经典设计及其时代性
世界著名建筑与设计理念
世界著名建筑与设计理念世界上有许多著名的建筑，它们独特的设计理念和杰出的建筑风格吸引着人们的目光。
这些建筑代表了建筑师的创造力和对美学的追求。
在本文中，我们将探讨几个世界著名建筑及其背后的设计理念。
1. 吴哥窟（柬埔寨）吴哥窟位于柬埔寨的暹粒市，是印度教和佛教的圣地之一。
它被认为是人类历史上最伟大的建筑壮丽之一。
吴哥窟的设计概念源于12世纪的高棉帝国，建筑师使用精确的几何形状和复杂的雕刻，展示了高棉文化的独特魅力和工艺水平。
2. 埃菲尔铁塔（法国）埃菲尔铁塔是法国巴黎的标志性建筑之一，它的设计理念充满现代主义的风格。
建筑师古斯塔夫·埃菲尔设计这座铁塔时，借鉴了当时工业革命时期的创新技术和工程原理。
埃菲尔铁塔的优雅曲线和金属结构展示了当时的建筑技术和工艺水平，成为法国及世界建筑史上的经典之作。
3. 大本钟（英国）大本钟是英国伦敦的地标建筑之一，也是世界上最著名的钟楼之一。
它的设计理念体现了哥特式建筑风格与维多利亚时代的文化氛围。
大本钟的钟楼上方有一个巨大的钟面，其周围有雕像和浮雕，代表了英国的历史和文化。
这座钟楼的设计将古典与现代相结合，展现了永恒与时代交汇的魅力。
4. 克林姆特中心（美国）克林姆特中心是美国纽约市的一座现代艺术博物馆，它的设计理念体现了抽象表现主义的精髓。
这座建筑由建筑师菲利普·约翰逊设计，采用了大胆的几何形状和弯曲的外墙，使之独特而引人注目。
克林姆特中心的设计将建筑与艺术融为一体，成为现代建筑的经典之作。
5. 京都国立博物馆（日本）京都国立博物馆是日本京都市的一座历史文化博物馆，它的设计理念体现了和谐与自然美的精神。
建筑师岸田吾郎设计了这座博物馆的主楼，通过自然材料和传统建筑技术，将其与周围的自然环境融为一体。
京都国立博物馆的设计充分展示了日本传统建筑与现代设计的结合，成为京都的重要文化遗产。
总结：上述世界著名建筑代表了人类文明的精华和建筑艺术的巅峰。
它们的设计理念不仅仅是为了满足实用需求，更是展现了建筑师对美的追求和对文化传承的尊重。
经典布艺设计理念
经典布艺设计理念经典布艺设计理念布艺作为一种传统的手工艺，有着悠久的历史和丰富的文化底蕴。
经典布艺设计理念以其独特的审美观念和精湛的工艺技巧成为了现代设计师们的重要灵感源泉。
以下是一些经典布艺设计理念的介绍。
1. 自然与艺术的结合：经典布艺设计理念强调将自然元素融入到设计中，追求自然和谐的美感。
设计师们常常通过运用大自然中的花草、动物、山水等元素来营造出生机勃勃的艺术氛围。
这种设计理念让人感受到自然的美妙和宁静，也给人一种放松的感觉。
2. 简约与精致的结合：经典布艺设计理念以简约而精致的风格闻名。
设计师们注重细节处理，在面料的选择、裁剪和装饰上都力求简洁大方，却不失精细。
通过简约的线条和色彩搭配，经典布艺设计展现出一种高雅和品味的美感。
3. 传统与现代的结合：经典布艺设计理念将传统文化元素与现代设计相结合，展现出新的魅力。
设计师们在传统的布艺工艺基础上融入现代元素，创造出具有时代感的作品。
这种设计理念传承了传统的精髓，又展示了创新的思维和设计风格，让人感受到传统与现代的对话和碰撞。
4. 色彩和谐的结合：经典布艺设计理念注重色彩的搭配和表达。
设计师们懂得如何巧妙地使用颜色来传达情感和表达意义。
