂，它能够引发人们的情感共鸣，让人们沉浸其中。
在音乐作曲中，旋律的构成要素包括音程、音高、音符的长度和音符之间的关系等。
下面我将从这些方面来探讨音乐作曲中旋律的构成要素与技巧。
首先，音程是旋律构成的基础。
音程是指两个音之间的距离，它可以分为大音程和小音程。
大音程给人以明亮、欢快的感觉，而小音程则会给人以悲伤、沉重的感觉。
作曲家可以通过运用不同的音程来表达自己的情感和意图。
例如，当作曲家想要表达喜悦和欢乐时，可以使用大音程来构建旋律，而当作曲家想要表达忧伤和哀愁时，则可以运用小音程。
其次，音高是旋律构成的重要因素。
音高是指音符的高低，它决定了旋律的音调。
音高的选择对于旋律的表达非常关键。
作曲家可以通过运用高音和低音来创造出不同的情感效果。
高音往往给人以明亮、轻快的感觉，而低音则给人以深沉、庄重的感觉。
作曲家可以根据自己的意图选择合适的音高，来表达自己想要传达的情感。
此外，音符的长度也是旋律构成的重要组成部分。
音符的长度决定了旋律的节奏和韵律。
不同长度的音符会给人以不同的感觉。
例如，短促的音符会让旋律显得活泼、轻快，而长音符则会让旋律显得稳定、沉稳。
作曲家可以通过运用不同长度的音符来创造出丰富多样的旋律效果。
此外，音符之间的关系也是旋律构成的重要技巧之一。
音符之间的关系可以通过音程的变化、连续音符的运用等方式来实现。
例如，作曲家可以通过使用升降音程来创造出变化多样的旋律效果。
同时，连续音符的运用也可以让旋律显得流畅、连贯。
作曲家可以通过巧妙地运用音符之间的关系来塑造出独特的旋律风格。
除了以上的旋律构成要素与技巧，作曲家还可以通过运用转调、模仿和变奏等手法来丰富旋律。
转调是指将旋律中的音调上升或下降一个音程，从而改变旋律的调性。
模仿是指在旋律中重复出现相同的音乐片段，以增加旋律的连贯性和统一性。
变奏则是指对旋律进行改变和发展，以创造出不同的效果和情感。
作曲常用技法（亲身学习经历）
作曲常⽤技法（亲⾝学习经历）编曲，即在DAW上对歌曲进⾏和声编写并搭配乐器，简单来说，就是做伴奏带~扒带，原答案中提到过，就是在DAW上把歌曲伴奏中的每⼀件乐器的每⼀个⾳符都听写出来，简称扒歌曲伴奏带或扒带。
听写下来歌曲的伴奏带就等于你把专业⾳乐⼈的编曲的技巧和套路复制了出来，你既复制出来就可以学习了，简直就是⼀个免费的教材~再补充⼀下关于旋律发展⼿法的知识：1.重复：即重复⼀段旋律，使主题得到巩固、乐思得到强调、性格得到统⼀。
它分为原样重复和变化重复。
作品举例：《⽉亮代表我的⼼》2.模进：即某⼀动机（旋律）在不同⾼度上的重复。
分为严格模进和⾃由模进。
作品举例：《酒⼲倘卖⽆》3.节奏重复：即将动机的节奏当成模板，在不同⾳⾼上予以重复，使作品集中、统⼀。
作品举例：《长江之歌》4.扩⼤和收缩：有两⽅⾯，⾳程还有节奏。
作品举例：（1）⾳程——《笑脸》（2）节奏——《咱们⼯⼈有⼒量》5.对⽐、延伸、发展：我个⼈喜欢⽤对⽐中的“倒印”⼿法，即AB两句旋律发展⽅式相反。
作者的亲⾝经历我⼤学没打算学⾳乐，和⼤多数⼈⼀样只想当爱好做⾳乐。
我之所以称⾃⼰为业余的独⽴⾳乐⼈，是因为我从初中开始就写些原创歌、组乐队、尝试编曲，并且在去年我送了⾃⼰⼀张专辑⼗⾸歌作为成⼈礼。
每⾸歌都是我⾃⼰创作的，词曲、编曲、混⾳、后期等⼯作也全部是我⼀⼈挑灯夜战，与学校的学习⽃争来的（你也知道⾼中的学习有多苦逼）；业余是因为技术、条件都还不够，录⾳找的还是录⾳棚。
（像千古留名、Airs Jack、半璧这群专业的⾼中时⽐我⽜多了，已经能够接活了，⽽我这300的⽔平真不好意思拿出⼿。
