浅析贝多芬第三大提琴奏鸣曲与肖斯塔科维奇d小调大提琴奏鸣曲演奏技巧之异同
贝多芬《A大调第三大提琴奏鸣曲》（内尔索娃演奏）
贝多芬《A大调第三大提琴奏鸣曲》（内尔索娃演奏）很少有大提琴家能够像Zara Nelsova之于布洛赫的《所罗门》（希伯莱狂想曲）那样成为一部作品的代言人。
这首典型的犹太主题作品更是在内尔索娃的手中展现出高贵的气质和饱满的情感，还得归功于她在自己职业生涯的重要阶段跟随作曲家本人研究并录制了这首曲子。
在随后的演奏生涯中，内尔索娃时常从乐谱中悟出更多的内容，并录制了两款唱片。
积劳成疾的内尔索娃1918年12月23日出生于维尼贝格（Winnipeg），家族是具有优良音乐传统的俄罗斯人后裔。
她的父亲格里高·内尔索娃吹奏横笛，祖父则是歌剧演员。
受到Cherniavsky和Compinsky家庭三重奏组的启发，格里高鼓励三个女儿学习不同的乐器，以便组成三重奏一起演奏：大女儿伊达学习小提琴，二女儿安娜弹钢琴，小女儿Zara就拉大提琴。
小Zara听了父亲和姐姐们每日练琴后蠢蠢欲动，但无奈大提琴的尺寸太大，只能望洋兴叹。
后来她有了一把中提琴尺码的大提琴，技艺进步神速，很快便拜师于匈牙利名家Dezs? Mahalek门下。
父亲则监督她练琴，教导她用自己吹横笛的气息来演奏。
所以后来内尔索娃习惯用满弓拉琴，也要求自己的学生用弓时能缓慢而连续。
格里高为女儿们的三重奏改编乐曲。
很快，两年之后Zara就和她的姐姐们以加拿大三重奏团的名义登台表演了。
一些资深英国音乐家在Manitoba音乐节听到了内尔索娃姐妹的演奏后深感震惊。
后来作曲家本杰明·达利（Benjamin Dale）一再要求格里高将她们送往伦敦学习。
在一个基金会的帮助下，1928年内尔索娃举家迁往英国，Zara进入伦敦提琴学校跟随赫伯特·瓦伦（Herbert Walenn）学习。
姐妹花1929年首次亮相伦敦维戈莫音乐厅，引起广泛关注，三重奏团也开始忙于举办音乐会和制作广播节目。
1930年3月，Zara为大提琴泰斗卡萨尔斯演奏，1931年在英国皇家音乐学院首度与乐队合作演出。
大提琴十级曲目单
大提琴十级曲目单大提琴是一种深受人们喜爱的管弦乐器，音色圆润悠扬，能够表达出浓郁的情感。
对于学习大提琴的学生来说，十级曲目单是他们学习路上的重要里程碑。
在十级曲目单中，学生需要展示他们的技巧和音乐表达能力。
以下是一个大提琴十级曲目单的示例，这些曲目旨在挑战学生的技巧和音乐性，并向他们展示大提琴的多样性和美妙之处：1. 巴赫 - G大调第一组曲，BWV 1007这首曲目是大提琴学生必学的经典作品之一。
它要求学生熟练掌握大提琴的基本技巧，如弓法和左手技巧。
2. 贝多芬 - A小调第三号奏鸣曲，作品69这首奏鸣曲要求学生展示他们的音乐表达能力和技巧，包括音乐的动态变化和节奏感。
3. 萨罗蒙 - 《斯帕尼舞曲》这首曲目是西班牙风格的大提琴独奏曲，要求学生展示他们对于西班牙音乐风格的理解和演奏技巧。
4. 贝尔 - 《圣桑之歌》这首曲目是一首大提琴独奏曲，要求学生展示他们的音乐表达能力和技巧，包括大提琴音色的变化和音乐的情感表达。
5. 布里奇特 - 大提琴协奏曲这首曲目是大提琴与管弦乐队演奏的曲目，要求学生与乐队协同合作，并展示他们的技巧和音乐表达能力。
6. 肖斯塔科维奇 - 《大提琴协奏曲》这首曲目是大提琴与管弦乐队演奏的曲目，要求学生展示他们的技巧和音乐表达能力，并表现出肖斯塔科维奇独特的音乐风格。
7. 朗格林 - 《布鲁尼安图斯》这首曲目要求学生展示他们对于大提琴音色的理解和表达能力，包括音乐的情感和表现力。
