【幻想曲1940】音乐解析
扬琴作品《狂想曲》的音乐分析及演奏表现探讨
扬琴作品《狂想曲》的音乐分析及演奏表现探讨《狂想曲》是一首扬琴作品，创作于19世纪中期，由著名作曲家弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）创作。
这首曲子是李斯特在浪漫主义音乐时代的代表作品之一，它融合了浪漫主义音乐的特点，表现了作曲家丰富的想象力和才华。
本文将对《狂想曲》这首扬琴作品进行音乐分析，并探讨其演奏表现的技巧和要点。
让我们来对《狂想曲》的音乐结构进行分析。
这首曲子是由三个主题组成的，分别是快速的、中等速度的和快速的。
每个主题都有独特的旋律和节奏，通过不同的动机和和声来展现音乐的起伏和张力。
整个曲子的音乐结构非常丰富多变，有着明显的展开、转折和回归的结构，体现了李斯特的音乐想象力和构思能力。
在演奏《狂想曲》时，演奏者需要特别注意对每个主题的表现和转折的处理。
在快速的主题中，需要注意快速的音符和连续的跳音，要做到清晰、准确地演奏每一个音符。
在中等速度的主题中，要注意强弱节奏的处理和旋律的表现，要做到柔美、动听。
在快速的主题中，要注意速度和力度的掌控，要让音乐充满激情和张力，展现出音乐的活力和魅力。
还需要注意转折处的过渡和呼应。
《狂想曲》中有着多处的转折，要注意在转折处做好过渡，使音乐的变化自然而流畅。
在转折处要注意与之前的主题和谐呼应，使得整个曲子的音乐表达更加连贯和有力。
除了注意音乐结构和转折的处理外，演奏《狂想曲》还需要注意对情感的表现。
这首曲子的音乐中蕴含着丰富的情感，有着悲怆、激情和慷慨的情感表达。
在演奏时，演奏者需要将自己的情感融入到音乐中，要用音乐语言来表达内心的感受，使得整个演奏充满情感和魅力。
扬琴作品《狂想曲》是一首音乐结构丰富、情感丰富的曲子，演奏时需要注意对音乐结构、转折和情感的处理。
只有将这些要点都注意到位，才能将《狂想曲》这首扬琴作品演奏得淋漓尽致，表现出作曲家的音乐才华和魅力。
幻想交响曲五个乐章分析
幻想交响曲五个乐章分析
周杰伦的《十一月的萧邦》，是一首十分经典流行的曲子，原曲是柴可夫斯基1830年著名的《幻想交响曲》，全曲由五个乐章构成：序曲、抒情曲、狂想曲、组曲及最终曲。
其中，前四个乐章分别以不同的特色组成流行曲的主要构成部分，最终的曲子则运用传统的节奏，很好的将前面的各个乐章有机的联系起来。
第一个乐章——序曲，以慢板的弦乐缓慢起步，就像线索一样引导聆听者进入一个全新的音乐异境。
柴可夫斯基将动人的钢琴曼妙的展开，弱弱的小号淡淡的融入，把缓慢的节奏和持续的旋律编织在一起，创造出一种要品尝才能体味其真谛的情调。
第二个乐章——抒情曲，以明快的钢琴伴唱引领，余音绕梁，让人怀念昔日欢庆和树立崇高信念，引发心灵蔓延的情感抒发。
乐章特色：旋律乔治·巴赫是式，交错出不同的旋律线，取其抒情的原则。
第三个乐章——狂想曲，在抒情曲的基础上，柴可夫斯基运用对比上升和下降节奏，旋律变换宛转，迸发出激起人心情的力量，更使人一次又一次往高处攀登，掀起一阵阵前所未有的热力，振奋人心。
第四个乐章——组曲，以凝练的旋律去合并前面的三个乐章的主题，构成一首完整的协和曲。
其柔美而长线的旋律，让听觉达到一种澄澈的境界，仿佛停泊在一个宁静的空间，极有情调，如入画中。
最终的乐章，以一种古典的节奏加以庆祝前面的构架，将遥远的梦思结合在一起，激发着听者持续如痴如醉的感觉。
轻轻松松，令人无限着迷，仿佛走进了一个音乐奇观，柴可夫斯基为听众创造的梦境，让人栩栩如生地体会了起来，在滋润的音符的温暖里，宛若世间的一首绝响！。
【名曲欣赏】格林卡《卡玛林斯卡亚幻想曲》
