中国画论文：浅析中国画的艺术特征_1
浅析中国画的写意特征
浅析中国画的写意特征—毛志成中国画是我国传统艺术中很有代表性的一种表现形式，其其特征和艺术观是在传统哲学观念影响下自觉萌发的，也是传统人文思想辩证思维的结晶，画家在认识世界时排除时空序列制约去把握客观世界，是一个主观相统一的过程，他不仅使用貌似偏坡的黑色和简练抽象的线条结构来表现宇宙万象的变化，而且冲上主管统一。
当视觉审美将绘画导向物形态的捕捉时，人们不满足客观外在物象的直接描摹，还是企图从心灵上进入和寻求与传统人文哲学统一的绘画观念，力求于静观寂照中用写意的思维方式去表现万物的本质，那么中国绘画的定义性的特征形成就成为历史的必然。
西方一位美术史学浓在论及中国画时说：“绘画是自然产生的东西，并非人类努力的结果。
”对于西方，中国画有一种神秘感，他表现的不是表面的东西，是领悟的而非理解的是灵性的而非物质的，是深邃的而非广博的，中国画一作品一直表现作者的一种潜意识，同作者的心情、性情、修养学识，经历有很大的联系。
写意性不是绘画中简单的描绘似是而非的图像，也不是相对工笔画而言的技法体系，它是建立在画家对传统文化，时代精神和自然物深察之上“天人合一”的至高境界，它是一种思维意识和审美高度凝练的情感，贯穿于整个中国画领域的一种一是艺术思想特征。
自古以来，无论是东方的，还是西方的，在每个历史时期，都有各家各派，关于审美意识、艺术观方面的争鸣、常常是周而复始，争辩不休，但是最终不外乎是主体与客体，精神与存在相互关系而已，中外文化艺术在认识，取舍，侧重上由此差异，形成了各自的审美观，成为不同的文化体系。
中国画的特征属于意象绘画艺术，它是画家把客观事物的精粹部分集中起来，经过高度的艺术加工达到目的的情景交融，物我两忘境界的艺术。
来自生活的创作，必须能描绘出活生生的物象的精神实质，当画家企图把对象的灵魂表现出来的时候，全神贯注于事物的客观实际，才能真正的认识对象，才能达到“天然的理性”、天生的情趣，透过表象，深入内在的精神实质上。
中国画的艺术审美特征
中国绘画有数千年的历史，古人通过不断探索实践，成就了很多绘画理论著作和绘画技巧，这也给中国艺术带来不一样的审美特征和创造美的源泉。
中国绘画以谢赫“六法论”，即“气韵生动”“骨法用笔”“应物象形”“随类赋彩”“经营位置”“传移模写”，来奠定绘画的理论基础，其中“气韵生动”是中国绘画中极为重视的理论。
自然景物是真实的存在，从对象化中间独立出来，但所表达的是一种虚的气韵，是流动的精神心境。
“虚实相生，无画处皆为妙境”，中国画以笔墨、形式、点线、虚实的情景交融，形成心灵与自然合一的心境才是艺术美学最为灵动的审美[1]。
一、中国画的线条之流动中国画不同于西方艺术，是一种线性艺术，更多是线条支撑起来的，对比西方油画可以看出，西方油画用颜色的碰撞形成自然线条，注重对立体感的表达，而中国画的线条是故意描画，故意强调，在平面感的基础上更为纯粹，更为概括，更为提炼，注重线条语言的塑造，复杂景象中的取舍和裁剪，线性绘画有着背景留白、突出画面主体的特点[2]。
人物画的线条，被中国绘画理论家总结为“十八描”。
东晋顾恺之的《女史箴图》的局部线条就是高古游丝描，以流动之美的线条刻画衣服纹理和形体，构成一幅生动的画面，以线来表现性格与姿态，有着自己生命的情调，与西方立体描摹有很大不同。
谢赫“六法”中的第一个“气韵生动”，“气韵”是指具有律动感，有韵律和节奏感，“生动”是鲜活、热烈、有生气的，画中的“气韵生动”更多是流动、写意、飞舞的生动，有着生命的节奏韵律感，不仅是中国画的绘画理论，更是一个美学的范畴。
线条的描绘到了宋元时期的山水画和花鸟画发展得更加成熟生动，例如北宋范宽的山水画《溪山行旅图》里面奇石的线条表现形式与之前有所不同，其以各种类型抽象的点和具有象征性的线条进行描绘，使画面有种苍茫蓬勃之大气。
中国画的线条离不开中国的笔墨，中国书法和绘画的技法有很多相似之处，很多线条在书法中也可以找到对应的参考。
