如何看待西方文艺复兴艺术作品
文艺复兴时期的艺术发展及其影响
文艺复兴时期的艺术发展及其影响文艺复兴时期是欧洲历史上的一个繁荣时期，尤以艺术领域为突出。
在这个时期，文化和艺术得到了极大的发展和创新，这一时期创造出了许多无与伦比的艺术品和艺术思想。
本文将从几个方面来介绍文艺复兴时期的艺术发展及其影响。
一、文艺复兴时期的艺术发展1.绘画艺术文艺复兴时期的绘画艺术得到了极大的发展，画家们不再只是模仿现实，而是通过不断探索和创新，开创出了各种不同的绘画风格。
著名的画家达芬奇就在他的《蒙娜丽莎》中，使用了闻名全球的“微笑技巧”，让蒙娜丽莎的面部表情看起来非常神秘。
2. 雕塑艺术文艺复兴时期的雕塑艺术也得到了长足的发展。
不同于以前的雕塑家只注重于表达人物形象，文艺复兴时期的雕塑家更注重表达人物的思想、感情和精神境界。
著名的雕塑家米开朗基罗就是这一时期的代表人物之一，他的作品《达维德》和《圣母像》至今仍是艺术领域的经典之作。
3. 建筑艺术建筑艺术的发展是文艺复兴时期最显著的一点之一。
在这个时期，人们认为建筑是一种艺术，而不是把它看成一种简单的工程。
建筑师通过不断地创新与实践，建造了许多精美的建筑，例如，著名的佛罗伦萨大教堂、斗兽场等。
二、文艺复兴时期的艺术对人们的影响1. 促进了人类的思想解放文艺复兴时期的艺术为当时欧洲的思想解放开创了一种先河。
艺术家们从传统的束缚和限制中解放出来，他们的创作灵感更多地来自于自己的内心世界。
这种解放思想影响到了整个欧洲，使人们开始重新审视权威和传统。
2. 促进了文化交流和发展文艺复兴时期的艺术得到了全世界的关注和赞赏。
各国艺术家的交流和合作，促进了文化和艺术的交流与发展。
这一时期，欧洲的文化发达到了前所未有的高度。
3. 提升了人们对美好事物的追求文艺复兴时期的艺术作品充满了对美好事物的追求和向往，这也影响到了当时的社会。
人们也开始在自己的生活和工作中追求美好，这一种追求成为了欧洲的一种文化现象。
总之，文艺复兴时期的艺术是人类文化发展的一个里程碑，它有着深远的影响和意义。
如何看待西方文艺复兴艺术作品
如何看待西方文艺复兴艺术作品欧洲文艺复兴运动首先发源于14世纪的意大利，如恩格斯所说：中世纪的终结和现今资本主义时代的开端是由意大利诗人但丁(1265-1321 年)为表征的，他是中世纪最后一位诗人，同时又是新时代最初一位诗人。
意大利位于地中海区域中央、中古时期世界上最大贸易地区的心脏位置。
佛罗伦萨、米兰和威尼斯都是当时水陆交通枢纽和贸易的集散地，在那里最早出现工商业、萌芽资本主义，所以也是文艺复兴运动的发祥地。
所谓文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。
从拜占庭灭亡时被抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。
人们打着“回到希腊去”的旗号。
实际上新兴资产阶级召唤古希腊的亡灵并非是要重建奴隶制文化，而是借用其中有利于资产阶级需要的科学、哲学以及人文主义的艺术；是借用他们的名字、战斗口号和外衣，以便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出现代世界历史的新场面。