【名曲欣赏】格林卡《卡玛林斯卡亚幻想曲》送人玫瑰，手有余香！【名曲欣赏】格林卡《卡玛林斯卡亚幻想曲》俄罗斯作曲家格林卡被尊为“俄罗斯音乐之父”。
用柴可夫斯基的话说，所有俄罗斯的民族音乐都是从这首《卡玛林斯卡亚幻想曲》发展来的。
这样说不无道理，因为在格林卡之前，音乐领域大多是西欧的天下，乐曲中偶然会有一些匈牙利或者西班牙风格的元素。
正是从格林卡开始，作曲家开始大量使用本民族的音乐风格进行创作，开创了音乐史上“民族乐派”的先河。
格林卡《卡玛林斯卡亚幻想曲》（7分24秒）这首乐曲创作于1848年，是格林卡借用了两首民歌旋律创作而成的，展现了俄罗斯民间生活的一幅画卷。
这首作品的结构是“两重变奏曲”，或者说是“双主题变奏曲”。
即在这首乐曲中，有两个主题旋律，格林卡先呈示了第一主题，然后是主题的变奏，再呈示第二主题，接着再做第二主题的变奏，接着再重复一次这样的做法。
1.乐曲以一个宽广而深情的引子开始，仿佛说，啊！这就是我热爱的俄罗斯！第一主题与变奏部分2.第一主题A，小提琴齐奏一段优美的旋律，这段旋律来自于一首俄罗斯农村的婚礼歌曲，人们为新娘梳妆并送她过门时经常会唱起这首歌。
就是这种直接从民间音乐中获得音乐创作素材的方法，奠定了今后民族乐派的发展方向。
3.第一主题的第一组变奏开始了，这一段我们叫作A1，是由木管来演奏第一主题，显得很甜美。
仿佛在说，看新娘被打扮得多漂亮！4.第一主题的第二次变奏A2，加入了一些弦乐来衬托。
5.第一主题的第三次变奏A3，铜管乐加了进来。
6.过渡的段落，从第一主题的铜管音色，向第二主题的小提琴的音色转变。
第二主题与变奏部分1.第二主题B，仍然是小提琴的齐奏呈现，这是一首欢快的俄罗斯舞曲，舞曲的名字就叫《卡玛林斯卡亚》，也就是格林卡这首幻想曲名字的由来。
在俄罗斯民间的婚礼上经常会伴着这段舞曲来表达人们的喜庆欢乐的心情。
2.从这时开始，第二主题的一系列变奏。
3.在第七次变奏中，第一主题又回来了，它以变奏的形式再现。
肖邦《幻想曲》Op.49的创作风格及演奏要点
当代音乐2021年第1期MODERN MUSIC 肖邦《幻想曲》Op・49的创作风格及演奏要点郭佳云［摘要］肖邦是浪漫主义时期的代表人物之一，在肖邦的作品中，不论是结构形式的新意、内容上的戏剧性、内心情感的复杂变化或是他在和声色彩的独特创作，都影响着后来的作曲家。
本文通过对肖邦《幻想曲》Op.49的曲式结构分析及演奏要点解析，进而总结其演奏风格。
希望通过对肖邦作品的学习和研究，可以帮助我们更加深入地了解浪漫主义时期的音乐创作特点及肖邦的创作风格，并且运用准确的演奏技巧来表现出浪漫主义时期作品的内涵。
［关键词］肖邦；浪漫主义；幻想曲；演奏风格；演奏技巧［中图分类号］J624［文献标识码］A［文章编号］1007-2233（2021）01-0118-03一、作曲家及作品简介（一）浪漫主义时期音乐简介浪漫主义乐派是继维也纳古典乐派后出现的一个新的流派，它产生于19世纪初。
这一时期主要的音乐特征：其一，抒情性，浪漫主义时期注重揭示人类的精神和内心世界，在音乐中常常表现为一种抒情性的人物心理刻画。
其二，浪漫主义时期音乐更宣示一种个人主观感觉的表现,追求个性解放、强调个人思想情感的宣泄与抒发。
其三,在音乐风格上，相对于古典主义音乐的严谨、端庄、典雅的风格来说，浪漫主义时期的音乐风格更加的强烈、自由和奔放，曲子更具有色彩性、戏剧性。
其四，民族性，在内容上常反映爱国主义精神和民族统一的思想理念。
（二）作曲家及其音乐创作时期简介1.作曲家生平简介费雷德里克•弗朗索瓦•肖邦（Fryderyk Francois Chopin,1810—1849）,生于华沙近郊，从小就表现出非凡的音乐天赋，华沙人都惊喜的称他为“新莫扎特”［1］。
1830年波兰爆发了反对外国势力瓜分波兰的起义，肖邦一直在国外流离，1831年肖邦最终移居到了法国巴黎。
