艺术观念与艺术表现
艺术设计观念、思维和表现的创新
Arts circle艺术设计2012/09＋＋TEXT/陈宁艺术设计观念、思维和表现的创新人类社会的发展是在不断地创新过程当中取得的。
一般意义上的创新包括两部分，一是对客观存在的自然规律的发现，另一个则是指依据自然规律创造社会人文。
艺术设计作为人文社会的一个重要组成部分,在其发展过程中更多地注重于人的行为和情感之间的关联性。
它依据人们对自然规律的认知，利用人类追求新奇的本性，以视觉或触觉形式为载体，通过对人类感、知觉对象的再加工创造，揭示出事物形态内在的语言、触动人类的联觉机能，使人们感受到“自己”行为、情感与对象形态的本质之间的内在联系。
纯艺术中的创造，主要是运用全新的艺术语言和创作方法表达出全新的艺术情感、形象和意境。
它主要是在内在动机的激发下产生的，所以创造的行为与兴趣直接相关联。
而艺术设计则不同，它是内在动机（创新的欲望）和客观要求（功能的需求）两者共同作用下产生的，因此既具有一定的自由性又同时具有一定的限制性。
某种角度上，艺术设计是事物在混沌状态的基础上建立的一种新的秩序。
所谓“混沌”是指具有内在本质关联性的事物在形态表征上的无序性和无关联性。
艺术设计是以创造性思维为核心的各种设计能力的综合，通过对功能和美的秩序的把握，利用现有的信息以及设计的各种构成因素，对事物进行重新分类组织、转换秩序，在体现其功能的前提下赋予事物以新的艺术化形态表征。
艺术设计创新载体的最终形式是艺术形态表征。
艺术设计创新可以从观念、思维和表现三个方面入手。
设计观念是设计者对设计世界的主观认知在设计行为中的体现。
设计观念的形成是设计师的世界观、审美素质和设计眼界的长期积淀过程，与时代的人文社会观念密切相关。
目前，主要的设计观念表现在以下两个方面：一是荒诞、刺激的表现主义。
“荒诞”是指完全与人们认知的事物形象相背离的一种无常状态，“刺激”则是指对于与认知的事物形象有较大差异的极端形态的主观失控感受。
设计师往往利用人们对这种无常和失控的极端状态对人们产生的恐惧和兴奋感受引人“入胜”，二是回归自然的后现代主义，这是后现代主义设计观念的主流。
美术作品评选标准
美术作品评选标准摘要：一、美术作品的评选标准概述二、审美观念与艺术表现三、创意与独特性四、技巧与技术水平五、主题与内涵六、参赛者的个人素养与艺术成就七、总结与展望正文：美术作品评选标准是对艺术家创作成果的一种衡量，旨在选拔具有较高艺术价值和实践意义的优秀作品。
在评选过程中，评委们通常会从多个方面对作品进行全面评估。
以下是对美术作品评选标准的具体解读。
一、美术作品的评选标准概述美术作品评选标准主要包括审美观念、艺术表现、创意、技巧、主题、内涵、参赛者的个人素养和艺术成就等方面。
这些要素相互交织，共同构成了评选过程的核心指标。
二、审美观念与艺术表现评委们会关注作品所体现的审美观念，包括色彩、造型、构图等方面的处理。
同时，艺术表现也是衡量作品质量的重要因素，如线条、光影、质感等手法运用。
三、创意与独特性在众多作品中，具有独特创意的作品往往能够脱颖而出。
评委们会着重考察作品在创意上的突破，以及对传统艺术观念的挑战。
四、技巧与技术水平美术作品的技巧与技术水平是评价其专业性的关键。
评委们会从绘画、雕塑等不同艺术门类出发，对作品的技术特点和难度进行评估。
五、主题与内涵作品的主题和内涵是评选过程中不容忽视的部分。
评委们会关注作品所传达的思想、情感、社会价值等方面，以期选拔具有深度和意义的作品。