色彩在经典布艺设计中起到了至关重要的作用，通过对颜色的选择和组合，设计师们能够营造出不同的氛围和表达出不同的情感。
5. 个性与多样性的结合：经典布艺设计理念不拘泥于传统的束缚，注重个性和多样性。
设计师们鼓励创新和个性化的表达，倡导每个人都可以根据自己的喜好来定制自己独一无二的布艺作品。
这种设计理念提供了更多的选择和可能性，让人们能够通过布艺设计来展示自己的个性和品位。
总而言之，经典布艺设计理念以其自然、简约、传统、色彩和个性的特点成为了现代设计师们的灵感之源。
这种设计理念不仅保留了传统文化的精髓，也赋予了布艺设计新的时代意义和价值。
通过经典布艺设计，人们能够感受到美的力量，享受到艺术的魅力。
列举西方后印刷时代终版式设计的5种风格
列举西方后印刷时代终版式设计的5种风格在西方后印刷时代，终版式设计成为了重要的设计手段，不仅仅是为了美化排版，更是为了提升读者的阅读体验。
以下列举了5种常见的终版式设计风格。
1. 传统经典风格传统经典风格是指以古代书籍排版为基础，注重对称、平衡和简洁。
在排版上，常常使用等距离字母间隔、等宽字母间距和粗黑字体等元素，以增强文字的可读性。
同时，使用大量的空白和修饰，使排版更加清晰、简洁。
2. 现代简约风格现代简约风格追求简洁、直观的设计风格，强调排版的清晰和内容的重要性。
采用无衬线字体、大段落和大标题等元素，使得信息传达更加直接。
同时，注重间距的合理运用，以增强整体版面的美感。
3. 手绘艺术风格手绘艺术风格是将手绘元素融入到终版式设计中的一种风格。
它通过手绘图案、插图和装饰性字体等元素，为版面增加了生动、有趣的视觉效果。
手绘艺术风格的终版式设计常常用于儿童图书、插图书籍等领域，给读者带来愉悦的阅读体验。
4. 平面几何风格平面几何风格强调对称、简洁、几何化的排版方式。
它使用简单的几何形状、线条和图案，创造出简洁、现代的视觉效果。
平面几何风格的终版式设计常常应用于杂志封面、海报设计等领域，给人以简洁、大气的感觉。
5. 扁平化风格扁平化风格是近年来流行的一种设计风格，以简洁、明快的颜色、扁平的图标和简单的排版为特点。
扁平化风格的终版式设计强调简洁、直观的用户界面，注重内容的重要性。
它常常应用于移动应用、网页设计等领域，给人以简单、直观的体验。
终版式设计是西方后印刷时代的重要设计手段，不同的风格能够满足不同的设计需求，营造出丰富多样的阅读体验。
无论是传统经典风格、现代简约风格，还是手绘艺术风格、平面几何风格和扁平化风格，都能够通过合理的排版和设计元素，提升读者的阅读体验，使得信息更加清晰、易于理解。
设计师应根据具体需求和目标受众选择适合的风格，并在设计中注重细节，创造出独特而有吸引力的终版式设计作品。
这样的设计作品不仅能够提升内容的表达效果，还能够为读者带来更加美好的阅读体验。
罗马式建筑及其特点
典型实例------比萨大教堂
它继承了古罗马长方形会堂的形式，并且 运用了传统的哥林多式圆柱，不设中庭， 外墙用磨光的大理石贴面，逐层用修长纤 巧的柱子和连拱装饰，使建筑物外部可与 内部媲美。
典型实例------比萨大教堂
• 当时欧洲的主要教堂大都供 奉有所谓圣徒遗物，因此改 木屋架为石制拱券，以利防 火，教堂的建筑与装饰也日 趋奢华。
罗马式建筑特点
