浅谈中国画与中国诗的关系
一、前 言
中国的艺术家和西方的艺术家一直都在商讨诗和中国画的关系，但是他们各自都有各自自己的看法和观点。西方艺术家认为诗与中国画存在着根本性的差异，但是两者也是有关联的，可以合二为一。如黑格尔认为诗歌有音乐的一面，也有绘画的一面，西蒙尼蒂斯也说过“画是静默的诗，诗是语言的画”。而中国艺术家则认为中国画与诗存在着许多的共融性，本来就是感情的产物，两者相互的交融在一起，可谓“诗画本一律，天工与清新”。
中国画与诗的关系的研究已经不是一个新的话题了，在很久以前已经有许多的艺术家对此做以了解和研究，并且得到了一定的研究成果。我们可以说诗与中国画都是人类的本性加之感情的结合体。不管是的从《诗经》中的“昔我往矣，杨柳依依，今我来思，雨雪霏霏”，还是到了唐代的“竹喧归浣女，莲动下渔舟”。这些作品的艺术表现形象和作者内心的感受都讲究的是意境美，也就是说意境美是主观与客观相互交融的产物。例如明清时期的书法家方士庶说：“山川草木，造化自然，此实境也，因心造境，以手运心，此虚境也。虚而为实，是在笔墨有无间。”也有人说诗与中国画是两种不同的艺术变现形式，虽然他们之间有许多相互交融想通的地方，但是这两种艺术也是不可以相互替代的，也就是说这两者之间也存在着差异性，它们在某些表现形式上也是 不通的，各有各的表现领域。
一、诗与中国画的传统性
诗与中国画的关系是特别密切的，它们在很久以前就存在这相互交融的地方，而且两者也是相互影响着，并且在发展中相互影响和督促，使它们都经受了艺术文化的层层洗礼，最后向人类见证了发展的必然性。我们可以清楚的看到，在中国的传统艺术文化中，诗和中国画 都是依托于艺术形象来表达它们各自的思想感情和人生领悟，用语言艺术与大家一起分享艺术的领悟。无论它们两者是在艺术精神，或者还是在内容，意境，审美情趣上都有着交融性和共通性。
中国的诗词绘画开始联系是因为刘褒为《诗经》上的《北风》、《云汉》二首诗作了两幅插画，《洛神赋图》就是晋代顾恺之为《洛神赋》所画的插图。在晋代末期陶潜创作了田园山水诗，并且在这个时候大批的田园山水画家开始出现在画坛，从此诗与中国画的逐渐的结合，在唐代兴盛了起来，在那个时候诗人会给自己所作的诗作画，画家也为自己所画的画作诗，为以后的诗画的发展做了铺垫性的作用。到了宋代，诗与中国画的关系变得更加的密切，已经发展到了成熟的阶段，并且总结了“诗中有画，画中有诗”的美学原则。现在这个原则已经成为了千古定论，所有的诗人和画家 都会以这个原则为最高的目标和创作目的，在诗和中国画的创作中有意识的向这个原则靠拢，同时这个美学原则也成为了诗与画创作的美德形式和标准。
从中国的史料上看，中国画流传下来的要比诗多的多，也久的多。例如中国画的岩画、彩陶艺术等等美术作品，这些作品不仅形式各种各样，而且色彩也比较单纯，主要是以线条的美感来丰富作品的内容和美化画面，而诗保存下来的作品相对来说就少了许多，剧资料记载，诗歌保留最完整的也只有《诗经》和《楚辞》这两部巨作的了，这两部诗歌不仅都充满了时代精神，还为以后的诗和中国画的创作创造了条件。它们的形式多种多样，内容丰富多彩，还有浓郁的生活气息，使诗与中国画的结合成为中国艺术文化的一种主要表现形式。
诗是用一种语言来表达的艺术变现形式，他用简练的语言表现现实的生活，中国画属于造型艺术，它用色彩、线条等来描绘出一个人或者一个事物的形状以表达出思想感情。中国画多是以意造境，究竟是为了意境美，在这一点上诗也是一样。中国画与中国诗词具有同样意义的意境美。
二、诗与中国画的互补性
（一）、诗中有画
对于诗与中国画的结合，我们讨论的不是形式的像与像，似与不似，重点是要放在诗画的本身去，也就这样说，诗不依赖于画而有画意，画也不会依赖于诗而有诗情。
唐代大诗人王维的诗，多数都可以说是诗中有画，就像大家熟悉的“竹喧归浣女，莲动下渔舟”；“漠漠水田分白鹭，隐隐夏木啭黄鹂”。这些诗句虽然说不是绘画，但是它们的那种鲜明形象，活泼动态，幽美境界，都活灵活现把画面展现在我们的脑海中，使我们在诗词中犹如沉浸在画面中。再如王维的《使至塞上》又是一副壮美秀丽的画卷，诗曰；“大漠孤烟直，长河落日圆。”这两句诗仿佛使我们看到了大西北塞外平沙万里的情景，看到空中缥缈的炊烟，弯弯曲曲的河流，夕阳红红圆圆的，如此安静的气氛，壮丽而美好，使人向往。我们从绘画的色彩上看来，又红又圆的落日，天空中飘着青烟，一望无际的大沙漠，使如此的丰富多彩。从绘画的构图上看，缥缈的青烟是直线的，又红又圆的落日是圆形的，组成了丰富多彩错综复杂的具有节奏感的构图。色彩和构图的搭配组合，构成饿了一副鲜明的画卷，可谓是“诗不配画而有诗意”，这也是诗中有画的完美结合。
