浅谈中国画
浅谈中国画 传媒与艺术 浅谈中国画 赵权 （西安工业大学 陕西西安７１００３２） 【摘要】 文章概述了中国画的源流和演进；阐释了中国绘画传统中运用的现实主义和浪漫主义相结合的创作方法；归纳了中国画特 征：一是意境，二是笔墨，三是题跋和印章；阐述了当代中国画的发展，老中青年画家为继承和发展中国绘画艺术的优良传统，为中国绘画艺术 的不断创新，正做出积极的贡献。 【关键词】 中国画；意境；笔墨 、 中华民族在数千年的社会实践中，创造了灿烂的古代文化，而中国 画艺术就是古代灿烂文化的一部分，具有我国民族特点的宝贵艺术 遗产。 一、中国画的源流及演进 几千年来中国绘画留下了大量优秀作品，从类别上主要分人物画、 山水画、花乌画三部分。大体上在五代以前，以人物画为主，元代以后 以山水画为主，而宋代则是人物、山水画并盛的时期。从表现形式和技 法上看，可分写意、工笔重彩两部分。五代以前，以色彩为主，元代以 后，以水墨画居多。宋代作品，色彩和水墨都不错，可说是交辉相映。 从现存最早长沙出土的晚周帛画和马王堆出土的西汉画看，两千 多年前的绘画艺术就已有较高的工艺水平，特别是马王堆出土的这幅 丝织品上的绘画，图像用单线平涂绘成，线条流畅，描绘精细，色彩绚 丽，这在我国古代帛画中也是少有的。 东晋时期杰出的人物画家顾恺之，所绘的《洛神赋图》和初唐杰出 人物画家阎立本的《列帝图卷》，都是较早的中国人物画用线塑造人物 的好作品。唐代是中国经济文化发展兴盛时期，中国画特别是人物画 和宗教壁画发展很快，出现了象吴道子、张萱、周防等著名人物画家。 吴道子在绘画史中被称为 画圣 。周防的《簪花仕女图》，是唐代传下 的工笔重彩人物画杰出的作品，至今仍成为研究中国画借鉴学习的范 本。唐代以后曾经出现大量的寺院壁画，最具有代表性的要算敦煌壁 画和元代的永乐宫壁画。整个唐代，有人从绘画创作和形式上说是属 于壁画时代。仅吴道子一生在长安、洛阳一带就画了近三百多间壁画。 到了宋代，中国画发展更快，原因是封建王朝开始办起了画院，封建主 开始收藏书画名迹，画院里也培养了一些杰出的专业画家，因而使得中 国古典绘画趋向成熟。张择端的《清明上河图卷》可算中国古代绘画的 卓越杰作。表现了高度现实主义手法和艺术才能，描写了北宋首都汴 京城内外的繁华场面。从人物动态的描绘到构图透视的处理，都具有 很高成就。所以宋代在人物画的表现形式和技法的发展上可说是多方 面的。 宋元以后，中国山水画开始发展，一些优秀的山水画家继承了前人 的优秀传统，发展提高了水墨渲染的表现能力，使得中国绘画的面貌起 了新的变化。 隋朝展子虔的《 》是青绿重色的山水画。唐代吴道子的嘉陵 江山水，李思训的禁中和海外山水，王维的诗中画都表现了山水画的新 技法。 五代和宋代山水画家更多了。荆浩的云中山顶，关仝的野店村居， 董源和巨然的江南雨景，郭熙的溪山雪霁，范宽的雄峻华山，米芾父子 的江南雨景，李唐的中州山水，都充分发挥了画家的创作才能，都能“外 师造化，中得心源 。 元明以后有影响的山水花乌画家，有黄公望、倪瓒、文征明、唐寅、 仇英、董其昌等人。明末清初，中国山水画形式主义倾向严重。石涛和 八大山人由于具有较深的艺术见解和修养，和形式主义作斗争，不受成 法限制，敢于标新立异，因而成就较高。 二、中国画的特点 数千年来，祖国历史上的画家们在劳动实践中留下了许多优秀作 品，也总结出了中国绘画系统而有创造性的画论供后人学习借鉴。 让我们根据古人的经验和作品，看看中国画的特点是什么。 长期以来，有人把中国画的特点说成是“线描”。这样说，把中国画 发展中的主要特征看得太简单了。要了解中国画的主要特点，就要对 中国绘画传统中现实主义的创作方法有所了解。 公元４世纪东晋画家顾恺之，在自己作画实践的经验中，从理论上 提出了“传神写照”、 以形写神”、“迁想妙得”的现实主义绘画理论。 他要算开创中国画理论的奠基人。魏晋南北朝以前，作画的人多侧重 “如实描写 ，求得“形似”。但这已经不能满足人民和欣赏者的要求。 而顾恺之提出的“传神写照”把绘画创作的要求大大提高了一步。什么 叫“以形写神 、 迁想妙得”呢？就是画家在描写对象时，要在刻画对 象形的基础上，达到传神的境界。