对艺术创作原创性的思考
文学艺术创作行业的创新思维与创作手法
文学艺术创作行业的创新思维与创作手法一、文学艺术创作行业的创新思维随着时代的发展和社会的演进，文学艺术创作行业正不断面临着新的挑战和机遇。
要在这个竞争激烈的领域中脱颖而出，创作者们需要拥有创新思维。
所谓创新思维，是指通过不传统、非常规的方式来进行思考和解决问题, 在文学艺术创作中体现为以开放、前瞻、勇于突破传统束缚等特点。
1.1 开放思维开放思维是指摒弃固有的观念和既定模式，敢于追求与众不同的观点和见解。
在文学艺术创作中，开放思维可以为作者提供更广阔的想象空间，并启迪灵感。
例如，在纷繁复杂的现实世界中，作者可以以别具一格的方式表达自己对现实问题的理解与思考。
同时，开放思维也有助于鼓励读者接受全新的艺术形式和观念。
1.2 前瞻性思维前瞻性思维是指具备预见性和远见卓识的能力。
在文学艺术创作中，前瞻性思维可以提醒作者关注未来的趋势与变化，在创作中融入先进的科技、社会问题等元素。
举个例子，以当前流行的虚拟现实技术为基础，创作者可以借助这一工具，将读者带入一个真实而又超越现实的虚拟世界，从而引发更加真切和深入的情感共鸣。
二、文学艺术创作行业的创作手法文学艺术创作行业也需要不断地探索新的创作手法以适应时代潮流和读者需求。
下面将介绍几种常用且值得被采纳的创作手法。
2.1 跨界合作跨界合作是一种通过与其他领域进行协同合作来实现艺术跨界融合的方法。
艺术家可以与音乐人、舞台剧导演、电影制片等行业结合起来，吸收不同领域的优秀元素，通过跨界合作产生新鲜有趣并具有冲击力及共鸣力强烈的作品。
2.2 反串与视角转换反串与视角转换是指艺术家用不同于自己身份的人物来表达观点和传递信息。
通过反串，艺术家可以从一个全新的角度出发，展现出不同身份背后的思考与感悟。
这种手法不仅有利于拓宽作品的表达范围，还能让读者在阅读过程中体验到更多层次的情感冲击。
2.3 独立自媒体创作随着互联网时代的到来，独立自媒体创作已经成为一种趋势。
通过个人或小团队运营自己的博客、微信公众号、YouTube频道等平台，艺术家可以直接与读者进行沟通和互动，并实现作品与受众间更直接、更实时的联系。
我对自己绘画创作的一些感悟和体会
我对自己绘画创作的一些感悟和体会我结合本人的实际生活谈一些自己绘画创作中的感想和体会。
一、在生活中学会观察事物，在观察事物中找灵感。
在我们的现实生活中，时时刻刻都要与各种形形色色的事物打交通，在各种事物打交通的过程中，我们会通过第一印象感觉它，然后会根据它的印象做出相应的反映，比如，你遇到一个人向你发怒，你不会笑对他一样。
我们学绘画，就是要通过绘画形式把事物的变化形态印象固定下来，给人们树立印象。
而这种印象是美感的印象，艺术的印象。
例如，我在对人的活动过程中发现，人由于年龄层次不同会出现四种形态，分别为常态、动态、情态、自然态。
就照像而言，老人不愿有动作，就站着或坐着，是一种常态姿式；中年人特别是男同志会抱着手或双手叉腰等，有一个动态姿式；年青人和学生很活泼，会摆许多造型以及面部表情，有情态姿势，儿童天真玩皮，哭笑打闹是随心而成自然姿式。
这些在人物画中都有所表现，但最能传神，打动人的是情态姿式。
通过对我们身边各种物变化过程的观察，寻找一种美的印象，通过绘画艺术形式表现出来，给人的一种美的享受。
去年浦口中心医院开业时给他们作了一幅画，当时考虑到医院是特殊地方，这幅画立意是看了能使人精神放松，消除烦燥，得到休息。
为此我调动所学艺术手段。
大胆舍去传统花鸟画中的鸣禽飞蝶，以牡丹为主体，配以奇石，水仙以拓展层次空间，牡丹深浅搭配，艳而不俗，让观者能在一个清爽和谐，没有外来干扰的情况下，静静地欣赏牡丹的平静自然的芳姿。
二、艺术起源于生活，又富予于生活。
前面我们讲到，在生活中学会观察事物，实际上也就是起源于生活的过程。