• 无论是教会建筑还是世俗建筑，罗曼式建筑普遍给人以坚 固而有力的印象。与之前的古罗马建筑和之后的哥特式建 筑均以柱子、壁柱和拱作为承重构件（或者是看上去如此） 相比，罗曼式建筑则与拜占庭建筑类似，依靠墙、或是被 称为墩柱的墙段承重。 • 罗曼式建筑常常被划分为“第一罗曼式”和“罗曼式”两 个时期，其区别主要取决于建造时所需要的专业技能。第 一罗曼式以粗石砌墙、开更小的窗户并尚未采用拱顶。伴 随着拱顶和有所加工的石块被增量的使用这些较大的改进 标志着第二罗曼式。
• 比萨斜塔（意大利语：Torre pendente di Pisa或Torre di Pisa，英语：Leaning Tower of Pisa）是意大利比萨城大教 堂的独立式钟楼，位于意大利 托斯卡纳省比萨城北面的奇迹 广场上。 • 比起教堂本身来说，比萨斜塔 的名气似乎更大一些。其实， 它只是比萨大教堂的一个钟楼， 因其特殊的外形、历史上与伽 利略的关系而名声大噪。并且 历经多年，塔斜而不倒，被公 认为世界建筑史上的奇迹。这 些宗教建筑都对意大利11～14 世纪间的教堂建筑艺术产生了 极大影响
第三点与第四点已经成为认识当时建筑的最明显特征，而最关键、特别的则是 建筑的屋顶，从屋顶的特点来看，中世纪的匠师与工人们创造出一个建筑体系， 或者说，他们创造了一种风格。罗马式半圆形的拱券结构深受基督教宇宙观的 影响，罗马式教堂在窗户、门、拱廊上都采取了这种结构，甚至屋顶也是低矮 的圆屋顶。这样，整个建筑让我们感到圆拱形的天空一方面与大地紧密地结合 为一体，同时又以向上隆起的形式表现出它与现实大地分离。
汽车设计的演变从经典款到现代风格的转变
汽车设计的演变从经典款到现代风格的转变汽车设计是一个和时代紧密相连的艺术形式。
随着科技的不断进步和人们对于美学的不断追求，汽车设计也经历了从经典款到现代风格的转变。
本文将从外观、内饰与技术等方面介绍汽车设计的演变，并探讨背后的驱动力。
一、外观设计的演变经典款汽车的外观设计通常追求优雅、简洁和流线型。
这些车型常常拥有圆润的造型，曲线流畅，散发着一种浪漫的氛围。
例如二十世纪初的老爷车，它们的车身线条柔和，前脸饰以镀铬装饰物和华丽的车标，回归了一种复古的风尚。
这种经典款的设计风格，向人们展示了过去的典雅与青春。
而现代风格的汽车设计更加注重功能性和动感。
现代汽车外观设计更趋向于线条硬朗、棱角分明，同时也更突出动感与运动性。
这些车型常常运用各种新材料和新工艺，创造出更具科技感的外观设计。
例如现代一些超级跑车的外观设计，采用大量的碳纤维材料，车身造型低矮而线条流畅，给人一种动感十足的效果。
现代风格的设计崇尚革新与时尚，并更好地契合了现代人们对于快速生活节奏的需求。
二、内饰设计的演变经典款汽车的内饰设计着重体现豪华和舒适。
它们常常采用高档的真皮材料、实木饰板和精致的装饰，细致入微的手工艺打造出高品质的内饰空间。
座椅的设计注重人体工学，舒适性是其关注的重点。
同时，经典款汽车内饰注重细节，如精致的仪表盘设计、古典风格的时钟和一些精巧的装饰品等。
无论是坐在驾驶座上还是乘客座位上，人们都可以感受到一种尊贵与风雅的氛围。
现代风格的汽车内饰设计更加注重实用性和科技感。
设计师们运用了更多的功能性材料和智能化科技。
例如，现代车型普遍应用了大尺寸触控屏幕，取代了传统的按键，使得用户体验更加便捷。
同时，材料的选择也发生了变化，舒适性和耐用性是设计的重要考量。