意大利作为古罗马的后代，是对古希腊罗马文化的直接继承者。
文艺复兴时期的美术，由于这时期倡导以重视人的价值为核心的人文主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。
本书选印的作品虽然只是其中一些画家的少数代表作，但从中也能比较清楚地看到文艺复兴时期绘画所取得的主要成就及其特色。
米开朗基罗（1475-1564年）——是意大利文艺复兴时期三杰之一，他多才多艺，在建筑、绘画、雕塑、诗歌等领域都具有非凡的才能。
艺术文艺复兴时期的艺术风格与代表作
艺术文艺复兴时期的艺术风格与代表作艺术文艺复兴是指15世纪至17世纪期间欧洲艺术和文化的复兴运动。
在这一时期，人们对古代希腊和罗马文化的热爱和追求重新点燃了对艺术的激情。
艺术家们追求真实、平衡、和谐的艺术表达方式，注重人体解剖和透视法的运用，以及自然的再现。
本文将探讨艺术文艺复兴时期的艺术风格以及一些代表作。
一、艺术风格1. 线条清晰而有力艺术文艺复兴时期的画作以线条清晰而有力为特点。
艺术家们追求准确的人体比例和形态，通过精细的线条描绘出人体的真实感。
他们运用刻画技巧，将人体的各个部位呈现出丰富的细节。
这种线条的使用方式使得画作具有立体感，并为观众展现了艺术家对人体造型的独特理解。
2. 透视法的应用艺术文艺复兴时期的艺术家们重视透视法的运用，通过创造透视效果来表现深度和空间感。
他们运用线性透视、大小透视和空气透视等技巧，使得画面中的物体看起来更加真实和立体。
透视法的应用使得画面的空间感更加开阔，并且创造了更加逼真的视觉效果。
3. 自然主义的表现自然主义是艺术文艺复兴时期的一种重要风格。
艺术家们将观察所见的自然界物体再现在画布上，追求真实的自然描绘。
他们通过准确绘制物体的形态、纹理和色彩，传达出对自然界的深刻观察和热爱。
这种自然主义的表现使得艺术品具备了更真实而逼真的外观。
二、代表作1. 达·芬奇《蒙娜丽莎》《蒙娜丽莎》是艺术文艺复兴时期最知名和最受欢迎的作品之一。
这幅画由达·芬奇于1503年至1506年间创作。
画中的蒙娜丽莎以微笑的面容和神秘的眼神吸引了无数观众。
达·芬奇通过运用细腻的画笔和准确的线条，充分展现了人物的神韵和人体的完美比例。
这幅画作也是透视法的经典示范，背景中的景深感营造出了一种超乎现实的效果。
2. 米开朗基罗《创造亚当》《创造亚当》是著名艺术家米开朗基罗的代表作之一，也是西方文化中最伟大的艺术作品之一。
该画作是天顶画《创世纪》中的一幅，描绘了上帝与亚当伸出手臂相触的瞬间。
文艺复兴时期的绘读后感
文艺复兴时期的绘读后感文艺复兴时期的绘画与读后感文艺复兴时期是欧洲艺术史上一个非常重要的时期，标志着艺术创作方式的深刻变革和文化思想的崛起。
在这个时期，绘画成为了表达艺术家内心世界和思想的重要方式，艺术家们通过创作作品，展现了他们对现实和理想世界的感悟。
在我学习了文艺复兴时期的绘画后，深感这一时期的艺术呈现给我带来了深深的触动和启迪。
文艺复兴时期的绘画风格独特而且多样。
艺术家们对人物形象的刻画更为真实和立体，注重解剖结构的准确性。