又富予于生活，也就是通过对事物的观察分析，用绘画艺术的表现形式，不仅反映印象形态的美，给人带来一种美的舒服感受，而且反映积极向上，反映时代潮流，引领社会文明进步的要求，从而又不断丰富了人们的精神文化生活。
所以，一些有成就的画家都感觉到实际生活是绘画丰富的源泉，他们不辞辛劳，拨山涉水，走遍天下河山，深入社会各阶层，体验生活。
简谈我的创作感想
简谈我的创作感想创作是一种审美的表达，是思想和情感的抒发，是一种个人想象力和创造力的展示。
在创作的过程中，我们可以感受到自己的思绪和情感在作品中得以宣泄和传递，无论是文字、音乐、绘画还是其他形式的创作，都能够唤起人们的共鸣和思考。
在创作的过程中，我经常会陷入一种状态，那就是进入一个完全专注的境地。
在这个状态下，我会完全融入到作品当中，与其产生共鸣，与其对话。
这种沉浸感让我忘记了时间和周围的世界，只有写作的笔墨和思绪在我眼前流淌，让我感到无比的自由和畅快。
创作对我来说既是一种快乐的体验，也是一种挑战。
每次坐下来开始创作，我总是带着一颗充满期待和挑战的心态。
我想要挑战自己的思考深度和表达能力，希望通过创作能够让读者感受到我的思考和情感。
在写作的过程中，我也会遇到一些困难和阻碍。
有时候，想要表达清晰的思想却无法找到合适的词汇；有时候，思绪纷乱，无法确定一个合适的切入点。
这时候，我会停下来，静下来反思和思考，直到找到一个可以展开的方向。
有时候，灵感会突然来临，让我犹如得到启示一般，一连写下好几页纸。
有时候，创作就像是解谜游戏一样，需要不断摸索和尝试，才能找到最好的答案。
创作中的每一个字词都是我用心思考、推敲和选择的结果，在每一个字背后都蕴含着我对作品的认真态度和对读者的尊重。
我希望我的作品能够触动读者的内心，给他们带来思考和启发。
在创作之前，我会有意识地思考读者可能有的问题和疑惑，希望用我的文字回答他们的问题，让他们在阅读后能够有一种领悟和共鸣。
创作并不仅仅是一种个人的体验，它也具有社会价值。
文艺作品能够反映社会的热点和问题，引起人们对社会问题的思考和关注。
艺术家和作家通过作品传递自己的思想，引导社会思潮的发展，推动社会的进步。
我相信每一个作品都有它独特的价值和意义，它能够给人们带来启发和改变。
创作让我能够深入思考和感悟生活，用文字表达自己的想法和情感。
它是一种自由和畅快的体验，也是一种挑战和成长的过程。
艺术创作的方法和思路
艺术创作的方法和思路艺术创作是一种非常有趣和具有挑战性的过程。
这个过程需要我们通过一定的方法和思路来创造、表达和传达我们的观点、情感和想法。
那么，什么是艺术创作的方法和思路呢？在艺术创作中，方法非常重要。
首先，我们需要选定一个主题或者题材，确定自己的创作方向和目标。
其次，我们需要收集与主题或题材相关的信息和素材，包括画面、音乐、文字、场景等等，以此来获得灵感和构思。
然后，我们需要定下创作计划和步骤，包括草图、构图、颜色、材料等等，并不断调整和改进，直到达到理想的效果。
除了方法之外，艺术创作还需要有一定的思路。
首先，我们需要保持创意和创新，不断尝试新的技法和表现手法，来创造出独特的作品。
其次，我们需要不断学习和探索，包括对于各种艺术形式的了解和研究，以及对于社会、文化、历史、哲学等方面的积累和思考，来增强我们的视野和深度。
最后，我们需要审美和感性，要善于洞察和体验生活中的情感、美感和思想，从中提炼和表达自己的艺术理念和精神。
总之，艺术创作需要体现方法和思路相互配合的理念。
只有将这两者很好地结合起来，才能够获得满意的创作成果。
希望大家在日常创作中能够多加尝试和探索，不断创造出新的、独特的艺术作品。
另外，艺术创作的方法和思路也受到个人经验和个性的影响。
每个人的创作风格和取向都有所不同，需要根据个人特点来进行选择和调整。
有些人喜欢通过与他人交流，从中获得自己的灵感和启示，而有些人则更喜欢在安静的环境中沉浸自己，来寻找自己的创作感觉和思路。