现代内饰设计强调简洁、干净的线条和整体感，营造出一种现代化和科技化的氛围。
三、技术与创新的驱动力汽车设计的演变离不开技术与创新的推动。
一方面，随着科技的发展，汽车设计师们可以利用更加先进的工艺和材料来创造出更具独特性的外观和内饰。
装饰艺术运动时期的环境艺术设计
亨利·马蒂斯 法国著名画家,野兽派的创始人和主
要代表人物。
装饰艺术运动时期的环境艺术设计
亨利·马蒂斯为1920年的剧《夜莺之歌》（The Song of The Nightingale）设计的戏服。利用了色彩和 形状的反差、风格简约。
装饰艺术运动时期的环境艺术设计
香奈儿是二十世纪中伟大的女装设计师之一。 她也曾经为俄国芭蕾舞团设计过服装，其中必须 提到的就是她以针织材料为主的，为1924年上演 的芭蕾舞剧《蓝色列车（Le Train Bleu）》设计 的针织情侣泳衣。充满了她的个人风格：极简主 义。
装饰艺术运动时期的环境艺术设计
二、法国的装饰艺术运动
法国是装饰艺术运动的发源地，巴黎是运动的中心。1925年的装饰艺术展览会是 法国这场运动的集大成者。装饰艺术运动在20世纪30年代达到顶峰，二战前逐渐衰落。
法国装饰艺术风格集中体现在家具设计上，此时期家具和室内设计产生了两种不 同的风格：1、借鉴和模仿东方的、怪异的形式，明显受到俄国芭蕾集团的舞台、服装 设计影响。2、受现代主义影响，注重新材料的运用，另外柯布西耶的探索也给此风格 带来明显影响。
立体主义 毕加索 《品《红十字列车》
装饰艺术运动时期的环境艺术设计
④ 舞台艺术的影响，包括俄国芭蕾舞团舞台和服装设计、美国黑人爵士乐的鲜明和强烈
19世纪的芭蕾舞团在所有人的心目中是以浪漫主义的古典服装的形象出现， 而俄国芭蕾舞团的佳吉列夫找来了许多艺术家,特别是在当时已经大有名气的 画家们来为舞团设计戏服。服装充满了抽象主义、立体主义以及超现实主义。 想必这也是最早期的艺术家们的跨界合作了。
装饰艺术运动时期的环境艺术设计
1919年，一生中最爱的男人逝世于 一场车祸，Coco的一颗饱含爱情的 心也就随迷恋失了，除了将房间里 的所有装饰物都换成玄色，除了自 认是Capel的遗孀（那时的Capel已 娶妻），她还制作了一件小黑裙来 用来哀悼这个男人，而这条裙子就 是赫赫有名的“Ford裙”。
世界经典招贴设计解析
世界经典招贴设计解析经典招贴设计是一种艺术形式，追溯至19世纪晚期和20世纪初期，被广泛应用于产品、政治、文化和宣传等方面。
这些设计被记载在历史上因其具有视觉冲击力、色彩丰富度和对观众的吸引力而被广泛传播和欣赏。
在这篇文章中，我们将探讨世界历史上最具代表性的经典招贴设计，并讨论其独特之处及其对当今设计的影响。
1.巴黎地铁招贴设计1870年代，巴黎开始建设地铁系统作为解决城市交通过于拥挤的一种手段。
在建设过程中，所需的招贴设计吸引了一些著名艺术家的注意力，如亨利·德·图卢兹·劳特列克、托卢士·霍村和阿德里安·卢克斯。
这些设计充满了艺术气息，强调了巴黎作为文化中心的地位。
其中最著名的是由聚光灯照射的埃菲尔铁塔的宣传海报，以及由艺术家们创作的展示宫殿、美食、时尚和科技的海报。
这些设计影响了20世纪的许多招贴设计，尤其是在欧洲和美国的地铁和铁路宣传中，这些设计通过对城市景观细节的描绘，使它们成为世界一流的招贴设计。
