作曲理论
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作曲基本理论内容简介音乐理论说到底就是作曲理论。
但因过于专业化而不易普及。
这里仅就重要内容加以简介以为自学者提供方便。
一．和声学和声学是研究多个音共同发声的效果，规律的学问。
若将旋律比作骨则和声就是肉，只有有了和声，音响才变得丰满、协和、动听。
和声学地位非常重要，可谓是一切音乐理论的基础，许多音乐大师都对和声学作出过杰出的供献。
但和声学内容浩繁、规则很多，不易学好。
但掌握和声学基本常识得益最大，值得一试。
这里简单介绍一些重要的基本概念和术语.1.三和弦由根音与上方三度音及上方五度音叠合而成的和弦叫三和弦。
三和弦是构成和弦功能的最基本的和弦，用得最多。
按结构分，三和弦有大三和弦、小三和弦和减三和弦(只有一个)。
按功能则可分为主和弦(主音为根音的三和弦)、属和弦(属音的三和弦)和下属和弦(下属音的三和弦)。
此外，每个三和弦又有两个转位和弦。
主、属、下属这三个和弦称作正三和弦，其余的四个叫作副三和弦。
这四个副三和弦又分属属功能组和下属功能组。
现将自然音阶的七个音所构成的所有原位三和弦分列如下：根音功能种类符号1 主和弦大三T(或Ⅰ)2 二级和弦(下属类) 小三SⅡ3 三级和弦(属类) 小三DⅢ4 下属和弦大三S(或Ⅳ)5 属和弦大三D(或Ⅴ)6 六级和弦(下属类) 小三SⅥ7七级和弦(属类) 减三DⅦ(除了DⅦ这个减三和弦外，其余六个三和弦都是协和和弦。
)2.七和弦，九和弦，变和弦三和弦上再叠加一个三度音(根音的七音)形成的和弦叫作七和弦。
七和弦是不协和和弦。
最常用的七和弦是属七和弦(属和弦形成的七和弦)。
重属和弦、减七和弦也时常碰到。
若在七和弦上再加上一个三度音(即根音的九音)即为九和弦。
九和弦也都是不协和和弦。
若和弦中除根音外的某个音不按原规律而变换成另一个音，这样的和弦叫变和弦。
九和弦与变和弦的功能色彩比较特殊且不易把握，故应用较少；简单作品中基本不出现。
3.和声声部和声一般由高音、中音、次中音和低音这四个声部构成。
现代作曲与作曲技术理论中的阴阳结构
现代作曲与作曲技术理论中的阴阳结构作曲是一门艺术，同时也是一门科学。
在现代作曲与作曲技术理论中，有一种阴阳结构的理论被广泛讨论和应用。
这种理论认为作曲在创作过程中存在着阴阳对立与统一的关系，通过这种相互补充的关系来构建音乐作品的结构和情感表达。
下面我们将从不同的角度来探讨现代作曲与作曲技术理论中的阴阳结构。
一、音乐的阴阳结构在音乐创作中，阴阳结构可以理解为音乐中的对立与统一。
音乐作品往往通过对比、对置、对立等手法来展现不同的情感、节奏和音调。
一首音乐作品可能会在快速与慢速、高音与低音、明亮与沉闷等方面进行对立，通过这种对立的关系来表达音乐的动态与张力。
而在音乐作品的整体结构方面，也会通过对称与不对称、重复与变化等手法来构建音乐的逻辑与情感。
在音乐的旋律与和声方面，阴阳结构也有着重要的作用。
在和声中，通过不同的和弦进行相互作用，形成和谐与张力的关系，这种和谐与张力的关系就彰显了音乐作品中的阴阳结构。
音乐的旋律也会通过高低变化、升降变化等手法来展现音乐的动态与情感。
不同的音乐节奏也会通过快慢变化、轻重变化等手法来形成对立关系，从而展现出音乐的动感与节奏感。
二、作曲技术中的阴阳结构在现代作曲技术中，还有一种常见的手法叫做“动静对立”。
这种手法通过对比、对置动态与静态的关系来展现音乐的层次感与情感表达。
作曲家也会通过不同的音色、乐器、音高等元素来构建音乐的多样性与丰富性。
这种对立关系既能展现音乐的动感与激情，又能展现音乐的温柔与内敛。
在音乐创作中，阴阳结构有着重要的应用价值。
通过对比、对置、对立等手法来展现音乐作品的结构与情感表达，从而丰富音乐的内涵与表现力。
