在音乐中自由创造.doc
浅谈小学音乐教学中节奏创编的重要性
浅谈小学音乐教学中节奏创编的重要性在小学音乐教学中，节奏创编是非常重要的一环。
节奏是音乐的基本要素之一，它是音乐的骨架，能够给音乐注入生命力和艺术感。
而创编节奏则是培养学生音乐感知能力和创造力的有效途径。
下面我将从节奏创编的定义、作用、方法等几个方面进行浅谈。
节奏创编是指学生根据自己的创造力，编创出有自己风格的节奏。
它不仅仅是对节奏的演奏理解，更是在原有节奏的基础上进行创造，给音乐增添新的元素。
创编节奏可以包括改变原有节奏的速度、强度、节拍等，也可以加入自己喜欢的音符或音型。
这种自由创作的过程可以激发学生的音乐兴趣，培养他们的审美能力和表现力。
节奏创编在音乐教学中起着重要的作用。
一方面，它能够增强学生的音乐感知能力。
创编节奏需要学生对音乐的旋律、节拍等要素有深入的理解和感知，只有具备了这些基本能力，学生才能够创作出富有创意的节奏。
创编节奏可以锻炼学生的创造力和想象力。
在创编的过程中，学生需要使用自己的思维和想象力，提高他们的创造力和独立思考能力。
通过不断的实践和探索，学生能够培养自己的艺术表现力和创造力，从而更好地理解和欣赏音乐。
然后，节奏创编的方法也是多种多样的。
教师可以通过启发和引导学生的思维，让他们自己发现和创造节奏。
可以给学生一段简短的旋律，让他们根据旋律来创编属于自己的节奏，或者给他们一些音符，让他们自由地组合成自己喜欢的节奏。
教师还可以利用一些游戏和竞赛的方式来进行节奏创编，让学生在轻松愉快的氛围中尝试和创造。
教师还可以通过示范和讲解的方式，教给学生一些基本的创编技巧和方法，提高他们的创作能力。
要充分利用课外活动和跨学科的教学资源，拓宽学生的音乐创作空间。
音乐节奏创编不仅仅局限在音乐课堂上，也可以结合其他学科进行跨学科创作。
在语文课上，可以让学生根据一篇诗歌创作属于自己的节奏；在美术课上，可以让学生根据一幅画作创作属于自己的节奏。
“艺术节奏创编”模式不仅能丰富学生的艺术修养，还能够创造出更多样化的音乐作品。
如何让学生在音乐课堂展开思维
如何让学生在音乐课堂展开思维【摘要】小学音乐大纲中明确提出，音乐课教学中中应该”启发学生的音乐想象力”，使学生”受到艺术形象的感染教育”。
为了使这一教学任务得以实现，音乐课教学中要充分发挥”音乐想象”这一心理过程。
让学生展开音乐想象的思维空间，在音乐的殿堂中任意的翱翔。
【关键词】小学生音乐想象艺术形象想象思维爱因斯坦说过：”想象力比知识更重要，想象力推动世界，是知识进化的源泉。
我的一切都来源于音乐的启发。
”少年儿童的想象力是一把开启心灵的钥匙，通过它可以使灵感得到创造性的发挥，因此，音乐教学已成为促进学生身心健康发展，塑造”创造性”人才的一个重要途径。
那么如何在音乐课中让学生插上想象的翅膀呢？培养想象力呢？一、音乐教师是”音乐想象”的先导者。
在音乐教学中，教师要积极、努力创造愉悦的学习情景，尽可能使每一教学步骤都具有趣味性、启发性、创造性，着力激发学生的兴趣，让他们在欢乐活泼的气氛中展开想象的翅膀，积极主动地获取知识，从而达到提高教学质量的目的。
如在教乐理知识二分、四分和八分音符时，一般教学只讲”二分音符唱二拍，四分音符唱一拍，八分音符唱半拍”。
这些概念对于一、二年级的小学生来说既抽象又枯燥。
如果从学生内心感觉出发，制造一个让学生自身感受、想象的音乐环境，从而将”拍子”的抽象概念进行化解。
首先，让学生们分辨出声音的长短：火车汽笛声长，汽车喇叭声短；猫叫声音长，狗叫声音短等等。