2.杜卡多大道招贴设计早期的电视招贴广告有一个经典的案例就是杜卡多大道招贴设计。
这个设计带给人们强烈的视觉冲击和强大的感官体验，让它成为了经典的广告设计之一。
这些广告设计上的文字和画面都带着鲜明的时代印记，运用了诸多技巧让人过目难忘。
例如，彩色的设计及其反差的呈现，让这些海报极具魅力。
3.新娘、视力、牙膏经典广告这些最为经典的广告设计是为了促进头发、牙膏和视力保健等产品而制作的。
经典的头发广告设计背景为黑色，预示着“真正”的头发颜色。
而经典的牙膏广告采用了闪闪发光的以及散发着清香的冷气，充满了生命力和活力。
4.华特迪士尼动画海报设计华特迪士尼的动画海报是经典的招贴设计之一。
这些设计涵盖了多种作品，包括米老鼠、唐老鸭、格鲁比、小熊维尼等，这些动画形象深入人心，成为了经典的回忆。
这些设计具有强烈的幻想色彩，并运用了各种绘画技巧，强化了人物形象和故事情节。
孟菲斯—后现代主义设计界最有影响的设计组织
•
Байду номын сангаас
从那时起，Sottsass把精力都放在了Sottsass及合伙人事务所上，这是一个建筑与设计的团队，
其中包括一些前孟菲斯的成员和其他年轻的合作者，包括工业设计师詹姆斯·埃文和建筑师约翰
纳·格莱万斯。
精选课件
• 个人作品
• Sottsass在1985年重回建筑，当时他 接到了Esprit连锁店的设计委托。他后来设 计了一些私人住宅，包括工业设计师大 卫·凯利的家，也有公共建筑，如米兰的马 尔佩萨机场。Sottsass及合伙人事务所也为 苹果，NTT，飞利浦和西门子工作， Sottsass当时也继续着自己在玻璃和陶器上 的艺术创作。作为意大利在20世纪后期受 人尊敬的设计前辈，Sottsass仍是许多年轻 设计师的偶像，就像罗南和埃尔万·波洛列， 因为他的作品的跨度和质量。
作品因、为都是手工制作，所以数量有限，未能得到发展。
•
1981年以索特萨斯为首的这一批设计师们在米兰结成了“孟菲斯
集团。”孟菲斯的设计师们努力把设计变成大众文化的一部分，他们
从西方设计中获得灵感，20世纪初的装饰艺术，波普艺术、东方艺术、
第三世界的艺术传统、古代文明和国外文明中神圣的纪念碑式建筑等，
•
“阿尔奇米亚”工作室的目标是：对传统提出挑战，不相信设计
计划完整性的神秘；寻求‘表现特性’为设计新意；将世界过去的流
派再循环；恢复色彩和装饰的生命力；把设计研究重点放在人与周围
事物的相关性上。
•
“阿尔奇米亚”的设计风格独特，常常出人意料，具有戏剧性效
果；造型丰富，独县匠心，大胆运用色彩和图案装饰。但是，他们的
精选课件
• 个人履历
•
1917 出生于奥地利茵斯鲁克，父亲是意大利建筑师，母亲Antonia Peintner是奥地利人。
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经典设计及其时代性来源：DJ嗨嗨网[摘要] 在设计领域，“创新是设计的生命”已是不争的共识，然而有没有“常青”的设计暨“经典设计”则众说纷纭，莫衷一是，始终存在争议。
本文以辨证的、历史的观点作为立论依据，结合实例系统地阐述了经典设计的有无及如何界定；经典设计的时代性等问题。
并侧重从审美的意义上将经典设计上升为一种精神、一种文化，又将设计大而化之，从不同的侧面和不同的范畴对经典设计进行了剖析，归纳出未来经典设计的几大趋势或者说特点，即：国际化与民族化并重；技术化与艺术化互生，最终更侧重艺术化；侧重形式与内容的高度统一——“和谐即美”的观点。