这就不是限于对物象简单的如实描 写，而包含了作画者从感性认识到理性认识，再从理性认识到艺术表现 的完整过程。它不是物象简单的再现，而是比原来生活中的物象更高 更概括，也就是更传神了。这种作画的态度，是中国画现实主义创作方 法的基础。 ５世纪南齐著名人物画和理论家谢赫，总结和发展前代绘画理论中 的法则，形成了较为完整的中国画理论。所谓“六法 ：一是气韵生动； 二是骨法用笔；三是应物象形；四是随类赋彩；五是经营位置；六是传移 摹写。谢赫所提的这些画论成为中国画创作和评论的标准，使中国画 创作有了进一步的发展。 １３世纪后，由于中国山水画逐渐以独立的艺术形式出现，内容形式 乃至技法都在发展变化。唐代张文通又提出了“外师造化，中得心源” 八个字。 外师造化，中得心源 在意思上和“迁想妙得 、 以形写神” 是一致的。从字面上看，“师 字很重要，师造化，不是重现自然，而是以 自然为基础，也就是以生活为源泉，通过作者的理想和艺术加工而表现 到画面上。“得心源 就是自然景物和作画人的思想感情融会在一起以 后得到的艺术形象。著名山水画家荆浩在笔法记中，对 外师造化，中 得心源 八个字作了进一步的补充和阐发，提出了六要，就是气、韵、思、 景、笔、墨。认为写生“凡数万本，方如其真”。石涛又提出：“搜尽奇峰 打草稿。 从宋元以至明清，很多杰出的山水画家遵循这种创作方法，创 作了很多优秀的作品。 了解了中国绘画传统中现实主义和浪漫主义相结合的创作方法， 就能更清楚地认识中国画的特点了。如果简要概括特征，可以归纳为： 一是意境，二是笔墨，三是题跋和印章。先说意境这个特征。 １、意境 意境在中国画中包括的内容很多。一张画的主题，其取景构图、造 型准确和传神、情节安排与描写、画面的经营处理，都在“意 字上下功 夫。王维在山水赋中说：“凡画山水，意在笔先。”张彦远所谓：“骨气形 似，皆本于立意。”还有人说： 画立于意而归于笔。”总之“意 可以说是 一张画的灵魂。 中国画向来就被说成“画是无声诗”。画有诗境。过去常说：“画 中有诗，诗中有画。 唐诗里许多诗境也是画境。王维既是杰出的诗人， 也是杰出的画家。他写的诗句： 落出寂寂啼山乌，杨柳青青渡水人。 行到水穹处，坐看云起时。”又是多么抒情的画面。当然，这个“意境” 只是当日寸唐代诗人的“意境”，用今天时代标准来看当然不够。 中国画表现形式比较简单而内在东西很丰富。中国画描绘的景 物，不受光线投影的限制，不求自然主义色彩的涂抹，它可以“得其精而 忘其粗，取其内而忘其外，见其所见，不见其所不见，视其所视，而遗其 所不视。”用浪漫主义手法大胆取舍，大胆强调，大胆处理。齐白石画鱼 虾，有时连水纹线也不画，人们却感觉到鱼虾在清澈的水草中游荡。中 国画常常是“由小见大 ，“以少胜多”，画面的描绘处理，不是可有可无 的东西，甚至每一处空白都是充满内容的空间。 ２、笔墨 再说笔墨。 《新西部）２０１１．３３期 一９３—
浅谈中国画 传媒与艺术 一幅画有了“立意 ，通过什么形式来表现完成呢？作为中国画具 体完成表现画的要素主要是笔墨。当然色彩也是要素之一。笔和墨单 独讲都是工具材料。但笔墨加在一起，经过画家运用，就成了中国画艺 术上表现的功力。画家对笔墨运用的好坏关系到画家表现物象、表达 “意境 做到形神兼备的重要条件。 （１）线。中国画很重视线的表现，用线来塑造形象。所谓“骨法” 就是指的造型骨架；所谓“用笔 就是通过具体的线去表现物象于画面。 线是表现客观物象提炼取舍的结果，有的把线条说成是“物象之本 。 中国画塑造形体，不管是工笔重彩还是水墨写意，不管是人物画和山水 花乌画，都是很讲线的运用的。线是不是准确表达物象，线是不是有力 量，是不是美、有音乐的韵律感，这都靠笔的运用。怎样才能运用好，过 去古人很多通过书法来提高。所谓“书画同源”。写字可以练腕，可以 加强画家驾驭笔的能力，执笔时而手不为笔使。通过用笔的纯熟，产生 笔力、笔意、笔趣，变换虚实，浓淡轻重，拙巧适度。如古画论中形容顾 恺之的线似“春蚕吐丝”；形容尉迟工僧的线（画衣纹）如“屈铁盘丝”； 形容吴道子的线（画衣纹）如 吴带当风”；形容曾仲达的线如“曹衣出 水”。 （２）墨。关于用墨。