）所以，个⼈认为业余⾳乐⼈要有独⽴制作歌曲的能⼒，或者有负责歌曲制作中某⼀环的能⼒，不过通常来说技术、设备劣于专业⾳乐⼈的。
所以其实成为业余⾳乐⼈的门槛很低，钟兴民吴庆隆是⾳乐⼈，徐良汪苏泷也是⾳乐⼈，甚⾄隔壁⽼王特会写旋律，也可称为“业余⾳乐⼈”。
这时候，我期许能尽量专业⼜全⾯，以保证⽐隔壁⽼王要强。
作曲基础知识与配器技巧指导
作曲基础知识与配器技巧指导作曲是音乐创作的一种形式，通过创造独特的音乐来表达情感和观点。
作曲家需要掌握一定的基础知识和配器技巧来创作出优秀的作品。
本文将介绍一些作曲的基础知识，并提供一些配器技巧作为指导。
一、作曲基础知识1. 音符和节拍音符是音乐的基本单位，用来表示音高和时值。
常见的音符有全音符、二分音符、四分音符等。
节拍是音乐中的基本脉动，可以用拍号来表示。
在作曲过程中，需要合理运用音符和节拍来构建旋律和节奏。
2. 音阶和调式音阶是音乐中一组按照音高顺序排列的音符。
常见的音阶有大调音阶、小调音阶等。
调式是音乐中的基本调性，常见的调式有大调、小调等。
了解和运用不同的音阶和调式可以为作曲提供更多的音乐素材。
3. 曲式结构曲式结构是指作曲中的整体结构安排，常见的曲式结构有复调曲式、套曲曲式等。
作曲家可以根据自己的创作意图选择合适的曲式结构来组织音乐。
二、配器技巧指导1. 乐器选择在作曲中，选择适合的乐器对于传达音乐的情感和效果至关重要。
作曲家需要了解各种乐器的音质特点，包括音域、音色和演奏技巧等。
在进行配器时，灵活运用各种乐器的组合可以创造出丰富多样的音乐效果。
2. 和声处理和声是指不同音符在同一时间的组合。
在作曲中，合理处理和声可以使音乐更加丰富和谐。
作曲家可以通过运用和弦进行、音程变化和声部运动等方法来处理和声，创造出动听的音乐效果。
3. 色彩运用配器中的色彩运用可以为音乐增添层次和质感。
作曲家可以通过运用原声乐器和合成器、不同的音色和音效等手法来塑造音乐的色彩。
同时，还可以借助动态的变化和音色的叠加等技巧来丰富音乐的表现力。
4. 节奏和韵律节奏和韵律是音乐中的基本元素，对于作曲具有重要的影响。
作曲家可以通过运用不同的节奏模式、变化的速度和韵律变化来创造出丰富多样的节奏和韵律效果。
总结作曲基础知识和配器技巧是作曲家创作音乐的基石。
掌握音符和节拍、音阶和调式、曲式结构等基础知识，并合理运用乐器选择、和声处理、色彩运用和节奏韵律等配器技巧，可以帮助作曲家编写出更加精彩的音乐作品。
音乐行业中的作曲与音乐制作技巧
音乐行业中的作曲与音乐制作技巧音乐是人类文化的重要组成部分，而作曲和音乐制作则是创作出美妙音乐的关键要素。
在音乐行业中，作曲与音乐制作技巧的掌握至关重要。
本文将介绍一些在音乐行业中成功的作曲与音乐制作技巧，以帮助那些热爱音乐创作的人们在这个领域获得更大的成功。
一、音乐作曲技巧1. 灵感的获取音乐作曲的第一步是获取灵感。
而灵感则来源于我们周围的世界。
可以通过观察大自然、生活中的人与事物、阅读书籍或是与他人的交流中获得灵感。
在创作过程中，将自己的情感和感受融入其中，创作出有深度和内涵的音乐作品。
2. 基础理论知识的掌握作为作曲家，掌握音乐理论知识是必不可少的。
这包括音符、节奏、和弦、音阶等基本元素的理解和运用。
通过系统的学习和实践，深入理解和把握音乐的构成规律，能够使作品更加丰富多样且具备个人特色。
3. 曲式和结构的运用音乐作品的曲式和结构是决定整首作品形式和发展的重要因素。
