论绘画的格调
论《韩熙载夜宴图》的色彩特征
论《韩熙载夜宴图》的色彩特征
《韩熙载夜宴图》是中国宋代画家张择端所作的一幅长卷，以皇帝韩熙载在宫中夜宴为题材，反映了宋代宫廷文化、宴会文化和生活风貌。
其色彩特征可以从以下几个方面来分析：
一、色彩明快，光影强烈
整幅画明快而亮丽，色彩鲜明，光影强烈，具有很强的对比效果。
特别是顶部的明月、金碧辉煌的宫殿和身穿锦袍的文武百官，颜色都很鲜艳，塑造出繁华的宫廷景象。
二、应用平静的色调
画面的底部采用的是平静的色调，让人们感到温和舒适。
同时，这些柔和的色调为礼仪性更强的文官武官等主体形象提供了极好的背景，使它们彼此分明并露出来。
三、色彩调和，简洁平衡
画中运用的色彩平衡、调和感让观赏者感受到作品非常合理而且尊贵。
张择端运用的颜色有黄褐色、黄绿色、粉色、青绿色、深红色、深绿色、深蓝色等，使色彩丰富、繁复、和谐，给人以美妙的感觉。
综上所述，张择端在《韩熙载夜宴图》中以其独具特色的色彩运用，展示了中国古代画家的绘画才华和与众不同的格调。
论绘画创作中的“气韵生动”
论绘画创作中的“气韵生动”关键词：气韵生动；气韵“气韵生动”作为中国传统绘画理论的重要审美范畴之一，它指作品中蕴含的生机、气势、节奏和意蕴。
气韵理论源于先秦、两汉时代的“气本原”说，即认为充溢于宇宙间的“气”是构成万物与生命的基本原质。
气韵最先见用于品评人物，特指人的精神气质和仪表风尚；继之被转用于文论，用以讨论作者的思想个性对作品艺术风格形成的影响和意义。
南北朝时南齐著名画家、美术理论家谢赫的《古画品录》，是中国第一部系统的绘画专著。
这部专著中系统的提出了“六法”论，千百年来被奉为中国绘画创作和批评“千载不易”“万古不移”的金科玉律。
“六法”的提出，具有划时代的意义，它不仅标志着中国绘画真正成为独立的一门艺术，更标志着中国绘画已从外在环境、事件、形状、姿态的如何铺张描述转向生动的表现人的内在精神、气质、格调、风度方面来。
它使中国绘画真正走上通过有限的可穷尽的外在艺术语言或艺术形象去传达和表现某种无限、不可穷尽的人格思想的新阶段。
一般来说，山水画的独立成科，是从盛唐时期吴道子，李思训，王维等人开始的。
其中李思训的主要贡献是发展了金碧重彩的工笔山水，而吴道子、王维则对减淡重墨法的协议山水的发展有着大的贡献，开拓了中国画重笔墨的新传统，并对宋元以后文人画产生了直接的影响。
写意山水的本质特征之一就是重在体现画家本人在山水中所寄托的情思、思想和人生趣味，因此，绘画活动所具有的主体形意识明显增强了，画家本人的精神因素在绘画作品中的地位与作用也越来越重要了，因此这与气韵生动本质要求有着极大的相似。
从唐代作家评论山水画的诗歌作品中可以看的很清楚，如杜甫在《奉先刘少府新画山水障歌》说：堂上不合生枫树，怪底江山起烟雾。
闻君扫却赤县图，乘兴遣画沧州趣。
又如岑参的《刘相公中书江山画障》言：相府征墨妙，挥毫天地穷。
始知丹青笔，能夺造化功… …富贵心独轻，山林兴弥浓。
喧幽趣颇异，出处事不同… …再如孙逖《奉和李右相中书壁山水》中所言：庙堂多暇日，山水契中情。
论艺术家的艺术修养--以石涛画作为例
第34卷第23期 2021年12月Vol.34 No.23December 2021艺术科技从古至今，对艺术家艺术修养问题的探讨可谓是从未停止。
有关艺术家自身修养的理论最早出现在《石涛画语录》这本著作中，该书作者是石涛。
该画论吸收道家、佛家、儒家思想和方法论建构绘画美学体系，对艺术家的艺术修养问题进行了深入的探讨且集中体现了石涛的美学思想和艺术修养。