有时讲，笔着重在勾出轮廓，要求线的优美，墨 着重在渲染和表现面的功夫。笔以达气，墨以生韵。墨的运用使画面 气韵表现生动是重要的。古人所谓“墨分五色”。墨是黑的，怎么能分 成五色呢？这是形容墨在表现物象时，能画出多种层次不同的色彩感。 一砚黑墨，通过笔和水的调配，经过画家运用，以千、湿、浓、淡可表现出 丰富的物象。所谓笔精墨妙，妙在出于自然，不是人做作而成。画家利 用引笔的快、慢、转、折、摇、曳，使墨水从笔里自然流出，在宣纸上自然 变化，出现各种复杂的墨色。意想不到的干、湿、浓、淡，其目的不是简单 表现物象本身的光暗凸凹变化，而有作画者主观感情笔情墨趣在里边。 古人讲的墨法很多，什么浓墨法，硬墨法，积墨法，淡墨法，泼墨法，焦墨 法，宿墨法。归纳起来可分两类，一是积墨法，一是泼墨法。这两类法 各有所长。常常是积墨的浑厚用到泼墨中“淡中求厚 ，泼墨好了。而 泼墨的润味用到积墨中去，积墨法的感觉就好了。积墨要积而不板，泼 墨要泼而不薄。 以墨代色，也是中国画家的创造。中晚唐，在画家中曾普遍掀起一 个以墨代色的运动。画家以墨色的不同变化，表现各种色彩感觉，充满 着浪漫主义色彩处理。如红花不是用绿叶衬，而是用墨叶衬。这使花 显得更红艳。这就不是自然主义的描写。 （上接第１０３页） ３、构图、透视、色彩、题跋、印章 中国画除 意境”和 笔墨 两个特点外，还有构图、透视、色彩、题 跋、印章等等。但这些不能说是最主要的特点。过去有人常说：“诗、 书、画、印熔铸一炉。”这是说中国画的诗、书、印的关系。一张画不单有 诗的意境，而且有诗句的补充，好的诗句锦上添花。 再加上书写艺术的题跋和印章的补充，使一幅中国画更加完美。 三、中国画的发展 中国画在近几十年的发展创新中，出现了－－￣ｔＬ优秀画家，闻名中外 的画家齐白石，杰出的山水画家黄宾虹，人物画和国画家徐悲鸿，他们 在继承中国绘画传统、发挥独特创造性方面，都做出了卓越的贡献。齐 白石勤奋好学 艺术上吸收古人的优点，有独到见解，不断有所创造， 因而在诗、书、画、印几方面都有很高造诣，留下了大量的优秀作品。黄 宾虹对中国绘画传统技法有广泛的深刻研究，在运用笔墨的表现方法 上有新的发展，形成了他的山水画独特风格。徐悲鸿是优秀的美术教 育家。他的绘画在继承中国水墨画传统的基础上采用了西洋画的技 法，丰富了水墨画的表现技巧。他的绘画创作实践中，极力反映新中国 时代的人民生活。这三位画家的不同成就在新的中国画发展过程中起 着承前启后的作用。还有象著名的潘天寿、傅抱石等老国画家，创作上 都有较高的成就。他们不拘前人俗套，在山水花乌画上独创一格，深受 广大中国画爱好者的欢迎。张大千先生在中国画的创造上在国内国外 都有较大的影响。 如今的中国画正在百花园中争芳斗艳，不同流派、不同风格的作品 更是丰富多彩。尤其可喜的是，老中青年画家切磋琢磨，为继承和发展 中国绘画艺术的优良传统，为中国绘画艺术的不断创新，正作出积极的 贡献。 【参考文献】 ［１］ 薄松年主编．中国美术史教程．陕西人民美术出版社，２０００ ［２］ 陈龙海著．中国线性艺术论．华中师范大学出版社，２００５． ［３］ 徐复观著．中国艺术精神．春风文艺出版，１９８４． ［４］俞建华编著．中国画论类编．上卷．人民美术出版社，１９５７． 【作者简介】 赵权（１９７２一）男，山西山阴人，硕士，西安工业大学副教授，研究 方向：中国画艺术研究、中国民间美术． 实践纳入高校党建工作体系中的重要一环，将其做为考察积极分子、发 展预备党员、党员转正考核的重要依据之一，以实践检验大学生党员是 否具有先进性，是否发挥先锋模范作用。 大学生党员肩负党和国家繁荣复兴的历史使命。高校应该重视社 会实践活动在党建工作中的地位，积极有效地开展大学生党员社会实 践活动，这不仅有利于提升大学生党员的党性修养和理论认识，对于培 养大学生党员社会责任感，树立优秀党员形象也有重要的促进作用。 【参考文献】 ［１］ 程建军．加强大学生党员社会实践教育［Ｊ］．群众，２００８．（０６）． ［２］ 秦馨．大学生社会实践的育人功能研究［Ｊ］．传承，２０１１．（１５）． ［３］ 李军，关敏．以社会实践为载体促进大学生学习型党组织建 （上接第８０页） 设［Ｊ］．科教文汇，２０１１．