无论是哪种方式，都需要尊重个人特点和需要，并通过不断的实践和反思来不断完善自己的创作方法和思路。
此外，艺术创作还需要有一定的追求和社会责任感。
艺术作品不仅仅是单纯的表现手法和技巧，更重要的是它所传达的思想、价值观和文化内涵。
艺术家应该有一定的追求和审美标准，时刻关注社会和人类的现实问题，以自己独特的方式来为社会和时代做出贡献。
总之，艺术创作的方法和思路需要综合考虑各方面的因素，包括个人特点、社会责任感、审美追求等等，并不断地进行实践和反思，以完善自己的艺术风格和创作水平。
关于当代书法创作的思考和探索
关于当代书法创作的思考和探索当代书法创作是对传统书法的传承与突破的结合，是对古代艺术形式的重新审视和重新定义。
在当代社会背景下，书法已经不仅仅是一种艺术形式，更成为了一种语言符号和文化传承的载体。
在当代书法创作中，既要保留传统书法的审美特点和精神内涵，又要与时俱进，注入当代人的审美情趣和思想观念。
当代书法创作的核心是“创”字。
既创新，又创作。
创新是指要在传统书法的基础上，注入现代艺术的元素，以及表现当代社会和时代精神的内容。
在传统的传统中，要加入一些当代人可以理解和接受的意象。
可以结合当代城市的景观和建筑风格，创作出别具一格的书法作品。
还可以结合当代人的生活习惯和审美需求，进行书法艺术形式的革新和发展。
创作是指要在书法的基础上，进行创造性的表达和构思。
在传统书法中，注重的是笔墨和意境的表达，强调的是书法的技法和艺术效果。
而在当代书法创作中，要更加注重书法作品的内容和形式的表达。
要求书法作品在传达情感和思想的还要具有独特的艺术风格和表现手法。
可以采用不同的材料和工具，进行书法作品的表现手法的多样化。
要思考当代书法与传统书法的关系。
传统书法是当代书法的基础和源泉。
要对传统书法进行承传和继承，同时要进行革新和创新。
要注重传统书法的技法和审美观念，同时也要对传统书法进行批判和超越。
要对传统书法的形式和内容进行全面的思考和评价，从而为当代书法创作提供思想和艺术支持。
要思考当代社会和时代背景对书法创作的影响和启示。
当代社会的快速发展和变化，给书法创作带来了新的挑战和机遇。
要关注当代社会的现实问题和精神需求，进行书法作品的创作和表达。
可以通过书法作品，传达出人们对美好生活和理想社会的向往和追求。
要关注当代社会的文化多元性和艺术创新，以及对传统文化的传承和发展。
要思考当代书法创作的审美观念和艺术价值。
当代书法的审美观念和艺术价值，应该是与当代人的审美情趣和艺术追求相适应的。
要注重书法作品的审美感受和艺术品质，以及对观众的艺术启迪和情感共鸣。
浅谈艺术创作的灵感-论文
浅谈艺术创作的灵感-论文灵感在艺术家的艺术创作中至关重要,关系到艺术创作的成败。
艺术创作灵感的培养与艺术家的生活感怀、个人修养不无关系。
以下是小编分享给大家的关于写浅谈艺术创作的灵感，一起来看看吧![关键词]灵感;艺术创作;生活感悟“灵感”一词起源于古希腊,原意是神的灵气,有灵气吸入的意思。
按中文的意思,灵感有神灵感应之意,与古希腊原意相同。
钱学森在《哲学研究》中说:“人脑有创造的能力,这不是逻辑推理而是思想的飞跃,是所谓‘灵感’,创造性思维中的‘灵感’是一种不同于形象思维和抽象思维的思维形式,凡是有创造经验的同志都知道光靠形象思维和抽象思维不能创造,不能突破,要创造要突破得有灵感。
”[1]他认为灵感是有规律可寻的,建立灵感学对发展思维科学、认识创造的规律有重要作用。
笔者认为,灵感是人类对熟悉的媒介物产生的一种特殊思想飞跃,艺术上的灵感与科学上的灵感都属于思维的直觉认识形式。
希腊哲学家柏拉图认为,灵感只属于诗歌和舞蹈,绘画和雕塑中则没有灵感,因为诗歌和舞蹈是凭灵感认识到美和创造出美的,绘画和雕塑是凭技艺创造出来的。
[2]很显然,柏拉图对灵感作了唯心主义解释。