8. 肖邦 - 大提琴与钢琴的奏鸣曲，作品65这首曲目是大提琴与钢琴合作演奏的曲目，要求学生与钢琴家协同合作，并展示他们对于音乐的理解和演奏技巧。
9. 帕格尼尼 - 大提琴协奏曲第一号这首曲目要求学生展示他们的技巧和音乐表达能力，包括大提琴技巧的灵活运用和音乐的表现力。
10. 庞菲利 - 《英雄交响曲》这首曲目是大提琴与管弦乐队演奏的曲目，要求学生与乐队协同合作，并展示他们的音乐表达能力和技巧。
这个十级曲目单涵盖了不同风格和时期的作品，学生需要通过学习和演奏这些曲目，不断提升自己的艺术修养和技术水平。
浅谈贝多芬《D大调小提琴协奏曲》第一乐章演奏技巧与心得
浅谈贝多芬《D大调小提琴协奏曲》第一乐章演奏技巧与心得作者：郝雨默来源：《黄河之声》2019年第21期摘要：贝多芬，维也纳古典乐派代表，杰出的钢琴家、音乐家、作曲家。
作为古典音乐的集大成者，使古典音乐的风格更具有交响性，在欧洲音乐史上具有划时代的意义，同时又另辟蹊径探寻浪漫时期音乐的道路。
1806年，是贝多芬音乐创作多产的中期，作者完成了《D大调小提琴协奏曲》这部巨著，是其唯一的小提琴协奏曲流芳后世！此曲旋律直击内心，高贵细腻、曲式丰满庞大，气势如虹，一直以来被誉为“小提琴协奏曲之王”。
本文通过结合作者生平及所处时代的人文环境，创作个性、风格，作品的创作背景、曲式结构、演奏技巧以及情感表达展开分析。
关键词：贝多芬;小提琴;音乐创作一、作曲家生平贝多芬，1770年12月生于德国波恩，自幼学习音乐，获得“音乐神童”的美誉。
1792年，在维也纳跟随莫扎特、海顿学习，取得了巨大的进步，确定了作曲家的地位。
18至19世纪欧洲的启蒙运动、法国大革命、德国的“狂飙运动”等一系列巨大的变革，使作者的民主思想趋于成熟。
他信仰共和，崇尚英雄主义，将古典时期音乐的精华融入“浪漫”主义气息。
在他57年的艺术创作旅程中为后世音乐家们的创作奠定了重要的基础，因此在欧洲音乐史上被尊称为“乐圣”和“交响乐之王”。
二、音乐创作贝多芬创作生涯可分为三个时期，1770-1803年为创作早期，当时作品深受海顿和莫扎特影响，更多的追求一种宁静、优雅，如小提琴一、二、三奏鸣曲，《悲怆奏鸣曲》《月光奏鸣曲》等。
1803年—1816年的中期创作开始突出个性，强调冲突和精神的升华，创作有更多的钢琴奏鸣曲包括第三至第八交响曲、小提琴协奏曲等，将浪漫主义推向高潮。
1816-1827年间是贝多芬音乐创作的晚期，作品包括第九交响曲和《庄严的弥撒》等，这一时期贝多芬更多追求的是音乐的内容。
他创作的初期到晚期也是一个显著的由古典风格到浪漫派风格的过渡阶段，在音乐史上的贡献是无人能及的。
浅析贝多芬《月光奏鸣曲》第三乐章演奏技巧与重难点
北方音乐Northern Music浅析贝多芬《月光奏鸣曲》第三乐章演奏技巧与重难点易 晨（广西师范大学音乐学院，广西 桂林 541006）【摘要】贝多芬是古典主义时期最具代表性的作曲家之一，其创作的奏鸣曲是每一个专业钢琴学者学琴道路上不可缺少的一部分，其中《月光奏鸣曲》是贝多芬中期作品中的典范。
本文将从贝多芬的生平开始介绍，深入作家创作背景及特征来处理作品情感，并结合笔者自身体会对第三乐章的演奏技巧进行浅析。
【关键词】贝多芬；钢琴；方法；基本功【中图分类号】J624 【文献标识码】A 【文章编号】1002-767X（2020）14-0022-02【本文著录格式】易晨.浅析贝多芬《月光奏鸣曲》第三乐章演奏技巧与重难点[J].北方音乐，2020，07（14）：22-23.一、作曲家简介路德维希·凡-贝多芬（Ludwig van Beethoven），德国波恩人，欧洲维也纳古典乐派最伟大的音乐家之一，作曲家、音乐家、演奏家。