（Ｏ５）． ［４］ 马珊珊．浅析增强大学生党员党性修养的途径［Ｊ］．中国电力 教育，２０１１．（０７）． ［５］唐百锋．新形式下大学生党员实践教育的困境与对策［Ｊ］．职 业时空，２０１１．（０２）． ［６］ 程艳丽．加强大学生党员社会实践教育探讨［Ｊ］．学校党建与 思想教育，２００９．（０８）． 【作者简介】 林宇玫（１９８３一）女，汉族，福建福州人，助教，思想政治辅导员，主 要从事学生管理工作及思想政治教育与研究． ［２］ 睢素利，单国军．共同遗嘱的法律效力研析［Ｊ］．成人高教学 刊，２００８．（０４）．１４４—１４５． ［３］ 任波．论继承法中的共同遗嘱问题［Ｊ］．吉林广播电视大学学 报，２０１０．（０３）．１２５—１２６． ［４］ 刘道云．共同遗嘱我国《继承法》应否定［Ｊ］．法制与经济（下 （上接第９６页） 旬），２０１０．（０４）．１３５—１３７． ［５］ 吴丹．论我国继承特留份制度之构建——以台湾地区立法为 鉴［Ｊ］．重庆科技学院学报（社会科学版），２００９．（１０）．１８８—１８９． ［６］ 徐振增，赵雅琨．论遗嘱自由之限制与我国继承法的完善 ［Ｊ］．前沿，２０１０．（１０）．２０９—２１１． 【参考文献】 董克用．人力资源管理专业知识与实务［Ｍ］．北京：中国人事出版 社．２００９． 【作者简介】 樊艳峰（１９６８一）女，经济师，现任职于西安文理学院人事处
浅谈中国画的留白艺术
浅谈中国画的留白艺术
中国画除了讲究色彩笔墨之外，或多或少的还会留下一定的空间，称之为“留白”。“留白”是中国画独有的特色，能够体现出中国画所独有的艺术魅力。本文主要从留白的特点、意义等方面出发，论述了中国画留白的创作原则和艺术魅力。
标签：中国画;留白;艺术魅力
从我国众多的中国画作品中能够看出留白的艺术特点。留白是绘画者在绘画过程中特意留下的空白，也是中国画的特色所在，它通过无中生有、虚实结合的情境，充分展现了中国画所特有的艺术境界。
1中国画留白的特点
中国画在构图上不同于油画，也并不遵循黄金定律，但是却可以充分展现绘画者的情绪。而留白是中国画中所特有的一种表现形式，它可以和笔墨进行相互的渗透，展示出作品独特的魅力。中国画的绘画者主要想表达主观情绪，一般都是用最基本的符号来表达作品的内容，对于和主题没有直接关系的内容，通常都是直接删除，这样就产生了留白。但留白不等于空白，留白也是构图中非常重要的组成部分，它看似无形、其实有形，是一种能够充分表达意境的独特手法。随着艺术形式和内容的不断变化，中国画也在反应相应的变化，不断吸取西方绘画中的精华。而留白作为中国画所特有的内容，随着中国画的发展与变化，也要继续弘扬和发展留白的艺术魅力，使其不断应用到中国画中。
2中国画留白的意义
留白是指在画面中没有笔墨进行填充，就像是音乐中的休止符，通过留白可以突出画面的主体，提升画面的意境。例如，南宋画家马远在绘画中往往都是简单的几笔，画面中存在大量的空白，给人无穷的想象力，从而提升画的意境。留白在中国画中的应用有着较强的表现意义。首先，通过留白能够突出画面的主体，强调艺术形式，使画面中产生虚实结合的联系，对于留白之处，往往会使人引发联想，给人以想象的空间。其次，留白使画面更加清晰和谐，是艺术形象的重要构成因素，是一种虚化的处理方式和手段。再次，留白是整幅画的妙境空灵所在，能够使整个画面都得到一定的升华。留白能够充分体现出中国画的独特和文化精髓。最后，留白作为一种具体的表现形式，能够充分体现出画作的形式美，形式美就是绘画作品的生命之美。
浅谈中国画的意境表现
一、意境表现的审美观
意境是中国绘画的一个核心范畴，是艺术家极力追求的一 种艺术境界。从古至今很多艺术家都揭示过这个问题。六朝谢
赫在《古画品录》中明确说明中国画意境表现为“六法”：“（１）
气韵生动，（２）骨法用笔，（３）应物象形，（４）随类赋彩，（５）
经营位置，（６）传移模写。”我们从中可以体会到意境是画面各
个因素的高度融合。从写意画中，我们可以直接感受到“意境”。
“写意”顾名思义就是“写”和“意”，“写”代表着绘画以及蕴
含于绘画的各种手法；“意”指意境、意象、精神和审美情趣。
“写”的目的是为了更好地表现“意”。清人范玑说过：“故凡论