他们追求光影与色彩的和谐，创造了更加细腻和生动的艺术形象。
在文艺复兴时期的绘画作品中，我尤其被达·芬奇的作品所吸引。
他的《蒙娜丽莎》以及《最后的晚餐》等作品，展现了他对光影和氛围的巧妙运用，使得作品呈现出一种独特的神秘感和思考性。
通过他的作品，我感受到了艺术家对人物心理状态和情感表达的关注，这种关注使得作品更加生动和富有内涵。
除了表现技巧上的变革外，文艺复兴时期的绘画作品更加强调对古典文化的追溯和借鉴。
伟大的艺术家们研究并模仿古希腊和罗马艺术，使得文艺复兴时期的绘画具有了古典主义的特点。
这种古典主义的影响体现在绘画中对人体比例和构图规律的严谨追求上。
例如拉斐尔的作品《雅典学派》即充满了古典主义的特点，画面中的人物栩栩如生，体态优雅，构图严谨有序，向我们展示了古希腊人对美的追求和崇尚自由的精神。
通过拉斐尔的作品，我深刻感受到了艺术作品与古代文化的关系，以及艺术对文化的传承与发展的力量。
文艺复兴时期的绘画作品不仅仅是艺术领域的杰作，更多地是在当时欧洲各国宗教与文化背景下的文化表达。
在宗教方面，绘画作品扮演着重要的宣传和教育的角色。
例如保罗·恩斯林的作品《炼狱》等，通过绘制天使和魔鬼的形象，生动地表达了善与恶的斗争，让人在美的享受中感受到信仰的力量。
同时，绘画也成为了贵族与富商们展示财富与地位的方式。
他们聘请伟大的艺术家为自己绘制肖像画，以展示自己的丰功伟业和地位的尊崇。
文艺复兴美术作品鉴赏
文艺复兴美术作品鉴赏
文艺复兴时期是欧洲艺术史上一个极为重要的时期，艺术作品呈现出了独特的风格和主题。
在文艺复兴时期的美术作品中，有许多值得鉴赏的经典之作。
首先，文艺复兴时期的绘画作品以意大利为中心，代表人物包括达·芬奇、米开朗基罗和拉斐尔等。
达·芬奇的《蒙娜丽莎》展现了细腻的笔触和神秘的微笑，成为了世界艺术史上的经典之作。
米开朗基罗的《创世纪》和《大卫》雕塑作品则展现了其对人体结构的精湛把握和对雕塑艺术的深刻理解。
拉斐尔的《圣母圣子》系列作品则展现了其对于神圣和人性的完美结合，以及其精湛的构图和色彩运用。
其次，文艺复兴时期的建筑作品也是不容忽视的。
例如，佛罗伦萨的圣母百花大教堂以其宏伟的圆顶和精美的壁画而闻名，代表了文艺复兴时期的建筑风格。
另外，梵蒂冈的圣彼得大教堂也是文艺复兴建筑的杰作，其巨大的穹顶和壮丽的内部装饰展现了当时建筑技术和艺术水平的顶峰。
此外，文艺复兴时期的雕塑作品也是极具魅力的。
例如，米开
朗基罗的《圣母像》展现了其对于人体比例和肌肉结构的精湛把握，以及对于雕塑形象的生动表现，成为了文艺复兴时期雕塑艺术的代
表之作。
总的来说，文艺复兴时期的美术作品在绘画、建筑和雕塑领域
都取得了极大的成就，展现了艺术家们对于人体、宗教和自然的深
刻思考和创作。
这些作品不仅在当时引起了轰动，也对后世的艺术
产生了深远的影响，成为了艺术史上的经典之作。
文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点
文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点在欧洲文艺复兴时期，艺术和文化被重新繁荣起来，成为了整个时代的重要组成部分。