灵感的产生是人脑对进行事物产生的一种思维飞跃,诗歌和舞蹈、绘画和雕塑都是人类对要表达的事物从事的一种行为,虽然形式上有所不同,但在思维的本质上都是一样的。
灵感对于人类的启发是多种多样的,比如俄罗斯化学家门捷列夫在睡眠中制作成了化学元素周期表,为什么门捷列夫在睡眠时也能接受灵感的启发?这与门捷列夫平时对化学元素的认真思考有密切的关系,在日常生活中苦苦思索而不得其解,在睡眠时思想放松,反而有利于思维进一步扩散,这表明思维放松可以促使灵感的产生。
周围的环境也激发人的灵感,俄罗斯画家苏里柯夫早就想以缅希柯夫为主人翁创作一幅画,有一次他被连天阴雨困在一处山间小屋里,外面是凄风苦雨,房子里又很潮湿,令画家心生厌意,这种特殊环境和气氛使画家联想到缅希柯夫,恍惚觉得自己正置身于缅希柯夫被流放到西伯利亚愁闷的农舍里排遣时光的环境气氛中,鲜明的视觉印象与思想上已经形成的主题的朦胧意象结合在一起,就这样实现了对主题的审美认识的飞跃。
浅谈对艺术创作中灵感思维的理解
浅谈对艺术创作中灵感思维的理解艺术创作是一种灵感思维的体现，它是艺术家通过感受、观察和思考，将内心的情感、思想和理念转化为形式上的艺术作品的过程。
灵感思维在艺术创作中起着至关重要的作用，它是艺术家思考与表达的核心，也是作品赋予独特个性与灵魂的源泉。
灵感思维是艺术家寻求创意的基础。
艺术家通过对周围事物的观察和感受，能够获得灵感的萌发。
灵感可能来自于大自然的美景，来自于社会问题的思考，也可能来自于人类情感的表达。
艺术家通过感知和理解这些灵感，形成了自己独特的观点和创造力，从而将其融入到作品中去。
正是灵感思维的深入，使得艺术作品在内容上更加深刻有趣，给观众带来了更多的思考空间。
灵感思维使艺术家的作品具有独特的个性与风格。
每个人都有自己独特的思考方式和审美观点，而这些特点会在灵感思维的过程中得到体现。
艺术家通过自己对灵感的思考和理解，将其转化为艺术语言。
这种思维方式可以是直接表达，也可以通过象征、隐喻等手法进行间接表达。
这些个性化的表达方式，使得艺术家的作品具有了与众不同的魅力，更容易引起观众的共鸣和注意。
灵感思维推动了艺术创作的创新与突破。
艺术家通过对灵感的思维和研究，能够突破以往的表现方式和艺术形式，进一步推动艺术的发展。
灵感的思维方式非常灵活，它可以是从传统中汲取营养，也可以是与时俱进地捕捉社会的变化和潮流。
艺术家通过对现实的观察和思考，赋予自己的作品以独特的创新性，从而为艺术领域带来新鲜的思想和表达方式。
灵感思维并不是一种轻而易举的过程，它需要艺术家具备一定的素质和能力。
艺术家需要有广泛的知识和丰富的阅历，这样才能更好地感受和理解周围的事物。
艺术家需要保持一个开放的心态和敏锐的观察力，这样才能更好地捕捉灵感并进行思维的转化。
艺术家需要不断地培养个人的审美品味和独特的创作风格，这样才能够更好地将灵感融入到作品中去。
灵感思维是艺术创作中不可或缺的一部分，它是艺术家思考和表达的核心，也是作品个性化和创新性的源泉。
浅谈对艺术创作中灵感思维的理解
浅谈对艺术创作中灵感思维的理解艺术创作是一个神秘而又神奇的过程，其中灵感思维起着至关重要的作用。
灵感思维是指艺术家在创作过程中所使用的心灵和思维的力量，它是艺术创作的灵魂和核心。
对于大多数艺术家来说，灵感思维是他们创作的源泉和灯塔，是他们创造出优秀作品的不竭动力。
那么，对于艺术创作中的灵感思维，我们应该如何理解呢？灵感思维是创作的起点。
在艺术创作的起点，常常是因为一些外在的事物或内在的情感刺激，使得艺术家的心灵和思维受到激发和启发。
这种激发和启发会激发出艺术家内心深处的情感和灵感，促使艺术家开始思考和创作。
比如一幅画的灵感可能来自于一朵鲜花、一片云彩或者一段音乐；一首歌的灵感可能来自于生活中的琐事、一次旅行或者一段情感经历。
这些灵感思维的源泉可能来源于艺术家对于周围世界的观察和感悟，也可能来源于他们内心深处的情感和思考。