其次，通过海关钟楼钟声、电子钟秒针跳动声和机械快摆表秒针跳动声用来分别代表二分音符、四分音符和八分音符，使学生得到直观的感性认识。
接着，让学生闭眼聆听老师发出的不同节拍的走步声和跑步声，由学生用拍手、跺脚的方式把听到的模仿出来，从而完成由声音感知到动作感知的过渡。
为巩固已学的概念，把几段风格各异的儿歌，让学生按一定节拍的规律朗诵出来。
当他们亲自感知到节拍的时值概念时，就可以将这些看似复杂的音符一一理解，弄懂。
从而也完成了一个从感性到理性的转换。
达尔克罗兹音乐教学法在初中音乐课堂运用的研究
达尔克罗兹音乐教学法在初中音乐课堂运用的研究一、前言二、达尔克罗兹音乐教学法概述达尔克罗兹音乐教学法是20世纪初德国音乐教授埃米尔·雅各·达尔克罗兹提出的一种音乐教学方法。
其核心思想是以人的情感与智力相融合、个性特点与学习需求相结合为出发点，尊重学生的情感与创造力，培养学生的音乐能力和情感体验。
达尔克罗兹音乐教学法包括了很多方法和手段，如音乐游戏、自由创作、情感表达等。
通过这些教学方式，学生能够更加主动、积极地参与到音乐学习中来，提高对音乐的情感体验和理解。
三、初中音乐教学现状在许多初中音乐课堂中，教学方式主要是老师为主导，学生被动接受的传统教学模式。
学生在学习音乐的过程中往往缺乏对音乐的感受和理解，很难发挥自己的创造力和想象力。
教学目标往往只是关注知识本身的传授，而忽视了学生对音乐艺术的感悟和表达能力的培养。
由于音乐教学缺乏趣味性和参与性，学生对音乐学习的兴趣不高，导致了学习效果的低下和音乐素质的较为薄弱。
1. 以学生为主体达尔克罗兹音乐教学法注重以学生的实际需求和能力水平为出发点，尊重学生的个性和情感，让学生成为音乐学习的主体。
在初中音乐课堂中，教师可以引导学生讨论音乐作品的情感表达和意义，鼓励学生进行情感表达，并促使学生从音乐作品中获取情感体验，培养情感的表达能力。
通过这种方式，学生不仅能够更深刻地理解音乐作品，还能够增强情感体验，促进学习兴趣的产生。
2. 鼓励音乐创作在达尔克罗兹音乐教学法中，鼓励学生进行自由创作是一种重要的教学方法。
在初中音乐课堂中，教师可以给学生一定的创作空间，让学生根据自己的情感和想法进行音乐创作，以培养学生的音乐创造力和想象力。
这些创作作品可以是歌曲、曲调、器乐演奏等，有助于激发学生对音乐创作的兴趣，提高他们的表达能力和创作能力。
3. 进行音乐游戏达尔克罗兹音乐教学法中特别注重音乐游戏的运用。
在初中音乐课堂中，教师可以通过音乐游戏的形式对学生进行音乐素养的培养。
大班音乐活动我的小花园教案【含教学反思】
大班音乐活动我的小花园教案教案简介这是一节适合大班幼儿园的音乐活动，灵感来自于创造与自然的主题。
通过利用幼儿的好奇心，想象力和创造力，让他们用自己的方式在音乐中享受大自然。
本次活动中，幼儿将探索不同的声音，学习如何自己创造音乐，并通过活动中的表演展示他们的成果。
教学目标:1.培养幼儿对各种声音的感知能力，并能在音乐活动中运用所学；2.提高幼儿的创造力，帮助其发挥个人特长，自由创作音乐；3.在游戏中培养幼儿的协作意识，促进团队精神；4.通过表演展示，培养幼儿的自信心与表达能力。
准备材料:1.小型乐器，例如鼓，木琴和铃铛；2.示范用的乐器；3.“我的小花园”游戏道具，比如花和树。
教学过程:第一步: 感知音乐1.教师向幼儿展示示范用的乐器，让幼儿听一听每个乐器发出的声音；2.教师制造声音，让幼儿猜测声音的来源，并与他们一起讨论声音有哪些不同类型。