贝多芬1770年出生在德国，自幼跟随父亲学习钢琴、小提琴。
8岁向伊登学习音乐基础理论和管风琴，同年完成了第一次登台演出，11岁拜对他影响颇深的选帝侯宫廷管风琴师克里斯蒂安·戈特洛布·聂弗为师。
1785年之后，先后师从于弗兰兹·安东·里斯、莫扎特、海顿。
贝多芬晚年丧失听力，1827年因肝病与世长辞。
贝多芬一生创作的作品不胜枚举，其中交响乐代表作有《英雄》《命运》《田园》等，声乐作品有《致远方的爱人》《庄严弥撒》，小提琴奏鸣曲有《春天奏鸣曲》《克莱采奏鸣曲》等，贝多芬打开了浪漫主义音乐的大门。
二、奏鸣曲创作背景与创作特征月光奏鸣曲分为三个乐章，是贝多芬处在社会动荡结合现实生活所创作出来的作品，法国大革命期间他深受革命口号“自由、平等、博爱”的影响，反对封建专制，倡导自由，他将他受革命精神影响的艺术观谱写成了音乐，寄予在作品之中；1796-1800年四年间，他的中耳炎日益恶化，听力逐渐下降，每日处于极大的痛苦之中。
浅析《贝多芬第三钢琴奏鸣曲》的演奏技巧
浅析《贝多芬第三钢琴奏鸣曲》的演奏技巧作者：王佳琦来源：《北方音乐》2018年第12期【摘要】贝多芬C大调第三钢琴奏鸣曲又被称为“协奏”奏鸣曲，是op.2的3首中规模最大、技巧最华丽的一首。
本文从音色、触键、情感、力度等方面做了分析与理解。
【关键词】贝多芬；第三钢琴奏鸣曲；演奏技巧【中图分类号】J624.1 【文献标识码】A一、第一乐章（一）呈示部（1——91小节）主题开始以托卡他式的节奏响起，1—12小节为主部主题，开头右手双音三度进行如何演奏得整齐、轻巧且均匀是一个相当难的技术点，可改用双手弹奏会容易一些，此时左手的四拍长音要依靠踏板来保持。
13小节突然响起了C大调三和弦的号角声，号声非常鲜明突出，左手旋律要坚定有力，尤其连串滚珠般的接连下行要灵巧生动，右手的分解八度注意指尖的站立，重力的转换。
连接句为21—26小节，左手十六分音符节奏急速但要注意隐藏的旋律声部，右手装饰音应演奏得轻快清晰，最后情绪推至ff，以下行音阶在G大调上结束。
27—38小节为第一副主题，情绪出人意料地转为缠绵细腻的g小调，旋律声部透亮，时值准确，节奏均匀，尽量贴键弹奏避免出现敲击的声音，注意句子间的连贯与呼吸，应与主部主题的强劲有力形成鲜明的对比。
39—46小节连接了第一和第二主题，音型出现和弦、音阶跑动，左手的双音重复弹奏和连续的回音等多种弹奏技巧。
和弦方面要触键果断集中，力量向下，声音饱满明亮，音阶流动均匀具有颗粒性，在连续的回音句子中，节奏要准确敏锐，避免拖沓。
结束部，从第61小节起又回到主部的召唤式的号角声，而且以新的节奏、主题因素和对比来加强。
在一次次的变奏发展中两个主题形象无休止似的追逐缠绵，一直厮闹到完全终止的主三和弦出现，一切归于平静。
（二）展开部（92—139小节）97—108小节为整个第一乐章的难点之最，十六分音符组成的分解琶音连续快速地进行跑动，给人急促不安的戏剧性。
这个片段应多进行慢练，注意手臂放松，感受力量在手腕和手掌间的流动。
浅析贝多芬奏鸣曲《月光》第三乐章音乐与演奏技巧
浅析贝多芬奏鸣曲《月光》第三乐章音乐与演奏技巧摘要贝多芬作为上升时期资产阶级美学和音乐文化的最高体现者，将古典乐派的成就推向顶峰，同时也为浪漫主义的音乐微出了预示和准备，贝多芬所最出的贡献，对后世音乐有着极为巨大的启示，有着里程碑的意义．而《月光奏鸣曲》以其新颖大胆的逻辑结构、丰富的情节内涵、独特的个性魅力，在古典音乐中有着重要的地位。