石涛作为明清时期最有创新思想与创造力的画家，既是绘画实践的探索者、革新者，又是艺术理论家。
吴冠中先生曾这样评价石涛：“石涛是中国现代美术的起点，同时又是中国传统画论的集大成者，游走于现代和传统之间。
”虽久经时日，但石涛在该著作中提出的“蒙养”理论亦是当下艺术家艺术创作过程中值得研究的内容。
那么，艺术家的艺术修养都包含哪些内容？艺术修养又如何体现在艺术家的艺术实践过程中？对艺术家的艺术创作又具有哪些意义？对这些问题的探讨将贯穿全文。
1 关于艺术修养艺术家的艺术修养在艺术实践过程中有着重要意义。
所谓“艺术修养”指的是什么？这是亟待思考的问题。
早在清初时期，著名画家、理论家石涛在其著作《石涛画语录》中就提到了“蒙养”这一核心概念，主要集中在“远尘章”“脱俗章”中。
他认为“蒙养”是艺术家的自身修养，并将艺术家自身的品质与绘画相互联系，揭示能够创作出成功作品的艺术家需要全方位发展，即“我则物随物蔽，尘随尘交，则心不劳，心不劳则有画矣”。
然而，如何愚去智生，俗除清至也？石涛进一步将画之“蒙养”与运墨联系起来，他认为“运墨如已成，操笔如无为”，即修养高的艺术家不会为了刻意表现画面而滥用技法，不会受到事物蒙蔽与世俗干扰，而是能够通达事理，辨清事物，受事则无形，治形则无迹之中［1］。
从上述内容来看，石涛的“蒙养”理论很好地诠释了对艺术家艺术修养的要求。
除此之外，还能从哪些方面判断一个艺术家是否具有良好的艺术修养？马克思曾在《1844年经济哲学手稿》中提出：“如果你想得到艺术的享受，你本身就必须是一个有艺术修养的人，对于不辨音律的耳朵来说，最美的音乐也毫无意义，音乐对它来说不是对象，因为我的对象只能是我的本质力量之一的确证。
“六法”在绘画作品中的运用
“六法”在绘画作品中的运用谢赫是我国有史以来的第一位绘画评论家。
他的《古画品录》也被认为是我国的第一本绘画艺术的理论研究著作。
谢赫将绘画分为六品：“六法者何？一气韵生动是也;二骨法用笔是也;三应物象形是也;四随类赋彩是也;五经营位置是也;六传移模写是也。
”从谢赫对画家的品评中，我们可以清楚地看到他对“六法”的深刻见解。
在绘画作品中，以气韵生动为目的，以骨法的用笔为基础，以其他四法作为辅助，互为条件，互为影响，共为一体。
“六法”提出了较为完整的绘画理论体系，并一直延续发展至今，从表现对象的内在精神、表达画家对于事物的认知和感受，到刻画对象的形态、构造和色彩，以及构图等方面，都进行了详细的概括。
“六法”对于画家和绘画作品来说，是最高的、全面的艺术要求，但它不是一个僵死的教条，它的艺术内涵是随着传统时代的推进和发展不断地丰富和充实的，具有深厚的艺术审美意义。
所以，我们在学习“六法”时，要深入地了解和掌握它的内涵及其作用，这是为了便于我们更充分地去认识和理解古人品评画作的标准及其着眼点，从而能够在欣赏古代传统艺术家绘画的作品时得到启示。
“气韵生动”是“六法”第一法，它得到了广大的美术理论家的认可和推崇。
但实际上，它主要指的是画家笔下画面效果的体现和对绘画作品进行审美评判的一种标准，是完全建立在技巧之上的。
董其昌在研究“六法”时曾提出：“画家有六法，一曰气韵生动。
一曰气韵不可学，此生而知之，自然天授。
”在當代社会，“气韵生动”依然具备较高的艺术价值，能够帮助当代画家建立更高的具有表现力的艺术思想，提高自身的审美高度，进而能够有更高的创作追求。
在范曾作品《既见君子，云胡不喜》中，雄鸡卓立不群，英姿飒飒，尾羽一笔而概，笔断而意全。
以巨石为背景，左右穿插，亦有竹枝掩映，不染纤尘。
在范曾的布局中，君子刚毅坚卓的形象跃然纸面。
绘画的技术可学，但是要成为艺术家所需的气质，一部分是要依靠天生的性格，另一部分则主要是靠自己后天的修养和磨练。