第二步：创造音乐1.教师向幼儿展示自行制作的乐器；2.将幼儿分成小组，让他们一起制作自己的乐器，并为自己的乐器设计一个独特的名字；3.教师指导幼儿们利用他们自己制作的乐器，创造自己的音乐。
第三步：展示成果1.每个小组表演他们自己创作的音乐，其他小组可以跟着节奏打鼓或者敲木琴；2.教师表演一个“我的小花园”场景，让幼儿看一看场景中有哪些物品；3.每个小组接受挑战，要求其创造出可以代表“我的小花园”场景的音乐，并展示他们的作品。
教学反思：本次音乐活动中，幼儿们表现出了极高的热情和活力。
通过游戏和自由创作，他们学会了区分不同的声音类型，并能利用自己制作的乐器创造出音乐。
在表演中，幼儿不仅有机会展示自己的成果，而且还能欣赏到其他小组的表演，使他们更加充满创意和灵感。
在本次活动中，幼儿们学会了协作和互动，表现出了团队精神，其表现令人钦佩。
在今后的音乐教学中，我会注重设计创造性的活动，并尽可能给幼儿们创造展示的机会。
通过不同形式的演出和表现，可以提高幼儿们的自信心和表达能力，激发他们的想象力和创造力。
舞台表演知识：舞蹈表演中的创造性想象—如何在表演中通过想象力创造出不同舞蹈形态
舞台表演知识：舞蹈表演中的创造性想象—如何在表演中通过想象力创造出不同舞蹈形态舞蹈艺术是一种需要综合各种技能的可视化表演艺术形式，它包括了音乐、舞蹈动作、场面布置、灯光音效等方面要素的综合呈现，以期达到一种精神感受和审美体验。
在舞蹈表演中，创造性想象是至关重要的一环，因为它帮助舞者在表演中通过思考，想象和自由创造，创造出不同的舞蹈形态，丰富舞蹈艺术的内涵与外延，更好地表达出舞者所想要表现的意境和情感。
首先，舞蹈表演中的想象力在动作创作中扮演着重要角色。
对于每个动作，舞者都能够通过想象力创造出一种有机的内味，从而给舞蹈赋予更加生动的表现力。
例如，在编排舞蹈时，我们可以在某些部位加上抬手、弯腰、跃起等动作，将它们组合成为一组有机的舞蹈形式，以表达其自身想象力所带来的内涵。
此外，在编排动作时也可以根据自己的想象力，加入或减少动作，以达到更好的流畅性和美感。
动作创作过程中，舞者大可让自己的想象力自由发挥，通过不同形式的表演来打动观众，创造出一种具有感染力的舞蹈形态。
其次，在舞蹈表演中的想象力还扮演着一种与情感表现力相呼应的重要角色。
在现代舞蹈中，很多舞蹈作品都是以抽象化的主题为基础所创作出来的。
这时，舞者在舞蹈表述中放松心灵，让自己自由想象，这种自由想象是很重要的。
在舞蹈表演中，通过想象力，可以把人物的情感和主题思想更好的表现出来。
例如，通过想象力创造出流泻的点滴，来表达人物痛苦或忧伤的情感，可以让观众更好的感受到人物情感的动人之处，增强舞蹈表演的感染力。
最后，在舞蹈表演中的想象力还可以对整个舞蹈音效和场景布置产生重要影响。
在现代舞蹈中，音效是非常重要的环节。
舞者可以通过想象力来对音乐产生更为有效的创意表达。
例如，在音乐中加入响板的声音，可以让音效更为生动，增强观众的视听感受。
场景布置也是舞蹈表演中的重要环节。
通过想象力，舞者可以将场景、光影、服装等方面进行创新设想，以使观众可以更好地感受到舞蹈表演的氛围。
音乐即兴活动对学生创造力的培养研究
音乐即兴活动对学生创造力的培养研究随着现代社会的发展，创造力越来越受到人们的重视。
创造力是指通过创新思维、独立思考和创造性行动来发展新的思想、想法、概念或方法的过程。