画，以法为津筏，犹非究竟之见，超乎象外，得其环中，始究
竟矣。”可见意境在绘画中是处于核心地位的。笪重光在 画筌》
中曾有“实境”、“真境”、“神境”、“妙境”之说，真境画的逼
真，而神境自然生成。石涛说：“山川使予代山川而言也，山川
与予神遇而迹化也。”也就是指的“天人合一”，要达“物我两
忘”的境界，这是一种较高的绘画境界。黄宾虹主张“缘物寄
情”、“以景寓意”、“以神取形”、“笔不周而意周，笔不工而心
恭”。以上都是强调的意境在绘画中的审美作用。为了求得画中 的意境，画家就要在用笔、用墨、表现形象等各个方面，去追
求那种含蓄、虚幻、灵动、疏密、精简的表现形式。
二、笔墨的意境表现
１、笔线的造型：中国画很重视线的表现，用线来塑造事物
的形象。以线为骨，就是指以线为造型的骨架，笔墨造型妙在 “似与不似之间”。画家勾画的线条并非事物本身的线条，它体
现的是画家对事物的一种感觉、一种体悟，画家把这种感觉或
体悟通过线条描画出来，这也就是线条的写意性。并且线条在
塑造形象中有力的变化，其关键在于用笔。古今画家通过熟练
的用笔、运笔，产生笔力、笔意、笔趣，形成虚实变化、浓谈
相依、顿挫回旋、巧拙适度、富于节律线的造型。
谢赫在《六法论》中，把“骨法用笔”放在第二位。唐代
浅谈中国画教学中的笔墨情趣
浅谈中国画教学中的笔墨情趣
在中国绘画教育中，笔墨情趣是一个非常重要的教学内容。笔墨情趣是指绘画作品中所表现出的笔墨技法的韵味和意境，是传统中国绘画的精髓所在。在教学中，教师应该注重培养学生的笔墨情趣，使其能够在绘画中自由发挥，表达自己的个性。
在笔墨的教学中，要注重培养学生的观察能力。观察是绘画的基础，只有通过观察，学生才能够准确地理解和把握事物的形态和性质。教师可以引导学生观察自然界中的山水、花草、动物等元素，让他们感受并理解其特点和美感。通过观察，学生可以积累大量的素材和图像，在绘画中更加有表现力。
在笔墨的教学中，要注重培养学生的感知能力。感知是指对事物的直接感受和体验。教师可以引导学生触摸不同质感的物体，比如绢、纸、墨等，让他们感受到不同材料带来的不同效果。在绘画过程中，教师可以引导学生用手指和画笔去感知颜料的质感和流动性，体会到笔墨与纸面的交融和变化。通过感知，学生可以更好地掌握笔墨的运用技巧，使作品更加生动和有趣。
在笔墨的教学中，要注重培养学生的审美能力。审美是指对美的感受和理解。教师可以通过展示优秀的中国绘画作品，引导学生欣赏其中的艺术之美，培养学生对传统绘画的喜爱和兴趣。在绘画过程中，教师可以引导学生思考和探索不同的笔墨技法，让他们发现和创造出自己独特的表现方式。通过审美的培养，学生可以更好地理解和欣赏中国绘画的独特魅力。
在中国画教学中，培养学生的笔墨情趣是一个重要的任务。通过培养学生的观察能力、感知能力、审美能力和创造能力，可以使他们更加熟练地掌握和应用笔墨技法，同时也可以培养他们对绘画的兴趣和热爱。只有在培养了学生的笔墨情趣之后，他们才能够在绘画中展现出自己的个性和才华，为中国绘画的发展做出自己的贡献。
浅谈中国画的审美特征
浅谈中国画的审美特征
中国画是中国传统文化的重要组成部分，具有独特的审美特征。它以中国古代绘画为基础，在长期的发展中逐渐形成了自己独特的风格和表现手法。以下是对中国画审美特征的浅谈。
中国画注重“气韵生动”。中国画强调以意境来表达主题，追求表现对象内在的神韵和生动的意境。通过精心的构图、色彩和笔法的运用，使画面产生一种独特的氛围和意蕴，给人以愉悦和思考的感受。
中国画强调“纸墨相生”。中国画的画材主要是宣纸和墨，宣纸能够很好地承受墨的抹揩和笔触，使得画面呈现出独特的质感和神韵。墨是中国画的灵魂，它通过变化的厚薄、浓淡和质地来表达画家对于对象的描绘和意境的追求。纸墨的结合使得中国画以其简约而不失深邃的特点，成为世界艺术史上独树一帜的艺术形式。
中国画重视“写意”与“写实”的结合。中国画既追求形物的表面特征，又强调表达画家的情感和思想。通过自由的笔墨和变幻的线条，中国画将物象拟写与精神境界的抒发结合在一起，使画作具有独特的表现力和感染力。