六、参赛者的个人素养与艺术成就评委们还会对参赛者的个人素养和艺术成就进行考察。
这包括参赛者的教育背景、创作经历、作品展览和获奖情况等。
七、总结与展望总之，在美术作品评选过程中，评委们会从多个维度对作品进行全面评估，以选拔出具有较高艺术价值和实践意义的优秀作品。
20世纪上半叶现代艺术观念的变化
20世纪上半叶的现代艺术观念，是一个极为丰富和多元的时期。
在这个时期，随着社会的变革和科学技术的进步，艺术观念也发生了巨大的变化。
从19世纪末的印象派和后印象派开始，艺术家们开始尝试突破传统的表现形式，追求更加深刻和个性化的艺术表达。
在这个背景下，20世纪上半叶的现代艺术观念蓬勃发展，呈现出多元的表现形式和思想内涵。
一、印象派的影响在20世纪初，印象派对于现代艺术观念的影响是不可忽视的。
印象派的画家们通过对光线、色彩和形式的独特表现，打破了传统绘画的规则，追求捕捉瞬息的光影和情感的表达。
这种对于感觉和情感的表达方式，深刻影响了当时许多艺术家的创作理念，推动了艺术观念的转变。
二、立体主义与表现主义在20世纪初至中期，立体主义和表现主义成为了现代艺术观念的重要代表。
立体主义强调几何形态和构成的重要性，试图通过抽象和简化的形式来表达物体的本质和结构。
表现主义则更加强调对情感、内心世界和个人体验的表达，更加关注人性的深刻理解。
这两种艺术流派的出现，丰富了现代艺术观念的内涵，为后来的抽象艺术和表现主义艺术奠定了基础。
三、达达主义的挑战20世纪上半叶，达达主义的兴起对现代艺术观念产生了深远的影响。
达达主义者试图挑战传统的艺术观念和价值观，以反叛和反抗的态度来拒绝传统的美学标准。
他们以嘲讽和荒诞的方式来表达对当下社会和政治现实的不满和批判，从而引起了人们对于艺术与现实关系的深刻思考。
四、超现实主义的探索在20世纪上半叶，超现实主义的兴起开拓了艺术观念的新领域。
超现实主义者试图通过超越现实的想象和表现方式，来探索潜意识和超验现象。
他们运用梦境、幻觉和自由联想的方式来创作，试图揭示人类内心深处的秘密和潜能。
这种对梦境和超验现象的探索，深刻影响了后来的心理学和艺术创作理念。
总结回顾：20世纪上半叶的现代艺术观念变化丰富多彩，从印象派到超现实主义，每一个艺术流派都在其时代背景下，试图寻求一种更加深刻和个性化的艺术表达方式。
美术教学中的现代艺术表现
美术教学中的现代艺术表现在当今的教育领域，美术教学已不再局限于传统的绘画技巧和艺术形式，现代艺术的表现形式正逐渐融入其中，为学生带来全新的艺术体验和创作思路。
现代艺术是一个多元化和不断发展的领域，涵盖了各种创新的艺术形式和表现手法。
它挑战了传统的审美观念和艺术规则，强调个性、创新和表达的自由。
在美术教学中引入现代艺术，有助于培养学生的创造力、批判性思维和对多元文化的理解。
首先，现代艺术中的抽象表现主义为学生提供了一种突破常规的表达方式。
抽象表现主义摒弃了对具体形象的逼真描绘，鼓励学生通过色彩、线条和形状来传达内心的情感和想法。
例如，杰克逊·波洛克的滴画作品，他自由挥洒颜料的创作方式，让学生明白艺术不仅仅是描绘所见，更是表达所感。
这种方式打破了学生可能存在的思维定式，激发他们勇于尝试新的表现手法，不再受限于传统的绘画规则。
其次，装置艺术也是现代艺术的一个重要分支。
装置艺术常常使用日常生活中的物品和材料，通过重新组合和布置，创造出具有独特意义和视觉效果的作品。
在美术教学中，让学生参与装置艺术的创作，可以培养他们的空间感知能力和对材料的运用能力。