在学生教育方面，培养学生的创造力是非常重要的，因为创造力是学生未来面对各种挑战和问题的基石。
音乐即兴活动被视为一种可以帮助学生培养创造力的方式。
音乐即兴是一种即兴创作音乐的活动，参与者可以通过各种乐器、嗓音、节奏、和声和和弦等元素创作音乐。
音乐即兴能够帮助学生发展创造力的原因是它可以帮助学生实践、提高思维的灵活性，并且可以给学生更多的自由和空间去探索新的可能性。
首先，音乐即兴活动可以帮助学生实践，因为即兴需要学生实时作出决定并以此创作音乐。
这要求学生有一定的实践经验，例如掌握音乐基础知识、熟练使用乐器、熟悉不同节奏等等。
这些都需要通过实践进行学习，只有真正地投入到音乐创作活动中，学生才能更好地理解音乐的本质和创作音乐的方式。
通过这种经验，学生可以更好地理解和探索音乐的可能性，并且更好地理解创造力的本质。
其次，音乐即兴活动可以提高学生思维的灵活性。
即兴创作需要学生在短时间内作出决策，从而能够让学生更好地锻炼思维能力。
音乐是一种高度抽象的语言，即兴演奏涉及到多方面的思维活动，例如想象力、空间意识、逻辑思维和创造性思维等。
在这个过程中，学生需要利用这些思维能力去作出决策，去感受、按钮和解释创造出来的音乐。
这些思维能力的锻炼不仅对音乐创作有用，也可以通过在其他领域的应用，帮助学生更好地解决日常生活中的问题。
最后，音乐即兴活动可以给学生更多的自由和空间去探索新的可能性。
在音乐即兴中，学生有更多的自由去自主决定如何表现或表述自己的音乐理念和创意。
这个过程并不需要学生遵循某种预设的规则，而是要求他们根据自己的个性化习惯、经验以及情感来决定创作出的音乐内容。
通过这个过程，学生可以更好地发掘自己的潜能，并且更好地突出自己的多元性，因为音乐创作过程中的自由和空间可以让学生选择自己熟悉或感兴趣的方式进行创作，从而充分地展示自己的创造性。
关于音乐的名言
关于音乐的名言音乐是一种独特的语言，它可以超越语言和文化的界限，让人们感受到情感的表达和思想的交流。
在世界各地的不同文化中，音乐都扮演着重要的角色，无论是在庆典、仪式、聚会还是日常生活中，音乐都起到了独一无二的作用。
下面，我将分享一些关于音乐的名言，希望能够为大家带去一些启发和思考。
1. “音乐是上帝赐给人类最美妙的礼物。
”音乐是一种神圣的力量，能够给人带来欢乐和快乐，也能够抚慰人们受伤的心灵。
它是一种超越语言和文化的声音，能够通过节奏、旋律和和谐来表达情感和思想，让人们沉浸其中。
2. “音乐是灵魂的镜子。
”通过音乐，我们可以从中看到一个人的内心世界。
音乐能够将人们深深地联系在一起，让我们能够更好地理解彼此的情感和观点。
无论是创作、表演还是欣赏音乐，都能够帮助我们认识和了解他人，并创造出一个更美好的世界。
3. “音乐是爱的语言。
”音乐有着无穷的力量和魅力，能够表达出人们对生活、对人类、对自然的热爱和关怀。
通过音乐，人们可以沟通、交流和分享爱的情感，让我们更有意识地去关心他人，并为世界带来积极的变化。
4. “音乐是自由的翅膀。
”音乐是一种无拘无束的艺术形式，能够启发人们的创造力和想象力。
无论是在创作、演奏还是欣赏音乐的过程中，人们能够自由地表达自己的情感和思想，挖掘出内心深处的潜力，并超越自我。
5. “音乐是治愈的良药。
”音乐拥有治愈人类身心的力量，它能够减轻压力、缓解焦虑、提升幸福感和增强免疫力。
通过欣赏和演奏音乐，人们能够放松紧张的神经系统，减少疼痛的感觉，帮助人们舒缓身心，找到内心的平静。
6. “音乐是永恒的艺术。