由于对物象刻画的感受契合了特殊的技法，中国画的线条更多追求真、美，有着独特的时代特征和审美精神。
浅谈中国画艺术表现特性
浅谈中国画艺术表现特性-、中国画中的审美艺术从美术史的角度来讲，中国画在民国之前都统称为古画，国画在古代没有确切的名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上然后装裱的卷轴画。
在几千年的历史发展长河之中，通过艺术家的不断总结与进步，逐渐形成了饱含民族气息的创作风格。
如绘制在丝织的绢和桑皮造的宣纸上，而产生了屏幢、立轴、长卷、纨扇等独特的绘画样式，突出地体现了一种既淳朴、含蓄，又极冨感染力的艺术形式。
中国画起源于东晋，形成于唐代，经过历朝历代画家们不断对绘画理论与实践的概括提炼，发展到北宋时期时，无论从技巧、理论上都日臻完善。
如北宋時期刘道醇所著的《圣朝名画评》和郭若虚《图画见闻志》等都有类型化的论述，他们提出了“格制”论和“楷模”说（即绘画程式）。
尽管这些是对各类人物形象共性的审美概括所做的论述，但很有代表性，同时他们也强调，除表现出共性之外，还得揭示出各个具体对象的细微差别和个性特征。
中国画作所追求的是笔与墨，情与景之间的美妙结合。
画家受到现实生活之中的优美景色、美妙形象的刺激，即受到景物的感染，从而对这些景物产生自己的情感，在这种情感的驱动之下，萌生出创作欲望，在这样的方式之下创作出来的作品，不仅有着景物的本相，而且包含着作家对于这一景物的自我情感，作品因此也就变得情景相生。
这也是其不同于写生画的区别之处。
反之，如果作者没有做到这些，而是一味地堆砌表面的景象，忽略了一幅画作应当包含的内涵，那么，再形象的作品都无法变得鲜活也就没有了引人入胜的效果。
只有当中国画的审美与境界之间有一些若即若离的联系时，这一画作才能真正的让观赏者感受出艺术所在。
二、中国画的特性之美在中国的艺术家看来，艺术是作为生命的反应来表达的，它可以分别从主观与客观上表达出作者的神与意，这也就是中国的写意与传神两大论，古人所讲究的是寓情于物，通过物来表达情，当这些物包含了情之后，也就不仅仅是简单的对于某一个事物的再度描绘，更为重要的是通过这些描绘表达出人的具体感情。
中国绘画艺术欣赏论文
中国绘画艺术欣赏论文中国绘画艺术历史悠久，涵盖了从古代岩画、甲骨文到现代的艺术形式。
中国绘画的特点是注重借景抒情，形式讲究笔墨的变化和层次感，以及别具一格的构图和色彩形式。
这篇文章将探讨中国绘画的起源、发展和欣赏。
中国绘画起源于新石器时代，随着历史的演变和各个朝代的不同艺术传承，绘画艺术经历了许多变化。
在唐代，中国绘画达到了巅峰，成为中国艺术的代表。
唐代的绘画艺术借鉴了西方各种绘画技巧，丰富了中国绘画形式的多样性。
宋代的绘画追求画面的淡雅和精致，将中国绘画推向另一个高潮，宋代的水墨画成为世界艺术史上的瑰宝。
中国绘画的核心在于“笔墨”，要想欣赏中国绘画，就必须理解其笔墨的表达形式。
中国绘画的笔墨要求轻重、粗细、深浅的变化有序而有秩序，同时求得刚柔相济，内外相容的美感。
在中国绘画中，笔墨的运用是表现画家情感、寄托思想感情的最佳方式。
除了笔墨，中国绘画的构图和色彩形式也非常独特。
构图要求内部结构严谨、布局合理，表现出画家对自然世界的观察和认识。
同时，中国绘画的色彩表现形式也极为精妙，通过色彩的渲染和变化，展现出画家对客观事物的表现力和感觉。
在欣赏中国绘画时，还需关注题材和风格。
中国绘画涵盖中国历史上的许多主题和景象，如山水、花鸟、人物、历史事件等。
在不同的艺术时期，不同的画家都有其独特的风格，如“大写意”、“小写意”、“对点花鸟”、“xx派”等，这些风格都是中国绘画最重要的特点，带有浓重的历史和文化底蕴。
总之，中国绘画是一门博大精深的艺术，需要通过多方面途径、多样化的欣赏方式来深入理解。