学生们可以从身边的废弃物中寻找灵感，将其转化为具有艺术价值的作品。
这不仅增强了他们的环保意识，还让他们学会从不同的角度看待日常物品，发现其中潜在的艺术可能性。
行为艺术则是另一种具有冲击力的现代艺术形式。
行为艺术通过艺术家的身体动作和行为来传达某种观念或情感。
在教学中适当介绍行为艺术，可以引导学生思考艺术与身体、时间和空间的关系。
然而，由于行为艺术的特殊性，在教学中需要谨慎处理，确保内容适合学生的年龄和心理承受能力。
现代艺术在美术教学中的融入，也对教师提出了更高的要求。
教师需要不断更新自己的知识和观念，了解现代艺术的最新动态和发展趋势。
同时，教师还需要具备引导学生欣赏和理解现代艺术作品的能力。
在教学方法上，不能仅仅是传统的讲解和示范，更要鼓励学生自主探索和实践。
中国传统艺术的特点与表现方式
中国传统艺术的特点与表现方式中国拥有悠久的传统艺术历史，其独特的特点和表现方式使其在世界文化舞台上独树一帜。
中国传统艺术包括绘画、音乐、舞蹈、戏剧和文学等多个方面，以下将从多个角度探讨中国传统艺术的特点与表现方式。
一、内涵丰富多元中国传统艺术的内涵极其丰富多元，涵盖了中国数千年的历史、哲学、文化和价值观念。
通过绘画，艺术家常常以具象或抽象的方式表达深刻的哲学和审美观念，传达人们对自然、人生和宇宙的理解。
音乐、舞蹈和戏剧表演则以丰富多样的形式展现中国的民间文化和传统价值观。
在文学方面，中国传统诗歌、散文和小说等以其独特的意象和隐喻来表达情感和思想，形成了独特的文学体系。
二、独特的审美观念中国传统艺术的审美观念与西方传统艺术有着不同的特点。
中国艺术注重表达内在的情感和意蕴，追求的是意境的深远和内在的美。
这种审美观念体现在绘画中的写意意境、音乐中的意境描绘、舞蹈中的舞姿和身段的优雅以及戏剧中的角色刻画等方面。
与之不同的是，西方艺术较注重对外在形象和细节的描绘，强调真实性和技巧性。
三、兼容并蓄的艺术形式中国传统艺术形式与其他艺术形式相比，更加兼容并蓄。
中国传统绘画形式包括写意、工笔、水墨和壁画等多种形式，艺术家可根据自己的创作目的和风格选择适合的方式。
中国传统音乐也有丰富的流派和演奏形式，如古琴、京剧和民乐等。
此外，中国传统艺术还融合了戏剧和舞蹈，形成了独特的戏曲和舞蹈剧种，如京剧、豫剧和东方舞等，展示了中国文化的独特魅力。
四、强调意境和表现技巧的结合中国传统艺术强调意境和表现技巧的合理结合，追求表现形式与精神内涵的统一。
在绘画中，通过写意的手法，艺术家可以以简练的线条表现对事物的把握和理解；在音乐中，演奏者通过音调的变化和演奏技巧的细腻，将感情和意境传达给观众；在舞蹈和戏剧中，演员通过肢体动作、表情和声音的结合，塑造出丰富多样的角色形象。
五、追求诗意和平衡的美学追求中国传统艺术追求的是一种诗意和平衡的美学追求。
中国艺术和西方艺术的理解
中国艺术和西方艺术的理解
中国艺术和西方艺术在多个方面存在差异，以下是对两者的一些理解：
1. 艺术观念和哲学背景：中国艺术注重追求和谐与自然的共鸣，这种观念深深植根于中国古代哲学，特别是道家思想。
而西方艺术则更强调理性和人文价值，这种观念在文艺复兴时期达到了顶峰，艺术家们开始将焦点从宗教和神话转向人类本身。
2. 审美意识：中国美术在主观与客观、表现与再现、抒怀与求真等关系中，较为强调主观情感的抒发，讲究“意境”，从而达到人与自然“天人合一”和“天人感应”的高度和谐。
而西方艺术则相对强调客观的再现，以求真求实的理性精神，提炼出对崇高的人性的追向，偏重于强调对象客体的方面。