“日出江花红似火，春来江水绿如蓝”，这是唐代大诗人白居易的《忆江南》中的两居室，诗中没有特别直接的说出丽江是这么的美，但是它的每一个字都向大家展示了江南春水的秀美景色，就像一副中国山水画的国画美，这幅画面有着极其浓重的色彩感，以鲜明的红绿色彩对比的手法构成了一幅画。此中的意境主要在于色彩的技能上，传统的中国画同样也是这样体现出来的。例如我们现实中的荷花是红色或者粉色的，但是在齐白石老人的画中却被画成了蓝色的，甚至还有的用纯墨色代替。这在我们的生活中看起来是非常夸张的，但是在中国的艺术领域却是如此的真实，就可以让人感受到大自然是无暇的素质，也是意境美得到了升华。这也是这首诗的得到了许多的人的好评，如诗如画的艺术奥秘，可谓是吟诗如赏画。又如王维的另外一首:“人闲桂花落，夜静春山空。月出惊山鸟，时鸣春涧中，”在夜里诗人都可以听到桂花落地的声音以及傍晚的月亮升起惊动山林里的小鸟，这其心境是何等的宁静，也描绘了一幅美丽的夜色花卷。
“踏花归去马蹄香”，这是宋代一个画院考试的题目，让同学们以此诗句做一幅画，第一名的学生画的是一群蝴蝶和蜜蜂追逐的奔腾的骏马的脚印，一次来显示马蹄香。诗中的“踏花”、“归去”、“马蹄” 都是真实存在的，都可以在画面中变现出来，但唯独一个“香”自很难让人落笔在画面中。还有“乱山藏古寺”这一句，有一位考生画了一位小和尚往大山的深处走着，虽然在画中没有明确的向人们说在大山的深处有寺庙的存在，但是可以让人们想到寺庙就在大山的深处，这是家喻户晓的事情了。又如《过香积寺》这一首诗：“不知香积寺，数里入云峰。古木无人径，深山何处钟。泉声咽危石，日色冷青松。”古寺、云峰、吉木、深山、泉声、青松等景色和事物都展现在我们的眼前。还有唐代大诗人王维的《蓝天烟雨图》中这样写：“蓝天白石出，五川红叶希。山路原无雨，空翠湿人衣。”这首诗中的画意有“蓝天”、“白石”、“五川”、“红叶”、“山路”等画面，色彩鲜明，形成了鲜明的对比，并且也让人看到了迷人的秋天。衣服湿了，不是因为天上下的雨，是因为露水把衣服打湿了，证明了露水的存在。这首诗的意境也就只有“画为诗所依”来表现吧。
（二）、画中有诗
诗与中国画是具有交融性的，也是可以相互补充的，既然诗中可以用画来展现，那么自然中国画中就会有诗的存在。
画中有诗真正表现的不仅只是局限于表面，而是要把画家作为“深刻的生命方式”、“深层的心性表达”。著名大诗人齐白石老人的《蛙声十里出山泉》就是一幅典型的画配诗，遍地的蛙声，就说明了万物复苏，春天已到，就连池塘里的小青蛙也在唱歌了。这首诗虽然把事物说的很具体，但是池塘里的蛙声却很难体现，在画面上画出一张张张嘴再叫的青蛙却是不是很好，并且也不能体现出意境美。齐白石先生巧妙的运用了绘画的艺术语言，画了一股流动的小溪， 而且也还有一群顺着小溪游动的小蝌蚪，这样就可以使人联想到了小溪另一头的景象。还有“以诗为画”，也是根据诗的意思画的，曹植的《洛神赋》就是经过了几个朝代后，顾恺之就是根据这首诗画出了《洛神赋图》，他用画表达出了诗中的内容，强调了神话色彩。这幅大作不仅描绘的形象鲜明，同时也在艺术形象上表达了没得韵味。再如，陆俨少著名的山水画家，根据李白的诗画了《李白诗意图》，他是根据诗中的画面来用笔的，再现到人们的面前，也是诗到中国画的体现。关山月根据伟大领袖毛泽东的《沁园春.雪》画了一幅山水画，把诗的内容变成事物展现在世人的面前，使诗的内容更加的丰富多彩更加有韵味。 三、中国画与诗的差异性
（一）、诗画同源
中国画和的诗词的同源在于两个方面的内容，一个是在中国的传统绘画艺术上，诗与画的取材有很多相似的地方，它们都来源于生活，但是又 高于生活。例如说中国的神话故事、历史人物等，就像顾恺之的《洛神赋图》都是都是取材于神话，这就是一个非常真实的例子，又像画家阎立本的《历代帝王图》又是一个非常典型的一历史人物取材的画作。二者有着相似的历史文化背景，《易经》、孔子的儒家中庸之道、老子的道家思想、庄子与禅宗的思想，这些思想对于中国画与诗的结合有着巨大的作用。在这些前辈的之后的画家的创作思想不管多少都会有一定的影响，中国画与诗的不断发展，其中有着密切的结合，这些古代伟大的哲学家们的思想起着决定性的作用。
（二）、中国画与诗的创作都需要新颖立意