中国画追求“以白处墨”。中国画在表现色彩时注重运用“以白处墨，以墨处白”的原则。即画家在表现明暗关系时，通过灰色的渐变来体现色彩的层次和深浅。这种画法不仅给观者以空灵淡雅的感受，同时也注重画面的统一和和谐。
中国画强调“中和美”。中国画注重表现对象的互动和相得益彰的关系。通过对比的手法，使画面中的各个元素达到一种和谐的状态，使画面具有平衡和自由的美感。画家在构图和色彩上追求的是对称、协调和统一，以实现视觉上的愉悦和美感。
中国画具有气韵生动、纸墨相生、写意与写实结合、以白处墨、中和美等审美特征。这些特征不仅是中国画艺术表现的重要手段，也是传承和发展中国传统文化的重要方式。中国画在不断地创新和发展中，仍然具有独特的魅力和影响力，为世界艺术史增添了璀璨的一笔。
浅谈中国画的意境
南昌高专学报２０１２年第２期（总第９９期）２０１１年４月出版 Ｊｏｕｒｎｄ ｏｆＮａｎｃｈａｎｇＣｏｌｌｅｇｅ Ｎｏ．２＠ｕｍ ９９） Ａｐｔ２０１２
浅谈中国画的意境
吕素清
（江西科技师范学院，江西南昌３３００３８；江西会昌二中，江西会昌３３００００）
摘 要：意境是中国美学范畴，是作者的情思与景物、生活画面的有机融合，是一种“情景交融”、“虚实相
生”的境界。作为中国古典美学、艺术理论的核心概念，其中积淀着中国独有的文化心理因素。在中国古典美术
领域，意境不仅是艺术创作原则．同时也是艺术品评的标准。主要对意境的特点、绘画意境的特征、中国画的意
境美等方面进行阐述。
关键词：意境；绘画意境：中国绘画意境
中图分类号：Ｊ２２２ 文献标识码：Ａ 文章编号：１００８—７３５４｛２０１２）０２—００４０—０３
一般说来，西方艺术理论注重典型论，中国艺术理论
注重意境论。典型论中，强调再现．重视写实，着重刻画人
物形象。在意境论中，强调表现，重视抒情写意，着重抒发
主观情志，要求深刻揭示内心世界，注重传神，主张气韵
生动，提倡言近旨远，语约义丰，言有尽而意无穷，如抒情
诗、山水画、音乐、舞蹈、书法、建筑等，更侧重于创造意
境。
意境是作者的情思与景物、生活画面的有机融合，是
一种“情景交融”、“虚实相生”的境界。景中有情，情中有
景，只有感情与形象高度融合并敞开一个世界的时候才
会产生意境；中国画的“抒情”不是直接抒发出来或直接
呐喊出来的，是通过“景”间接暗示出来的，所以它的形象
性特别强。意境是我国艺术独特的审美意识，这一根本特
性使中国画成为有别于任何写实艺术、抽象艺术、装饰艺
术的意象，而自立于世界绘画之林。
一、意境的特点
意境是指艺术作品中所描绘的客观物象、事物、场景
和主观情致、意味、思想融为一体而形成的一种具有无限
超越性的审美境界。这种超越性的审美境界主要表现为
情景交融、虚实统一、主客统一，其中要能够蕴含或昭示
浅谈中国画的写意性
浅谈中国画的写意性
中国画是中国传统文化的重要组成部分，它以其独特的艺术风格与表现手法，吸引了无数人的关注与喜爱。而其中一个重要的特点就是其强烈的写意性。
写意，即以所描绘的事物为基础，注重抓住事物的精神、情感和气势，以意境和笔墨来表现。中国画的写意性体现在多个方面，从题材、构图、笔墨运用、表现手法等方面都可以看到其独特之处。
中国画所描绘的题材广泛多样，无论是山水、花鸟、人物还是动物，都强调形神兼备，注重表达对象的内在情感和精神境界。中国画家通过独特的写意表达手法，使得作品更加富有内涵和情感，不拘泥于外在形象的模仿和复制。
构图是中国画中表现写意性的重要手段之一。中国画注重以简取胜，往往通过简洁的构图来表达画家的意境和情感。传统的中国画作品往往以点、线、面的组合来概括形象，并强调画面中物象的构图和排列方式，以营造出一种特殊的视觉效果。这种构图方式与西方绘画的透视法不同，更强调意境和幻觉，给人以更多的遐想空间。
笔墨运用是中国画中重要的表现手法。中国画家强调用笔直观地表现对象的精神和情感，并通过丰富的笔墨变化来表达画家的情感和想法。中国画家画山水时，常常运用笔墨来刻画山的雄伟、水的湍急和云的飘逸；他们画花鸟时，通过鸟或花的姿态以及墨色的运用来表现事物的生动与自然。这种笔墨运用的特点，使得中国画更加富有诗意和想象力，也突出了中国画家所追求的意境和神韵。