3. 表现形式：中国绘画已经形成了独特的形象思维和形式语言体系，如“求神写意”与“摹形写真”。
而西方绘画特别是古典艺术，注重自然真实的再现和模拟。
总的来说，中国艺术和西方艺术在哲学背景、审美意识和表现形式等方面存在差异。
这些差异反映了不同文化对美的理解和追求的不同方向。
河姆渡文化的艺术表现与审美观念从壁中窥探古代人类的审美追求
河姆渡文化的艺术表现与审美观念从壁中窥探古代人类的审美追求河姆渡文化是中国新石器时代的一个重要考古遗址，位于浙江省余姚市河姆渡。
自20世纪80年代后期开始发掘以来，河姆渡文化通过丰富多样的文物展现出其独特的艺术表现形式，反映了古代人类对美的审美追求。
通过对壁画、陶器等艺术品的研究，我们能够窥探到古代人类的审美观念和文化表达。
一、壁画艺术：揭示古代人类的审美追求壁画是河姆渡文化中最重要的艺术形式之一。
这些壁画多为简洁的人物形象和日常生活场景，采用了原始而自然的线条和色彩，以表现力强烈的姿势和动态的形象展现了古代人类对美的追求。
通过壁画艺术可以看出，古代人类对于人体形态特征的把握十分准确。
他们善于捕捉人体的动态和姿势，并将其以简洁而生动的方式表现出来。
这种观察力和表现力的结合，展现了古代人类对于美的独特理解。
此外，壁画中的色彩运用也是古代人类审美追求的重要体现。
他们善于使用明亮的色彩，让壁画更加生动活泼。
例如，常见的红色、黄色和蓝色被广泛运用，给人以鲜明的感觉。
而这些明亮的色彩也反映了古代人类对于生活的乐观态度和对美好事物的追求。
二、陶器艺术：古代人类审美观念的文化表达除了壁画，陶器也是河姆渡文化中最具表现力的艺术形式之一。
通过陶器的形状、纹饰和装饰等方面的研究，我们可以窥探到古代人类的审美观念和文化表达。
河姆渡文化中的陶器多以简约而流畅的线条和自然的形状为特点。
古代人类通过对陶器的精心塑造，表达了对美的追求和对自然界的崇拜。
例如，他们常常利用陶器的造型来模仿植物的形态，以展现对大自然的向往和敬畏之情。
此外，陶器的纹饰也是古代人类审美观念的重要体现。
通过对纹饰的研究，我们可以发现古代人类钟爱动物纹、几何纹和花纹等，这些纹饰既符合自然的形态特征，又充满创造性的组合和运用。
这种精心设计的纹饰，不仅呈现了古代人类的审美追求，也反映了他们对于文化符号的运用和表达。
三、古代人类审美观念的窥探通过对河姆渡文化的壁画和陶器艺术的研究，我们可以窥探到古代人类的审美观念和文化表达。
当代艺术中观念与技艺的关系
当代艺术中观念与技艺的关系作者：叶鸣来源：《今传媒》2010年第09期学子简介叶鸣,女,汉族,江苏省淮安人,就读于南京艺术学院美术学专业。
作者在校期间担任美术学院学生会外联部部长,积极参加学校组织的各种社会活动,2008年参加南京艺术学院义教志愿者活动,踊跃投入南京市鼓楼区智培中心义教工作;2009年3月参加“南京艺术学院大学生青年马克思主义者培养”暨青年共产主义学校第五期学生骨干培训班,锻炼和提高了自身的素质,2008、2009年被院评为优秀学生会干部。
2010年5月成为一名光荣的共产党员。
通过实践活动增强了社会责任感,领悟了助人为乐的真谛,锻炼了组织协调能力。
同时,作者勤于思考,在美术学专业领域有着较为深入的认识,本期专栏刊出作者《当代艺术中观念与技艺的关系》一文,企盼专家予以指导。
摘要:艺术从来就不是纯技艺的制作。
观念的艺术,不是不讲技艺,技艺是手段,没有技藝,艺术的效果就出不来,但是光有技艺,没有某种观念引导,或者说缺乏深邃的内涵,其艺术价值就不会得到提升。
