走近格拉纳多斯

走近格拉纳多斯
一、生命奏响的狂想曲
格拉纳多斯的《戈雅之画》是当前最为著名的钢琴组曲之一，其主要的原因就是其精神内涵。

和其他的人不同，许多的演奏家在进行演奏额时候，通常都是以演奏为主，将自己定义为一个艺人，或者将钢琴定义为一种赚钱的工具，这样的做法固然能够让其得到非常大的名声和利益，但却丧失了作为一个钢琴演奏者的纯粹。

但是格拉纳多斯是完全不同的，他在音乐上的路途是其他人所不能够比拟的，因为他对自己的定位就是一个钢琴演奏者，最纯粹的演奏者，他将自己的每一首曲子都当成了一件艺术品。

因此，它的作品都是经过了诸多的雕琢的。

这种雕琢和商业化的雕琢又完全的不同，因为商业化的雕琢，在很大的程度上是為了迎合观众，让观众能够非常好的倾听自己的音乐，从而获得利益，但是格拉纳多斯的雕琢是为了满足自己的需求。

他要将自己的作品做到完美，做到能够称之为艺术品的程度，就算是其他的人不认可，他也在坚持，这种坚持就让他的作品成为了一种孤独的存在。

这种孤独是一切艺术品的特质。

而格拉纳多斯的一声努力，也就是让这种孤独的艺术品越来越多，来满足自己庞大的“野心”。

是的，“野心”！他在一定的程度上认为自己的作品就是自己生命的全部，而他创作这些曲子的目的就是让自己的生命更加的华丽。

因此，在某些程度上来看，他是在用自己的生命奏响自己的曲目。

而《戈雅之画》就是他最为杰出的作品，也是他一生中最美丽的时刻，这部作品在最大程度上倾注了他的心血。

二、生活描绘的艺术画
格拉纳多斯曾在信中这样提到：“我创作了一集有很大气概和难度的《戈雅之画》。

它们是我所作努力的回报——我爱上了戈雅的心理”。

巧合的是，曾经一位法国的启蒙主义者在涉及旋律的论述中也指出：“是什么使音乐成了模仿的艺术呢？是旋律。

旋律模仿人声的
变化，表现出怨诉，表现出痛苦和喜悦的呼声，表现出威吓，一切情感的发声表现都属于旋律表现和范畴”。

格拉纳多斯还曾提到：“在《戈雅之画》中我企图给予一种个性特征，一种苦涩和优雅的混合物——它们是典型西班牙式的，那种突然充满爱和热情的情感，戏剧性和悲惨的，就像在戈雅的作品中所看到的”。

《戈雅之画》由六首乐曲构成，于1909年至1914年间完成，分为两册出版。

第一册前四首乐曲，于1909年至1910年间出版；第二册后两首乐曲，于1913年至1914年间出版。

西班牙传统音乐语汇充斥在作品中，给人即兴的印象，展现出创作者的精神本质以及对生命无与伦比的体会。

第一首《情话》，代表着玛霍向玛哈的求爱，这一乐曲的创作灵感来自《狂想曲》中的第五幅作品。

玛霍伴随节奏感强烈的前奏登场，变奏题材选用与戈雅同时代的西班牙作曲家拉赛那（1751年-1816年）的歌曲及西班牙荷他舞曲。

《情话》所要达到的对爱的充分表达的目的，不仅是格拉纳多斯对18世纪西班牙敢爱敢恨的玛霍的颂赞，更是对戈雅一生未尽的夙愿的献礼。

这一乐曲中的强烈抒情，充分展示了一位被爱恋笼罩的玛霍，在向玛哈表明心意时的那种无法抑制的急切，狂热又理智，但谨慎终究无法战胜激情。

爱的告白总是不可能真正做到深思熟虑和小心翼翼，没有人能控制住内心的情感火山，所以《情话》充满了千回百转，充满了玛霍私密的、琐碎的情思缠绕。

第二首《窗边诉怀》，是一首关于爱的二重唱。

低音模仿吉他，旋律则模仿人声，唱出了相当优美的喧叙调。

这种高低音不同的模仿正是格拉纳多斯的心声，因为在窗边诉怀的人，最常见的姿态就是弹奏吉他，自弹自乐。

因此，在这首曲子中，高低音色完美的表达出了这种感觉。

但是如果仅仅是这样，那么格拉纳多斯永远也不可能称之为大师，其更重要的原因就是高低音不断的变换，让音乐中出现了一种情绪，这种情绪在前半段的时候是一种憧憬的感觉，仿佛对前半生的激昂的怀念，因此较为愉快。

