西方美术史艺术家风格

关于艺术作品中艺术家风格的体现

回顾西方艺术史，从古希腊时期到文艺复兴时期，每个时期的整体风格都是那么清晰：古希腊时的理想式的庄重与静美，古罗马时的对现实的反映，中世纪的受难美，文艺复兴时期的人文主义。每个大风格是否又能横向分割了，在这个和谐的大体下得到多种多样的由许多艺术家创造的的小风格了？答案似乎并不像我们所期待的那样，浮现在我们脑中的或许只有文艺复兴时期的艺术家们才能把自己从统一的模式中解脱出来，形成自己特有的独立的风格，那或许我们会不禁问问原因啦！为什么？在我看来，有多方面的影响，，下面我就按照时间顺序来阐述。

公元前7~4世纪不过三百年多年的时间里，古希腊创造了伟大而辉煌的艺术成就，是理想美的表达难以逾越的高峰，但是对众多作品中，我们的感受是千篇一律的美，健美的体魄、“古典三段式”的特有程式。单纯宁静的脸、古典式的微笑出几乎出现在所有的雕塑中，不管是活泼快乐的厄洛斯（图1），胜利而归的战神（图2），还是严肃的宙斯（图3），痛苦的拉奥孔（图4），他们呈现出来的都不是大喜大悲的内心感受，而是理想的平静。既然我们从作品中直接感受不到不同作品的形式差别，那么每个艺术家不同的风格也就难以表现。这不能不使我们对希腊艺术的形成和发展的种种社会的，民族的，信仰因素予以深切的关注。

首先，古希腊人对具有理想体格的奥林匹斯山的神们的崇拜。我们说艺术是精神文明的一种体现，而人的信仰是十分强烈的心灵、精神

活动，从而它直接的影响着这一时期的艺术作品。古希腊人崇拜的神并不是凌驾于一切之上，高不可攀的凶恶暴君，而是一些最强健俊美的男人和女人，他们与人有种相同的情感和身体，即崇高又亲切。他们幻想着神的完美身躯，不断寻找最完美的人体比例（人头与总个人高之比为1：7），在这样的雕刻程式的约束下，艺术家们无法在形上突破，我们知道形和色是艺术的灵魂，形和色的变化会产生不同的效果，在对颜色不敏感的古希腊，形的禁锢不异于再风格上的一成不变。

其次，古希腊土地上形成的以大大小小的城市为中心的城邦式国家，这些国家主要实行的奴隶主民主政治。这种民主政治使得希腊人物质生活充裕，这就使得他们的精神生活相当丰富，他们寻求事物的客观标准，结果是在艺术上，他们强调和突出理性精神。他们在艺术中把理性看作是最高的原则。既然是强调和体现理性，那么就不可能有更多的个性表现，个人的风格就出不来，不可能有更多的情感流露。因此我们看到的雕塑脸上表情都是宁静肃穆，庄重克制，毫无个性可言。

综上所述，希腊民主处在对理想美和理想的艺术理论下，统一的信仰和理性的思维使得他们产生了理想美的艺术，但是正是因为不同人对美的感悟和追求只有一种，认为完美的表现只有一种，注定希腊艺术只能是独一的风格，不会有艺术家各显其能。这让我想到，如果我们的艺术要多样式的发展，我们不能约束人的信仰，不能唯一人的审美，这样，艺术风格才能百花齐放。

图1 图2

图3 图4

中世纪的艺术的产生对现代艺术起了质的变化，它开始大胆的采用颜色的冲突与对比，为颜色在艺术中的表现起了重要的作用，但是中世纪的艺术能让我们记住的就是“受难美”。我们看到的壁画中，几乎看不出艺术家的思想，只是单纯的为宗教服务。古希腊的一成不变来源于他们的审美，而中世纪的一成不变又源于什么了？当然很清晰，

源于宗教的独裁统治。

中世纪基督教席卷西方，教皇成为最高统治者，他们为了巩固自己统治，竭力宣传神权思想，推崇受难美，以麻痹和毒害民众。修长精瘦的身躯（图5）成了艺术作品中形的唯一准直。颜色虽然是中世纪的大胆运用，而是为其神权的传播服务；鲜亮的颜色（图6）只是对光的描叙，只是来衬托耶稣或圣女们的神圣或是对正在受难等着升天堂的人们的诱惑，欺骗他们去承受现在阴暗的世界以求到达明亮的天堂。而并不是为了表现画面，使得画面所表达的效果符合创做者的某种心理感受而最终达到某种风格。这种不是为了审美的而形成艺术下，艺术家无法在作品中寄托自己的情感，风格更是无从说起。