熟悉不同的曲式类型，如复调、变奏曲、奏鸣曲等，能够帮助作曲家在创作过程中更好地组织音乐材料，使音乐作品更加有条理和完整。
4. 和声的运用和声是指不同音乐元素在音乐作品中的相对关系。
合理的和声运用可以增加音乐作品的层次感和丰富度。
通过学习和实践和声规则和技巧，如和弦进行、声部编写等，作曲家能够创作出旋律与和声和谐统一的音乐作品。
二、音乐制作技巧1. 选取适合的音色与乐器音色是音乐作品的灵魂，选择适合的音色和乐器可以使作品更加生动和鲜活。
在音乐制作过程中，根据作品风格和表达的需求，选择合适的音色和乐器，使音乐作品与听众产生共鸣。
2. 节奏与编曲的设计节奏是音乐中极为重要的元素之一，对于音乐的表达和节奏感的把握直接影响作品的效果。
在音乐制作中，作曲家需要注意节奏的合理处理，运用编曲技巧来使音乐更加丰富多变。
可以尝试使用不同的打击乐器，合理设置伴奏，使整个音乐作品更加丰满。
3. 音频处理与混音音频处理和混音是音乐制作中至关重要的环节。
通过使用各种音频处理器和混音器具，作曲家可以对音频信号进行调整、修饰和融合，以达到理想的音频效果。
音乐教学中的音乐创作与编曲技巧
音乐教学中的音乐创作与编曲技巧在音乐教学中，音乐创作与编曲技巧是非常重要的。
音乐创作和编曲是指通过创作和编排音乐素材，创造出具有独特风格的音乐作品。
在教学中，教师可以引导学生学习音乐创作和编曲技巧，激发他们的音乐创造力和表现力。
下面将介绍几种常用的音乐创作与编曲技巧。
一. 主旋律的创作主旋律是一首音乐作品中最重要的部分，它是音乐作品的灵魂。
在创作主旋律时，可以通过以下几种方式来提高创作效果：1. 基于和弦进行创作：选择一组和弦进行，然后在这些和弦进行上创作主旋律。
这种方式可以使主旋律与伴奏和谐统一。
2. 基于音阶进行创作：选择一个音阶，然后在这个音阶上创作主旋律。
这种方式可以使主旋律具有一定的音乐色彩。
3. 利用旋律动机进行创作：选择一个简洁的旋律动机，然后在这个动机上进行变奏和发展，最终形成一个完整的主旋律。
二. 编曲技巧编曲是将音乐素材进行编排和组合，创造出一部完整的音乐作品。
在编曲过程中，可以通过以下几种技巧来提高编曲效果：1. 多样化的音色运用：通过合理选择不同的乐器音色，使得每个乐器都能够发挥自己的特色，同时保持整体的和谐统一。
2. 合理安排音乐层次：通过合理安排音乐的高低音部分，使得整个编曲层次分明，既有丰富的音符变化，又有较好的音乐结构。
3. 运用对位技巧：对位是指两个以上乐器或声部之间的相互作用。
通过合理运用对位技巧，可以使得音乐作品更加丰富多样。
三. 创新与表达音乐创作与编曲不仅要保持对音乐基本规律的理解和运用，还要注重创新和个性的表达。
在教学中，教师可以鼓励学生进行自由创作，培养他们的创新能力和独立思考能力。
1. 提供创作机会：教师可以设立音乐创作的任务，让学生进行创作实践。
通过创作任务，学生可以探索音乐创作的方法和技巧，培养创新意识。
2. 引导表达情感：音乐是一种表达情感的艺术形式，教师可以通过让学生从生活中汲取情感，将这些情感转化为音乐素材，并通过音乐表达出来。
3. 尊重学生的个性：每个学生都有自己独特的音乐风格和创作方式。
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浅谈关于作曲的一些小技巧之一作曲的技巧，有很多人都在谈，很多人都在和弦上花工夫。
也有一些人完全按照感觉来写。
诚然，按照下行5度和弦圈的经典走位，旋律怎么写都不是很难听，但学一些作曲的另外一些技巧，也许你的旋律会有另外一番天地。