中国诗与中国画，都是通过大师们的艺术创作来描摹大千世界的，也都混杂这诗人和画家的思想感情和人生领悟，他们的思想也都会在诗与中国画中体现出来，因此也具有浓厚的时代精神和人文色彩。创作的内容和主题不一样，也就是要表达出来的思想感情也会不一样。每一幅好的绘画作品主要体现在它的立意新颖，只有明确了立意才能够考虑和把握好作品的整体格局、取材和最终的定色。所以就有人这样说；“千古文章意为高”由此可以看出来一幅好的作品的诞生，首先立意要明确、新颖，其次才能够构图、选材、技法、定色。同时中国诗也是一样立意为先，立意新颖，才能够创作出优秀的作品。我们都知道，创作前都是要经过仔细的思考，才能创作出美好的立意，才能在画中展现出作者的思想感情。中国诗也一样 ，在创作前都需要精心的构思，才能够创作出有立意的诗，使描绘的对象生动形象，使诗人的思想感情表达的更加真实，同样也是中国式更加有艺术的光芒。不管是诗人还是画家在艺术创作的过程中，仔细的构思是非常的重要的环节，这一环节如果要是不够完善的话，那么创作出的作品就太直白的没有意义了。做画作使首先必须要胸有成竹，然后才可以下笔，这样才能创作出标新立异的作品，才会有新鲜感。就例如郑板桥画的竹子，他的很多作品都是易趣相谐，才能让人们回味无穷。郑板桥画的《竹石图》虽然没有上色，但是他的构思明确，立意新鲜，也是人们感觉竹子翠色欲滴。
（三）、时间和空间的不用
中国画与中国诗是两种不同的艺术形式，虽然他们两者之间有许多相互交融的地方，但是这两种艺术形式也是不可以相互替代的，它们之间存在这较大的差异。
中国诗可以说是一种语言艺术，它的意境是通过语言的形式来表现的，它虽然没有时间的约束，但是也可以用来变现某一时间段或者是某一时间点。中国诗的空间没有限制，它随着艺术形象和情感而灵活变化，把具代表性的空间结合在中国诗中，这种空间具有较强的可变性和抽象性。“绘画虽不仅是“再现自然”，但它究以“再现在自然为基调”，所以它常偏向于客观的一面，诗则是表现感情，以“言志”为其基调，所以它常偏向于主观的一面。
四、说的出，画不就
中国画和中国诗都有自己的表现领域的。并不是好的中国诗就能用恰当可见的艺术形象变现出来的，因语言文字和可视的艺术形象是有区别的。画不出的东西就用中国诗来变现，说不出的语言就能中国画来体现。中国诗的语言表现形式是有很强烈的意境的，会带来浓重的情感和强烈的冲击。但是有的时候中国画有的时候表现不出来诗里边的情感，也变现不出来这种意境的。就像李白的《静夜诗》：“床前明月光，疑是地上霜。举头望明月，低头思故乡。”诗的前两句很明显表现出来的就是“诗中有画”，可以用中国画来变现出来，诗的后两句不是具体的事物，就很难用中国画来表现。“思故乡”？估计历代的大画家都很难把它体现的淋漓尽致。像这样的诗的意境诗也只能意会不可言传的，画家们也不能用简单的画面来表现出来这种意境的，要是特别的注重绘画形象，那么诗中的思乡之情就不能明确的表现出来了。又例如王维的《山路》：“山路原无雨，空翠湿人衣”。诗中的 意境我们可以理解为：山路上的植物都很茂盛，树木绿叶青翠欲滴，像是可以把过路人的衣服弄湿了似的。这种意境怎么才能够用中国画变现出来呢？像这样就是“说的出，
浅谈中国画的意境
浅谈中国画的意境
作者：许术飞
来源：《中华少年·研究青少年教育》2011年第10期
如果说西洋古典绘画是“尚法”的，注重对事物的科学再现，那么中国古典绘画则是“尚意”的，注重表现，注重抒情。所谓“尚意”就是注重对意境的表现，
所谓“意境”，查《現代汉语词典》，是指“文学艺术作品通过形象的描写表现出来的境界和情调”。中国画的意境就是画面所呈现的境界和包融的画家的主观情感。
中国画的意境突出地表现在两个方面——
一、先谈诗画合璧：
中国画在其发展过程中逐渐形成了诗、书、画、印相结合的综合艺术形式。画家在画完一幅画以后，还要在画面上题款、盖章，这件作品才算最后完成。题款的诗文内容，可长可短，可以只是一个题目、两句诗、一首诗、甚至一段长诗。题款的诗文内容同画面有深刻的联系，画家往往通过题款即景生情，抒发情怀。甚至生发开去，另拓天地，竟在画面上出现一段精粹的画论。或者是发人深省的人生哲理，使欣赏者感受到强烈的艺术魅力。苏东坡尤喜在画面上题诗，诗文书法与画面相映生辉。题款诗文，发展到明清进入极盛时代，尤其是石涛及其后的“扬州八怪”，他们的题款，纵横跌宕，妙趣横生，达到了极高的艺术境界。历代画家留下了大量的题画诗，成为中国诗歌园地的一朵奇葩。
中国文化历来讲究境界，特别是文学作品中的诗词。中国画在其发展过程中深受诗词的影响，历史上很多大诗人，大词人同时又是成就很高的画家。因此诗词的发展也极大地带动了中国画的发展。王维和苏轼就是其中的典型代表。诗词中的比兴、借物抒情、托物言志，给中国画以很大的启迪，讲含蓄、虚实、计白当黑，加强了绘画语言的表现力和表象能力，更能诱发观者的想象力。讲究诗中有画，画中有诗，从而把中国画对意境的追求提高到更高的层次。前人在品评王维的作品时称；“观摩诘之画，画中有诗；味摩诘之诗，诗中有画”。苏轼的《前赤壁赋》给人营造了一个月明星稀，江流万古的画面，让人油然而生一种荒凉，寂寞的情境，优如身临其境，耐人寻味。