在巴黎肖邦结识了很多文学艺术界与上流社会的名流，在好友李斯特的介绍下，认识了乔治•桑，随后双方产生了倾慕之情, 1849年，肖邦与乔治•桑感情破裂后，他的肺结核病情愈发严重，最终于1849年10月在巴黎的家中去世。
幻想即兴曲赏析
幻想即兴曲赏析摘要：一、引言二、幻想即兴曲的创作背景三、音乐风格与特点四、曲式结构分析五、旋律与和声的表现六、艺术价值与影响七、结语正文：【引言】在音乐史上，有许多作品凭借其独特的魅力和深厚的内涵，吸引了无数听众。
其中，弗雷德里克·肖邦的《幻想即兴曲》便是这样一部作品。
本文将对这部作品进行详细的赏析，分析其音乐风格、结构、旋律与和声，以及它在音乐史上的地位和影响。
【幻想即兴曲的创作背景】《幻想即兴曲》创作于1834年，是肖邦早期创作的钢琴曲。
这部作品充满浪漫主义气息，展示了肖邦作为钢琴家的才华。
当时，肖邦年仅24岁，正值创作才华横溢的时期。
【音乐风格与特点】《幻想即兴曲》具有浓郁的浪漫主义风格，表现出激情、梦幻和诗意。
作品中运用了大量半音和声，以及富有表现力的旋律，使得整部作品充满诗意与想象力。
此外，肖邦还将波兰民间音乐元素融入其中，使得作品更具个性。
【曲式结构分析】《幻想即兴曲》采用A-B-A-C-A的曲式结构。
其中，A段充满梦幻色彩，旋律优美；B段转为热情洋溢的风格，充满力量；C段则呈现出沉思与忧郁的氛围。
整部作品通过不同段落的对比，呈现出丰富的情感层次。
【旋律与和声的表现】在《幻想即兴曲》中，旋律与和声相得益彰。
肖邦巧妙地运用半音与全音的交替，使得旋律充满变化。
同时，和声部分则展现出丰富的层次感，为旋律提供了坚实的支撑。
这种旋律与和声的完美结合，使得作品具有极高的艺术价值。
【艺术价值与影响】《幻想即兴曲》被誉为浪漫主义钢琴曲的瑰宝，对后世音乐创作产生了深远的影响。
这部作品不仅展示了肖邦卓越的才华，还体现了浪漫主义音乐的魅力。
如今，它已成为钢琴爱好者与音乐家的必演之作。
【结语】《幻想即兴曲》是肖邦创作的钢琴曲代表作之一，具有极高的艺术价值。
通过本文的赏析，我们可以更好地理解这部作品的魅力所在。
舒曼钢琴套曲《幻想曲集》op.12之音乐特色及演奏分析
浪漫主义时期的大师们不满足于纯音乐抽象的情绪表达功能，更多将视野拓展至绘画 、戏剧、文学、诗歌等姊妹艺术领
域， 将 音 乐创 作 的灵 感 和 素 材 与 其 他 艺 术 形 式 紧 密 地 结 合 起 来 ， 这 就 使浪 漫 派 的音 乐 作 品拥 有 了超 越 音 乐本 身之 外 的 内涵 与 外延 ， 从 审 美 上 更 易 于 引 起 听众 的联 想 与 共 鸣 。 舒 曼 出 身 于 出版 商家 庭 ，对 于 文 学 、诗 歌 具 有 浓 厚 的 兴 趣 和 修养 。《 幻 想 曲集 》这 部作 品 的创 作 动 力 就 来 源 于 文 学 作 品 ， 舒 曼赋 予 了 套 曲 中每 首 小 品特 定 的标 题 ， 这 个 标 题 作 为 提 示 就 好像 是 在猜 谜 游 戏 中给 出 的谜 面 一 般 ，演 奏者 和听 众 在 诠 释 和 欣 赏 音 乐 的 过程 中似 乎 是 带着 谜 面 在 寻 找 谜 底 ， 虽 然 各 人 最 终 得 出 的 结论 未 必一 致 ， 但 这 种 具 有 线 索 感 的演 奏 与 审美 过 程 却 赋 予 了 音 乐 额 外 的魅 力 。
情感体验与想象力 的特性小品 。 《 幻想 曲集》ｏ ｐ ． １ ２正是一部能够 集中体现舒曼钢琴音乐创作特征的经典之作 ，舒曼音乐中标
签 式 的 文学 性 、幻 想 性 、色 彩 性 、复 调 性 、 交 响 性 以及 双 重 性 格 式 的强 烈 情 绪 对 比都 在 此 曲中 展 露 无遗 。