小生在这里抛砖引玉，希望大家都来谈谈自己的看法。
小生写的不当之处，恳请各位高手指正。
流行歌曲创作：1：先有词后有曲。
2：先有曲后有词。
这里我只谈第二种情况，即先曲后词。
一：倒影。
就像你在河上，看到河里自己的影子。
如：33345 33321在五线谱中，以3横线，就会发现，345往下翻180度的话，其旋律线条就会和321吻合。
这样写出来的旋律，不会很散。
二：模进。
模进分严格模进和自由模进。
严格模进要求各旋律音程之间完全一样。
旋律线条也要完全一致。
如：3323 2212自由模进则没有这个限制。
如：1123 3345（1和2之间是全音，3和4之间是半音，音程不同）三：重复。
重复永远是音乐中不二法门，从段重复到小节重复，几乎每个作品中都可以看到他的影子。
（注意，重复也是同度模进）四：对格。
艺术都是相通的。
在文学中某些技巧，放到音乐里也完全适用。
在一些诗联中，第一句的最后一个字，是第二联的第一个字。
放到音乐中的话，就是第一句最后一个音符，是第二句的第一个音符。
然后依次类推。
如：123 312 234 465大家注意，前面的最后一个音符，都是后面的第一个音符。
在李宗盛的鬼迷心窍中，通篇都是使用的对格的技巧。
大家有兴趣的话不妨回家把谱子翻出来看一看。
五：前面说到艺术是相通的，并借用了文学技巧，这里我们借用国画技巧来看看是怎样的。
1：疏密有致。
在国画中，如果中间画了很多的树，在四周一定要留出大量空白的地方。
这样眼睛才不会累。
同样在音乐中，前面几小节如果节奏部分非常密集，后面一定要多写些长音。
如果前面旋律起伏非常大，那么后面一定要把旋律安排地平稳些，而起到一个平衡的作用。
2：有深有浅。
国画中，你不可能一张画全用一种颜色，就算是黑，也分深黑，墨黑，浅黑，灰等等。
同样道理也可以放到音乐中，如果前面两小节你都使用上行的旋律，如：1123 3345，后面你最好使用下行或者平行的旋律，如5442等，这样让人感觉旋律有起伏有变化了，听觉上比较舒服，也符合自然规律。
最极端的例子，就是陈升的把悲伤留给自己，开头第一到第二句，旋律从低音5直线上升且不带拐弯的到高音1，音程跨度纯四度+纯八度。
第三句开始慢慢下降，从高音1下降到底音6，音程跨度8度加小三度。
给人感觉旋律起伏很大，感情全部发挥出来了，然后第四句旋律开始走稳。
六：变音。
变音一般而言就是升降音符。
用一些，会给人非常新鲜的感觉，也容易使情感更加饱满。
一首歌，变音用的好不好，很大程度上看这个人对旋律的把握程度好不好。
一般说，表现明亮色彩的用大调，忧伤或温柔的用小调。
我们也可以把大调的3音降半度，来表达忧伤或温柔。
在小调中，多使用#4和#5，那是绝对不会错的，因为小调的上行音阶中本身就包括#4和#5。
如果你想写一段带有JAZZ风味的旋律，除了节奏上多用切分音符外，用b3和b7是不二法门，其实，这也是JAZZ的特有音阶。
我想举几个例子来说明。
罗大佑在爱的诤言里，A段第三句，用了：#1 2 3的级进，给人一种忧伤的感觉，而且非常新鲜。
李泉的爱的颜色中（好象是这个歌名，记不太清了）用了：5 6 7 #1的旋律级进，四个全音连续上行，把感情发挥到了极至，也给人一种耳目一新的感觉。
橄榄树是一首非常经典的老歌，作者用了#4作为承上启下，收到非常好效果。
七：关于调式的运用。
在古典音乐里，什么调抒发什么情感，是明亮的，是灰暗的，是雄壮的等等，都有严格要求，一般不会变化。
但在流行音乐里，就没有这种限制了，一般定调是根据歌手的音域来的。