无论来自何方，灵感思维都是艺术创作的起点，是艺术家必不可少的素材。
灵感思维是创作的动力。
艺术创作需要源源不断的灵感思维，而这些灵感思维又成为了创作的动力。
有时候，艺术家可能会因为某种原因而陷入了创作瓶颈，不知道如何下笔，这时候灵感思维就能够给予他们新的灵感和思路。
在他们灵感思维的推动下，他们会找到新的出路和方向，重新找到了创作的动力和热情。
在创作的过程中，灵感思维会激发艺术家的想象力和创意力，促使他们不断创作，不断突破自我。
正是因为有了源源不断的灵感思维，艺术家们才能够不断地创作出优秀的作品，为艺术世界带来新的惊喜和震撼。
灵感思维是创作的灵魂。
在艺术创作中，灵感思维是作品的灵魂和核心。
艺术家通过灵感思维来构思和表达自己的作品，将自己的情感和思想融入到作品之中。
正是因为有了这种灵感思维，作品才能够有灵气和生命力，才能够打动观众的心灵，让观众产生共鸣和感动。
艺术创作中的灵感思维，就好比是一种灵魂的沟通和交流，使得艺术家和作品之间产生了一种特殊的联系和互动。
没有灵感思维，作品就会失去了生命力和灵气，就只是一种平淡无奇的表现，无法打动人心。
艺术创作中的创作思路与灵感来源
艺术创作中的创作思路与灵感来源艺术创作是一种创造性的过程，需要创作者创造出新的艺术品。
而这种创造性的过程需要灵感的启示和创作思路的指引。
本文将从创作思路和灵感来源两个方面进行探讨。
一、创作思路艺术创作的创作思路是指艺术家在创作过程中，对艺术品应该包含哪些元素、如何表达主题等问题的思考。
创作思路是艺术家完成艺术创作的重要依据，决定了艺术品形态、内涵及价值。
1.主题思考主题是艺术品的核心，也是创作思路的出发点之一。
艺术家在处理主题时，需要关注社会、人类和自然等方面的现实问题，同时也需要注意自己内心的情感和想法。
艺术家的创作思路往往是从对主题的理解和把握中得出的。
2.艺术形式选择创作思路还包括艺术形式的选择。
不同表现形式的艺术品所包含的内涵和表现效果各不相同，因此，艺术家需要选择最适合自己表达主题的艺术形式。
3.视觉化的设计艺术创作中的创作思路不仅在主题、形式上有所区别，还涉及到艺术品的视觉设计。
视觉化的设计是针对艺术品视觉效果的处理，包括色彩、构图、线条等方面。
艺术家需要在视觉化设计上做出恰到好处、符合主题的处理，从而让艺术品更加深入人心。
二、灵感来源灵感是艺术创作中最重要的因素之一，它是艺术家作品的养分和驱动力。
艺术家可以从自己生活中或是从外部文化和艺术作品中获取灵感。
1.生活中的灵感生活是艺术家创作的源泉，它是艺术家获取灵感的重要来源。
艺术家可以通过自己的生活体验、感悟、情感来启示自己的灵感，对生活中发生的事件和事物进行想象、推理和反思，从而创造出独特的艺术品。
2.文化的灵感文化是艺术创作中不可或缺的因素，艺术家可以从文化中获取灵感。
艺术家可以对古代文化进行研究、分析和加工，以发现其中的无穷灵感。
此外，当代文化和时事也能成为艺术家获取灵感的重要来源。
艺术家往往关注社会和人类问题，从中获取能够启示自己创作灵感的元素。
3.艺术作品的灵感艺术家也可以从除自己以外的其他艺术作品中获得灵感。
艺术家可以对其他艺术家的作品进行欣赏和分析，从中获取灵感。
初中美术艺术创作心得(含学习方法技巧、例题示范教学方法)
初中美术艺术创作心得第一篇范文在初中美术学习的道路上，艺术创作是我不断追求和探索的目标。
它不仅是一种表达自我，传递情感的方式，更是一种思考问题，解决问题的方法。
通过艺术创作，我感受到了美的力量，体验到了创作的乐趣，也收获了许多宝贵的心得。
在美术创作中，我深刻体会到了观察力的重要性。
生活中的点滴，大自然的美丽，都需要我们用心去观察，去感受。
只有观察得细致，才能描绘得准确，才能展现出作品的生命力。
例如，在学习绘制风景画时，我仔细观察了天空的颜色变化，云的形状，树的姿态，水的波纹，将这些细节描绘在画纸上，使作品更加生动有趣。