在这个特殊的历史时期，欧洲的艺术家们以前所未有的方式探索了人类的本质和世界的本质，并为未来几个世纪的艺术界开辟了新的方向。
本文将讨论文艺复兴时期欧洲艺术的风格和特点。
一、形式方面的特点在文艺复兴时期，欧洲艺术的形式经历了一些明显的变化。
首先，画作的透视呈线性和遵循科学原则，这是画家用透视来表现深度的经典方式。
这种方式被广泛应用于描绘建筑物的立面、描绘城市街景以及描绘景物的远景。
其次，欧洲艺术家们更多地关注了人体的比例和解剖学方面的表现，体现在画作中的人物形象更为真实、生动，人物的肌肉和筋骨形态更明显。
此外，画作的颜色使用更充分，混合也更熟练。
在从暗到明、从浅到深的变化中，红、蓝、黄三色具有主导地位。
文艺复兴时期欧洲艺术的主要特点之一是追求真实的表现。
艺术家们尝试通过物理学和解剖学的知识，绘制出更真实、更生动的画作。
他们在这方面的成就为后世艺术界提供了可供学习的范例，并在整个艺术史上占据了重要地位。
二、主题方面的特点文艺复兴时期欧洲艺术的主题广泛且多样。
在这个时期，欧洲艺术家们探讨了许多不同的主题和话题，从宗教到贵族阶级的肖像，从风景到战争，以及从私人领域到公共领域的许多主题。
艺术家们向着自然主义和真实主义的方向探索，为现代素材主义艺术打下了基础。
一个特别重要的主题是著名的“圣经主题”，这是指文艺复兴时期壁画和油画中描绘圣经故事的一类主题。
这些画作一些反映出欧洲艺术家们对圣经故事的深入理解，同时还把这些故事与欧洲现实生活中的事件联系起来。
比如，拉斐尔的“西斯廷圣母”是一幅献给玛丽亚众人的圣像，被认为是文艺复兴时期最伟大的杰作之一。
三、文化和社会方面的特点欧洲文艺复兴时期是人文主义的黄金时代。
人文主义特点体现在对人的尊重、个人能力的强调和知识的追求。
文艺复兴时期的欧洲艺术家们表现出对人文主义哲学的极大兴趣，他们对人类的本质和世界的本质的探索，代表了文化和社会的变革。
举例说明文艺复兴艺术作品中的人性美
举例说明文艺复兴艺术作品中的人性美
文艺复兴艺术作品中的人性美
文艺复兴文化是15世纪欧洲文化的一个重要阶段，文艺复兴时期的艺术作品体现出了人性美。
文艺复兴艺术作品中的人性美，体现了人类的情感和温暖，表达了艺术家的理想和梦想。
首先，文艺复兴时期的艺术作品强调了人物的形象。
文艺复兴时期的艺术家们注重艺术形象的表达，突出人物的自然形态，把人物的表情、情绪、神态以及身体的比例和动作描绘得栩栩如生。
拉斐尔的《蒙娜丽莎》就是典型的文艺复兴时期艺术作品，蒙娜丽莎由这位艺术大师以其精湛的绘画技艺表现出来，人物的神韵、表情和体态，尽显出一种质朴的美丽。
其次，文艺复兴时期的艺术家们以唯美的色彩表现出人物的情感和人性美。
他们给作品提供了色彩斑斓的表现，利用自然色彩给人一种舒适的感受，使作品更加动人心弦，更加充满生机。
比如，拉斐尔的《最后的晚餐》，这幅布面油画利用了亮丽的色彩，给人一种舒适的感觉，以及表达出了宗教感恩和友爱的情感。
此外，文艺复兴时期的艺术家们还通过自然环境将人物的温暖和美丽表现出来。
这些艺术家利用宏伟的风景描绘人物的可爱，用自然的风光来演绎人物的美好，用蓝天白云来表现人物的梦想和希望。