男歌手一般最高音定在G上。
(钢琴上叫小字二组G，吉他上是第一弦的第三品)。
如果太高，降一度也够了。
女歌手音域要比男的高八度，所以，一般最高音定在B上(钢琴是小字一组B。
吉他是第二弦空弦)。
太高的话也降一度。
但，这个不是绝对的，只是一个大致的范围，帕瓦罗地这小子，据说可以唱到高音#C。
乖乖，大家可以在琴上感觉一下，钢琴是小字三组的#C，吉他是第一弦第九品。
第九品啊，我到第四品就要用假声了。
呵呵。
好象林志炫，孙楠也都可以唱到HIGH C，也是很厉害的男高音。
呀，我扯到哪去了?不好意思，言归正转。
调性上对比是非常有趣的，也是非常好玩的。
一首歌前面如果是小调，后面改用大调。
前面如果是C调，甚至你可以在后面安排bE大调(就是C小调)，都是可以的。
可以让听众耳朵一亮。
但请不要忘记，调是为歌服务的，转调是为了更好的抒发情感。
所以不管你转成什么怪调，一定不能为了转而转。
举几个例子:齐秦的大约在冬季，他在第一段开头用大调(1开头)，结尾是小调(6结尾)，副歌部分也是小调，就很好的抒发了作者面对离别是的情绪。
还有罗大佑的你的样子，主歌是B小调，副歌转成#C小调(好象是，具体忘记了)我听过最夸张的是罗大佑写的思念，如果主歌部分是天使的话，那么副歌就变成魔鬼了，简直不是一首歌，好象是两首歌拼出来的，但能拼成他那样，也是高手中的高高手了。
张国荣的共同度过，相信大家一定听过，本来旋律并非很出彩，副歌部分也是一般，但作者(是个小日本，名字忘记了)，连续用了四个转调，把感情全部唱出来了。
不敢想象，如果这首歌一个调从头唱到尾的话，5分钟的时间，大家恐怕就要睡着了。
转调在间奏里也用的比较多，还有离调，但这是遍曲的范围，要说的话，一年也说不清楚。
所以这里就不详细说了。
只是一点，如果间奏忽然转调了，那么在结尾的时候，一定要再转回原调，否则歌手不能唱了。
调性也乱了。
还有一个很有趣的现象，在很多书中，几乎99%的音乐书里，都说结尾一定要5级和声转到一级和声，就是C调的话，结尾一定要从G到C才可以。
不然不及格。
但有不少歌曲里面结尾并不到C，而是G到#G(就是#5 1 #2)，在听觉上非常新鲜。
还有G到G增和弦。
就是(5 1 2)也非常新鲜。
有一种意犹未尽的感觉。
大家可以试试。
关于调式还有很多，印度音乐里，把3和4这一对半音兄弟，再切一半，变成12音音阶。
更难唱。
光音阶上的变化就有几十种，还分上行和下行，还不包括临时变音，我本人也不是很懂，所以各位就马马虎虎看看算了，也希望懂的人进来说说。
我就不献丑了。
八:关于段落段落分一段体，两段体，三段体等。
比较常见的是两段体和三段。
段落可以分为对比和类似。
简单地说，对比就是前面比较舒缓，后面比较高昂。
前面比较紧凑，后面比较庸散。
从文学上分析，如果你想用对比来创作的话，前面是叙事的话，后面一定要改成抒情。
从音乐上来的话，前面如果旋律比较平，后面就大胆的多点起伏，前面节奏多用4分音符的话，后面就用8分或16分音符。
从而起到对比的作用。
在编曲上可以更明显的看到。
一般副歌部分总是比较高潮。
而前面总比较缓慢。
但这不是绝对的。
任何艺术创作都不是绝对的。
你也可以安排整首歌都是一个样子，写的好的话，也是可以的。
一段体大多都是小歌，如兰花草，雪绒花等等。
学吉他的人一定知道，是吉他入门的必弹曲。
如果写的好，那也是非常精致的东西。
但一段体对旋律要求非常高，旋律一定要好听，否则不行。
现在三段体的也很多，如陈亦讯的十年(也有人把第二段看作起承转合中的转)，那英大姐的征服(在歌后面有一段把情绪推向高潮的人声部分)等等，大家可以听听看。