作曲家在音乐创作中可以充分利用阴阳结构的原理，创作出丰富多彩的音乐作品。
作曲与作曲技术理论-课程教学大纲
《作曲与作曲技术理论》课程教学大纲课程代码：课程名称：作曲与作曲技术理论/ Composition ＆the Theory of the Technique for Composition学时学分：54学时/2 学分适用专业：音乐学/作曲与作曲技术理论方向开课部门：首都师范大学音乐学院一、课程的地位、目的和任务本课程是音乐学专业作曲与作曲技术理论方向的专业课，是博士生对国内外音乐作品，尤其是当代音乐作品创作技法进行深入研究，并进行创作实践的课程。
二、课程与相关课程的联系与分工本课程是音乐学专业作曲与作曲技术理论方向的专业课，主要进行创作实践和相关技术的研究。
《二十世纪中外音乐文献研究》与《二十世纪配器技术研究》课程都是专业辅修课程，分别进行专项研究，以辅助专业课程的研究与创作实践。
三、教学内容与要求绪论教学目标：了解20 世纪的新音乐及其作品分析中值得注意的若干问题。
第一章勋伯格的《钢琴小品六首》Op.19――关于调性的“模糊、游移、隐退、淡化”和“自由无调性”教学目标：通过研究勋伯格创作技法的演变过程，掌握现代作曲技法的缘起。
重点与难点：关于勋伯格的生平和历史地位。
他的早期音乐创作和晚期浪漫主义风格的关系。
关于“自由无调性”的意义和勋伯格的自由无调性创作。
勋伯格的五部钢琴独奏作品及其在风格上的演进意义，关于Opp 111、23、25、33ab的简要分析。
对Op. 19所含六段，小品的说明性分析，它们各自在自由无调性处理中的手法与特点。
第一节与勋伯格及其创作有关的一般情况第二节关于勋伯格的钢琴独奏曲第三节关于《钢琴小品六首》Op. 19的说明性分析[ 本章小结] 关于“自由无调性”和“全部十二音” 思考与练习：1、分析本章列举的谱例，附录中的谱例和课后练习中要求分析的谱例，并进行总结。
2、结合本章内容进行创作实践。
第二章勋伯格的《钢琴组曲》op.25 ——关于“十二音现象”和“十二音体系”教学目标：研究十二音作曲技法的发展及其具体方法。
音乐学中的音乐理论和作曲技巧
音乐学中的音乐理论和作曲技巧作曲家巴赫曾经说过：“音乐是人类灵魂的语言。
”正是因为音乐具有如此强大的力量和魅力，才吸引着无数人去追求和探索它的内在奥妙。
所以，音乐学成为许多热爱音乐的人们追求的学科之一。
然而，在音乐学的学习过程中，音乐理论和作曲技巧具有重要的地位，下面让我们一起来了解一下。
1. 音乐理论音乐理论是音乐学中的基础知识，通过学习音乐理论，我们能更好地理解音乐作品的结构和内涵。
音乐理论包括音符、节奏、和声学、调式、曲式等方面内容。
例如，音符是音乐的基本元素，其不同的音高和时长能够创造出不同的音乐效果。
节奏则是音乐的时间感，通过合理的节奏处理，能够使音乐更加流畅和有层次感。
和声学则是研究声音的组合和交互关系，它关注的是多个音符同时发声所形成的和谐效果。
调式指的是音乐作品所采用的调式体系，通过不同的调式可以表达不同的情感和意境。
曲式则是指音乐作品的整体结构和形式，不同的曲式有着不同的组织和发展方式。
2. 作曲技巧作曲技巧是作曲家们创作音乐作品的方法和技巧。
学习作曲技巧可以帮助我们更好地理解和运用音乐理论，使音乐创作更有深度和创造力。
作曲技巧包括旋律创作、和声编配、节奏处理、曲式设计等方面。
旋律是音乐的灵魂，通过巧妙的旋律创作，能够使音乐更加动听和易于记忆。
和声编配是研究音乐中不同声部的组合和处理，它能够使音乐更加丰富和和谐。
节奏处理是指在作曲过程中灵活运用不同的节奏形式，使音乐更加富有变化和层次感。
曲式设计则是考虑整个作品的结构和形式，通过合理的曲式设计能够使音乐更加整齐和有吸引力。
总结起来，音乐理论和作曲技巧对于音乐学的学习和创作都具有重要的意义。