中国画的写意性在表现手法上也有其独特之处。中国画家强调“离”和“落”，即通过主观表达来抓住事物的精神气韵，强调个人情感和意境的凝聚。他们追求精神的自由，强调意境的生成与个性的体现，通过大胆的表达手法和独特的意境构建，使得作品更富有个性与独特性。
中国画的写意性是其独特的艺术表现形式。它通过题材的选择、构图的设计、笔墨的运用以及表现手法的选择，使得作品更加富有内涵和情感，引发观者的想象与遐想。中国画以其独特的写意性，传承了中国传统文化的精髓与智慧，成为了世界文化艺术的瑰宝之一。
浅谈中国画中的留白
浅谈中国画中的留白
我对绘画的了解着实是少之又少，对于一些有名的画作也只是仅仅停留在知道这个层面上。通过这个学期的学习，虽然老师给我们上的课不多，但是我收获却是不少。以前我对画的理解仅仅局限在看它的大概轮廓上，尤其是对古代山水画，因为本来就模糊所以更是没有机会细细的观察过，所以更不可能去理解画的意境与内涵。通过这节课让我也更加细致的去欣赏这些经典的画作，并能跟着老师的引导了解一些画里画外的内涵与神韵。包括中国画中的以小见大，
今天我想给大家讲的是中国画中的留白。留白是中国画中最常用的技法之一，也是中国画的一大特色。中国画不像西方的油画强调色彩的冲击，它用淡淡的墨迹给我们描绘出一个个充满想象空间的世界。而这个空间很大程度上是留白的作用，所以今天我想跟大家浅谈以下留白这个技法。
中国画中的“留白”有着深远的历史，并且是在画家们的创作中自觉形成的一种技法。自觉的历史应当追溯到先秦时期的“错彩镂金”，而到六朝的“出水芙蓉”形成。从唐代张彦远的《历代名画记》中的“白画”可以看出它成长与唐代。对于画面上有意识的“留白”并作深入研究的时代当为宋代，这个时期是中国画之“留白”造美的兴盛时期。如赵佶的《池塘晚秋图》，马麟的《层叠并绡图》，以及北宋文同的《墨竹图》，下面我们着重看一下文同的《墨竹图》。
文同(1018—1079)，字与可，世称石室先生，四川梓潼人，北宋皇佑年间进士，元丰初年任湖州太守，故亦号文湖州。至于画竹，他曾对好友苏轼有过表露，说：“吾乃学道未至，意有所不适而无以遣之，故一发于墨竹”，可见画竹是他渲泄情感，遣发胸怀的手段。苏轼是中国文人画理论的奠基人，也擅画竹。由于文同、苏轼等的倡导，宋元间画墨竹之风大盛，名家辈出。
这幅《墨竹图》本幅墨竹纵131．6厘米，横105．4厘米，双拼绢本，现在存于台北故宫博物院。开创的是用墨画竹的先河，此图竹竿用笔自然圆浑，墨色偏淡，节与节之间虽断离而有连属意。画小枝行笔疾速，柔和而婉顺，枝与枝间横斜曲直顾盼有情。竹是气节之意象，用墨迹来表现它更是想显出它的苍劲有力。同时我们不得不看到此幅画作亦有大面积的留白存在。留白，给了我们无尽的遐想，我们看到的不仅仅是眼前这一株竹子，我们看到的是竹子的品性。这里也可以用以小见大的思想去理解 。竹子的高洁，竹子的骨气被表现的淋漓尽致。
浅谈中国画的写意性 2
浅谈中国画的写意性
中国画具有独特的写意性，这种艺术风格的形成有着悠久的历史渊源和丰富的文化背景。中国画的写意性体现在以下几个方面。
中国画的写意性在于其抽象的表现手法。中国画并不追求形神兼备的写实效果，而是通过一些简练而富有表现力的笔墨技法，使得作品呈现出一种虚实相生、意象流转的艺术效果。这种抽象的表现手法给观者留下了较大的想象空间，使得观者可以自行联想和感受作品所传达的意境和情感。
中国画的写意性在于其强调意境的表达。中国画强调通过画笔的运用和墨色的渲染，传递出一种特定的情感和意境。通过简练而富有节奏感的线条和色彩，中国画呈现出一种自由、灵动、舒适的氛围，使得观者能够感受到画家所追求的心境和情感。
中国画的写意性在于其注重“神似”而不是“形似”。中国画不仅仅是在表现客观事物的外在形象，更重要的是要表达出其内在的气质和精神。中国画家通过绘画的形式和技巧，追求作品中所表现的主题、思想和情感，通过画面所传达的神韵来感动观者的心灵。
中国画的写意性还在于其追求“意象至上”。意象是中国画创作中的核心，中国画家通过意象的构建和表现，力图将作品传达的意境和情感更加清晰而深刻地表达出来。无论是山水画中的山水、花鸟画中的花鸟，还是人物画中的人物，中国画家都注重通过意象来表现作品的特色和主题。