在音乐里的作用嘛，括号里都写了)，关于起承转合的东西，下一讲再说把。
这里插一句，有一个很有趣的现象，数学里面有黄金分割点，大概是四分之三左右（０.６１８）。
按照美学里的观念是最完美的点。
同样道理，也可以用到音乐上来。
一首三分钟的歌，在黄金分割点上，大概２分多钟的时候，总是一个歌最最好听的时候，很多高潮部分，也是一首歌最最精华的部分，９０％以上，总是在黄金分割点的时候出现。
在编曲上尤其是这样。
黄金分割点，也是最容易打动听众的点，也是最容易渲染感情的点。
在我们平时聚会时，一半已经过去，再聊一会儿，就是最容易起高潮的时候。
打麻将也是这样，差不多要结束时，往往就是翻翻最多的时候.........天那，我说到哪里了？怎么说到麻将上去了？对不起对不起。
我们重新回来。
九:关于乐句。
乐句，顾名思义，就是句子。
在文学中，有诗词歌赋，规定了字的格式和数量，在音乐里，名字就差了些，没有那么好听。
幸好也没那么多的规定。
一般有aaaa aaba aabc abcd等等比较常用。
还有不规整的三句式的，如张宇的用心良苦就是三句式的。
还有五句的，六句的，七句的，比较少。
四句的我们可以把他看作为诗中的起承转合。
开头就是起，一般都是有音乐动机组成的，是写歌的一个动机所在。
第二句就要发展了，具体发展因人而异，具体手法可以看上篇。
第三句就是转，是主歌部分最精华所在，转的好不好，就是一个歌好不好了。
很多优秀的音乐人都在这里大做文章。
如果前面两句用上行旋律比较多的，第三句一定不要用，改成下行。
前面如果旋律比较平和，到这里，一定要写的凹凸些，就象美女的线条，呵呵。
用一些变音什么的，节奏改一些，也是非常常见的手法。
第四句叫合。
是前三句的总结，有人把第一句照搬，那是最简单的办法。
也有人把前面三句用到的动机，整合在一起作为第四句，也未尝不可。
实际上，创作手法是多样化的，主要看情绪发展，你想表达什么。
十：关于曲和词的结合。
１切忌倒句。
汉字有本身的发音，１２３４声，念的时候，大家都严格按照发声的，上入声，本来也包含了音乐成分在里面。
如果没有按照发声规律念，很容易就变成另外的意思了。
而在音乐创作中，这是最最最最忌讳的，我这里用了四个最，可见非同小可。
怎么说呢，大家可能还是一团雾水。
我举几个例子把。
我以前读书的时候，老师就讲，有一个写词的，写了句：雨天，我把你画在窗上。
本来是很优美的，雨天有雾气，作者用手指把思念的人的样子画在窗上。
很美的感觉。
请注意，窗是第一声。
可后来写曲了，那个作者写成旋律，一唱，大家都听成：雨天，我把你画在床上。
床上？在床上画思念的人，那不变成自慰了？郑秀文有一首歌，名字忘记了，歌词里有句是：你是我的主打歌，写曲的也用了倒音，把原本汉字的发声全部取消掉了，很容易让人听成，你是我的猪大哥。
事实上，我一开始听也以为是猪大哥了。
２：风格一样。
词的感觉明明是摇滚的，曲子却写成民谣的，那听上去感觉一定不行。
曲子是古典风味的，而词的感觉却是很现代的，那感觉多别扭？齐豫以前有盘专集，曲子都是从古典音乐里出的，从新填上词唱，感觉总不好。
因为那是人家为器乐而写的曲子，改成人声了，一定不好。
有倩女幽魂大家一定听过，曲子非常典雅的五声音阶。
如果把词改成ＨＩＰ－ＨＯＰ的说唱，大家可以想象要有多难听就有多难听。
十一，最高境界。
鲁迅先生说过，文学的最高境界就是，添一字嫌太肥，减一字嫌太瘦（大概这个意思），就是说，好的文章，你一个字都不能增减。