苏轼“论画以形似,见与儿童邻”的见解(简答题)
苏轼“论画以形似，见与儿童邻”的见解（简答题）一、“论画以形似，见与儿童邻”出处（1）“论画以形似，见与儿童邻”出自苏轼《书鄢陵王主簿所画折枝二首》，原文是：“论画以形似，见与儿童邻。
赋诗必此诗，定非知诗人。
诗画本一律，天工与清新。
边鸾雀写生，赵昌花传神。
何如此两幅，疏淡含精匀！谁言一点红，解寄无边春！瘦竹如幽人，幽花如处女。
低昂枝上雀，摇荡花间雨。
双翎决将起，众叶纷自举。
可怜采花蜂，清蜜寄两股。
若人富天巧，春色入毫楮。
悬知君能诗，寄声求妙语。
”苏东坡在第一首诗中明确提出自己对绘画的见解，他认为作为欣赏者在品评绘画作品如果只以形似论画，那真是儿童的见识了。
就如写诗，如果写的内容只是对现实事物的描述，那肯定不是高明的诗人所为。
那么怎样才能做到论画不以形似为其欣赏标准呢？苏轼认为应该和欣赏诗一样，“诗画本一律，天工与清新”。
应该看其是否清新自然。
他认为王主簿的折枝花卉具有清新、自然、疏澹、精气匀和之美，甚至在他的眼中这样的画比花鸟画名家边鸾与赵昌的画要画得好。
并且赞叹“谁言一点红，解寄天边春！”。
想不到那一点儿红色春花会寄托着无边的春色。
第二首，苏轼同样以他论画不以形似的观点对另一幅花鸟作品进行了欣赏。
在他的眼中“瘦竹如幽人，幽花如处女。
”将画中的物赋予了人的灵性与气质。
并在诗中再次提出“天巧”这与第一首中“天工”意思相同，即自然天成。
他认为如果人能在绘画中做到情感表达自然巧妙，那么美丽的春色自然会在纸笔间体现出来。
他还通过这两枝折枝花卉的作品，猜想王主簿一定是能写出好诗的人，何以见得呢？因为他认为“诗画本一律，天工与清新”。
既然王主簿的画如此格调清新表达自然天成，那么他当然应是位懂诗之人。
（2）苏轼认为“赋诗必此诗，定非知诗人。
”即如果写诗只是为写诗人所要描绘的事物本身，那可以断定写诗者不是真正善于作诗和真正懂诗的人。
这与“论画以形似，见与儿童邻”是一个道理。
故苏轼说“诗画本一律”。
关于诗，魏晋时期梁.钟嵘所着《诗品》是战国第一部五言诗的理论批评专着。
绘画艺术格式塔心理学现象论文
绘画艺术格式塔心理学现象论文概要：本文从格式塔心理学的相关理论概念的阐述出发，结合中西方的部分典型代表作品分析了绘画艺术中的格式塔心理现象的具体体现，揭示了绘画作品中特有的艺术心理特征。
希望能为绘画艺术创作思维的拓展和绘画艺术鉴赏体验的丰富提供一些有益的思考。
“格式塔”，即德文Gestalt 的音译，近乎于中文里面的“完形”的含义[1]。
它的基本观点是“知觉本身自带着天然的结构形式，它们会侧重于把对象看做一个整体来对待。
”后来演变为被用来分析美学和艺术类的问题。
作为西方的艺术心理学中的一种研究，它强调的不是我们通常意义上讲的事物的完整表面形象，也不是一般艺术上模糊概括的外在形式。
它的内涵主要指的是由人的知觉活动体验经过重组后呈现的整体，是视知觉经验中的一种组织或者结构。
从观赏者的角度看，基于格式塔心理的优秀的完美的绘画艺术作品应该是有机联系到一起的，任何细节部分的更改都会对作品的性质产生影响，从而会破坏作品的和谐与表现力。
因此格式塔在绘画中体现在两个方面，物质对象的完形结构和视觉本身的完形结构，如此，客观结构的相互作用和主观心理上的体验就联合构建了一个完整的格式塔。
结合格式塔心理学的相关定义可以得知，在观赏者进行具体的绘画艺术作品的观赏活动时，应该要包括以下两点，一方面是透过作品的形象来把握作品蕴含的深意；另一方面观赏者主观意志情感产生作用进而产生视觉经验与感受。