比如，拉斐尔的《蒙娜丽莎》，蒙娜丽莎的背景是一片美丽的花园，整幅画中演绎出的是一种温馨的景象，充满着人性的温暖。
总的来说，文艺复兴艺术作品中的人性美体现了人类的情感和温暖，表达了艺术家的理想和梦想。
艺术家们通过精湛的绘画技艺，唯美的色彩及宏伟的风景，将人物的情感和人性美表现得淋漓尽致，让世界充满着温暖和美丽。
文艺复兴时期的绘画风格与影响
文艺复兴时期的绘画风格与影响文艺复兴是欧洲历史上一个重要的时期，它不仅在文化、艺术和科学等领域产生了深远的影响，也为绘画艺术带来了独特的风格与表现方式。
本文将从绘画风格的特点、艺术家的创作以及对后世的影响三个方面来探讨文艺复兴时期的绘画风格与影响。
首先，文艺复兴时期的绘画风格以追求真实和自然为主要特点。
在此之前，中世纪的绘画作品通常是以宗教题材为主，形象僵硬、色彩单调。
而文艺复兴时期的画家们开始注重人物形象的真实性和立体感，追求逼真的细节描绘。
他们通过研究人体解剖学和透视原理，使画作更加生动和立体。
例如，达·芬奇的《蒙娜丽莎》展现了逼真的面部表情和细腻的肌肉纹理，成为绘画史上的经典之作。
其次，文艺复兴时期的绘画作品多样化且注重个性表达。
在这个时期，艺术家们开始将自己的个性和情感融入到作品中，追求独特的创作风格。
例如，拉斐尔的作品充满了温柔和优雅的气质，而提香则注重表现人物的力量和动感。
这些不同的风格使得绘画作品更加多样化，反映了艺术家个人的审美追求和创作理念。
文艺复兴时期的绘画艺术家们也积极探索新的绘画技法和材料。
例如，达·芬奇在绘画中运用了素描和明暗对比的技巧，使得画面更加立体和有层次感。
同时，他还尝试了油画技法，使得颜色更加鲜艳且持久。
这些新的技法和材料的运用，为绘画艺术带来了更多的表现手法和创作可能性。
文艺复兴时期的绘画艺术对后世产生了深远的影响。
首先，它为后世的绘画艺术提供了重要的启示和借鉴。
文艺复兴时期的艺术家们对人体解剖学和透视原理的研究，为后来的艺术家提供了宝贵的经验和知识。
他们的创作方法和技巧成为了后世绘画艺术的重要基础。
其次，文艺复兴时期的绘画艺术也对社会产生了深远的影响。
它不仅丰富了人们的审美体验，也推动了艺术市场的发展。
在这个时期，绘画作品开始成为贵族和富商们炫耀身份和地位的重要象征，艺术家们也因此得到了更多的赞赏和支持。
这种对艺术的重视和支持，为后来的艺术家们提供了更多的发展机会和创作空间。
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如何看待西方文艺复兴艺术作品欧洲文艺复兴运动首先发源于14世纪的意大利，如恩格斯所说：中世纪的终结和现今资本主义时代的开端是由意大利诗人但丁(1265-1321 年)为表征的，他是中世纪最后一位诗人，同时又是新时代最初一位诗人。
意大利位于地中海区域中央、中古时期世界上最大贸易地区的心脏位置。
佛罗伦萨、米兰和威尼斯都是当时水陆交通枢纽和贸易的集散地，在那里最早出现工商业、萌芽资本主义，所以也是文艺复兴运动的发祥地。
所谓文艺复兴，是新兴资产阶级针对在中世纪被宗教所扼杀的古代希腊罗马以人为本的科学文化走向复兴而掀起的一场意识形态领域的革命。
从拜占庭灭亡时被抢救出来的手抄本，罗马废墟中发掘出来的古代雕像，再现了那个时代的光辉形象。