本文以第三乐章为例对创作背景，曲式结构，创作风格．演奏技巧难点，情感处理等方面作简要分析并以此来了解该乐曲的艺术特色与实际演奏相结合。
通过分析以后发现了贝多芬创作的大体思路，这对实际的演奏有着极大的帮助。
想要更为精准的把握乐曲，则应该充分了解作者创作背景、创作意图，以此来认识作品的音乐语言、风格，这样才能准确理解作品，把握其风格，真正演绎出具有内涵、富于情感的作品．为演奏者自己和更多听众带来艺术上的享受。
关键词：贝多芬；《月光奏鸣曲》；演奏技巧一贝多芬及钢琴奏鸣曲《月光》分析（一）贝多芬生平简介及创作路德维希·凡·贝多芬,德国作曲家﹑演奏家﹑音乐家,维也纳古典乐派代表人物之一,于1770年生于德国波恩。
贝多芬一生曲折,而曲折的本源就是一直伴随着他的耳疾,以至于他最后失聪,这对于一个以音乐为精神支柱的人来说,是致命的。
他虽然备受煎熬,但这却也成为了他创作的源流与动力，成就了特立独行的天才。
他与莫扎特,海顿同为古典乐派的领军人物,但笔者认为贝多芬却是当中最出格的，他的创作都是在古典传统音乐的基础上与自己的新创意新想法的再结合,可以说他是古典主义时期音乐的融会贯通者,也是浪漫主义时期的启发者。
在其一生中其音乐独创作品恒河沙数,其中他最著名的32首奏鸣曲被世人称为音乐界的“新约圣经”,这32首中尤以“Pathetique”、“Moonlight”, "Stom”等最为著名,最能体现他崇高的精神和他深远的思想。
（二）钢琴奏鸣曲《月光》创作背景提到此奏鸣曲的创作背景，就不得不提到令大家误解的美丽传说，便是在小学课文中所讲述的贝多芬为盲女演奏《月光曲》这一故事。
贝多芬第三交响曲赏析[5篇范文]
贝多芬第三交响曲赏析[5篇范文]第一篇：贝多芬第三交响曲赏析贝多芬第三交响曲赏析内容提要贝多芬《第三交响曲》充满了对人的理性和力量的炽热信念；作品形式宏伟壮丽、内容丰富深刻。
关键词贝多芬交响曲英雄《第三交响曲》的出现，标志着在欧洲音乐历史发展中具有重要的社会政治意义的题材第一次进入了交响乐这个音乐体裁的领域，突破了传统的交响曲快板乐章奏鸣曲式的旧框框，使主要音乐形象在充满了紧张的戏剧性矛盾突破的广阔范围中发展。
贝多芬到达了古典主义音乐艺术的巅峰，又开创了浪漫主义音乐艺术的先河。
作品摘要与历史背景贝多芬第三交响曲是法国驻奥地利维也纳大使邀请贝多芬为拿破仑所写的，早期的题目是《拿破仑.波拿巴大交响曲》后改名为《英雄交响曲，为纪念一位伟人而作》整部作品尤其是第一乐章在演奏过程中，气势磅礴，热情奔放，而且在内容结构上与以往的交响曲有着很大的区别，更加衬托出了此曲的本色。
贝多芬第三交响曲是他平生所创作编号交响曲中最伟大的作品之一，这部作品很好的阐释了当时时代背景下人们心中向往的，自由、平等、博爱精神。
深刻的刻画了在实现法国革命中人们勇敢的战斗精神和对牺牲人们的沉痛哀悼及最后胜利的祥和景象，是具有历史意义的一部作品。
作者生活的历史背景造就出了该作品的中心思想与本身的内涵，贝多芬生活的是一个战争的年代，人们渴望和平，希望一位英雄能平息当时的战乱，这一时期新思潮的思想影响了贝多芬的创作。