作品的本身形象，也就是作品中的结构，主要由线条、色彩、位置、轮廓等组成。
人在观赏的时候，通过对这些因素的取舍、偏好的倾向选择和不同配置来判断作品的好坏。
这种建立在物理学上的“力”与“场”的分析是和传统的“主题先行”的艺术理论截然相反的，它破除了人为臆造对作品进行认知的弊端，主张尊重作品独有的结构和模式，以及在这种结构和模式基础之下的客观存在的意义[2]。
历史表明，从20世纪初兴起到如今，这种心理学理论对于推动绘画艺术的发展发挥着着巨大的作用。
谈写实绘画的精神内涵
谈写实绘画的精神内涵作者：刘兴亮唐璇来源：《艺术科技》2013年第04期摘要：不管是新绘画还是传统风格绘画，都要用一定的形式来表达绘画者的观念主张，而这些观念主观，其本质价值如何，则要看它的精神内涵同外在形式的结合程度，即理性与感性的统一程度。
关键词：写实绘画；精神内涵；绘画理论不管是新绘画还是传统风格绘画，写实一向为画家们所重视。
西方绘画体系里，写实绘画更多受到科学与理性的影响，但是在对具体物象进行写实时却隐含着另外一种不易察觉的美，那就是写实绘画里面的精神内涵之美。
这种精神内涵之美同绘画外在形式因素结合在一起，使欣赏者同画家产生强烈的情感共鸣。
1 写实绘画精神内涵彰显的必然性只有人类世界才有艺术行为，艺术行为体现了人类活动的各个方面，也体现了艺术家对于外部世界的态度，如果一个从事艺术的人只凭个人兴趣表现外部世界，却失之于关注面的狭隘，则作品必然会没有深度，品位也很难得到提高。
当然这并不是说作者反对艺术家站在个体立场对社会加以表现，只是强调这种个体立场应当服从于社会关注的大原则。
作为负有特殊使命感的艺术家来说，通过对生活的深刻感悟与思考，把文化从生活里面提炼出来，让生活形态里面的文化因素成为单独的艺术基础，才是艺术创作的正确途径。
这样分析，则可以看出艺术作品的人文关注便显得非常重要，首先要求艺术本身具有一定的艺术高度，其次从写实绘画这种个体形式上来讲，要求艺术家解决绘画作品的时代感问题，这种要求也体现出了写实绘画永远不会过时的观点。
从古到今，写实绘画一直都不缺少精神内涵，尤其是现代社会，绘画同社会生活的联系应当说是更加紧密了，作品里面必然会呈现出更多的文化性与时代感，使写实绘画有了继续传承发展下去的必要，并且它的艺术价值与艺术魅力是其他绘画艺术形式所无法取代的。
绘画作品是否具有时代性，同作品本身的内容题材关联并不大，内容题材充其量只能说明作者主观的时代性趋势，时代性是应当由作品的精神内涵说得算。
论传统中国画中的“形”“神”“意”
体心意的一种艺术表达。
现物象之神以外，形已无足轻重，这一点 诗歌一样，成为抒情达意的一种艺术，而
传统中国画是画家根据生活原型，通 是明显的。谢赫提出不能“拘以体物”，甚 非简单地传达事物形状的技艺。
过表象表达意境、思想。那么，中国画画 至其“六法”也存在轻形倾向：除了把“气
“形”“神”“意”在传统中国画中体现
家也是在提炼、概括当中，寻求自我的解 韵生动”置于各法之首，“骨法用笔”注重 了一种联系，画家为了使作品出“神”，必
放。如，八大的鸟总是冷眼傲视，板桥所 用笔的笔法，“应物象形”也是重在“应 先有“形”，再用“意”表达，而更多的时候
作皆是竹石相交成景，人物画的表达更有 物”，明确“物以状分”的道理。六朝时期 甚至可以牺牲“形”，直抒其“意”，最终目
关键词：传统中国画 形 神 意
人物画是传统中国画中较早出现的 “饰貌以强类者失形”；唐人提出“若忖短 征的表达，而首要的就是如何表“意”。
画科，一般通过简单的线条、二维平面的 长于隘度，算妍媸于陋目，凝觚吮墨，依违