浅谈中国画特点及其艺术价值
1 浅谈中国画特点及其艺术价值
一 · 中国画的特点
伴随中华民族五千年的历史，中国画的形成和发展已经走过了一个漫长的道路。漫长的岁月，悠久的历史，古老的民族，灿烂的文化，孕育了独特的艺术。经过历代艺术家的辛勤耕耘和求索，中国画以其特有的观察方法和表现形式，独特的艺术魅力，形成了一个完整的体系和强烈而鲜明的艺术特色，在世界绘画历史上占据了一席极其重要的位置。
中国画之所以获得如此殊荣，以至于同希腊的雕刻、法国的音乐、被誉为世界人类艺术宝库的三杰伴随中华民族五千年的历史，中国画的形成和发展已经走过了一个漫长的道路。漫长的岁月，悠久的历史，古老的民族，灿烂的文化，孕育了独特的艺术。经过历代艺术家的辛勤耕耘和求索，中国画以其特有的观察方法和表现形式，独特的艺术魅力，形成了一个完整的体系和强烈而鲜明的艺术特色，在世界绘画历史上占据了一席极其重要的位置。
中国画的意境追求的是诗的意境，空阔流动的意境，不受真情实景的制约，不受光源、透视、投影的约束，讲究以线界形，散点透视，写其意而不重其形，以形写神，迁想妙得，“似与不似之间”。敢于用浪漫的手法删繁就简，大胆提炼取舍，以小胜大，以少胜多，计白守黑，使人产生丰富的联想，产生‘意中有意，味外有味’的耐人寻味的艺术形象。
中国的笔墨技法与西画不同，引中国书法用笔入画，追求绘画的
2 形式意味和个性表现。正所谓“书画同源”，中国画和中国书法从初始以来，一直是亲如联袂，密不可分。笔墨作为中国画艺术表现手法，虽然只是局部，而不是全局，但笔墨作为中国画关键一环，却在每一笔、每一划中浸透了中国画的全部特征。如中国画线条追求的是锥画沙、屋漏痕、折钗股、虫蛀木的艺术效果；追求书法用笔、刚柔劲健、毛涩圆厚、快慢轻重、提按顿挫的变化；追求用墨的干、湿、浓、淡、重、焦、枯、润的韵味；追求笔、墨、色在宣纸上出现的自然复杂变化和意想不到的情趣。一幅好的中国画，无论从整体欣赏或从局部欣赏，每一个线条讲究意在笔先，意到笔不到，每一块墨迹甚至每一个苔点，它的抽象美都可以反映出一个画家的功力，都会给观者以无可言状的感染与享受。
浅谈中国画中书画的关系——从赵孟瓶《秀石疏林图》看书画结合
美术时空 ＡＲＴ ＥＤＵＣＡＴｌｏＮ ＲＥＳＥＡＲＣＨ
浅谈中国画中书画的关系
——从赵孟瓶《秀石疏林图》看书画结合
口张阳阳
摘要：元代赵孟颊在《秀石疏林图》中题诗：“石如飞白木如籀，写竹还应八法通。若也有人能会此，须知书画本来同。”此语引
发了人们对书画同源的一些思考。中国的书画艺术源远流长，以其独特的艺术语言传承了千百年，它们有着共同的工具和审美需要，
其历经沧桑而生命力旺盛的原因之一，就是为创作者所遵循的“书画同源”理论。以书入画、书画同源，书法用笔在中国画中有很重要
的作用，它不仅使“笔迹”在中国画中具有独特的韵味，而且也可以生动地体现出画者在创作时的心境和所要表达的思想情感。
关键词：以书入画书画同源笔墨
赵孟颊（１２５４—１３２２），字子昂，号松
雪、鸥波等，吴兴（今浙江湖州）人。宋宗
室，入元后曾官至翰林学士承旨、江浙行省
平章政事，封魏国公，卒谥“文敏”。工诗，
善书画，有《松雪斋文集》。赵孟顺《秀石疏
林图》今藏北京故宫博物院，是其“以书入
画”的代表作品，纸本，墨笔，纵２７．５厘米，
横６２＿８厘米。这幅《秀石疏林图》在我国绘
画史上享有很高的美名，是一幅旷世之作，
其体现出的美学思想，曾经在我国绘画史
上产生过极深远的影响。
在图卷的后面有柯九思、危素、王行等
人的题诗，又有赵孟顺自题的一首诗。在
自题诗中，画家并没有描述具象的画面场
景，而是发表了“画法通书法”的议论。第
一句是对画石和画树的论述，画家直截了
当地提出，画石头用飞白的笔法，而画树木
要用大篆的笔法。第二句是对画竹笔法的
论述，直接提出画竹要与书法的“八法”相
通。题诗中的“籀”，即籀书，也叫“大篆”，
而文中的“八法”，即“永字八法”的简称，是
以“永”字为例说明楷书的八种用笔方法。
画面中石头、树木、竹子都是具体的对象，
所以赵孟糗在诗句中所发表的议论，都紧
紧扣住画面，绝对不是一味地空论、泛论。
第三、四句是对上述议论的总结性阐发，又
浅谈中国画的审美特征
浅谈中国画的审美特征
作者：刘桂珍
来源：《艺术评鉴》2019年第24期
摘要：中国画属表现艺术，它并不追求物体表面的形似，而是强调抒发作者的主观情趣。中国画具有独特构图特点，它以线造型、书法入画、讲究笔墨，提倡诗情画意。中国画是东方文化的代表，是中华民族创造的文化结晶;它以特有的艺术魅力，向世界充分展现自己的艺术特点。