其次神权对百姓的欺压，人们连自己的物质生活都无法保障，更何况精神生活。这个方面的影响，也是十分重要的方面，艺术创作的极低可能性也导致了中世纪艺术风格的横向发育几乎为零，个人的风格无法体现。

从对中世纪的分析中可以让我们明白，物质生活得保障是艺术繁荣的前提，社会的政治制度牵制着艺术家们的创作方向。也就是说：民主的政治，为艺术家表现自己的想法提供了可能；相反，专制的统治则表这种风格的发挥降低到了很低，极大限度的制约着它，甚至让它无法萌芽。

图5 图6

以上都是没有突出个人风格的分析，从这些反方面教程的分析中我们得知：审美观、政治制度、经济程度影响着风格的体现，那么是不是仅有这些就够呢？我们能否从正面材料的分析中得出这些结论甚至更多呢？当然能，文艺复兴就是最好的例子。

文艺复兴时期虽然出现了大量的艺术伟人，他们留下了各自的风格，他们的风格表现在艺术作品中。例如：米开朗琪罗的动感（图7），

拉斐尔的宁静（图8），达·芬奇的温和（图9）……。

图7

图8 图9

文艺复兴于14~15世纪起源于意大利的个城市，并于16世纪在欧洲盛行，在此期间，艺术达到了从未达到过的高峰，甚至是现在也很难超越，那得以支撑艺术发展的原因就十分值得我们探讨。

首先艺术家地位的改变。中世纪时，艺术家的受到很大的压制，创作并不属于精神活动的范畴。中世纪中后期，出现资本主义萌芽，随着而来的是商品经济的繁荣，这使得事业成功财富巨大的富商、作坊主和银行家等更加相信个人的价值和力量，更加充满创新进取、冒险求胜的精神，多才多艺、高雅博学之士受到人们的普遍尊重。这样学艺术的人越来越多，人们对艺术的追求越来越高。在那时，人们对艺术的感悟的不同带来的不是非议而是一种成功，是值得崇敬的。在这种社会地位的改变下，艺术家有更多的时间

和精力来标新立异，寻找自己的风格。这从很大的程度上推动着艺术快速的发展。

其次，油画的发明和科技的进步也影响着艺术的风格。十五世纪，荷兰人发明了油画，油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。油画的发明一方面减短了艺术家们的每幅画的完成时间，使得大量作品的产生；另一方面，不同的艺术家对油画的某些不同特质的运用，也很大程度上改变了创作效果。和油画一样，科技也起了很大的作用，艺术家们借助科学成果来优化人物结构，画面格局，使得画面向各种美的形式发展。

再次，人们视野的开阔，各种艺术的表现方式进入欧洲。十字军东征，令欧洲人的眼界大开，得以一窥东方财富。商人把东方的商品引入欧洲的同时，也带入了大量的艺术品。与西方有着不同美的艺术品广泛被艺术家们接纳，并吸收。这样艺术家们的表现形式有了很大的发展，在表现风格上日臻熟练，个人风格得以很大程度的体现。

从上面几点可以得出，文艺复兴不是一段偶然发生的历史，它有着特定的历史条件，这些条件激发着艺术的前进，活跃着人们的思想，个人在艺术上的主观性增加，个人思想和精神得到很好的发挥。这段时期，艺术作品的风格达到了百家争鸣的高潮。

关于艺术风格能够在艺术作品中体现出来，我做了以上分析。

以古罗马，中世纪，艺术家没有个人风格的反面分析和文艺复兴各种风格应有尽有进行正面分析，我得出的结论是如果不同时期一种艺术能有多种风格，而不是一种美的形式，就必须具备以下这些条件：主观上，要有不同的审美观，审美价值；客观上，第一，整个社会的物质生活须充裕，来保障艺术发展的可能性。第二，政治制度要开明，对思想没有压制。第三，须借助科技发展来推动艺术发展。第四，对外交流要广，要不断开阔眼界以丰富艺术形式。第五，艺术须成为社会所推崇的文化形式，不能鄙视或禁止。

艺术风格的多种多样带来的是艺术盛世，我期望我们的社会能从客观上保障它的可能性，艺术家们从主观上为它提供可能，以求多风格的艺术能出现在我们历史发展的每个时期。