人们打着“回到希腊去”的旗号。
实际上新兴资产阶级召唤古希腊的亡灵并非是要重建奴隶制文化，而是借用其中有利于资产阶级需要的科学、哲学以及人文主义的艺术；是借用他们的名字、战斗口号和外衣，以便穿着这种久受崇敬的服装，用这种借来的语言，演出现代世界历史的新场面。
意大利作为古罗马的后代，是对古希腊罗马文化的直接继承者。
文艺复兴时期的美术，由于这时期倡导以重视人的价值为核心的人文主义，美术家们的思想逐渐从长期的基督教神学的桎梏中解放出来，敢于探索，一方面从希腊、罗马的古典艺术中吸取营养；另一方面通过实践和科学的探索，发明了透视法，解决了在平面上真实地表现三度空间的方法；同时，改革了油画材料和技法，大大地提高了油画的艺术表现力，使西方绘画描绘客观对象的技巧得到了空前的提高，产生了波提切利、达·芬奇、米开朗琪罗、拉斐尔、乔尔乔涅、提香、扬·凡·埃克、勃鲁盖尔、丢勒、荷尔拜因等一批成绩卓著的画家。
本书选印的作品虽然只是其中一些画家的少数代表作，但从中也能比较清楚地看到文艺复兴时期绘画所取得的主要成就及其特色。
米开朗基罗（1475-1564年）——是意大利文艺复兴时期三杰之一，他多才多艺，在建筑、绘画、雕塑、诗歌等领域都具有非凡的才能。
其绘画代表作——西斯廷礼拜堂天顶画《创世纪》是一幅取材于《圣经》、描绘上帝创造世界的宗教画，整个画面气势撼人，是西方美术史上最为壮观的杰作。
作品一：《德尔非的女预言者》《德尔非的女预言者》是画在天顶两侧券拱间的十二位传说中的男女先知之一。
画家刻画出女预言者手持神谕、转首回望的状态。
她那健美的身姿，洋益着青春的活力；明媚的双眼，蕴含着脉脉深情，充满渴望与期待。
这一形象被认为是米开朗基罗笔下最美的女性形象。
米开朗基罗的绘画，注重形体刻画，强调表现人物的结构与动势。
作品色彩单纯，风格质扑、雄健。
由于原画积满灰尘、油烟，故画面比较灰暗。
米开朗基罗生活在意大利社会动荡的年代，颠沛流离的生活使他对所生活的时代产生了怀疑。
痛苦失望之余，他在艺术创作中倾注着自己的思想，同时也在寻找着自己的理想，并创造了一系列如巨人般体格雄伟、坚强勇猛的英雄形象。
作品二：《大卫》《大卫》就是这种思想最杰出的代表。
《大卫》，云石雕像，像高2.5米，连基座高5.5米，米开朗基罗创作于公元1501－1504年，现收藏于佛罗伦萨美术学院。
这尊雕像被认为是西方美术史上最值得夸耀的男性人体雕像之一。
不仅如此，《大卫》是文艺复兴人文主义思想的具体体现，它对人体的赞美，表面上看是对古希腊艺术的“复兴”，实质上表示着人们已从黑暗的中世纪桎梏中解脱出来，充分认识到了人诟脑焓澜缰械木薮罅α俊Ｃ卓 驶 拊诘窨坦 讨凶⑷肓司薮蟮娜惹椋 茉斐隼吹牟唤鼋鍪且蛔鸬裣瘢 撬枷虢夥旁硕 谝帐跎系玫奖泶锏南笳鳌Ｗ魑 桓鍪贝 袼芤帐踝髌返淖罡呔辰纾 洞笪馈方 涝对谝帐跏分蟹派渥挪痪〉墓饣浴?达·芬奇（1452-1517）——生于意大利佛罗伦萨城附近的芬奇镇上。
父亲是当地有名的公证人，家庭富有。
达·芬奇从小就表现出了绘画天赋，他画的小动物惟妙惟肖，于是父亲就把他送到好友，著名画家和雕刻家佛罗基阿的画坊当学徒。
1476年，佛罗基阿承担制作《基督受洗》这幅画，达·芬奇担当老师的助手。