[关键词] 经典、经典设计；时代性、经典设计的时代性；文化从蔡琴说起“午夜的收音机，轻轻传来一首歌……”，歌声悠远，“琴”韵依依。
动笔的时候，耳畔恰放着蔡琴的这首老歌，遂拿来作了开篇之句。
蔡琴，台湾著名歌手，经她演绎过的许多歌曲像《你的眼神》、《南屏晚钟》等等都已成为经典之作，传唱久远而不衰。
一谈到她的经典之作，也便和本文的主题挂上了钩——“经典设计及其时代性”。
不过，在论及“经典设计”及其时代性之前，不妨先来看看什么叫做“经典”，什么叫做“时代”。
一、经典设计及其界定《现代汉语词典》（中国社会科学院语言研究所词典编辑室编，商务印书馆1985年版）对“经典”的解释①是：1）指传统的具有权威性的著作；2）泛指各宗教宣传教义的根本性著作；3）著作具有权威性的著作。
对“时代”的解释②是：1）指历史上以经济、政治、文化等状况为依据而划分的某个时期；2）指个人生命中的某个时期。
对以上的释义大致又可以作如下的延伸，即：由经典的传统性衍发出的其背后的特定历史时期，即其时代性；由其权威性而来的代表性及深刻性等等。
不妨先来看几个例子：例一是我国古代的太极图形，“这个回旋运动的黑白对比图形，运用相辅相成的对比关系构成条理分明的‘阴阳圈’”，③表现天地事物一分为二及白天与黑夜，具有朴素的唯物辩证观。
太极图形可以说是中国早期的杰出设计，它不仅单纯简洁，更显示出对立依存的哲学内涵，体现出对比中见精神“反衬中生光辉的图形美”，④并且不仅仅是如此，太极图形除了有中国古代的哲学思想外，还暗含着中国的文化精神，有着“物我相融，物我双忘，天人合一的思想”，⑤有着“自然美与人格美的完美统一”。
⑥这简单的一阴一阳，一黑一白之内，有着参悟不尽的奥妙与玄机。
历千百年而不为过时，显示出其持久的生命力。
例二是我国铁路的标志，它由变形的“工”、“人”二字组成，并暗含了路轨的形象，整体又构成一个火车头的图案，形式单纯和谐，冲击力强，识别性好，“更可贵的是确切的表现了鲜明的内涵——人民铁路”。
⑦标志是浓缩度极高的艺术设计表现形式，好的标志既要形象简练，美观大方，易识易记，又要表意准确，个性鲜明，能将标志的表象层与表意层完美结合于一体，并成其为经典实属不易，故此上举范例皆具有极高的审美价值与功用价值，以此作为切入点，可以先来界定一下何谓“经典设计”。
所谓经典设计，是指符合特定时代潮流（趋势）、审美要求、功利要求，并具有代表性（典型性）或者共通性（恒常性）的设计作品。
换句话说，凡具有共时、恒常的特性，影响久远，代表某一时代乃至跨越时代的作品皆可以称之为经典设计。
当然，这里的设计不是狭义的，也不是小范围的设计，而是大而化之的，广义的设计。
二、从时代的角度、发展的角度看经典设计（1）动态的经典经典设计是一个相对的概念，它的形成有着特殊的历史背景，不仅仅是文化的，还包括政治的、经济的等等。
一件经典作品的背后是一个时代乃至几个时代，它具体反映着当时的审美观点与价值取向，并且这种反映不是一成不变的，它是动态的、流动的，是随着时间的推移而演变的。
“笔墨当随时代”，设计亦如是，从其内蕴的观点、意念到外在的表现手法、形式乃至材料或者说物质载体，都是随着时代的变化而变化的，受着“时代的遴选与承传”⑧只不过相对于“流行”、“时尚”等概念而言，经典的背后有着更为深厚的文化意蕴和更加巩固的、更加经得起考验的东西。