创作美术作品需要有丰富的想象力。
想象力使作品具有独特的个性，使艺术创作充满无限可能。
在我的美术作品中，我常常尝试运用想象力，创造出不同于现实的艺术世界。
例如，在创作一幅童话插画时，我将人物形象进行了夸张处理，赋予了他们奇特的服饰和表情，使画面充满奇幻色彩，引人入胜。
此外，美术创作还需要有扎实的绘画技巧。
技巧的运用使作品更加完美，使创作更具表现力。
在学习和实践过程中，我努力提高自己的绘画技巧，不断丰富自己的艺术表现手段。
例如，在绘制一幅人物肖像时，我运用了线条的流畅性和色彩的层次感，表现出了人物的轮廓和神态，使作品具有较高的艺术价值。
在美术创作中，我同样体会到了团队协作的重要性。
许多优秀的美术作品都是团队合作的结果，大家共同探讨，共同创作，共同进步。
在与同学们的合作中，我学会了倾听他人的意见，学会了尊重他人的创意，也学会了如何与他人共同完成一幅优秀的作品。
最后，通过美术创作，我认识到了艺术的价值。
艺术不仅是审美的需要，更是人类精神生活的重要组成部分。
它能够提升我们的心灵境界，丰富我们的情感世界，培养我们的综合素质。
在未来的学习和创作中，我将继续努力，用双手描绘出更加美好的未来。
总之，在初中美术学习过程中，艺术创作给我带来了无尽的乐趣和丰富的收获。
我将珍惜这段美好的时光，继续努力，不断提高自己的美术素养，为实现自己的艺术梦想而努力奋斗。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
对艺术创作原创性的思考作者：宋伟光来源：《雕塑》2012年第05期今天互联网的高度发达，促使了信息共享，致使人们在对问题的认识上趋于扁平化。
信息发达是把双刃剑，它可以滋生挪用与抄袭的泛滥，但它也可以运用掌握的信息来避免重复，更可以享受信息时代所带来的便捷和对事态的掌握。
一句话，运用得当更利于原创精神的迸发，本文通过对“原创”的概念形态分析以及对抄袭、模仿和借鉴之概念的界定，进行了有关形与意之辩证，指出要从艺术的原点和方法论上下功夫，回到用什么方法和要解决什么问题的认识上来。
一、“原创”的概念形态首先，须对“原创”这个概念做一下定义。
原创即首创，是具有独特个性的物质或精神成果，是对既定参照物的怀疑与否定，是主客体之间的创造性关系，具有唯我性和批判精神。
从根源上来讲，原创性的产生在思想上基于原始信仰，在方法上基于原始思维和人类的社会实践，它产生于人的精神世界。
人类的文化史是由原创的开创性和传承的延展性构建的，人类文化的脉系是创新和传承以及模仿之间相互作用、相互影响的结果。
因而，不能够片面地谈原创性的决定作用，如果仅仅纠结于原创这一方面，那么，文化史对“体系”“学统”之划分便无意义了。
只不过原创较之其他方面更具有开拓性，尽管原创具有开拓性，但原创的事物往往是不完善的甚至是粗浅的，但它却是形成经典的原型。
而经典的形成则是靠对原创的不断完善和提升来完成的。
既然谈到原创问题，那么这必然要牵扯出与原创问题有关的抄袭、模仿和借鉴之问题。
二、对抄袭、模仿和借鉴之概念的界定对于艺术创作原创性的强调，是基于当下艺术创作拷贝、挪借之风甚至抄袭之风日趋泛滥的文化境遇而提出的。
首先说《雕塑》杂志对这一问题的提出具有现实意义。
它的意义就在于对盲目跟风，投机取巧，精神缺失之现象的警觉与批判。
当代艺术在很大程度上表现出的是一种强调观念，甚至是技术次要观念先行的状态，特别是当代艺术手法中惯用的复制、拷贝、装置、材料转换等“点石成金”的方法，无形中促使了模仿与抄袭的产生，因为这些方法中含有脑筋急转弯的因素，对这些方法的运用如果不当，就很容易陷于模仿和抄袭的状态之中而不自觉。
针对这一现象，还须对抄袭、模仿和借鉴之概念界定一番，以正本清源。
“抄袭”是指把别人的作品或成果抄来当做自己的。
“模仿”是指个体自觉或不自觉地重复他人行为的过程。
“借鉴”是指参考别人的成果以对照自己，含有取长补短的意思。