而后半首就逐渐趋于平淡，这种平淡
在很大的程度上来说，是作者心境的一种转变，这种转变正好体现了作者人生阅历丰富的感觉。

因此，这首歌就仿佛是在诉说作者的一生，从初出茅庐的意气风发，到人到中年的彬彬有礼，再到迟暮年纪的一种颓唐，一切融合得那么恰当，就仿佛是一个小小的，平淡的人生，在人们的眼前走过。

平淡无奇，但是却无时无刻不充满了感动。

第三首《篝火晚会》，又称《灯光下的凡丹果舞》。

第三首曲子最为第一册中的高潮部分，它和其他作品的组曲有着很大的相似之处，那就是情绪的高昂。

在这首曲子中，那种高昂的感觉仿佛将整部组曲退上了一个高峰，如果承接第二首的话，那么就是人生最后一搏的感觉。

因此，篝火晚会其实在某些程度上就是作者的最后狂欢。

可以预知，这个狂欢必然是热情奔放的，倾注了作者最后的全部力量，完完全全的迸发出了那种力量的美感。

因此，这首曲子也和其他三首有着很大的区别，是热情与火的感觉，不再是那种淡淡的爱，浅浅的爱，而是不顾一切的爱，狂野而奔放。

第四首《少女与夜莺》是《戈雅之画》中非常著名的一首，甚至在某些程度上可以说，这首曲子是《戈雅之画》之所以出名的原因。

因为这首曲子在第一册中起到了一个完美收官的作用。

它的音色和前两部作品类似，但是却又有些不同，因为这部分作品那种，仿佛预示了收官，因此充满了悲凉的味道。

但是大师的作品中，不是单纯的悲凉，而是掺杂了一些更为复杂的情感，恰似少女和夜莺那种懵懂的感觉，说不清道不明，但是偏偏就是有一种勾人的情感在其中，让人欲罢不能。

相别一日，如隔三秋。

但热恋的温度总会退却，而作为男性的玛霍似乎总是要先行一步。

当玛哈终于从昨日的缠绵中醒来时，玛霍已经不在身边，玛哈顿感失落，她意识到感情终会迎来不可抗拒的倦怠，这种不安全感被夜莺的啼叫抹上了更深色的哀伤，那是对爱的不确定以及对幸福的不信任感。

彷佛夜莺的歌声自玛哈心中涌出，但玛霍是否能听到这份因无尽思念而夸大的哀鸣呢？
然而让人无法接受的是，原本出于爱的疑惑与踌躇却一语成谶，
夜莺婉转动听的歌声似乎已经预知了玛哈急转直下的命运。

格拉那多斯将属于肖邦的浪漫带进作品，以致玛哈在面对爱人玛霍的离开后心生慨叹。

在组曲的第二部中，格拉那多斯触摸到戈雅作品的阴暗面，同时被画中不可抑制的宿命感、华美外表下难以掩盖的悲情与死亡气息深深折服。

在完全失去听力之后，画家戈雅只能通过手语进行交流。

在巨大的孤独感面前几近沉沦，但也正因这近乎与世隔绝的孤独，使他轻易摆脱掉与上层社会交际的装腔作势，重新审视生命的意义：“把我的注意力从疾病上移开，赔偿我由它引起的严重的损失。

我决定用我的时间去完成一个组画，在那里我将运用我的观察力，那是昔日所画的那种受人委托的绘画所不曾有过的。

在那里，奇思怪想和创造性可以不受任何限制”。

第五首《爱与死》，取材自《狂想曲》第十幅同名画作。

这首曲子在某些层面上，所表达的含义其实与《狂想曲》中的是相同的。

那种悲怆的感觉，那种来自灵魂的战栗感，都是这首曲子的精髓。

但是它不同于其他的悲怆，它的悲怆是一种心甘情愿的感觉，一种受伤了却认同的感觉。

这种感觉非常的难得，一般的演奏者非常难以拿捏。

同时，也正是因为这种感觉才让人迷恋，因为爱与死，都是人们所欲罢不能的，仿佛毒品一样蔓延到人们的骨髓之中。

综上，本文通过对拉罗查、道格拉斯等著名钢琴演奏家对《戈雅之画》演绎的分析，试图探寻走进乐曲内部并发现音乐真谛的不同路径。

再经对组曲各部分审美体验的列举与描述，希望能为同样在研究《戈雅之画》或是喜欢格拉纳多斯音乐作品的人们提供一些借鉴，更希望能在更多关注此部组曲的人们间达成交流的目的。

斯人已去，佳作存世。

我们有幸可以通过作品去感受一个世纪前的西班牙风情，也可以透过作品去追思一位伟大的作曲家，用心去聆听、去察看属于他的音乐世界。