（2）共通的经典同一件设计作品，每一个时代的人对它的评价虽然都会有这样那样的不同，但当它一旦跨越历史成为经典之后，它又总有一些共通的东西深藏于内，并且不会随着时光的流逝而淡去，相反会更加历久弥新，闪耀出动人的光芒，正如青瓷与明式家具，二者虽风神迥异，然背后皆有中国精神或者说有民族的文化的东西在里面，而不单单是一件设计作品或者工艺品。
如青瓷之美，类玉似水，秀润清远而韵致脱俗，感性而空灵；明家具之美，敦厚温和，蕴藏深厚而古朴典雅，理性而实在。
境界虽各有千秋，精神则一脉相承，都暗合了中国传统的五行学说，青瓷有水之美，明式家具有木之美，而其背后，又皆透着中华民族的优良品格在内，传千载而不衰不灭，久远而恒常，这种共通的或者说恒常的东西，较之于“流行”、“时尚”有着更强的生命力与影响力，由此也可以说，经典的意义的在于其时代性（反映时代），更在于其恒常性，在于其恒久的影响力（跨越时代）。
（3）一分为二的经典将设计大而化之，它便不仅仅是物质的，更不仅仅是视觉的，“它强调艺术家心中的创造性观点”，⑨只不过常规上讲的是设计的物质化实现而已。
但是不管是物质的设计还是观念的设计，它都有两个大的取向不会更改，即：一、审美取向；二、功利取向。
如此划分，我们便可以更轻松地谈我们的经典设计，包括纯功利取向的和非物质范畴的、非美术范畴的，比如省料易用的方盒子建筑和一小段别出心裁的乐曲，都可以放在经典设计之列来讨论。
“方盒子”难看又没有个性，但它仍是经典，是符合了当时的功利需求和审美观点，又具有典型性和代表性，并且统治了很长时间的。
只是在今天看来，它过分强调了纯粹的功利取向，走向一个极端而已。
也就是说对经典仍是要一分为二、辨证地来认识，由此我们还可以谈谈另一个领域的经典设计——“样板戏”。
十年文革，“样板戏”曾无处不在，盛极一时，浸染着浓重的政治色彩；四人帮一夕倒台，“样板戏”也随之偃旗息鼓。
历史的车轮滚滚前行，往事终成烟云，该忘记的，该宣扬的，透过历史的重重帷幕之后，“样板戏”似乎又有了新的说法：“‘样板戏’在政治上确实起过推波助澜的作用，但‘样板戏’毕竟不等同于政治，它更是艺术品”。
⑩从“样板戏”本身而言，不少作品集文学、音乐、表演、舞美于一身，较之以前的京剧、音乐、舞蹈艺术，均有创新和成功之处。
具有很高的艺术价值，只不过“在特定的时代背景中产生了本来并不属于本身的社会作用”⑾而己。
常规意义的设计作品也是如此，同样的例子还有“红色美术”和苏式建筑等等，无一例外是时代的产物，也就必须把它放归于时代中去，一分为二地、辩证地来认识分析。
才有可能知道该肯定什么，该批判什么，该扬弃什么，该承继什么。
（4）螺旋式的上升历史是不断向前推进的，每时每刻都在更新着，因而经典设计的相对性也就愈加明显，并且由其时代性，进而引发出局限性，有局限性就有了发展的必要性，囿于成法，墨守成规，只能把经典埋进历史的黄沙之中，成为陈迹；设计当随时代，每个时期的人眼中都有自己的经典，不断创造着自己的经典，改造着自己的经典，在承继与欣赏经典的同时，又不断注入新的内容，使其发展。
即使有着曲折与反复，但是经典的意义仍是不断的前行着，是一种螺旋式的上升，它感染着人的生命，进而影响着人的生活。