中国画的写意性是中国艺术的重要特点，它通过独特的艺术手法和表现形式，展示出一种自由、灵动、深邃的艺术语言。中国画的写意性不仅仅是一种艺术风格，更是一种独特的文化气质和审美追求，它让人们能够感受到中国传统文化的深厚底蕴和独特魅力。无论是中国人还是海外人士，都能够通过欣赏中国画的写意性，领略到中国传统艺术的独特魅力和内在精神。
浅谈中国画的写意性 3
浅谈中国画的写意性
作为中国文化的瑰宝之一，中国画一直以来被人们所喜爱和推崇。中国画的不同于西方绘画的一大特点便是其写意性，这是由于中国画的特殊文化背景以及其悠久的历史渊源所决定的。那么，什么是写意性？它在中国画中有什么特殊的地位和意义呢？本文将试图从不同的角度为大家解答这些问题。
要探讨中国画的写意性，首先需要了解它所包含的含义。所谓的写意，是指画家在作画时所表现的自由和随意。它是一种在韵律、姿态、色彩等方面体现出的艺术自由和表现手法。在中国画的创作中，写意就是画家自由勾勒、随心所欲的作画方式。画家借助笔墨和色彩的描绘技巧，以及自己的思想、情感和审美倾向，通过对作品的构图、线条、笔画和色彩的表现，传递出个人独特的艺术感悟和艺术境界。
在中国画史上，写意性具有重要的地位和意义。从汉代的蔡邕《黄庭内景赋》中的“神龙见首不见尾”就可以看出，中国画在古代就已经形成了意境和写意的探索和表现。唐代的文慈航《桃花仙人》、宋代的虚谷《清明上河图》、元代的王冕《书圣图》、明代的唐寅《寒林寺图》、清代的石涛《峨嵋远眺图》等诸多名家作品都充分体现了中国画的写意性，使其成为中国画独有的表现方式。
写意性在中国画中的表现，主要体现在画家的笔墨写意和色彩写意两个方面。笔墨写意即画家的笔墨运用自由而随意，毫不作假，随心所欲、自由散漫，行云流水。而色彩写意则是用色自由随意，使之达到意境所要求的色调效果。中、西方画法在色彩的运用上有很大的不同，为了达到更多的真实性，西方绘画大都重视细节和光影的表现，但是中国画更强调的是色彩的情感和意境表现，追求淡泊而高远的境界。
中国画的写意性，不仅突出了画家的个性和审美倾向，而且也是中国画的创新之所在。通过画家自由勾勒的线条和线条之间融合的气韵，使作品呈现出生机勃勃的感觉。此外，在笔墨和色彩的运用中，也能够表达出画家对人生、自然、社会及人与自然关系的思考和感悟。因此，中国画的写意性不仅具有艺术上的魅力，也有着深刻的社会和哲学意义。
浅谈中国画教学中的笔墨情趣 2
浅谈中国画教学中的笔墨情趣
中国画是我国悠久的传统文化艺术之一，它拥有博大精深的艺术内涵，富有浓厚的人文情怀。在中国画教学中，笔墨情趣是至关重要的一个方面，它是表现画家的个性和风格的重要手段，也是充分体现画家对艺术的理解和把握的重要标志。本文将探讨中国画教学中的笔墨情趣。
一、笔墨情趣的概念
笔墨情趣是中国画中的一个非常重要的概念，它包括了笔墨的艺术特点和画家个性的体现。其中，笔墨是指画家使用的各种笔和墨，在画面上形成各种线条和颜色；情趣则是指画家在笔墨运用中所表现的情感和意境。
二、笔墨情趣的表现方法
1.用笔的姿势和手法表现情趣
中国画汲取了许多中国传统文化的精华，并且在一定程度上反映了画家的人文情怀和审美意识。在表现笔墨情趣时，画家可以通过用笔的姿势和手法来表现自己的情感和意境。例如，用粗笔描绘草木，可以表现出自然生长的力道和风骨；用细笔描绘山石，可以表现出景物的静态美和神韵；用抽象的笔法表现情感和心境，可以突出画家的个性和情趣。
2.墨的深浅变化表现情趣
在中国画中，墨的深浅变化是很重要的，它可以帮助画家表现出情感的深度和丰富性。例如，大量运用浅墨和淡墨可以表现出画家细腻、含蓄的情感；而多用浓墨则可以表现出画家豪迈、激昂的情感。
3.用色彩表现情趣
中国画的色彩非常重要，它不仅可以帮助画家表现场景和人物的颜色，而且可以帮助画家表现出情感和意境。例如，用红色可以表现出浓烈的情感和热烈的气氛；用黑色可以表现出神秘、深沉的情感和神韵。同时，在用色彩表现情趣的时候，画家需要注意色彩的和谐和适宜性，不要过于艳丽和浓烈，使画面失去平衡和美感。
三、如何培养笔墨情趣
在中国画教学中，培养学生的笔墨情趣是非常重要的，它不仅能够提高学生的绘画技巧，还可以培养学生的审美意识和文化修养。以下几点可以帮助学生培养笔墨情趣：