一
、
创作概况
《 幻 想 曲集 》ｏ ｐ ． １ ２创 作 于 １ ８ ３ ７年 春 至 ｌ ８ ３ ８ 年初 ，ｌ ８ ３ ７年 的上 半 年 舒 曼 正 处 于 他 人 生 中 最 为 黑 暗 的时 期 ，母 亲 离 世 ， 与 克拉 拉 的 婚姻 又 百般 受 阻 ，致 使 他 陷 入 了极 度 的痛 苦 之 中 。然 而 舒 曼 却 在 日记 中用 “ 极为 幸 福 ”的字 眼来 形 容 这 套 《 幻 想 曲集》 ，不 知 是 否 有 意 识 地 用 一 种 完 全 相 反 的幻 想梦 境来 对 抗 与 逃 离 现 实 中所 遭 遇 的 种 种 不幸 。 《 幻 想 曲集 》 的创 作 灵 感 来 源 自德 国浪 漫 派 作 家 霍 夫 曼 （ Ｅ ． Ａ． Ｈ ｏ ｆ ｍａ ｎ ｎ ）的短篇小说集 《 卡 罗 特 风 格 的幻 想 小 品 》 ， 作 品 带 有 鲜 明 的 童 话 色 彩 。《 幻 想 曲集 》 于 １ ８ ３ ７年题 献 给 年 轻 的英 国女 钢 琴 家莱 德洛 小姐 ，后 者 在 １ ８ ３ ７年 ７月 ２ 目的晨 间 音 乐 会 中 首 演 了 曲集 中 的 部分 曲 目。 在 舒 曼 为 数 不 少 的 套 曲中 ，《 幻 想 曲集 》 被 认 为 是 既 得其 创 作 手 法 的精 髓 又 较 易于 理 解 的 经 典 之 作 。这 套 曲集 由八 首形
泰勒曼十二首幻想曲《C,大调幻想曲》作品简析
泰勒曼十二首幻想曲《C,大调幻想曲》作品简析打开文本图片集巴洛克时期的长笛作品大约从1670年发展到1770年，泰勒曼的12首长笛幻想曲大约在这个时期的後期完成，在初演后就立即受到广大的欢迎。
身为一个作曲家，泰勒曼藉由一连串官方的职务，来拒绝这种束缚，并打破了宗教音乐和世俗音乐的隔阂。
本文对泰勒曼十二首幻想曲《C大调幻想曲》作品进行了简析。
【关键词】泰勒曼；《C大调幻想曲》巴洛克时期的长笛作品大约从1670 年发展到1770年，泰勒曼的12 首长笛幻想曲大约在这个时期的後期完成，在初演後就立即受到广大的欢迎。
两百多年後的现在，这12 首长笛幻想曲仍然是重要的长笛独奏曲目之一。
泰勒曼为德国音乐带来了相当大的改变。
直到十八世纪为止，作曲家都是依照职位所需作曲，而且当时音乐领域也被严格规范；一般的音乐演出通常也和制度有所连结。
身为一个作曲家，泰勒曼藉由一连串官方的职务，来拒绝这种束缚，并打破了宗教音乐和世俗音乐的隔阂。
·泰勒曼的旋律奏鸣曲在进入泰勒曼的十二首长笛幻想曲前，笔者想略为提一下泰勒曼的旋律奏鸣曲。
这十二首旋律奏鸣曲，是写给长笛也是写给小提琴的，十二首的调性分别是C大调、c 小调、D 大调、d 小调、E 大调、e 小调、G 大调、g 小调、A 大调、a 小调、b 小调和降 B 大调。
每一首都有四到五个乐章不等，在每一首中，都有一个慢板的乐章，泰勒曼为每个慢板乐章写了两个版本：第一个是简单的旋律线条，第二个是在原本的旋律线条中加入装饰奏。
比较两个版本，可以帮助学习装饰奏的演奏者更加了解该如何运用，并试着写出自己的装饰奏。
泰勒曼的十二首长笛幻想曲在1732年到1733年，於汉堡正式发行，这是他为无伴奏乐器所作的其中一组曲子，其他组分别是同时间发行的给大键琴13的三十六首幻想曲、1735年发行的给小提琴的十二首幻想曲，和另一组给古大提琴14的十二首幻想曲，但现今已遗失。