在欣赏的过程中，要细心观察，认真研究，从中感受到艺术家的情感和思想，积累丰富的艺术体验和感悟，进而拓展视野、陶冶情操。
中国画的艺术特色(2019湖北宜昌议论文)
中国画的艺术特色李可染①中国画在世界美术中的特色是以线描和墨色为表现基础的。
因此，笔墨的研究成为中国画的一个重要问题，中国画家把书法看作绘画线描的基本功，几千年来，在这方面积累了极为宝贵的经验，以至达到出神入化的程度。
②写字画线最根本的一条是力量基本要匀，不能忽轻忽重。
古人名之曰“平”，这是笔法的基本規律，“如锥画沙”就是对“平”字最好的形容，只有明白了“平”的道理，然后才能在“平”的基础上求变化，这就是笔法中的提、顿、轻、重，疾，徐等变化，用笔的变化是无穷的，但无论怎么变化都要力量基本平均。
所用力量不能悬殊太大，黄宾虹说幼时学书法，开头写“大”字只有五个“点”，就是起落笔太重、行笔太轻，力量悬殊，形成线条的空虚。
书家把这叫做“系马桩”。
③唐人画论：“凡画山水，意在笔先”，是说作画先立意的重要，也包括用笔的要求。
可以意到笔不到，决不可笔到意不到，行笔要高度控制，控制到每一点，所谓“积点成线”，这才能有意识地支使线条反映出细緻、微妙的内容。
画线决不能象骑自行车走下坡路似的直冲下去，也不能象溜冰似的滑了过去，这种用笔看似痛快实则流滑无力。
发孤用笔，要处处收得住，意到笔随。
古人叫“留”，又曰“如屋漏痕”。
这是笔法中极重要的一点，达到这一点很不容易，要下很大功夫。
④我在齐白石家十年，主要在于学习他笔墨上的功夫。
他画大写意画，不知者以为他信笔挥洒，实则他行笔很慢。
他画枝干、荷梗起笔无顿痕，行笔沉涩、力透纸背，收笔截然而止、毫无疙瘩，笔法中叫“硬断”，力平而留，到处可收。
齐师笔法达到高峰。
在他的画上常常题著：“白石老人一挥”，我在他身边，见他作画写字，严肃认真、沉着缓慢，在我心里时时冒出一句潜词：“我看老师作画从来就没有‘挥’过。
”⑤黄宾虹论画、论笔墨，以我浅见所知是古今少有的。
黄老作画，笔在纸上磨擦有声，远听如闻刮须，我戏问黄师，他就行笔最忌轻浮顺划，笔重遇到纸的阻力则沙沙作响，古已有之，所以唐人有句诗“笔落春蚕食叶声”。
国画的毕业论文
国画的毕业论文国画的毕业论文国画作为中国传统文化的重要组成部分，一直以来都备受人们的关注和喜爱。
它是中国艺术的瑰宝，承载着丰富的历史文化内涵。
作为一名国画专业的学生，我的毕业论文选题自然而然地选择了国画。
国画的起源可以追溯到古代的绘画艺术，它是中国传统文化的瑰宝之一。
国画以水墨为主要材料，注重笔墨的运用和意境的表达。
通过墨色的深浅、线条的粗细、构图的布局等手法，国画能够表现出丰富的情感和意境。
毕业论文中，我将探讨国画的历史渊源、发展演变以及对现代艺术的影响。
首先，我将从国画的历史渊源入手，追溯其起源和发展。
国画起源于古代的绘画艺术，最早可以追溯到商代和西周时期的铜器图案和陶器纹饰。
随着历史的演进，国画逐渐形成了独特的艺术风格。
在唐宋时期，国画达到了巅峰，出现了许多著名的画家和作品，如李白、王维、顾恺之等。
他们的作品不仅在当时引起了轰动，而且对后世的画家产生了深远的影响。
其次，我将探讨国画的发展演变。
随着社会的进步和时代的变迁，国画也经历了一系列的变革。
在元明清时期，国画逐渐走向成熟，并形成了不同的流派和风格。
明代的文人画以意境为主，注重表达个人的情感和思想；清代的工笔画则注重细腻的描绘和写实主义的表现。
近现代以来，国画在西方绘画的影响下也发生了一些变化，出现了一些新的艺术形式和表现手法。
这些变化使得国画更加多样化和丰富化。
最后，我将探讨国画对现代艺术的影响。
国画作为中国传统文化的重要组成部分，对现代艺术产生了深远的影响。
一方面，国画的独特风格和艺术表现形式为现代艺术提供了灵感和借鉴。
许多现代艺术家在创作中融入了国画的元素，使得他们的作品更富有东方的韵味。
另一方面，国画的传统技法和审美观念也为现代艺术提供了一种反思和对话的角度。