真正的经典设计已经不单单是设计本身，它已然上升到一种文化，提纯为一种精神，对于一个民族、一个社会乃至一切的文化领域和文化现象都具有普遍的意义，是民族的经典，也是世界的经典。
并且真正的经典是永远也不会过时的，它随着时代的发展而发展，并时刻感染着人们的生命，进而影响着人们的生活。
三、审美意义的经典设计设计固然可以大而化之，出现各种各样的经典，但是倘能耐得起历史的考验与冲刷的。
其背后必然有着深层的、有生命的东西，更侧重经典“共通”、“恒常”的方向或者更是透过表象之后的骨格乃至精神。
比如太极图，其表象之后透出的回旋之势，是一种生命的律动，并因其有了生命意义的深度，而愈加显得隽永而耐人寻味，经得起历史的推敲。
再比如故宫的建筑结构，它不仅仅是一片朱墙黛瓦、雕梁画栋的简单堆砌，它背后是整个是明清尤其是明朝时代，在崇尚理学的明代，建筑的设计也无不透出其时代风格，透出一个时代的审美情趣，透着深深的理性精神。
故宫以中轴对称为主线，南北铺开，一层层相叠相扣，外城、内城、宫城环环推进，秩序井然，暗合了传统的等级伦理观念，又稳而不僵，中正谦和，远望平阔辽远，近观则庄重而森严，一远一近，又透射出影响国人千百年的儒家思想之精神，也是“有意味的形式”，而不单单是表象，它浸透着浓厚的民族审美色彩。
而且，设计愈成熟，其审美取向就会愈加明显，也会愈加个性化，也愈加接近文化的层面，愈加接近精神的层面，愈加接近“设计美的理想——和谐”。
⑿当技术的发展可以轻而易举地满足实用的目的之后，设计中审美的份量或者说艺术的东西会越来越重，并且正因为其更加接近精神的层面，也更容易突跛时空的局限而成为经典，这也是接下来要谈的趋势之一。
四、对未来经典设计趋势的几点剖析昨日终成过去，历史总在不断向前推进，不断有旧的“经典”黯然失色，又不断有新的“经典”产生，未来设计将如何发展？未来经典又当如何？我个人觉得至少应该有以下几种趋势：（1）国际化与民族化（本土化）新世纪是一个注重交流的世纪，越来越宽泛的经济合作带来的不仅仅是消费者的便利和企业家的利润，它伴随着的是文化的沟通与融合，甚至是强势文化的“侵略”和弱势文化的消亡。
文化之间的界限会越来越模糊，表现在设计上会更加突出，即使是现在，你已经不容易分辨某些产品到底是产自东方的中国或者西方的某个国家；经济的全球化大潮导致文化的被迫趋同，设计的国际化是不可避免的趋势，当代意义上的经典已经不仅仅是跨越时代，还包括了跨越地域，当处在一个“大杂居，小聚居”的时代，你的身边有着黑、白、黄、棕各色人等，你就必须考虑每一个潜在消费者/受众的需要及审美偏好，设计的功利性使得它无法摆脱国际化的趋势。
然而事物总有其两面性，设计的审美性又使它无法放弃对个性的追求，民族的才是国际的，人们在千篇一律中刻意地追寻自我，也只有这样，设计才会有个性，才会成其为设计——创造。
民族化——共性中的个性，一般中的特殊，整体中的局部，它的存在是以国际化的大趋势为背景的，是对比中的和谐。
“只有植根于本土文化的土壤中，并吸取外来优秀的意识、方法，才能构建出既有自己独到之处，又不落后于国际潮流的理念与实践体系”。
⒀（2）技术化与艺术化新世纪又是一个技术化的时代，谁都不能否认技术给人类带来的巨大好处，典型的例子是电脑及其相关产业的发展与普及，作为一种高级的设计工具，它带来的绝不仅仅是劳动时间的缩少和劳动效率的提高，更有着创作方式的改变，甚或是创作思想的改变。