关键词：中国画 散点透视 以形写神
中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2019）24-0039-03
中国画简称“国画”，是中国传统绘画的主要种类。在远古无确定称号，普遍称之为丹青，主要指画在绢上和纸上加以装裱的卷轴画。近现代为区分西方油画或其它外来绘画称为中国画，是用中国独有的毛笔、墨及中国画颜料，在特制的宣纸或绢上作画的艺术。在东西绘画两大统系中，中国画是东方统系的代表，实处东方统系中的最高水平地位。
中国传统绘画历史悠久，源远流长，它扎根于中华民族深厚的文化土壤里，是中国文化的集中体现，在长期的历史发展中，形成了融汇整个中华民族独特的文化素养、审美意识、思维方式、美学思想和哲学观念等的艺术体系，体现了中华民族在长期与自然和谐相处中逐步形成的独特的审美特征和表现方法。无数旷世杰作像一座座高峰巍然屹立于世界艺术之林，越来越为当今世界各国所瞩目。
中国画在立意、构图、技法和程式化等表现方面，具有区别于其他画种、独领风骚的特点。本文主要从中国画的透视、造型规律及中国画诗、书、画、印的完美结合等方面来浅谈其审美特征。
一、中国画的透视
“散点透视”是中国古代画家根据内容和艺术表现的需要而创造的独特的透视方法。指画家不是在一个固定的立脚点上作画，而是根据画家的需要，移动立脚点，把不同事物安排出现在同一画面之中，通过其相互关系形成透视空间。
浅谈中国画
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浅谈中国画
●文／李佳
＞摘要：
中国画作为东方绘画的代表和典范，不论从技法、风格、特征、意境、民族性等方面都突显了它在世界绘画艺术史上的地
位及魅力。绘画艺术的创新要随时代的发展去发展与创新传统，绘画艺术离开了本民族的文化，绘画就失去了艺术灵魂与艺术
价值。
一、中国画的基本构成元素
首先， “点”的特性和功用。“点”可以突出视知觉，但是
不能构成各种关系。“点”在绘画技法中更有它的特殊地位。“点”
在表达画家情感时，另有一种不同的韵味。“点”在山水画中最 见功力，枯、湿、浓、淡的变化相当微妙。其次，“线”特性和
功用。“线”是中国画的造型基础，并形成中国画的主要特点，
故中国画家历来重视和崇尚用线。中国画的线不仅有其较强的表
现力，更有其独特的审美价值。“线”是中国传统绘画最简练、
概括、基本的艺术语言。再次， “面”的特性和功用。在中国画
中，表现“面”的手法有很多。比如，山水画中的渲染和潮染，
Ｔ笔画中的分染、统染、罩染、平涂，还有写意画中的泼墨、破
墨、积墨等手法，都可以在画面上描绘出各种不同的“面”来。
二、中国绘画的文化特征
中国绘画艺术是我国传统文化的重要组成部分，创造了鲜明
的民族风格，形成了独具中国味的绘画语言体系，已成为东方艺
术之代表。除有“视觉艺术”的共性外，还浓缩了中国文化的许
多特征，蕴藏着丰富的文化精神。中国文化的民族心理是“形而
上者之谓道，形而下者之谓器”，终归“道器不二”、 “心物不
二”、“物我相忘”、“天人合一”。在客体与主体真实与虚幻、
自然与人生、物质与心灵之间找寻一种平衡和整体眭的和谐。
法同华裔汉学家弗朗索瓦一陈曾经说过：要想看懂一幅中国 画，必须具备高深的文化素养。它不仅道出了中国绘画在中国文
化中所占有的重要地位，而且，看出了中国绘画很大程度上浓缩
了中国文化的某些特征。大大提高了中国绘画的“文化品味”，
也大大丰富了中国绘画的文化底蕴。
浅谈中国画的审美意境
浅谈中国画的审美意境
发表时间：2010-08-10T13:50:11.233Z 来源：《魅力中国》2010年6月第1期 作者： 陈浪华
[导读]
（贵州大学艺术学院，贵州 贵阳 550000）
摘要：中国画的发展，从先秦到当代，逐渐酿就了中国画诗性特质，从自然生命到艺术的生命，从自然美到艺术美，是一个紧密联系的过程。中国画与其相关的诗学、哲学等相关内容共同构成了中国画所独有的审美意境，这是中国画区别于其他绘画类别的重要审美特
征。
关键词：中国画；诗画结合；意境
中图分类号：J212 文献标识码：A 文章编号：1673-0992（2010）06A-0087-01
“意境”，也叫有情之境，是客观与主观相熔铸的产物，是情与景，意与景的统一。它是我国古典美学思想中最为引人注目的话题。从艺术思想来看，一切艺术都讲究艺术美。“意境”最能体现中国画艺术美的重要特征，在艺术创造、欣赏和批评中常常把“意境”作为衡量艺术美