但是，老师所画的宗教人物墨守陈规，毫无生气。
达·芬奇仅在画面一角画了一个侧面天使，然而却充满了人间灵性，显得活泼可爱，生动自然。
两相比较，顿使老师所绘的人物相形见绌。
倔强的老师一方面为学生的才华惊叹，一方面又自愧弗如，从此放下画笔，专心从事雕刻了。
他一生在绘画上孜孜追求，为我们留下许多名垂千古的杰作。
其中最著名的是《最后的晚餐》和《蒙娜丽莎》。
作品一：《最后的晚餐》《最后的晚餐》是达·芬奇为米兰圣玛丽亚修道院食堂而作的壁画，取材于《圣经》中耶稣被他的门徒犹大出卖的故事。
在这幅作品中，达·芬奇精彩地刻画了当耶稣在晚餐上说出“你们中间有一个人出卖了我”这句话后，他的12个门徒瞬间的表情。
透过每个人不同的神态表情，你可以洞察到他们每人的性格和复杂心态。
画面布局突出耶稣，门徒左右呼应。
坐在中央的耶稣庄严肃穆，背景借明亮的窗户衬托出他的光明磊落。
叛徒犹大处于画面最阴暗处，神色惊慌，喻示他心地龌龊丑恶，与耶稣形成鲜明对照。
在这幅画里，达·芬奇用现实主义的手法讴歌了真理与正义，鞭挞了叛徒的行为与邪恶势力。
为创作这幅画，达·芬奇付出了惊人的劳动。
为准确刻画犹大这个人物，他到各种场合观察罪犯、流氓和赌徒，反复揣摸他们的心态、神态和形态，并画了大量的速写，直到画出他满意的形象。
这幅画的巨大成功致使以后的画家没人敢再涉足这个题材。
作品二：《蒙娜丽萨》《蒙娜丽萨》这幅肖像画的原型是达·芬奇朋友的妻子。
为作这幅画，达·芬奇先研究了她的心理，为保持她欢愉的心情还特别请来竖琴师和歌手为她表演。
达·芬奇极其准确地捕捉到了蒙那丽莎一瞬那的迷人微笑，用精湛的笔触细致入微地描画了她微妙的心理活动。
现在你看这幅画时，依然会感受到她的微笑所蕴含的摄人心魄的力量。
达·芬奇不仅是位成绩裴然的艺术家，还是一位多才多艺的科学家。
在科学研究上他花了大量的时间和精力，取得了极大的成功。
他深入地观察研究动物、植物、地质乃至人体本身。
他还模彷鸟的翅膀，设计了一个类似飞机的飞行机械。
他还设计了许多先进的纺车、高效率的机床、冲床，最早提出了地质学的概念，第一次正确、全面地描述了人体骨骼、肌肉和人体比例。
他的科学实践为以后的科学家提供了思想的源泉。
由于达·芬奇的激进资产阶级人文主义政治观，使他受到封建宗教势力的长期迫害。
1517年已是65岁高龄的他，拖着病躯仍然被迫离开了祖国，侨居法国。
两年后，这位艺术巨擎溘然长逝。
拉斐尔·桑德罗——1483年出生于意大利乌尔比诺城，从小受到人文主义思想的熏陶。
文艺复兴三杰中最年轻的拉斐尔(Raphael Sanzio,1483--1520)，只活了短暂的37年，但他留在身后的作品，一直被人们视为古典美术精神最完美的体现。
安格尔称他是绘画之神，就是一个典型的例子。
拉斐尔出生在意大利中部的马尔比诺城，后来他来到彼鲁基业，师从画风柔和的著名画家彼鲁基诺。
他在21罗时画的《圣母的婚礼》(1504)，既借鉴了老师又超过了老师，流畅的线条、优美的人物、形与空间的和谐以及纯净明丽的情调，都体现着他早熟的天才，并预示了他后来的发展。
拉斐尔是西方美术史上最擅长塑造圣母形象的大师。