“ 意 ”是 中 国 画 达 到 神 似 的 重 要 条
手法表现人物的神情特征。人物画看似 良久，乃绘物之赘疣”；等等。这些观念都 件。《说文解字》以“意”“志”互训：“意，志
现与再现、抒情与求真的关系中，中国画 晋 顾 恺 之 是 这 个 时 期 杰 出 的 人 物 画 代 欣赏者的遐想也就不复存在，格调、品位
较为强调主观表现、抒情等，偏重于创作 表。首先，他提出“以形写神”论；其次，他 自然较低。所以，以“意”写“神”才是重
主体方面的因素；西画则强调客观再现、 要求画家在表现生活时，必须通过“实对” 点，也是中国画的高级之处，它不在乎形
求真，偏重于对象客体方面的因素。中国 准确描绘对象并揭示对象的生命情感。 似，虽然“逸笔草草”，却足以表“意”和
黄宾虹论画语录选
黄宾虹论画语录选（节选了黄宾虹老先生论画语录部分，与诸博友享）黄老先生云：画有三：一、绝似物象者，此欺世盗名之画；二、绝不似物象者，往往托名写意，亦欺世盗名之画；三、惟绝似又绝不似物象者，此乃真画。
作画当以不似之似为真似。
对景作画，要懂得“舍”字，追写物状，要懂得“取”字，“取、舍”不由人，“取、舍”可有人。
山水画乃写自然之性，亦写吾人之心。
山水与人以利益，人生息其间，应予美化之。
作画时须将心收起，勿使其如天马腾空；落笔之际，应留得住墨，勿使其信笔涂鸦，纵游山水间既要有天马腾空之劲，也要有老僧补纳之沉静。
古人作画，用心于无笔墨处，尤难学步，知白守黑，得起玄妙，未易言语形容。
景无有不可画，在于如何画的妙，三笔两笔是为简，千笔万笔也是简，画的多是丰富，画得少也是丰富，以一当十是为妙。
密不通风，疏可走马。
疏可走马，则疏处不是空虚，一无长物，还得有景。
密不通风，还得有立锥之地，切不可使人感到窒息，许地山有诗：“乾坤虽小房栊大，不足回旋睡有余”。
此理可用之于绘画的经营位置上。
作画当以大自然为师。
若胸有丘壑，运笔便自如畅达矣！作山水应得山川的要领和奥秘，徒事临摹，便会事事依人作嫁，自为画者之末学。
山有脉，水有源，道路有交通，云烟出没，林木扶疏，法备气至。
若断若续，曲折盘旋，举平远、高远、深远之各殊，无不如自然，而无容其造作之迹，此其上乘。
画山要有神韵；画花鸟要有情趣；画人物要有情又有神。
图画取材无非天、地人。
天，山川之谓，画花草，徒有形似而无情趣便是纸花。
画人最复杂，既要有男女之别，又要有性格之别，更要有善恶喜怒之别。
意远在能静，境深尤贵曲，咫尺万里遥，天游自绝俗。
山水画家对于山水创作，必然有着它的过程，这个过程有四：一是“登山临水”，“坐望苦不足”，三是“山水我所有”，四是“三思而后行”。
此四者，缺一不可。
吾人惟有看山入骨髓，才能写山之真，才能心手相应，益臻化境。
画贵神似，不取貌似。
非不求貌肖也，惟貌似尚易，神似尤难。
谢赫“六法论”在现代工笔绘画中的应用
谢赫“六法论”在现代工笔绘画中的应用谢赫是中国画界的一位杰出人物，其“六法论”被公认为是中国画的基本法则之一。
在现代工笔绘画中，谢赫的“六法论”仍然具有重要的意义，为画家们提供了一种完整的绘画思路和技巧方法。
本文将从五个方面阐述谢赫“六法论”在现代工笔绘画中的应用。
一、“墨、线、点、饰、色、气”六法是现代工笔绘画的基本法则在工笔绘画中，墨、线、点、饰、色、气六法是画家必须掌握的基本构图要素。
墨是画面的基础，它可以用来表现形态、造型、质感和空间。
线则是画面的灵魂，它可以用来表现形态和造型的变化和流动，同时也可以细节和纹理贡献自己的力量。
点是画面的点缀，它可以用来表现画面的氛围和情感，实现重点突出，还可以构成整体的节奏感和动感。