尤其在当代艺术中,不再只局限于偶然性的灵感与技艺性的效果,而是创作者主要在如何表达自己的情感体验和思想观念中下足够的功夫。
于是,思考的思想,表达的内容成为艺术的核心主体。
关键词:当代艺术;观念;技艺中图分类号:G02文献标识码:A文章编号:1672-8122(2010)09-0004-02观念的艺术,不是不讲技艺,技艺是手段,没有技艺,彰显不出艺术的效果,但是光有技艺,没有某种观念作引导,或者说缺乏深邃的内涵,提高其艺术价值就成为无稽之谈。
一、技艺是观念传承的载体技艺在艺术创作活动过程中,是表现情感思想的必要手段,而非最终目的。
如韦尔乔,他是哈工大医院心脏内科副主任医师。
一个在化验单上涂鸦的人,一个用单线条构建复杂世界的思想者和梦游者,一个没学过一天绘画,却用他一闪即逝的思绪和灵感,不经意的记录让画家震憾的人。
有一次记者采访他,他说,“我不是为了画画而画画,有灵感的时候才会画,而不是刻意为了出几本书。
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摘要：在现代主义之后，艺术不再是拥有高超的绘画技能的代名词，西方教育界普遍将其定义成“视觉艺术”，使艺术外延到一切可使用的艺术手段和材料，艺术家充当思想家和科学家的角色得到延续。
自从1964年4月安迪沃霍尔在纽约首次举办的雕塑展上展出了他的著名作品“布里洛包装盒”后，在美国著名艺术评论家阿瑟丹托的内心产生巨大的震动，在他的笔下，“布里洛包装盒”跨越时间、历史、地域的界限，成为推动艺术发展史进程的象征物，并发出“艺术终结了”的呼喊。
这种观念不断引发人们对艺术的定义及其本质的重新思考，如何平衡艺术品中的观念与技术成为艺术家们开始探索的新课题。
关键词：观念；艺术表现；时代语境；同一性
促使我写这篇论文的原因有两个：一个是笔者发现，在学习油画的过程中学生提问最多的问题就是油画的技法是什么？二是大多数人在看过越来越多的现当代艺术品后都会质疑，看似没有任何技术含量的艺术作品何以有如此成就？带着这些问题我开始查阅资料，从出现在现当代艺术转折点上的艺术品开始研究这个问题。
在过去7年的学院式教育环境成长过程中，我们更多接触到的是19世纪以前，更确切地说是梵高以前的艺术，对于梵高之后知之甚少，学院教育索性很少提及这段历史，学艺术的学生敏感一些的或多或少都能感受到这种空白感。
为了在艺术这条路上更好、更稳地走下去，我们不能跨越任何空白，这个空白或许会成为艺术道路上的阻碍。
因为20世纪的艺术完全打破了旧有的绘画模式，观念艺术的范围除了绘画还延伸到雕塑、摄影、装置艺术、环境艺术、大地艺术、行为艺术等等。
笔者希望可以通过对20世纪部分艺术的研究，解答艺术家是如何平衡艺术品的观念与技术，并达到一定艺术高度的问题。
在阿瑟丹托看来，艺术存在两种观念：其一，把艺术当做认知世界的手段，绘画主要就是描绘出真实客观的相等物；其二，艺术又可被看做是艺术家的主观心理经验的表现，倘若真是这样，艺术就会因人的个别心态而个性化地呈现出来。
从这两方面来看，艺术品能更全面地理解形成艺术风格的精神因素及社会因素，这是看懂艺术品必不可少的先决条件。
要欣赏一件艺术品，了解这件作品的技术是基本条件，研究它的观念才能算是真正看懂一件作品。
观念与技术在艺术品中同样重要，二者的关系相辅相成。
在印象主义之前的艺术是经验艺术，制作技术一脉相承，同一时期的艺术家并不存在技术上的创新，只存在个人风格的差异。