学习音乐理论可以让我们更好地理解音乐作品的内涵和艺术价值，同时能够提升我们对音乐的欣赏能力。
而掌握作曲技巧则能够使我们的音乐创作更加专业和富有个性。
因此，在音乐学的道路上，我们应该不断地学习和探索音乐理论和作曲技巧，不断提升自己的音乐造诣，成为一名优秀的音乐家。
艺考必备作曲基本理论知识
音乐：艺考必备作曲基本理论知识什么是曲式学曲式是指乐曲的结构形式。
有“单段体”、“两段体”、“三段体”、“变奏曲式”“奏鸣曲式”及“回旋曲式”等。
各主题乐段用“A，B，…”表示。
如“两段体”的曲式图式是“AB ”;“三段体”的图式是“ABA’”，第三段A’与第一段基本相同。
儿童歌曲多为两段体甚至一段体;通俗歌曲多是三段式。
而“圆舞曲”则常采用回旋曲式。
什么是复调“复调”是相对于“主调”而言。
如果只有一个声部担任主题旋律，其它声部仅起衬托作用，这样的音乐叫主调音乐。
如果旋律声部不只一个，且各声部横向上彼此具有独立性，纵向上构成和声关系，形成和协的有机整体，则这样的音乐叫作“复调音乐”。
复调音乐中，各声部的旋律依主次关系被称作“主旋律”、“副旋律”。
主旋律只有一个。
复调是重要的作曲技法，应用甚广，其理论基础是和声学。
“赋格”是复调曲式之一，巴赫将其技巧发展成熟。
什么是对位法对位是“复调音乐”写作技法之一。
它以和声学为理论基础，使各声部既协和又相对独立。
如重声合唱(三重唱，四重唱)就是用对位法写的。
对位法又有“严格对位”和“模仿对位”之分。
俄、德音乐理论家推崇、恪守严格对位。
什么是旋律旋律就是曲调。
它是一乐曲区别于它乐曲的根本特征，好似建筑物的风格和韵律。
“音素”构成“动机”，动机进一步发展成主题从而形成旋律。
具体说来，一定的“音型”、“节奏型”按特定的节奏节拍规律组合形成旋律。
旋律具有视觉性：它体现在旋律线(符头的连线)上。
早期有些音乐家追求“旋律线的优美”，认为好的旋律视觉上也应是美的。
旋律的创作一靠天才二靠灵感三靠实践。
旋律写作的技巧性是很强的，其发展手法多种多样，最为丰富。
常用的发展手法有：重复，模进，模仿，紧缩，扩展，变化，对比，变奏等。
多数概念的讲解要通过板示和视听。
什么是配器配器法是管弦乐的写作技法，故又称为“管弦乐法”或“乐器法”。
但对于一切乐队的演奏乃至于通俗歌曲的伴奏都离不开配器的运用，因此学一点配器知识很有实用价值。
作曲理论课教案
作曲理论课教案教案标题：作曲理论课教案教学目标：1. 了解作曲的基本概念和原则。
2. 掌握作曲中常用的音乐元素和技巧。
3. 培养学生的创造力和音乐表达能力。
4. 培养学生的音乐欣赏能力。
教学内容：1. 作曲的基本概念和原则：a. 作曲的定义和作用。
b. 作曲的基本要素：旋律、和声、节奏、动机等。
c. 作曲的基本原则：平衡、对比、发展等。
2. 音乐元素和技巧：a. 和声：和弦的构成、和声进行等。
b. 节奏：节拍、拍子、节奏型等。
c. 旋律：音程、音阶、主题等。
d. 动机：重复、变奏、发展等。
3. 创作和表达：a. 创作音乐的方法和技巧。
b. 表达情感和意图的音乐手段。
c. 听觉训练和音乐记谱。
4. 音乐欣赏：a. 听取各种音乐作品，包括古典、现代、流行等。
b. 分析音乐作品的结构、风格和表达手法。
c. 学习欣赏音乐的基本术语和技巧。
教学步骤：引入：1. 通过播放一段经典的作曲作品，激发学生对作曲的兴趣。
知识讲解：2. 介绍作曲的基本概念和原则。
3. 分别讲解音乐元素和技巧的相关知识点。
4. 引导学生思考和讨论作曲中的创作和表达方法。
实践演练：5. 给学生分发简谱或乐谱，让他们尝试创作一个简短的旋律。
6. 学生互相交流和分享自己的作品，并提供反馈和建议。
7. 引导学生尝试使用不同的和声、节奏和动机来发展他们的作品。