贝多芬本人对莎士比亚，柏拉图和亚里士多德的作品研究颇深，对歌德和席勒十分敬仰，从这些文豪中学习到了人道主义精神和独立民主的思想，这两种思想让他的人生价值观念更加的丰富，当时富于革命精神民主共和观念是他所倡导和信仰的，他对这部史诗巨作酝酿了四年之久，作曲时深刻的表现了对法国资产阶级革命的敬仰和对拿破仑的崇拜，而拿破仑作为当时的统治者上台没多久就实行了帝制，贝多芬在百般恼怒情况下把原先为了歌颂拿破仑的交响曲曲目名称改为了《英雄交响曲》，随后这部作品在1805年4月7日维也纳剧院首次公开演出，当时的指挥就是贝多芬本人，就这样一部伟大的作品流传至今，被人们所熟知和演奏。
肖斯塔科维奇《第一大提琴协奏曲》中的“重音”运用手法
肖斯塔科维奇《第一大提琴协奏曲》中的“重音”运用手法【摘要】肖斯塔科维奇的《第一大提琴协奏曲》中运用了独特的“重音”手法，为作品增添了独特的音乐魅力。
重音在音乐中具有突出旋律和增强乐曲节奏的作用，使乐曲更加生动和富有表现力。
在《第一大提琴协奏曲》中，肖斯塔科维奇巧妙地运用重音，尤其是在第一乐章、第二乐章和第三乐章中的不同部分。
这些重音不仅突显了大提琴的独奏部分，还与管弦乐团的配乐相互作用，营造出一种戏剧性的氛围。
肖斯塔科维奇对于重音的独特运用使得整个协奏曲充满了张力和情感，吸引着听众的注意力，展现了作曲家的创作才华和音乐表现力。
重音的运用为《第一大提琴协奏曲》增添了独特的音乐魅力，使得这部作品成为肖斯塔科维奇音乐创作中的重要代表之一。
【关键词】肖斯塔科维奇，第一大提琴协奏曲，重音，运用手法，音乐魅力1. 引言1.1 背景介绍肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）是20世纪最杰出的俄罗斯作曲家之一，他的音乐作品广泛受到世界各地乐迷的喜爱与赞赏。
肖斯塔科维奇以其独特的作曲风格和深刻的音乐内涵闻名于世，其作品常常反映出社会、政治以及心灵层面的深刻思考。
肖斯塔科维奇曾是一位受到苏联政府抨击与迫害的作曲家，但他在艰难的时期中依然坚持创作，为后人留下了许多珍贵的音乐遗产。
他的音乐作品充满了戏剧性和复杂性，同时也展现出对人性和社会现实的深刻关注。
《第一大提琴协奏曲》是肖斯塔科维奇的代表作之一，被认为是大提琴协奏曲中的经典之作。
这部作品充分展现了肖斯塔科维奇的音乐才华和创作精神，其中运用了许多独特的技巧和手法，其中包括他独特的对于“重音”的运用。
在这篇文章中，我们将深入探讨肖斯塔科维奇在《第一大提琴协奏曲》中对于“重音”的运用，探寻其与整部作品的关系以及其所展现出的音乐魅力。
1.2 肖斯塔科维奇作品特点肖斯塔科维奇作品的特点主要体现在其深沉、浓厚的情感表达和独特的音乐语言上。
作为20世纪俄罗斯音乐的代表人物，肖斯塔科维奇的作品充满了悲壮的色彩，深沉而充满张力。
贝多芬 D大调小提琴协奏曲赏析
《贝多芬D大调小提琴协奏曲赏析》这部作品是贝多芬专为当时维也纳剧院的第一小提琴手克莱门特创作。
并由克莱门特于1806年12月23日在维也纳首演。
本曲作于1806年，是贝多芬唯一的小提琴协奏曲作品，自古以来被誉为小提琴协奏曲之王。
这首乐曲旋律柔美、格调高雅、规模宏大，颇具王者风范。
然而，本曲在被誉为小提琴协奏曲之王前，也经过很长一段时间的考验。
本曲初演以后，几乎没有人再对它回顾，本曲的华彩乐段，并不像钢琴协奏曲那样由贝多芬亲自谱写，而是留给各式各样的演奏者谱曲，其中较常采用的有约阿西姆、奥尔和克莱斯勒等的手笔。
当年贝多芬作曲时，正值他与他的学生，匈牙利的伯爵小姐勃伦斯威克产生了深深的爱情，并在她家的庄园度过了快乐的夏天。
他一生中这"最明朗的日子的香味"便渗透在贝多芬这部唯一的小提琴协奏曲中。
这首协奏曲，特别是它的第一和第二乐章，具有田园诗般的性质，它描绘了贝多芬对大自然的热爱，和大自然所具有的振奋人类情操的能力。