的一个主要标准。
意境理论，在我国古典诗歌理论中出现较早，历代皆有人论及。早在唐代杜甫在《丹青引》中，为描写曹霸画马的情景用了“意匠惨淡经营中”的诗句。在此“意匠”就包括了意境与意境的表达双层意思，同时也可以说是一种审美活动的全过程。而同时代的张彦远在《历代名
画记》中所说的“意在笔先”、“画尽意在”、“挥纤毫之笔，则万类由心”等等已经真正地在绘画理论中强调了审美意境的主导作用了。此处的
“意”和“心”指的是美感或某种令人愉悦的氛围。
“中国画以意境气韵，格调为最高境界”。潘天寿先生的这句话已经成为我国美学思想中的一个重要内容，是美术创作、欣赏和品评的重要准则。同时这句话也揭示了中国画的审美特征。中国的绘画历史悠久，门类众多艺术形式迥异，通常按所表现的内容可以分为人物、山
水和花鸟三大类，这三类绘画也是在历史的进程中逐步形成的。它们以其特殊的物质手段与表现方式反映着中国的文化精神。而中国古代
绘画的“意境”作为一种特殊的意蕴与氛围，有其自身的特征和表现语言。研究古代绘画的意境，对于我们更好地把握这一特殊的艺术语言，
浅谈中国画创作的意境表达
浅谈中国画创作的意境表达
中国画是中国传统艺术的重要组成部分，它是中国人民长期生活和劳动实践的产物，承载着中国人对自然、生活和情感的理解和表达。在中国画创作的过程中，意境表达是其中一个重要的方面。意境是通过画面所抒发的情感或含义，它不仅包括作者的情感、心境，还包括了画面所要表达的主题和内涵。中国画的意境表达不仅仅是美的表现，更是一种思想的体现。
中国画的意境表达还强调画家对内心情感的表达。中国画家在创作过程中，往往会将自己的情感融入作品之中，通过笔墨和色彩的运用来表现出内心的情感和心境。比如在山水画中，画家会通过对山水的描绘来表达自己对自然的热爱和向往，以及对生活的感悟和感情。这种情感的融入使得中国画作品更具有人文情怀和审美价值。
中国画的意境表达还包括了对中国传统文化和哲学思想的体现。中国传统文化中蕴含着丰富的哲学思想和人文精神，这对于中国画家的创作有着深远的影响。中国画作品中常常可以看到对诗词、书法和传统绘画的引用和借鉴，这些都是中国画意境表达的重要组成部分。画家通过对传统文化的吸收和理解，使得自己的作品更具有时代感和深邃的内涵。
中国画的意境表达是一种综合的表达方式，它既包括了对自然的描绘和情感的表达，又包括了对传统文化和哲学思想的体现。在中国画的创作过程中，画家需要通过对自然界的观察、对内心情感的抒发和对传统文化的吸收，来实现意境的表达。这种表达方式既包含了具体的艺术技巧，又包含了抽象的思想境界，因此值得我们深入探讨和思考。
中国画意境的表达是一个深邃的课题，它既包含了观念境界，也包含了具体的表现手法。中国画家在创作时需要具备用笔墨和色彩捕捉自然的能力。中国传统绘画强调以“意态写生”，画家需要通过对自然界的观察和感悟，运用自由灵活的笔墨和色彩，描绘出自然界万物的气质和形态。只有这样，才能使作品充满生气和灵性，表现出丰富的意境。
中国画的意境表达还需要画家通过笔墨和色彩的运用，表现出自己的情感和心境。画家需要通过画面的布局和构图，以及用墨与水、深浅厚薄等变化来表达自己的情感和心境。这种情感的融入不仅使作品更具有个性和艺术魅力，也使得作品更具有观赏性和感染力。
浅谈书画同源
！Ｊ ＿ 嘲ｊ 浅谈书画同源 一文／王雅慧 摘要： 通过书法与绘画的起源、技法以及他们之间的关系，来说明书画同源的理论，证明书画本是同宗同源。研究它们之间的关系，找 出它们所具有的共同规律，对于加深对传统书法与绘画艺术的理解，继承与发展传统艺术是大有裨益的。 中 国画的起源历史悠久，象形字是它的基础；文字与画，在当时本来是一家的，并没有歧异。我国向来有书画同源之说，有人 认为伏羲画卦、苍颉造字，是为书画的先河。 一、起源上相同 最早的“书画同源”说的提出是在三国时期。魏国的曹植也在他的 《画赞序》中说过“盖画者，鸟书之流也。”在造字初时书画同体并没有区 分。书跟画的区别只在于目的性不同，书也就是文字的作用在于传意， 而绘画的作用则在于见形。在书画同源的众多观点中，只有何俊良是首 次明确的提出“书画同源”的命题，其余的说法大多是重复别人的理论， 但是也是也从不同的侧面进一步明确了早期的中国书画有过同体的渊 源，就同体于早期的象形文字，以后画才从象形文字中分化出来。 我国文字起源的研究始于周代。我们现在所见到的最早的文字就 是３０００多年前的甲骨文。它的形态类似于原始绘画。近现代的中国绘 画史家在研究上古绘画起源的时候，一般都是追溯都有史前期的象形 文字，认为它们在形成初期是书画异名而且同体的。