以下是这十二首长笛幻想曲的顺序、调性及速度：1.Fantasia in A major （Vivace-Allegro）2.Fantasia in A minor （Grave-Vivace-Adagio-Allegro）3.Fantasia in B minor （Largo-Vivace-Largo-Vivace-Allegro）4.Fantasia in B-flat major （Andante-Allegro-Presto）5.Fantasia in C major （Presto-Largo-Presto-Dolce-Allegro-Allegro）6.Fantasia in D minor （Dolce-Allegro-Spirituoso）7.Fantasia in D major （Alla francese-Presto）8.Fantasia in E minor （Largo-Spirituoso-Allegro）9.Fantasia in E major （Affetuoso-Allegro-Grave-Vivace）10.Fantasia in F-sharp minor （A tempo guisto-Presto-Moderato）11.Fantasia in G major （Allegro-Adagio-Vivace-Allegro）12.Fantasia in G minor （Grave-Allegro-Grave-Allegro-Dolce-Allegro- Moderato）这十二首曲子是以调性做安排，从A大调到g小调。
卡门幻想曲钢琴谱分析
卡门幻想曲钢琴谱分析卡门幻想曲（Carmen Fantasy）是法国作曲家布鲁克的作品，构思于1875年。
这首曲子是根据法国作曲家比才的歌剧《卡门》中的旋律进行改编而成。
卡门幻想曲是钢琴与管弦乐队的配合演奏，展示了布鲁克的才华和创意。
本文将针对卡门幻想曲的钢琴谱进行详细分析，以帮助读者更好地理解和演奏这首美妙的作品。
一、曲式结构卡门幻想曲的曲式结构主要分为序奏、主题与变奏、卡门主题、中段三个部分。
其中，序奏是整首曲子的开端，通过引入主题的方式为整个曲曲奏定调。
主题与变奏部分有几个小节的变奏乐章，它们都与原主题密切相关，但又各有独特的扩展和变化。
卡门主题部分是整首曲子的重点，它以婉转悠扬的旋律展现了作曲家对“卡门”这一人物的情感描绘。
最后的中段部分则是对前面主题和变奏的回顾与总结。
二、曲调与和声分析卡门幻想曲的曲调主要采用G小调，并以弦乐器的演奏开始。
整个曲子的和声丰富多样，涵盖了旋律与和声的复杂性，展现了布鲁克独特的作曲风格。
三、技巧与表现力在钢琴演奏方面，卡门幻想曲要求演奏者具备较高的技巧和表现力。
比如，在序奏部分的琶音和音阶需要演奏者具备精确的手指动作和准确的节奏感。
而在卡门主题部分，则需要演奏者通过连续的音符和丰富的演奏技巧，表现出曲子中的激情与张力。
四、速度与节奏卡门幻想曲的演奏速度要求较快，并且要有明确的节奏感。
在演奏中，要将握拍感和带有拉长音符的韵律感结合起来，保持整体的稳定和流畅。
五、音色与效果卡门幻想曲在钢琴演奏中追求独特的音色和效果。
例如，在序奏部分可以运用柔和的演奏技巧，展现出拨弦的效果；而在卡门主题部分，则要求演奏者通过键盘的连续演奏和音色的变化，表现出艳丽和富有感染力的旋律。
六、演奏建议为了更好地演奏卡门幻想曲，以下是一些建议：1. 在练习序奏部分时，要注意琶音和音阶的准确性，使用柔和的触键技巧，以展现出弦乐演奏的效果。
2. 在主题与变奏部分中，要理解每个变奏的特点，注重旋律与声部间的平衡和协调。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
【幻想曲1940】音乐解析
１、Ｄ小调触技曲与赋格曲
这是音乐之父巴哈（１６８０－１７５０）的著名风琴曲，由史托科夫斯基改编成管弦乐曲。
此曲是巴哈众多风琴曲中的一大杰作，以纯粹的乐音构成，丝毫看不出有任何具体的影像。