饰则是画面的装饰，它可以通过几何形式、图案、纹样等方式表现各种元素，增强画面的视觉效果。
色是画面的色彩，它对于工笔画来说极为重要，正确处理色彩关系可以增强画面的表现力和现实性。
气则是画面的气氛，它可以表现不同的情绪、气氛和气息，决定了画面的整体格调和气质。
二、顺应时代潮流，不断推陈出新谢赫“六法论”提出的时间虽然非常久远，但是其思想和方法依然具有现代化的意义。
现代工笔画家不应该把谢赫“六法论”仅仅看作是一种传统的绘画方法，而应该看作是一种不断适应时代潮流、发展和创新的方法。
因此，现代工笔画家应该在谢赫“六法论”的基础上，不断推陈出新，提出新的理论和方法，从而使绘画更加生动、新颖和有趣。
三、合理运用“六法论”中的墨、线、点、饰、色、气，实现作品的表现力现代工笔画家的目的是通过墨、线、点、饰、色、气等手法，创造出更好的视觉效果和表现力，并且使作品更加丰富有趣。
因此，工笔画家应该灵活运用谢赫“六法论”中的墨、线、点、饰、色、气等要素，根据画面的需要进行组合和调整，使作品表现更加艺术化和现实化。
四、借鉴“六法论”的方法，进行实践和探索现代工笔画家在借鉴谢赫“六法论”的同时，也应该找到一种适合自己的方法进行实践和探索。
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分 为六 品。唐代 的李 嗣真在《 书后 品》 中将古今 ８ 位 书家分为 ２ 三 品， 品中又分三等 。唐代 的朱景 玄在《 每 唐朝 名画录》 中将名
画分为神 品、 品、 品、 品 四品， 中的神 品、 妙 能 逸 其 妙品、 品又分 能
在他 的作 品之 中， 花卉终其 一生地呈现 ” 而在他 的大 多数 “ ， 的描 绘花 卉 的作 品 中， 插在 瓶子 里的花 几乎全 都紧 紧地 打成 一
的。画家对于 自然细节 的观察和表现入微 ， 值得借鉴 。
４ 画面构成之美： 兰迪《 》 ． 莫 花
他 的油 画从静 物 出发 ， 花瓶 、 啡杯 等并置 ， 壶、 咖 一再 重复 ， 以此 为 主题 进行描绘 ， 求他 自己的形 而上学 ， 探 创造 出一种 静稳坚牢 的独特 画境 。莫兰迪远 离２ 世纪艺术实验 的喧嚣 。 当其他 的艺 ０ 术 家纷纷 前往 巴黎 的时候 ， 兰迪却 几乎没 有 离开 过他 的家 乡 莫 波 洛尼亚。莫 兰迪 的艺术 涉及 的只有极其 有限而简单 的 日常用
显 出不 一样 的美感 。
品格 的这种 评判和划分 究竟是根据 什么而定 的， 这似 乎是个 难 以说 明 白的 问题 ， 因为迄今 为止 对于绘 画的品格并没有 一个 明
确的定义， 人们 只是朦胧地觉得绘 画作 品是有高低之分 的， 同 在
一
四、 静物 画形 式 美 的意义
静 物 画取材 的对象 多是 日常 生活 中随处 可 见 的用 品和摆 设， 人们 常 常会对 它们视 而不见 。但是 艺术家在 画面 中加入 了 感情， 通过各 种表 现手 法， 使静 物画拥有 了形 式美。成功 的艺术 作 品总是 耐人寻味 的， 凸显韵致、 性、 个 情感 ， 当我们 目光接触到
十分 必要的。笔者试对此作 一些分析 与思考。 所谓格调 ， 顾名思义 ， 的是 艺术作 品的品格和基调。就像 指 人是 有 品格 的一样 ， 艺术作 品也具有 品格。 中国历 史上很早就
与细 小 的桌 腿都 在视 觉 上产 生 一定 的节奏 感 。 由于光 线 的折
射 ， 水 面观 察 的 鱼 与透过 玻 璃 缸所 见 的 鱼 画法 是迥 然 不 同 从