为了这个目的，贝多芬使用了几乎是音阶这样的原材料：正是由于小提琴家对这些乐句所具有的纯朴美的热爱，也就是通过均匀的水平的运弓动作和富于表情的左手的手指动作，演奏出连贯的旋律，并赋予他们以巨大的神秘性和人类的热情。
演奏这首协奏曲的基本要求是在古典主义的框架中容纳进浪漫主义的精神，也就是表达出贝多芬的神秘性而又不破坏它的古典主义的“形象”。
这是靠把乐句结束前的一两个音符用几乎使人察觉不出的“伸展”一下来做到的，也就是说在按原速继续演奏下去之前，手指的动作稍稍犹豫一下，而又不破坏乐句节奏的框架。
在这首协奏曲中，我们非常清楚地感受到这样一种演奏的现实：即我们只有致力于“物质”的东西，才能取得“精神”方面的东西。
在准备一首作品的过程中，我们只能关心那些客观的演奏手段，也就是认识那些如果不加以补偿的话就会损坏演奏的左右手的固有弱点。
这样不仅没有被我们所喜爱的音乐所“吞没”掉，相反我们会获得更加自如地表现音乐的自由。
肖斯塔科维奇《第一大提琴协奏曲》中的“重音”运用手法
肖斯塔科维奇《第一大提琴协奏曲》中的“重音”运用手法肖斯塔科维奇（Dmitri Shostakovich）是20世纪最重要的俄罗斯作曲家之一，他的作品以其深刻的音乐表达和独特的风格深受世人喜爱。
《第一大提琴协奏曲》是他最著名的作品之一，该作品中的“重音”运用手法值得我们深入探讨。
在音乐中，“重音”是一种特殊的演奏技巧，它要求演奏者在音符上加强一下力度，使得这个音符更为突出，更为饱满。
重音可以提高音乐的表现力和戏剧性，给作品增添了更加丰富的情感色彩。
肖斯塔科维奇在《第一大提琴协奏曲》中运用了大量的重音手法，为整个作品增添了深刻的内涵和独特的魅力。
肖斯塔科维奇通过重音手法加强了作品的力度和张力。
在大提琴协奏曲的开头，肖斯塔科维奇就使用了大量的重音，使得演奏者需要更多的力量去演奏。
这样的处理方式使得音乐更加有力量感，让人们能够更直接地感受到音乐所传递的情感。
重音还增加了音乐的张力，让整个作品更紧凑，更富有戏剧性。
肖斯塔科维奇通过重音手法丰富了音乐的情感表达。
在协奏曲的悲怆旋律中，肖斯塔科维奇通过加强重音，使得这些悲怆的旋律更加深刻，更令人动容。
重音的运用让这些旋律更为突出，更为饱满，让人们更容易被音乐所感染，更容易感同身受。
在协奏曲的高潮部分，重音的运用更是让音乐的情感爆发得更加强烈，让人们不禁为之动容。
肖斯塔科维奇还通过重音手法处理了协奏曲的节奏感。
在一些快速的乐句中，他通过加强重音，使得整个乐句的节奏感更为突出，更为明显。
这样的处理方式让音乐更加有力量感，让整个协奏曲更加富有动感。
在一些缓慢的乐句中，肖斯塔科维奇也通过加强重音，使得这些乐句更为悠扬，更为优美。
这样的处理方式丰富了协奏曲的节奏变化，使得整个作品更加丰富多彩。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
浅析贝多芬第三大提琴奏鸣曲与肖斯塔科维奇d小调大提琴奏
鸣曲演奏技巧之异同
本文运用比较的方法对贝多芬的《A大调大提琴与钢琴第三奏鸣曲》和肖斯
塔科维奇的《d小调大提琴与钢琴奏鸣曲》的演奏技巧进行了对比分析。整篇文
章分为绪论、正文、结语三部分。
绪论包括研究缘由和研究现状两部分。正文的前两部分主要阐述了两位作曲
家的生平与创作概况以及两首作品的创作背景,第三部分则主要从音乐的颗粒型,
右手的运弓,旋律走向和演奏符号几个方面着手,通过谱例分析来比较两首作品
的演奏技巧。
结论主要归纳总结全文,并且对未来进行展望。