音乐欣赏：8. 选择一些具有代表性的音乐作品进行欣赏和分析。
9. 引导学生讨论作品的结构、风格和表达手法。
10. 学习欣赏音乐的基本术语和技巧。
总结：11. 总结作曲理论课的重点和要点。
12. 鼓励学生继续创作和欣赏音乐。
教学评估：13. 观察学生在实践演练和音乐欣赏环节的表现。
14. 通过小组讨论或个人作业评估学生对作曲理论的理解和掌握程度。
拓展活动：15. 鼓励学生继续创作自己的音乐作品，并组织演出或分享会。
教学资源：1. 音乐播放设备和音乐作品。
2. 乐谱或简谱。
3. 教学课件或投影仪。
学习古典音乐中的作曲理论与和声编排技巧
学习古典音乐中的作曲理论与和声编排技巧在古典音乐的广袤领域中，作曲理论与和声编排技巧宛如两颗璀璨的明珠，它们不仅是音乐创作的基石，更是展现音乐魅力与深度的关键。
对于那些渴望深入探索古典音乐世界的人来说，掌握这两个方面的知识和技能无疑是打开音乐殿堂之门的重要钥匙。
作曲理论是一套系统而丰富的知识体系，涵盖了旋律、节奏、曲式、复调等多个重要元素。
旋律，作为音乐的灵魂，其创作需要考虑音符的高低、长短、跳进与级进等因素。
一个动人的旋律，往往能够在听众的心中留下深刻的印象。
它既要有独特的个性，又要符合人类听觉的审美习惯。
例如，莫扎特的旋律通常优美流畅，充满了灵动的气息；而贝多芬的旋律则常常具有强烈的张力和冲突感。
节奏是音乐的骨架，它决定了音乐的动感和韵律。
不同的节奏型能够营造出截然不同的音乐氛围。
快速的节奏可能带来欢快、激昂的情绪，而缓慢的节奏则容易引发深沉、内敛的情感。
在作曲中，巧妙地运用节奏变化可以使音乐更加富有层次和吸引力。
曲式则像是音乐的建筑结构，为音乐提供了一个整体的框架。
常见的曲式包括奏鸣曲式、回旋曲式、变奏曲式等。
奏鸣曲式以其严谨的结构和强烈的对比，常被用于大型的器乐作品；回旋曲式则以一个主要主题的多次重复为特点，给人一种循环往复、意犹未尽的感觉；变奏曲式则通过对一个主题的不断变化和发展，展现出丰富的音乐创意。
复调作为作曲理论中的重要组成部分，为音乐增添了丰富的和声效果和立体感。
它允许多个独立的旋律线同时进行，相互交织、呼应，形成一种复杂而和谐的音乐织体。
巴赫的复调作品堪称经典，其严密的逻辑和精妙的和声编排让人叹为观止。
和声编排技巧在古典音乐中同样起着举足轻重的作用。
和声是指不同音符同时发声所产生的音响效果，它为旋律提供了支持和丰富的色彩。
和弦是和声的基本单位，包括三和弦、七和弦等各种类型。
不同的和弦具有不同的音响特性和情感表达。
例如，大三和弦通常给人明亮、欢快的感觉，而小三和弦则往往带来忧郁、柔和的氛围。
如何作曲编曲入门
如何作曲编曲入门作曲和编曲是音乐创作中的两个关键环节，对于想要成为音乐创作者的人来说，学习作曲编曲是必不可少的。
虽然作曲编曲需要一定的音乐理论知识和技巧，但它也是一个充满创造力和想象力的过程。
本文将从基础的音乐理论知识、作曲和编曲技巧以及创作过程方面，为你详细介绍如何作曲编曲入门。
第一部分：音乐理论基础在学习作曲和编曲之前，了解一些基础的音乐理论知识是非常重要的。
以下是一些常见的音乐理论概念：1. 调：音乐作品中的基本音高关系，用来确定作品的音乐风格。
常见的调包括C大调、D大调等等。
2. 节拍：音乐中的基本时间单位，用来划分音符的时值。
常见的节拍有4/4拍、3/4拍等等。
3. 和弦：由三个或更多个音按照特定的关系排列而成的音乐元素。
常见的和弦有大三和弦、小三和弦等等。
4. 和声：多个音符按照一定的规则和方式同时进行，形成音乐的和声效果。
和声的规则包括声部运动规律、和弦进行等。
5. 曲式：音乐作品的结构或形式，由不同的乐章组成。
常见的曲式有奏鸣曲、交响曲等等。
熟悉以上的音乐理论知识将为你后续的作曲和编曲过程提供必要的基础。