印象主义之后转变为观念艺术，然而技术也成了支撑理念的关键所在。
技术的创新对观念艺术而言分为两个层次：一是构思想要创作的内容，这个与经验艺术一样。
二是如何去体现这个构思，这点与经验艺术截然不同。
作为波普艺术的代表人物，安迪?沃霍尔对后世的艺术产生了极大的影响。
阅读过《安迪?沃霍尔的哲学：波普启示录》的人无不为他那种真诚、自由、语无伦次但异常细腻的独白所震撼，他告知人们消费时代种种人性的可能。
他认为思考就会产生错误，只有不断地做事才能获得报酬。
生活在消费理念和超市文化浓厚的美国，这种理念在他的内心根深蒂固也变得不难理解了。
他对自己作画的过程是这样描述的：盯着画布然后开始构图，大脑进发的某一闪光点就成为既定的构图模式，再看一眼，发现某个角落的空间里需要一点蓝色，于是他就把蓝色放上去，然后看着另一边，也需要一点蓝色，再拿起绿色的画笔画上几笔绿色，退后几步看画面的空间构图是否对味，不对味的地方再加上一点绿色，如果构图适宜，他便不再做改动。
当技术物品本身的功能变得复杂起来的时候，它不仅仅停留在工业时代的物欲满足层面上，进而也包含了一些游戏、个性、情感等因素，于是技术物品成为人们审美观念的呈现物。
反之，当构成我们生活世界的技术物品带上艺术的光环时，我们的日常生活便成为审美情感实现的场所。
艺术家通常会在现实生活或自然形态中发现某种可以表达观念的契合点，从而拓展绘画
的实体空间。
“成长于第三帝国废墟之中的画界诗人”之称的安塞尔姆?基弗（anselmkiefer），他的作品无论是创作手法还是呈现面貌都极其现代，但往往主题晦涩而富含诗意，隐藏着一种饱含痛苦与追索意味的历史感。
他在材料上大量使用油彩、稻草、灰烬、虫胶、石头、照片、木刻版画、沙子、柏油甚至是铅铁等金属元素。
种种现象都源于他的时代背景，基弗1945年生于德国的多瑙艾兴根，成长于被分裂的德国，所以他想做的不是面对过去，而是忘记战争，这或许跟战后德国不许回顾战争这种普遍的文化状况有关。
作为新表现主义画家之一，基弗在他的作品里渗透着对德意志民族精神和浪漫主义传统的重新挖掘。
不同质感的材料经他之手创造出复杂的肌理效果，并使画面充满巨大的力量。
这种震撼的视觉冲击力结合抽象和具象、幻觉和物质性，并拥有丰富的象征意义。
尽管20世纪的现代艺术极力想摆脱技术化造就的时代语境，苦于技术成为审美功能的阻碍，但现代艺术的发展成就于现代科技的时代语境这一点无可否认。
安迪?沃霍尔的重复制造和基弗的综合材料，这个时代的艺术家无不通过艺术品深刻诠释着此刻的社会。
技术与观念这两种东西从表面上看截然相反，技术的发达或许会造成艺术思想的贫乏，但如果我们深入技术与观念的理解方式层面上，就会发现二者存在着同一性。
作为一名艺术家，毫无疑问应该尽快从传统的技术层面中解放出来，我们不该只注视着眼前的画布，而是应该仰望星空，以一种开放的精神去体验艺术门类之间由边缘的交汇所生成的一个新空间，用以阐述对世界的认识和感知。
再回到我们自身，我认为在艺术学院的学生关注的东西不应该只是画种的区别和技术的孤立掌握，而应该是自己的观念的建立和与之紧密相连的技术语言的选择。
弗洛伊德认为，艺术是我们被压抑欲望的升华。
当我们的欲望受到压抑时就会产生幻想，从幻想回到现实世界的途径，只有艺术之路才可能到达。
这正如艺术创作中观念与技术的关系，当我们想去表达所思所想的时候，就需要一种表达的方式，这种方式即观念的具体展现，二者存在着同一性，它们的必然联系是我们切不可忽视的重要环节。