通过对国画的研究和学习，现代艺术家能够更好地理解和传承中国传统文化的精髓。
综上所述，国画作为中国传统文化的重要组成部分，具有丰富的历史文化内涵。
在我的毕业论文中，我将从国画的历史渊源、发展演变以及对现代艺术的影响等方面进行探讨。
浅谈中国画的审美特征
浅谈中国画的审美特征中国画是中国传统美术的代表之一，在中国文化的发展中占据了重要的地位，具有丰富的审美特征。
本文将从山水画、花鸟画、人物画三个方面来探讨中国画的审美特征。
一、山水画山水画是中国画中最具代表性的一种，它通常描绘的是山水景观，但不仅限于描绘自然环境，更是一种对人类精神境界的表现。
在山水画中，常见的审美特征有：1. 用墨浓淡变化来表现山水的高低，远近和质感。
画家追求准确的墨色变化，以表达山水的灵气和艺术韵味。
2. 运用“虚实”手法来表现空间和深度感。
画家善于利用虚实关系来表现山水的深度和气息。
3. 讲究“意韵”和“气韵”，通过自然景观的再现来表达自己的感受和思想。
山水画重视表现画家的才情和思想感悟，使得画面有更深刻的内涵和精神内涵。
二、花鸟画花鸟画通常是指用笔墨来表现花卉、鸟类等小动物的美丽形态和生活情趣的一种绘画。
花鸟画的审美特征有：1. 追求精细写实的表现手法。
画家要通过丰富的笔墨技巧和细致的表现手法来表现花鸟的细节和形态。
2. 和谐的色彩用法。
花鸟画在色彩的运用上强调色调的和谐和色彩的嫩雅，以营造一种自然、清新、优美的画面效果。
3. 把握生命的脉搏，表现生命的韵律。
画家要注意描绘花鸟的生命力和生命的韵律，表现自然之美的同时也表达出对生命的敬畏之情。
三、人物画人物画是对人物形象的描绘，它是中国画艺术中最具代表性、最具表现力的一种形式。
其审美特征有：1. 追求具体生动的形象表现，突出人物形象的神韵和个性特征。
画家必须掌握人物的神态、情绪和动作，通过细致入微和准确的表现手法来表达人物的精神内涵和形象特征。
2. 讲究构图的规律和按比例的关系。
画家要注意人物的比例、空间关系和距离感的表现，以使画面更加合理、生动和美观。
3. 强调历史文化的表现和美学的价值。
人物画强调人物形象的历史性和文化性，以及美学价值的表现，体现中国传统文化的博大精深和人文精神的价值取向。
总之，中国画是具有独特审美特征的一种绘画形式，它通过对自然和人文的描绘来表达人类的审美情趣和精神内涵，反映出中国传统文化的博大精深和人文精神的价值取向。
浅谈中国画的审美特征
浅谈中国画的审美特征中国画，是中国传统文化中非常重要的绘画形式之一。
它源远流长，已有几千年的历史，从先秦时期的壁画、绣品、木刻、铜质日用品等到唐宋时期的山水画、人物画、花鸟画等，再到现代的油画、水彩画等，中国画一直为人所喜爱和推崇。
那么，中国画的审美特征是什么呢？一、“诗、书、画”三者相融在中国传统文化中，诗、书、画被称为“文人三绝”。
“诗者，志之所之也；书者，形之所形也；画者，神之所神也；诗、书、画三者所表现的都是人的内心感受、心灵体验和意境印象，它们通过对于意境的刻画来达到表现手法的自由化，这也是中国画的鲜明特点之一。
二、艺术手法自由中国画不像西方绘画那样近乎一成不变的画法，而是在表现手法方面要求非常高的自由化。
对于水墨运用、色彩处理、笔法表现等，都具有很大的自由空间，可以体现出不同艺术家的风格和特色。
中国画很重要一方面是因为它能够把现实世界非常完美的转化为虚幻形态，表现出非常自由、流动和丰富的神秘性。
三、强调“有境”中国画从山水画到人物画，都注重表现一种清新、自然、深沉的意境，对于中国人所钟爱的精神世界，不过一种聚焦而已。
这也是中国画审美特征的核心，即“有境”。
通过艺术家的艺术表现，旨在营造出一个充满神秘、自然、安稳和平静的境界。
四、笔墨手法的独特性中国画最为独到的地方是笔墨的运用，笔墨的变化、丰富程度可以掌握一张画的味道和艺术品位，而且针对于不同的题材、特点或风格、场景，快笔慢笔的运用也寓意着不一样的艺术阴影。