第二部分：作曲技巧作曲是创造音乐的过程，它需要一定的灵感和思考。
以下是一些常见的作曲技巧，可帮助你提升作曲能力：1. 寻找灵感：灵感是作曲的核心。
可以通过聆听其他音乐作品、观察自然景观或反思个人经历等方式来寻找灵感。
记得时刻保持警觉，将灵感记录下来。
2. 创造旋律：旋律是作品的主线，可以通过琴键的演奏或口哨来创作。
尝试不同音符和节奏的组合，并注意其音乐性和感染力。
3. 使用和弦进行：和弦是创造和声效果的基础。
了解不同的和弦进行规则和构造，适当运用和弦进行，可以使作品更加丰富和和谐。
4. 注重曲式结构：选择合适的曲式结构可以给作品一个清晰的框架。
尝试使用不同的曲式，如ABA、ABAB等，在结构上进行变化和创新。
第三部分：编曲技巧编曲是将作品进行音乐素材和声部的安排，以呈现出更丰富的音乐效果。
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作曲理论 作曲培训教程12009-10-17 13:40作曲培训教程1 第一讲：学习作曲应具备的基本条件 随着我国经济的发展，人民的文化水平不断提高，打开电视或收音机，漫步街头、广场，音乐与歌声几乎无处不在，它已成为人们文化生活中不可缺少的伴侣。很多青少年朋友想有课余、业余学着写歌，或自娱，或表演，但又不知从何下手，对于作曲的事，颇有几分“神秘感”。其实，作曲如同打乒乓球、下象棋一样，并不那么神秘。大家都会打乒乓，但要打出个水平，拿个奖牌，就需要花一番苦功夫。同样，学写一首歌曲并不难，但要写好就不易了。从不会写——学着写——写得好，有一个知识积累的过程，多写多练，熟能生巧。当然，认真地学习、钻研一定的创作技巧，是必不可少的。它将使你更快更好地走上成功之路。用户名: 密码: 登录 注册百度音乐频道音乐：灵魂的守护神！艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。.心志决定视野 视野决定格局 格局决定命运 命运决定未来 人的一生会遇到很多问题，但办法总比问题多！ 主页博客相册|个人档案|好友|i贴吧 查看文章 第二讲：歌词与曲作的关系2009-10-17 13:41第二讲：歌词与曲作的关系 歌词与音乐的关系，也就是人们常说的词、曲关系，是歌曲创作中最先遇到的课题。歌曲这门艺术，是诗歌与音乐的结合，顾名思义，“歌”占有很重要的位置，这个“歌”，可以理解为能唱的诗歌。一首好的歌词无疑应是一首好的诗，它要有诗的意境，在艺术上应该有较高的品位。歌词还应有它自身的美，虽然很多歌词是专为谱曲而写的，但它绝不是音乐的附属品，在谱曲之前和离开音乐以后，都应有其独立的艺术价值，能给人们美的享受。因此，作曲者对于歌词切不可等闲视之，选好歌词，处理好词曲关系攸关重要。 歌词本身还应具备歌唱性，如果歌词完全依赖于音乐的翅膀，那就把歌词的作用与品格降低了。歌词是歌曲创作的依托与基础，上面提到的那些对歌词作品的美学要求，不仅是歌词作者所孜孜追求的，也是我们歌曲作者选择歌词时应该考虑的。 歌词本身应具备的歌唱性，是曲作者选择歌词十分重要的条件。好的歌词节奏鲜明，单调感人，上口顺耳，讲究声韵。虽然，这种歌唱性在尚未谱曲时，只是一种无声的歌唱，但当我们朗读时，内心会产生一种歌唱的要求。反之，如果朗读一首歌词时内心没歌唱的要求，这就很难引起作曲者的共鸣和创作欲望。当然，歌唱性不能只从节奏、声韵以及格律与句式等形式来考虑，更重要的是歌词内在歌唱性，也就是富有诗意及音乐感的内涵。歌词的内涵越丰富，越能启发作曲者激情奔泻的乐思。 有人以为歌词必须是方整、押韵的。其实不然，在作曲的时候常会遇到这样的情况有的歌词虽然外表很美，又有讲究的格律、声韵，但并不能引起我们的共鸣；而有的歌词虽然格律、声韵都很自由，犹如一首散文诗，但其内在的音乐感及歌唱性却能打动人心，激起强烈的创作欲望。