这三者之间在一定程度上存在着一定的共同点，就抄袭与模仿而言，个中都有攫取他人成果的因素，“模仿”在对待一般事物上可看作是社会学习的重要形式之一，但在创造性劳动上这种行为与抄袭便没有本质上的区别，因为这涉及到知识产权的问题。
而借鉴其实也是带有模仿程度的，只是程度不同而已。
在艺术创新方面，抄袭与模仿以及借鉴存在着临界点，如果没有观念性的突破，模仿与借鉴便都有抄袭的成分。
造型艺术是形意不分的艺术，反映在造型艺术中，抄袭表现为对别人构思的挪用或对形体的模仿。
而借鉴则表现为对构思或形体的衍展或演变，但问题是形体的衍展或演变是否就是创新或者是对抄袭的遮掩。
这就要看其结果了，如果是呈现新的情感想象，且这个“情感想象”具有感染力和新的艺术态度，那么，这便具有一定的创新性，这也就做到了衍展或演变。
否则，如果是脑筋急转弯、或靠运作以及“暗算”式的“算计”则谈不上是借鉴。
笔者曾就“东西方思维上的同性问题”与学者连冕先生做过书信式的讨论，他在《“雕虫”还是“雕龙”——致宋伟光先生兼论“中西思维同性”》一文中指出：“目前，中国某些雕塑创作者的作品是世界性的‘扁平化’的，所谓‘特色’不过是惹人哂笑地借用设计领域内恶劣的障眼法——在现代性之下，已有人高呼艺术门类缤纷多姿的思维最终将统一为‘设计’的逻辑，即用讨巧的智力而非真实的艺术灵感进行器官和功能的‘新擘画’”。
1连先生所言极是，这种“借鉴”，非从内心本源出发，而是从“需要”和“行情”出发，所以，这算不上是创新更谈不上是原创了。
三.造型艺术是形意不分的艺术造型艺术是以形象表达意义的艺术，它难以把形与意分开。
它的每一处具有个性特征的形式结构都与意义相吻合、相支撑。
当然这种吻合有多种类型，有的是形式与内容的适度统一，这种形式多表现为现实主义艺术。
一种是形式大于内容，甚至是有意使形式背离或游离出内容，这种类型多存在于表现性的艺术类型之中，但无论是什么类型，形式永远是内容的载体。
所以，任何在形式上的“聪明”的重组或打散，任何在创意原理上的挪借都有抄袭之嫌。
例如，艺术家岳敏君创作的《开国大典》（图1）《毛主席去安源》（图2）《渔港新医》是将董希文1952年创作的油画《开国大典》、刘春华1967年创作的《毛主席去安源》、陈衍宁1973年创作的《渔港新医》中的主体——“毛泽东及众多开国元勋”“毛主席”“赤脚医生”从画中去掉，而只对原作品的背景进行了“复制”，这显然是在表达一种观念。
一件作品当完成之后，其图像所呈现出的视觉信息便被定格，因而，它便释放着它的图像意义，而当有意去掉原作品中的主体形态，只空留衬托主体形态的背景，那么，这个图像就生成了新的阐发点。
艺术评论家易英认为，原创意味着再现的主体与对象之间的一种创造性关系。
这种关系的结果就是元图像，但并非所有的元图像都有原创意义，《赤脚医生》《毛主席去安源》也是复制的方式，但减去了人物，暗示了复制的无效，或者是与商业化的对抗，而一片空荡的风景，有如历史的空无。
2易英对此的评价还是比较学术的，但笔者认为岳敏君的这种创意，其思维方式脱胎于杜尚，没有什么新鲜的。
但有意思的是艺术家如果是模仿一种思想，那么还是能够产生新的状态的，但如果艺术家模仿的是一种技术或样式，是难以有创新的。
四、有关形与意之辩证上面讲到，视觉艺术是一种形意不分的艺术，因此，从形式与意义之间的纠结所反映出的诸多方面来进行一下归纳，有助于对原创性的认识。
艺术中的创新包含原创与借鉴，视觉艺术中创意与创立新的形式相关联，但创意不一定导致新的视觉艺术本体形式的产生，此一类主要表现在观念性艺术中。
而另一类是形式变化了，却不一定有了新意。
笔者在拙文《说创意与创形》3中指出：“不能断然地将艺术中的创新立意与创立新的形式法则区分开来，因为所谓创意它是要体现在形式之中的，而新形式的出现往往又是创新立意的开始，问题是创意也未必导致形式的变化，这类创意往往是创新观念利用已有的形式。