”音乐是一种跨越时间和空间的艺术形式，能够打破时代的界限，传递给后世的人们。
经典音乐作品能够流传数百年甚至数千年，并依然能够在现代社会中引起共鸣和感动人心。
7. “音乐是人类智慧的结晶。
”音乐是人类智慧的结晶，它通过音符和节奏的安排，展现出人类对美的追求和对和谐的理解。
音乐也是一门学问，通过对音乐的学习和探索，我们能够培养思维能力、感知能力和创造力，提高我们的智力水平。
探索小学音乐教育中的音乐创作教学
探索小学音乐教育中的音乐创作教学音乐创作是音乐教育中的重要环节，它不仅能够培养学生的音乐素养和创造力，还可以促进学生的综合发展。
在小学音乐教育中，如何进行有效的音乐创作教学，让学生在愉悦的音乐氛围中发展自己的创造力，是一个值得探索的课题。
一、音乐创作教学的重要性音乐创作是培养学生音乐素养和创造力的重要手段。
通过音乐创作，学生可以自由地表达自己的情感和想法，培养对音乐的热爱和理解。
同时，音乐创作还能够提高学生的观察能力和审美水平，培养他们对音乐作品的欣赏能力。
音乐创作教学还可以促进学生的综合发展。
在音乐创作的过程中，学生需要运用自己的想象力和创造力，培养自己的思维能力和表达能力。
此外，音乐创作还需要学生进行合作和交流，培养他们的团队合作精神和社交能力。
二、音乐创作教学的方法与步骤在小学音乐教育中，音乐创作教学可以通过多种方法进行。
一种常见的方法是通过教师的引导，让学生进行即兴创作。
教师可以通过给学生一些音乐素材或音乐主题，引导他们进行即兴创作。
在这个过程中，学生可以根据自己的感受和想法进行创作，发挥自己的创造力。
另一种方法是通过教师的示范，让学生进行模仿创作。
教师可以给学生播放一些优秀的音乐作品，让他们进行欣赏和分析。
然后，教师可以指导学生从中汲取灵感，并进行模仿创作。
通过模仿创作，学生可以学习到一些音乐创作的技巧和方法。
音乐创作教学的步骤可以分为以下几个阶段：启发阶段、创作阶段和展示阶段。
在启发阶段，教师可以通过播放音乐、讲解音乐知识等方式，激发学生的音乐兴趣和创作欲望。
在创作阶段，学生可以根据教师的引导或示范，进行自由创作或模仿创作。
在展示阶段，学生可以将自己的作品进行展示，并接受教师和同学的评价和鼓励。
三、音乐创作教学中的注意事项在进行音乐创作教学时，教师需要注意以下几个方面。
首先，教师应该尊重学生的个性和创作特点，不要过多地干预学生的创作过程。
音乐创作是一个个人的表达过程，学生需要有足够的自由度来发挥自己的创造力。
音乐即兴活动对学生创造力的培养研究
音乐即兴活动对学生创造力的培养研究音乐即兴活动对学生创造力的培养研究随着时代的发展，人们对于音乐的理解也在不断地变化。
从最初的单纯欣赏到现在的参与其中，音乐作为一种文化的“语言”，正在越来越多地被人们所关注。
然而，由于传统的音乐教育存在许多问题，使得大多数人对于音乐的理解和认识仍然停留在表面。
而对于音乐即兴这个概念，更是很少有人有所涉猎。
然而，实际上，音乐即兴不仅具有很高的音乐价值，更对于个人的创造力有很大的培养作用。
本文就来浅谈一下音乐即兴活动对学生创造力的培养研究。
一、音乐即兴活动的基本概念所谓音乐即兴，是指演奏者在演奏时没有固定的乐谱或旋律，而是根据即时的灵感和感觉，通过即兴演奏创造出自己的音乐。
与其它音乐形式相比，音乐即兴具有很高的自由度和灵活性。
因此，在音乐即兴的表现中，每个演奏者都能够自由地表达出自己的情感和思想，极大地发挥了人的创造力。