因此，选择歌词时，必须注意其内在的音乐感和歌唱性。 在这方面，有一批不同体裁、类型的歌曲佳作值得我们借鉴、参考。它们的歌词（节录）产和于不同年代，风格情调各异，却都拥有广大的听众。 类别：作曲理论||添加到搜藏 |分享到i贴吧|浏览(228)|评论 (0) 上一篇：作曲培训教程1 下一篇：第三讲：谈谈什么是歌曲作品主题 最近读者： 网友评论： 发表评论：姓 名： 注册 | 登录*姓名最长为50字节 网址或邮箱： (选填) 内 容： 插入表情 ▼ 闪光字 取消回复 帮助中心 | 空间客服 | 投诉中心 | 空间协议?2012 Baidu关闭提示 关闭确 认 取 消用户名: 密码: 登录 注册百度音乐频道音乐：灵魂的守护神！艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。.心志决定视野 视野决定格局 格局决定命运 命运决定未来 人的一生会遇到很多问题，但办法总比问题多！ 主页博客相册|个人档案|好友|i贴吧 查看文章 第三讲：谈谈什么是歌曲作品主题2009-10-17 13:43第三讲：谈谈什么是歌曲作品主题 选好歌词以后，即可着手歌曲的音乐创作，首先要塑造好歌曲的音乐主题，继而是发展主题，并且结合歌词的要求，用适当的结构把音乐组织起来，这几个步骤在创作过程中，常常是一气呵成，紧密相连的。当然，关键是写好音乐主题。 什么是歌曲作品主题呢？ 歌曲的音乐主题，通常是由一个核心部分发展起来的。它具有鲜明的个性和感情特征，概括了歌曲的基本乐思，而且是作品塑造形象、抒发感情的基础。 音乐主题通常安排在歌曲的第一乐句或开始部分（一般不包括前奏）。它可以是一个乐句、几个小节，有时甚至是一个动机。如电视连续剧《十六岁的花季》的主题歌——《十六岁》（贾立夫、顾国兴词，高德润曲）： 十六岁的秘密装满沉沉的书包，十六负的眼睛飘出绿色的旋律，（十六岁）（十六岁） 这个主题很精炼，明快的音调，带切分的节奏，几个小节就把十六岁的青少年朝气蓬勃、充满理想和热情的气质生动地表达出来，并使之成为全曲发展的基础。 有些歌曲的音乐篇幅不长，虽有多段歌词，但基本上重复一个曲调，其音乐是从一个动机发展起来的。比如，冼星海创作的《酸枣刺》，同一曲调在全曲反复了20多次，音乐形象集中，易唱好记： 酸枣刺，尖又尖，敌人来到黄河边。 有些歌曲的主题是一气呵成的，在一个大乐句中很难分出动机来，它由几个不可分的乐节组成。如《弯弯的月亮》）（李海鹰词、曲）的开始部分，就是一个连贯的不可分割的乐句： 遥远的夜空，有一个弯弯的月亮。 需要注意的是，作为歌曲主题的第一乐句，既要考虑到第一句歌词的词意表达，但又不能拘泥于此，还必须从歌词所提供的总内容和意境来构思。电视连续剧《红红的雨花石》主题歌《雨花石》（肖仁、徐家察词，龚耀年曲），就没有受第一句歌词的限制和约束，而是从整个歌词和电视剧的要求来构思音乐主题的： 我是一颗小小的石头，静静地躺在泥土之中。 接下去的歌词是“我是一颗小小的石头，深深地埋在泥土之中。我愿铺起一条五彩的路，让人们去迎接黎明，迎接欢乐。……”歌词虽然不长，但寓意很深。因此，音乐主题应集中塑造小石头朴实无华、默默无闻、脚踏实地而又满怀革命理想的可贵品质。整个音乐突出内在深情的特点。 由此可见，整体构思音乐主题的写作十分重要。如果说，第一、二句歌词的意境与全曲歌词的内容、主题思想基本一致，当然可以根据第一、二句歌词所提供的意境去写，因为它已经概括、体现了全曲的气质。但当歌词描述的形象较多，或是时间、空间的跨度较大，则应根据全曲总全的主题思想和形象特点来考虑。这样做，全曲风格较为统一，不至于因为歌词的内容跨度大，而产生“曲随词跑”或用音乐解释歌词，写到哪里算到哪里的零散现象。
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