他那一系列圣母像，把感性美与精神美和谐无间地统一起来，从而传达出人类的美好愿望和永恒感情。
作品一：《美丽的女园丁》在他早期的名作《美丽的女园丁》(约1506)中，拉斐尔吸收了达·芬奇金字塔形的构图方式，以圆润流畅的线条把圣母、耶稣和圣约翰的优美形象和谐地组合起来，创造出充满人间气息的、亲切的"神的世界"。
这一世界远离了中世纪的精神，它那纯洁、明朗、单纯、自然的情韵更接近希腊的精神。
拉斐尔笔下的圣母，就像人间的母亲一样，以其洋溢着温情的人性，打动了历代渴望美好生活和人间温暖的观众的心灵。
作品二：《西斯廷圣母》作于他生命晚期的《西斯廷圣母》(1513)，在保持以往圣母像那些特色的同时，又增添一种更加庄严崇高的意味，境界更为阔大，温柔的母亲兼有了人类保护者的气势。
《座椅中的圣母》(约1516--1517)则在圆形画框内，创造出一种最为自然和谐的构图。
作品三：《弗娜丽娜》意大利艺术史学家库鲁兹在进行了1年的研究后得出结论，拉斐尔和传说中的情人卢蒂曾秘密结婚，但迫于社会舆论压力，拉斐尔一直严守着这个秘密，并最终将它带入坟墓。
库鲁兹表示：“在罗马，拉斐尔享有极高的社会地位，他是一个…超级巨星‟。
在当时，他们的婚姻因两人悬殊的社会地位是不会被社会所接受的。
”库鲁兹指出，对拉斐尔与卢蒂秘密婚恋的推断是基于多方面的证据，其中包括对拉斐尔同时代各种文献资料的研究和画作修复过程中使用X光技术得到的证据，而《弗娜丽娜》中更是暗藏着拉斐尔和卢蒂秘密结婚的种种证据。
《弗娜丽娜》这幅被认为是《蒙娜丽莎》翻版的拉斐尔名著, 描绘了半遮在精致薄沙之下、有一双深色眼睛的美丽女子弗娜丽娜。
库鲁兹指出，画中一系列有关婚礼的饰物都在暗示画坛巨匠的那场秘密婚恋。
证据1：画中弗娜丽娜头巾上的那枚珍珠别针。
在当时，这种价格昂贵的饰物通常是新娘在婚礼上佩戴的。
库鲁兹说：“综合各种迹象来看，珍珠别针是一个重要证据。
”证据2：“珍珠”的拉丁文是“玛格丽塔”，这更加证明弗娜丽娜是玛格丽塔·卢蒂而不是拉斐尔的未婚妻玛丽亚·比别纳。
证据3：通过鉴定，弗娜丽娜左臂膀上的蓝色带状饰物上曾刻有拉斐尔名字的字样，后来被拉斐尔的学生抹掉。
专家认为，画家这种不同寻常的签名方式是另有用意。
证据4：画中的背景图案为象征着爱情、生育力和忠诚的植物——香桃木和温柏树叶。
库鲁兹指出：“这些植物是文艺复兴时期求爱的信物。
”证据5：弗娜丽娜的手指上本戴有一枚结婚戒指，后来也被抹掉。
名画背后的故事一直以来，《弗娜丽娜》被认为是拉斐尔作品中的珍品。
1814年，法国新古典主义画家让·奥古斯特·多米尼克·安格尔绘制了一幅弗娜丽娜坐在拉斐尔膝盖上的作品。
1个世纪以后，毕加索完成的一系列铜版画《拉斐尔与弗娜丽娜》描绘了拉斐尔和弗娜丽娜的爱情故事。
19世纪法国批判现实主义作家巴尔扎克也同样提及过拉斐尔和弗娜丽娜。
但弗娜丽娜究竟是谁，这一直是文艺复兴时期的一大谜团。
据库鲁兹介绍，拉斐尔的学生总在竭尽全力掩盖玛格丽塔·卢蒂的存在。
拉斐尔生前未完成《弗娜丽娜》，他的学生在继续完成作品的过程中将那些暗示着婚姻的饰物统统抹去。
他们遮盖了背景上具有象征意义的植物图案，也抹去了女子手指上的结婚戒指。
但研究人员在最近对作品的清洗过程中还是发现了这些蛛丝马迹。