也有很多人认为古 人用原始文字主要是用来记事，是一种符号，具有很强的概括性；图画 是美化装饰生活的，反映人对生活的感受，人的情感，愿望和审美要求， 它们从开始就是不同的。书法与绘画的发展其实并不是同步的，但是书 法和绘画在其发展的过程中确实有着密切的关系。虽然都有着各自的 演变规律，但是在历史上互相影响，相互结合，一起并进的时代的是现 实存在的，特别是在中国的文人画的兴起和发展，这就是书法与绘画的 结合的产物。 二、技法上相同 中国的书画与周边国家的绘画以及西画不同，中国的书法与绘画 在用笔的方法上是如出一辙的。 书法与绘画是所用的基本工具是一样的——文房四宝。中国画讲 究的是骨法用笔，以线条为主要表现形式，线条是书画艺术的生命力。 线条的产生是用毛笔勾勒出来的。所以书画的工具是一样的，都是毛 笔。“线”是中国绘画与书法的共同要素，这线的变化是奥妙无穷的。我 们很有必要深入到线的王国中丢求索，以得领悟中国绘画与书法的真 谛石。绘画与书法在其萌生阶段，线有框廓形体，构成字形的功能，当它 们发展到高级阶段，线就兼备畅神达意的高级功能了，去追求物我合一 的境界，表达作者的心灵．在论及绘画的骨法用笔时，张彦远指出，从骨 法用笔而论，书法与中国绘画是同法的。书画的用笔不仅同法，而且还 同理，即一笔书一笔画的内在联系，说明中国的书法与绘画，在追求气 韵贯通上是一致的。宋代的郭若虚在《图画见闻志》中也谈论到气韵，他 力图从道理上揭示了书画用笔的气韵是发自于“心印”的一致性。到了 元代的赵孟烦又发展了这些观点，赵孟Ｊ顷和柯九思将书法中的一些具 体的笔法直接应用于绘画，从这以后，绘画便称之为写画了。到了清朝 的时候，绘画用笔刻意追求书法趣味，主张“书画”而反对“描画”。张式 ０９２ Ｉ Ｃｉｔｙ．城市 在他的《画谭》中曾写道，“书画盘礴点染，有神明不测之妙，即赵吴兴 （赵孟烦）询玉潭（钱选）之士夫画也。”而且张式又进一步指出：“学画又 尚先学书，未有不能书字而能书画者。他把书法作为中国的绘画技法 的基础是很有道理的。 三、书法与绘画 书法艺术早熟于绘画，绘画又借鉴于书法，历代书画双全的大家枚 不胜举。 我们从书法与中国画的含义讲：书法是以汉字为表现对象，以毛笔 为表现工具的一种线条造型艺术。简单地说，书法是汉字的书写艺术。 书法是中国特有的艺术，汉字的形成是经历了很长的一段历史时期。发 现最早原始汉字的有关资料主要是原始社会在陶器上遗留下来的刻画 的符号，但是许多文学家认为它不是文字，只是对原始文字的产生起到 引发的作用。从书法的角度审察，甲骨文和金文这些最早的汉字已经渐 渐有了书法形式美的众多因素，比如线条美，单字造型的对称美，变化 美以及章法美，风格美等。每个不同时期的书法艺术性都有着不同的时 代特征，书法的艺术性随着书体的嬗变而更加丰富起来。中国画：简称” 国画”，在本世界美术领域内自成都市独特体系。它用毛笔、墨，和中国 画颜料，在特制的宣纸或绢上作画。在题材上有人物画、山水画、花鸟 （卉）画动物画等之分。古人由结绳进而发展到略具画意的八卦，由／ｋ￣ｌ＂ 被号称为象形文字的雏形，这在形式上是大为进步。但其实，这只不过 是作为一种比较有组织而且有明显的纪事符号而已，这实在是没有书 法与绘画之分，可以说就是书画的混合时代。绘画既然已经具有了，雏 形，日益进化，从简单变复杂，由质而文，于是便于象形文字有所不同。 每个时期的绘画表现形式、内容、技法上都有着明显的时代特性的，有 着自己独特的美。 中国书画不仅是在起源跟技法方面类似，而且在艺术意境的追求 和审美上也有着许多相同之处。南此就可以看出书画已经是一个不可 分割的整体。如何把书法线条自如地应用于国画之中，是一个过渡到融 合的过程，是需要不断地时间与探索的，要经过长时间的磨合才可以取 得一定的成绩。“书画同源”它的内涵深渊，这使得中国的书法与绘画有 别于其他国家的绘画，自立于世界艺术之林。 【参考文献】 【１】衡勋，试探“书画同源”【Ｊ］，湛江师范学院学报，１９９７（０３） 【２１吴学飞等 中国古代思想世界中的具象思维传统与象形文字［Ｊ］ 群文天地，２０１１《１２） 【３】魏爱平 从先秦陶纹图腾文字符号探讨书法的起源［Ｊ】 青年文学家，２０１１（０７） 【４】山著、汝信，中国书法【Ｍ】，北京：高等教育出版社，２００９ 【５】午昌，中国画学全史【Ｍ｝，长春一时代文艺出版社，２００９ 【６】金提，试论书法与绘画的关系【Ｊ］，齐鲁艺苑，１９８８（０２） 【作者单位：西北民族大学美术学院】
浅谈中国画创作的意境表达 2
浅谈中国画创作的意境表达