五、题材广泛在题材方面，中国画也非常的广泛，从山水画、花鸟画、人物画、风景画到历史画、民间画等，几乎涵盖了人们生活的各个方面。
它可以表现具体的事物和形象，也可以表达抽象的情感和氛围。
因此，中国画成为我们特有的艺术文化珍品。
总体来说，中国画最为珍贵的还在于它可以渗透到中国文化中，具有独特的文化韵味和内涵，更重要的是它有着独特的审美特征。
我们不仅能够从中领悟到中国绘画的精髓，还可以更好的了解中国人的审美观念和价值态度。
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中国画论文：浅析中国画的艺术特征
导读
：本文中国画论文：浅析中国画的艺术特征，仅供参考，如果觉
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形成了各种不同的节奏和旋律，赋予线条以生动的气韵。线有了气韵
便有了生命，自然会灵动传神。中国画的线又是有情的线。因为在中
国画中，线条的作用远远超出了塑造形体的要求，而成为表达作者的
意念、思想、感情的手段，成为形、意、情的综合表述。既然线可以
表达画家的思想感情，那么，每个画家的线条自然各有特点。比如：
顾恺之的线如“春蚕吐丝”、联绵不断、悠缓自然；吴道子的线“势
若风旋”，圆转飘逸，所绘人物衣带宛若迎风飘举，被誉为“吴带当
风”；陈老莲的线“高古奇骇”，变幻莫测，朴拙生动；吴昌硕的线
“遒劲泼辣”，力透纸背，纵横恣肆。总之，线是中国造型艺术之魂，
是中国画家赋予自然人化的生命中介。
如果说西画是体、面和色彩的交响，那么中国画就是点、线和水
墨的协奏，中国画的表现手法就是以线为主的笔墨。画家通过笔墨技
巧，表现艺术形象，传达思想感情。有无笔墨，是人们评价中国画优
劣的一个重要标志。
中国画讲究“笔精墨妙”，用笔要求笔力深沉，力透纸背，讲究
笔法、笔力和骨气。用墨主张以墨为主，以色为辅，讲究“墨分五色”。
所谓“墨分五色”就是以水调节墨色多层次的浓淡干湿，焦、浓、重、
淡、清的墨色变化是十分丰富的，这些丰富的变化，虽然不是五彩缤
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纷，却可以产生一种极为典雅稳重的色彩效果。笔墨的表现形式是千
变万化、万般风貌的。描绘对象不同，笔墨的表现形式也不同。其实
用笔和用墨是一种技巧的两个方面，一笔下去，既有笔也有墨，墨由
笔出，笔由墨现，笔为骨骼，墨为血肉，笔法和墨气混然天成。
需要说明的一点是：中国画主张以墨为主，以色为辅，但并非不
重视色彩。中国画古称“丹青”。在唐代以前，色彩的运用得到普遍
的重视，画家的色彩意识十分强烈。唐宋时期的工笔重彩画，更体现
了极高的色彩技巧，设色浓丽，艳而不俗。然而唐宋以后，尤其是元
代，随着文人画的兴盛，水墨写意画渐渐跃居前列，成为主流，丹青
色彩的运用受到了抑制。这也是为什么很多人一提中国画，首先想到
的就是水墨画，甚至将水墨画作为了中国画代名词的原因。
三、以虚带实，虚实相生
中国画美学体系的形成和发展是与中国的哲学思想紧密联系并
受其支配的，其中的“虚实”、“疏密”、“计白当黑”、“天人合
一”等思想无不有着浓厚的道家色彩。老子日：“天下万物生于有，
有生于无”。“有”即宇宙之实体，在中国画中就是实处、有笔墨处；
“无”即宇宙之空间，在中国画中就是虚处，即空白处、笔墨清淡虚
灵处。“虚”和“实”是一对既对立又统一的矛盾体，无虚就无所谓
实，无实亦无所谓虚。清初画家笪重光在《画筌》中云：“空本难图，
实景清而空景现。神无可绘，真境逼而神境生。……虚实相生，无画
处皆成妙境。”在中国画中既要有实处，又要有虚处。画中的虚与实，
相辅相成，互相依赖。要使虚处空灵，单从虚处去求，无异于缘木求