二、音乐即兴活动对创造力的培养1、音乐即兴能够激发个人的创造力如上所述，音乐即兴是一种不固定的音乐形式，因此，它不仅能够为演奏者提供创造空间，更能够激发出演奏者的创造意识和创造力。
在音乐即兴的表演中，演奏者面对着未知的音乐结构和旋律，需要依靠自己的想象力和创造力来完成演奏。
通过这样的一过程，演奏者能够不断地抒发自己的情感和思想，发挥出当下的创造力。
2、音乐即兴能够提升个人的音乐技巧在音乐即兴的演奏中，演奏者需要具备较高的音乐技巧和音乐素养。
这不仅仅包括对于音符的掌握，更包括对于音乐风格的理解和把握等。
运用自己的音乐技巧和音乐素养，演奏者可以通过演奏来创造出独具特色的音乐作品，从而不断地提升自己的演奏技巧，形成自己的音乐风格。
3、音乐即兴能够加强个人的自信心在音乐即兴的演奏中，每个演奏者都需要在大庭广众之下进行演奏，这对于个人的自信心是一种很好的锻炼机会。
在演奏时，演奏者需要根据自己对音乐的理解和感悟来完成演奏，体现出自己的音乐才华和风采，这将有助于演奏者在今后的音乐生涯中更加有信心地面对各种挑战。
浅谈如何利用奥尔夫音乐教学法培养幼儿的创造力
浅谈如何利用奥尔夫音乐教学法培养幼儿的创造力奥尔夫音乐教学法是一种专注于幼儿音乐教育的方法，它强调音乐教育的整体观念，通过活动和探究的方式来激发幼儿创造力，培养幼儿的音乐感知、表现和欣赏能力。
下面我将从三个方面探讨如何利用奥尔夫音乐教学法来培养幼儿的创造力。
一、扩展幼儿的感知领域幼儿的感知能力一直是幼儿教育中的关键因素之一，对于幼儿的成长和学习有很大的影响。
在奥尔夫音乐教学法中，教师会使用多种形式和技巧来帮助幼儿扩展感知领域。
首先，教师可以通过音乐游戏、谐律游戏等活动来引导幼儿感受不同的音乐元素。
这些元素包括音高、音色、节奏等等。
通过这些活动，幼儿可以更加深入地理解音乐的本质和内涵，并且在自己的创作中也能更加灵活地应用这些元素。
其次，教师还可以引导幼儿参观音乐会、演奏会等文化场馆。
这样可以让幼儿更加直观地感受到音乐的艺术魅力，了解不同音乐流派的特点和风格，从而对音乐创作产生浓厚的兴趣。
在扩展幼儿的感知领域的同时，教师还可以通过多种形式来培养幼儿的情感、认知和表现能力。
例如，幼儿可以在音乐游戏中自主探索、自由表达，这样可以培养他们的创造力和自主学习能力，同时也注重了对每个幼儿的个性化关注，让每个幼儿都能够获得充分的照顾和呵护。
二、开展多样化的音乐活动奥尔夫音乐教学法注重让幼儿通过音乐活动来创造和表达自己的情感和思想，从而激发幼儿的音乐创造力。
要想实现这一点，教师需要构思和组织多样化的音乐活动。
例如，可以采用合唱、合奏等合作方式，让幼儿亲身体验合作的快乐，将个体力量转化为团队力量，从而具备更强的创造力和想象力。
在这种活动中，幼儿可以自由表达自己的情感和思想，展现自己的特长和才能，同时也为别人的表现献上掌声和赞誉。
此外，教师还可以设计一些物理性活动，如敲打乐器、穿梭跳跃等，让幼儿通过身体的动作来表达自己的情感和感受。
这种形式的活动十分适合幼儿的天性，可以更加自由、自主地表达自己的思想和感情，开发幼儿的音乐创造力潜能。
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在音乐中自由创造
作者：欧阳江南
来源：《发明与创新(学生版)》2009年第07期
在阅读物理学家的传记时，不难发现：很多物理学家都是音乐爱好者。
我们知道，物理学是严谨的，而音乐却是浪漫的。
这两种迥然不同的思维方式竟如此神奇地统一在那些物理学家身上，这是什么原因呢?