中国画作为我国传统的艺术形式之一，早在古代就已经形成了独特的艺术风格和表现手法。中国画的创作既注重写实，又追求意境的表达，通过笔墨、构图、色彩等形式表现出丰富的内涵和情感。而意境表达作为中国画的重要特点之一，更是体现了中国画的独特魅力和艺术价值。
中国画的意境表达，一方面源自于中国艺术特有的审美理念和绘画观念，另一方面也凝聚了中国文化的深厚底蕴和历史文化的积淀。在中国画创作中，艺术家通过对自然、人文、历史等方方面面的观察和感悟，将所见所感、所思所想内化为自己的艺术表达，从而创造出丰富的意境世界。
中国画意境的表达始终贯穿着“以意蕴境”的审美理念。中国传统绘画强调画家的意境笔墨，追求画作中的诗意境界，注重作品所传达的情感与内涵。在中国画中，意境是一种超越形象与事物的精神意义，是画家在作品中表达个人情感和审美追求的重要手法。通过隐喻、象征、寓意等表现方式，中国画在表现意境时往往具有微妙的情感和深刻的文化内涵，引导观者产生联想和共鸣。
中国画意境的表达凸显了中国文化的独特气质和审美特征。中国传统文化注重内在的情感表达和精神升华，中国画作为中国传统绘画形式之一，对文学、诗词、哲学等文化传统有着深厚的渊源和传承。在中国画的创作中，艺术家往往通过对经典诗词、历史典故、神话传说等文化符号的运用，构建起独特的意境空间，使画面得以呈现出深邃、含蓄、含蕴的文化内涵和情感表达。这种文化意境不仅丰富了中国画的表现形式，也为中国画注入了独特的艺术魅力。
中国画意境的表达体现了中国绘画艺术的立体感和抽象表达。中国画意境的表达常常体现为富有张力和内涵丰富的立体感，这种立体感并不仅仅是指画面上的空间布局和透视效果，更多的是指画家通过丰富的表现手法和形式语言，使画面具有丰富的内涵和情感。中国画意境的表达也有着独特的抽象性，画家通过对写实形象的简化和夸张、对笔墨的概括和表现，使作品超越了客观形态的限制，呈现出抽象而意蕴深远的艺术效果。
浅谈白描手法在古诗中的运用
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浅谈白描手法在古诗中的运用
作者：吴建萍
来源：《课外语文·教研版》2013年第08期
【摘要】白描原是中国画的一种技法，指描绘人物和花卉时用墨线勾勒物象，不着颜色。在文学创作上，“白描”则作为一种表现手法，用最简练的笔墨，不加烘托，刻画出鲜明生动的形象，不尚华丽，务求朴实。白描诗正如陆时雍所说：“善道景者，绝去形容，略加点缀，即真象显然，生韵亦流动矣。”平常之物在诗人的笔下都增添了无穷的情趣，构成了优美的画面。
【关键词】白描手法；古诗；运用
【中图分类号】G632 【文献标识码】A
白描原是中国画的一种技法，指描绘人物和花卉时用墨线勾勒物象，不着颜色。在文学创作上，“白描”则作为一种表现手法，用最简练的笔墨，不加烘托，刻画出鲜明生动的形象，不尚华丽，务求朴实。鲁迅先生曾把这种手法概括成十二个字， 即“有真意，去粉饰，少做作，勿卖弄”。它是诗歌常见表现手法之一，历来是文人墨客所喜闻乐见的写作技法之一。
白描手法在中国古代诗歌里的运用源远流长，诗歌源头《诗经》中就有不少诗歌运用了白描手法。如《诗经·氓》中的“桑之未落，其叶沃若”“桑之落矣，其黄而陨”就是通过白描手法，再现了弃妇的自然生活，鲜有修饰之辞，语言质朴却动人。
东晋陶渊明的诗歌承续了这种简朴质实的技法，不论是写事、绘景还是述怀，多用轻笔随意点染，力避浓墨重彩描绘。尤其是他的田园诗大多运用白描的手法，但是诗却并不因此而显得肤浅，没有文学欣赏价值。田园风光景物的白描式，使陶诗读起来就像一幅写生画，所画景物的色彩、线条都宛如实物实景。如陶渊明田园诗的代表作之一《归园田居》其一：“少无适俗韵，性本爱丘山。误落尘网中，一去三十年。羁鸟恋旧林，池鱼思故渊。开荒南野际，守拙归园田。方宅十余亩，草屋八九间。榆柳荫后檐，桃李罗堂前。暧暧远人村，依依墟里烟。狗吠深巷中，鸡鸣桑树颠。户庭无尘杂，虚室有余闲。久在樊笼里，复得返自然。” 这首诗的平淡醇美，全表现在诗人不动声色的白描之中。黄昏的远村，依依的炊烟，深巷中的狗吠，桑颠上的鸡鸣，诗人只是径直说出，全不费力，也不需要什么比喻、象征、暗示；但细细体味，这些平平常常的事物，经过诗人的点化，用淡笔白描， 虽未泼以浓墨重彩，淡淡几笔却勾勒出一幅和平、宁静的田园村居图，营造出了宁静淡远的意境，令人神往。诗人在用白描手法描绘田园风光的同时，也巧妙地在其间融入了自己的生活理想、人格情操，表现了诗人对自由闲适的农村生活的热爱，充分体现了诗人的高雅情趣。陶渊明确实是“白描”的高手，其描写平淡质朴，不加任何修饰，却极为精练自然，如“出水芙蓉”，体现了白描手法的精髓。 龙源期刊网