上、 下三等。 由此可见 ， 中、 自古以来 ， 画艺术家及其作 品是按 绘
照 品格 的高低 而被划分 为不 同等次 的。但 问题在 于， 于绘 画 对
ቤተ መጻሕፍቲ ባይዱ
束。 而《 这样 一幅作 品是少有 的 ， 不似其他 的那样 矜持 ， 花》 花朵
虽也被插在 瓶 中， 却有 一股 活力。枝 叶夸 张地盖住 了大半 瓶身 ，
对 象 时 ， 深 深 地 被 吸 引 了。 当我 们 还 未 来 得 及 看 清 画 面 里 具 就
题材 的绘 画作 品中， 总是有 一些作 品显得高雅 、 刻， 深 意境 深
远 ， 味无 穷， 韵 而另一 些则粗俗 、 浅露 ， 匠气十足。实 际上 ， 人 让
们 产生这种 高下之分认识 的正是绘 画的品格 ， 而这 种 品格则 是
具。
“ 绘－ ， 论 ＾ 梅 口 ｒＨ ｝
画
莫兰迪是 ２ 世 纪意大 利具象绘 画领域 最杰 出的画家之 一。 ０
提 出了诗 、 画等艺术作 品的品格 问题 ， 书、 而且对此十分看重， 以 作 品的 品格 来排 列艺术 家 的次 第。如 ， 南齐谢 赫 曾在《 古画 品
录》 中提 出绘 画的“ 序 六法” ， 论 并依 此将 当时所 知的 ２ 名 画家 ７
３ 节奏韵律之美： ． 马蒂斯《 金鱼》
了格调的形成原 因， 即绘画作品的格调是 由作者的思想品德修 养和 艺术
画家致力 于追求 富有力 量 的线条 与鲜明色彩 的协调。节奏
是指 各种 艺术语 言 的交替 、 复、 重 组合 、 割， 分 观者在欣 赏过程 中 受到 艺术语言 与艺术形象 的刺激 ， 产生节奏感 受。这 幅作 品（ 图
一
种综合性 的效果或者表现 ， 它是绘 画作者 即创 作主体 的思想
修养等诸 多因素所决定的； 次分析 了 画作品的格调 与风格的关系， 再 绘 指
出它们既有 区别又有联 系； 最后论述 了提 高绘画作品格调的根本途径 ， 即
努力提 高作者的思想品德修养和艺术修养。
关键词： 画格调 思想修养 艺术修养 绘
３ 以俯 视角度构 图， ） 静物 占满 了整个 画面。 随视 点的上移 ， 观察 和表现 静物 的范 围更大 ， 给人 以一览无余之感 。画 中的 圆桌 、 鱼 缸 以及红 花绿 叶都十分饱 满 ， 物体 的安排 、 各 线条 的变化 ， 既对 比强 烈又 和谐统 一。花 叶的疏 密、 色块 的分布 、 满 的圆桌 桌面 饱
我们在 鉴赏和评价 一位画家 的作 品时 ， 会面对 一个 基本 都
问题—— 作 品的格调。通常我们都会谈论某些画家作 品的格调 高或者低 ， 格调 的高低 实 际上 已经成为评价 和 区分 画家 的基本 标 准。 究竟什么是绘 画的格调 ， 怎样才 能提 高画家作 品的格调 呢？解决这 一 问题 ， 对于提高绘 画的创作水平 和欣赏水平都是
实物 ， 是 自然 的客体 ， 都 因此 ， 总是 以 自然本 身为依据 ， 他 如实地
反 映 自然 。
摘
的格调
要： 文章对于绘画的格调 问题进行 了全 面的分析论述 。首先分
析 了绘 画作 品格 调 的 含 义 ， 出格 调 即 绘 画作 品 的 品 格 和基 调 ； 次论 述 指 其
野
美术 时空
Ａ ＲＴ ＤＵＣ ＴＩ Ｅ Ａ ｏＮ ＲＥＳＥＡＲＣＨ
排使 得这 些被虫 咬过 的水 果无 比鲜 明地 、 赤裸裸 地呈 现在观 者
面前。插在 篮 中的干枯 的 叶子 ， 与那些水果 呈现 出相反 的效果 ，
仿佛 一片剪影。这表 明卡拉瓦乔 与 当时追求理 想化的 时尚格格 不入 的率真 与求实精神 。在他看来 ， 不论是 静物、 人物还是其他