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鱼。老子讲“知其白，守其黑。”就是指要使虚处灵，应求实处工，
着眼于空白之“虚”，必须立足于笔墨之“实”。要计白当黑，又要
知白守黑，这就是中国古典哲学、传统画论中虚实结合的辩证原则。
自古以来，画家们常常在画面的构图上经营有方，注重虚实结合。
画面有时层层渲染，密不透风；有时寥寥几笔，疏可走马，同时大片
留白，给观众一种画有尽而意无穷的感觉。这种空白之美的意境增添
了无限的神秘之感，使人不禁产生无尽的联想和审美愉悦。如南宋马
远的《寒江独钓图》，画中只画一位老者荡一叶扁舟独自垂钓，寥寥
几笔波纹，却让人感到烟波浩渺。画中大面积的空白，渲染出一种江
面的空旷及寒意；萧条的气氛，更有力地衬托出渔翁凝神贯注于一线
的神气，令人不禁产生无穷的想象。马远在章法大胆取舍剪裁，善于
描绘山之一角、水之一涯的局部，画面上留出大幅空白以突出景观，
因此有“马一角”之称。再如他的作品《山径春行》，左下角画山间
小径、树木人物，画面大面积留白。主体人物面向空白之处，使看画
的人，眼光也会随之望入那一片虚空之中，发人幽思，意境极佳，有
笔断而意未断的妙处。与马远同时代的夏圭，构图常取半边，近景突
出，远景清淡，人称“夏半边”。夏圭的《溪山清远图》，半边实境，
半边虚境，通过大片留白，以虚带实，虚实结合。再如齐白石画虾，
画蟹，背景中并不画水，而空白之处皆是明净之水。
由此可见，“空白”是中国画艺术表达审美意境的重要组成部分。
“天人合一”的宇宙观与“虚实相生”的美学思想是中国画的灵魂，
没有了空白，中国画也就失去了神韵。
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四、以大观小，散点透视
西方绘画采用的是焦点透视法，简单的说就是近大远小，极远处
消失于一点。但中国画采用的是散点透视法。画家观察点不是固定在
一个地方，也不受视域的限制，而是根据需要，移动着立足点进行观
察，不同立足点上所看到的东西，都可组织进自己的画面上来，这种
透视方法也叫“移动视点”。
中国山水画能够表现“咫尺千里”的辽阔境界，正是运用“以大
观小”，散点透视的结果。何谓“以大观小”？北宋沈括在《梦溪笔
谈》中写道：“大都山水之法，盖以大观小，如人观假山耳，若同真
山之法，以下望上，只合见一重山，岂可重重悉见……”沈括生动地
说明了山水画的散点透视，“以大观小，如人观假山”就是俯视鸟瞰，
以高观下，山川之景尽收眼底，若同真山之法，再美之景也难成中国
山水画。“以大观小，如人观假山”说明了山水画家处理空间的艺术
手法，所说“假山”绝非指花园里的大假山，而是指放在案头以供观
赏的山水盆景，盆景中以小石块垒起数座径不盈尺的山峰，再放置小
亭等等，画家只要站着就可以尽收眼底，就像在空中俯视大地上的千
岩万壑，画家全山在胸，方能妙笔生花。
由于采用“散点透视法”，中国画构图不受时空限制，同时由于
中国画用纸尺寸制式的变化，特别是“长卷”的出现，使大量的“千
里、万里”之景色，“曲折迂回”之境界，被表现出来，更是将“散
点透视”诠释得淋漓尽致。
如北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。
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此画纵24.8厘米，横528.7厘米，反映的是北宋都城汴梁内外复杂
丰富、气象万千的景象。它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的
“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既能看到桥上的行人，
又能看到桥下的船舶；既能看到近处的楼台亭阁，又能看到远处街道
河港。再如北宋王希孟的《千里江山图》，
感谢阅读，希望能帮助您！