开普勒：在音乐中发现宇宙和谐
开普勒是集天文学家、星相和音乐爱好者于一身的科学家。
他还没正式登上科学殿堂之前，写过一本叫《宇宙的奥秘》的书，古希腊的“宇宙和谐”是这本书的基本思想，其思想来源于托勒密有关“谐音”的论述。
开普勒从讨论音乐的谐音着手，给出一组悦耳的乐音振动弦的长度比例，再使特定的“谐音”比列与某个正多面体相关联，进而得出了一个球体与多面体相互嵌入的宇宙模型。
这个模型的科学价值虽然不大，但却展示了开普勒的想象能力，并由此受到当时的大天文学家弟谷的重用，开始了他研究行星运动规律的科学生涯。
弟谷逝世之后，开普勒着手整理弟谷积累了40年的天文观测资料，发现了行星运动第一、第二定律。
之后他以更大的热情探寻宇宙和谐，他从一首古老的“和谐序曲”的音乐受到启发，通过对音乐的和谐(谐音)和占星的和谐(星相)进行深刻的数学分析，终于在1619年完成了他的《宇宙和谐论》。
在该书的最后一章中，他说明了谐音原则也可以在太阳坐标系中将行星近日点和远日点的角速度表示出来，从而得到了行星运动第三定律。
他甚至还将第三定律用一首“行星协奏曲”谱写出来。
牛顿：在音乐中发现光的韵律
牛顿在剑桥大学“三一”学院读书时就开始学习音乐理论。
后来到乡下躲瘟疫时，他开始将音乐知识应用于对光和颜色的研究。
牛顿曾将自己用三棱镜分得的太阳光谱定义为五种颜色：红、黄、绿、蓝、紫，但他对这样定义的光谱不太满意，因为两端的光谱带的间隔比中间的大1／3。
于是他在红色和黄色之间定义了橙色；在蓝色和紫色之间又定义了靛色，这样一来光谱就“更美、更匀称”，比原先的五种颜色“更具有纯洁的对称性”。
本来，在黄色与绿色之间以及绿色与蓝色之间还可以定义两种颜色，但牛顿没有这样做，因为他把光谱和乐音进行了类比，认为乐音有七个音符，光谱也只应有七种颜色。
他说：“在把颜色散开来之后，我发现每种颜色正好出现在它相应的位置上，匀称地排列成一串，仿佛构成了声乐中的一个个音符。
”
1675年，牛顿向英国皇家学会提交了一篇论文，提出了把颜色与音乐联系起来的学说：光刺激眼睛激起振动，振动沿光神经传入感觉中枢，这与喇叭中的声音类似。
正如声音的和谐与否取决于空气的振动特性，颜色和谐与否取决于光的振动特性。
颜色可以比较出它们的色阶：红、橙、黄、绿、蓝、靛、紫，这与七度音阶的逐次升调有相同的基础。
这样，太阳的七色光谱自牛顿定义以来一直沿用到今天。
爱因斯坦：在音乐中自由想象
爱因斯坦的妈妈能弹会唱，受母亲的影响，爱因斯坦从小就热爱音乐，尤其喜欢演奏小提琴。
爱因斯坦在创立现代物理学的过程中，非逻辑的科研方法发挥了重要作用，而这种方法的形成又与他热爱音乐有密切的关系。
因为，音乐不但对科学研究有直接的“诱发”作用和承担起美学标准的作用，而且还能丰富科学家思想中的非逻辑思维。
爱因斯坦的相对论就是一种非凡想象力的体现，试想，如果没有天马行空的想象，那神奇的“追光实验”和“升降机实验”能构思出来吗?那让人难以接受的“狭义相对论”和跑得更远的“广义相对论”又能创立起来吗?而这种超凡的想象力有相当部分得益于音乐的熏陶。