还有一类是形式虽变异了，但未必是创了新意。
有一种观点认为，审美价值即形式价值，审美价值即形式发现。
这没有错，但道理在于有一些造形者变异了形式也不等于就有了形式价值，形变并不意味着艺术形态必然变化，因为艺术家的任务是在创造新形式中制造含义。
”归纳起来，大致有这么几种类型，一是形式变了意义也变者。
这一类型是指，新的形式法则对已有的艺术形态进行否定，当这种新的形式呈现时，新的观念便一并呈现，也即新形式就是新观念。
如从梵高、高更、马蒂斯到毕加索再至布朗库西、罗素他们放弃了反映论层面的客观实在，以一种新的形式，达到了富有表现意味的观念。
之后，经康定斯基、马列维奇、蒙得里安再到波洛克、罗克斯他们放弃了客观具像而进入抽象的观念与形式。
一是形式或方式变了而意义未变者。
这是指表现形式或方式虽变化了，但并未导致意义的变化。
如展望以不锈钢制作的假山石系列作品（图3、4），虽欲通过材质的转换来唤起人们对即成文化形态的认知改变，但其形态仍然是太湖石，因为决定太湖石之形态的是它的结构，而不是其外表。
不锈钢仅仅是依附在太湖石胎体上的外衣，太湖石的符号形态依然固定于结构之中。
因此，它释放出的信息还是传统文化的信息。
这种在材质上的转换，引起的视觉上的转译，虽能收到异样的视觉效果，但并不能以此带来观念上的改变。
因此，仅仅依靠材质的转换来改变人们对观念的认识，关键是要找准切入点。
美国北卡罗纳大学教授Billy Lee教授也认为，新的时代出现新的材料，但是新的材料不一定带来新的意义。
对材料的认识不能在一个初浅的层面上，应该深入挖掘内在的联系，而不是机械地把某种材料拼接一下，否则就是很表面的，就像是换衣服一样。
除了以上类型，还有一类是形态未变而意义变化者，这是指利用现成品或已有的形态来进行观念的置换，如达达主义、杜尚至劳生柏以及波普这种放弃技巧性和审美性的方法，改变了人们对以往经验的认知惯性，是站在事物的另一角度介入认知改变的借代方式，阐发了即成事物的另一种存在可能。
但问题是我们的当代艺术家，对此的认识缺乏对这些案例的系统理解和认识，如学博依斯，应知道他的生存环境和人生经历，方才知道他怎么从“用毛毯包裹一架钢琴”到“对怀抱的死兔子讲解艺术”这样一个意义系统。
这样做会了解到他的思想，而不是做法。
但我们却往往仅仅是学习博依斯的某一做法，这样就会陷入到模仿、挪借和不知所云的境地中，还误以为自己很高明。
所以，搞观念艺术者，用其所谓的观念，应是、也必须是富有创建性、开拓性的，否则价值不大。
这要求艺术家要有很高的眼界和世界观，要不然仅仅依靠观念来支撑视觉艺术，往往会仅有其表，会偏离作为视觉艺术的本体所指，如此发展下去最终造成视觉艺术功能的丧失。
五、原创性缺失的应对当下我们处于一个文化消费的时代，这个时代是一个视角多元的时代，是一个信息爆炸的时代，是一个趋利的时代，它使人们产生了消解经典，无视崇高的心态。
在这种境遇中，原创性的缺失也是社会生态的反映，但我们却不能为此开脱自己。
今天互联网的高度发达，促使了信息共享，致使人们在对问题的认识上趋于扁平化，这的确是问题之所在，但却不是问题的根本。
根本还在于我们的态度、我们的修养。
我们应冷视人生，注意事物的原发点，而不被繁炫的外观所蒙蔽。
信息发达是把双刃剑，它可以滋生挪用与抄袭的泛滥，但它也可以运用掌握的信息来避免重复，更可以享受信息时代所带来的便捷和对事态的掌握。
一句话，运用得当更利于原创精神的迸发，雕塑家曾岳曾就这个问题指出：“在情绪、气质都流行化的今天，交互越强的地带原创性越强。
”这个判断是有道理的，但如果我们掌握不当，那么交互越强的地带也可以导致原创性的减弱，我们还是要从艺术的原点和方法论上下功夫，回到用什么方法和要解决什么问题的认识上来。
注释1 《雕塑》杂志2009年第6期2 《世界美术》2009年第3期“无主之土—岳敏君场景系列”3 《雕塑》2009年第1期。