为了探求此曲的音调之美，狄斯耐设计出在画面上利用声音的色调和弓弦的运动把它视觉化。
由几种曲线和抽象图形自由地随乐音欢舞的画面，是由邀自德国的欧斯卡．费辛格完成的。
这位前卫电影作家打从有声电影出现之初，就取用古典舞曲等作为题材，把各类乐曲藉着运动的图形加以表现，制作了相当独特的音乐短篇电影而受到世人瞩目。
因此，在音乐视觉化(电影化)的工作上，他还称得上是狄斯耐的前辈呢。
《D小调托卡塔与赋格》的动画部分完全是抽象的，其初始的灵感来自于德国抽象动画作家奥斯卡·费辛杰（Oscar Fischinger)。
短片的前三分之一是乐团演奏的景象，随着音乐的发展，照明用的灯光展开了抽象式的变化，产生了特殊的重影效果。
演奏这段音乐的是费城交响乐团但电影中可以看到的乐团并不是费城交响乐团，而是旧金山地方的音乐家，还有迪士尼公司的雇员模仿音乐家演奏。
２、「胡桃钳」组曲
「天鹅湖」、「胡桃钳」和「睡美人」，是妇孺皆知的柴可夫斯基（１８４０─１８９３）三大芭蕾舞。
其中的「胡桃钳」是叙述拯救被变成胡桃钳的王子后，少女克拉拉被他招待到糖果王国，柴可夫斯基还把它改写成管弦乐组曲。
在卡通电影「幻想曲」中，则选用其中「糖梅仙子之舞」、「中国之舞」、「芦笛之舞」、「阿拉伯之舞」、「俄国之舞」和「花的圆舞曲」等较为具象的六曲，为它们配上卡通，藉此描绘出大自然中四季的更替与转换。
这段卡通中给人印象最深刻的是「中国之舞」中蘑菇之舞，其中总是慢人一拍的小蘑菇最为可爱。
牠每一次要开始跳舞时，都要先摇摆一下小小的身体。
开头在「糖梅仙子之舞」的蜘蛛网上所附小水滴，居然颇具立体感，「芦笛之舞」的水泡则展现透明度，「俄国之舞」中蓟花的哥萨克舞是何等精采！不过，这段「胡桃钳」中的音乐不知何故少许模糊失真，实在可惜，但画面却相当艷丽。
３、小巫师
由法国的杜卡（１８６５─１９３５）所作曲。
这个有趣的故事，最早由两千年前的希腊鲁西安所写，后来又由德国文豪歌德把它写成叙事诗，狄斯耐则根据杜卡的音乐，由米老鼠担任主角，这个大受儿童欢迎的卡通就问世了。
制作群为了使米老鼠的表情更生动，特别为牠的面貌做整形手术：加上眉毛、加大眼睛。
拿来作魔术师（师傅）模特儿的，是一位名叫奈杰尔．布利叶的性格演员。
卡通和原曲间剧情的差异是：杜卡的音乐中小巫师发觉自己无法命令扫帚停止提水，拿起斧头往扫帚身上砍下时，只是把它劈成两半，不久被打倒的扫帚又变成两支，随着重新响起的主题，加快步伐，更勤奋地提水。
而狄斯耐的卡通中，米老鼠却是把原来的扫帚砍得「碎骨万断」，当它们再复活时却变成数也数不清的一大群扫帚军团。
４、春之祭
俄国现代作曲家史特拉汶斯基（１８８２─１９２７）的著名芭蕾音乐「春之祭」，曾被评为最具革命性的作品，极富大胆的独创性，节奏怪异，音响奇特，洋溢粗犷的原始生命力。
这部芭蕾舞是根据俄国古老传说作成的，叙述把处女祭献给太阳神亚利罗的过程，这位被选的少女要一直跳舞到气绝。
原作由（一）土地的崇拜和（二）祭献等两部分构成，但狄斯耐却改成地球原始生物诞生的故事。
先是白热的瓦斯、沸腾的海洋和不断爆发的火山，不久在海水中出现了单细胞动物、三叶虫，接着是鱼群、双栖类和恐龙等生物的进化，一直到牠们的灭亡。
暴龙登场前的情景，
以及和剑龙的生死斗，都令人看得胆颤心惊。
当伊戈尔·斯特拉文斯基创作芭蕾舞剧《春之祭》时，用他自己的话讲，他的目的是“去表达原始的生命”。
所以华特·迪士尼以及他的艺术家们也就采信了他的这句话。
他们并没有将这部芭蕾舞剧以其本来面貌（即一连串的部落舞蹈）的形式展示出来，而是将其视觉化，描绘了地球从它的形成到第一批生物的出现，再到恐龙时代和恐龙消失的历史。
史前的动物基本上是按原形来描绘的。
为了显示火山、沸腾的岩浆和地震等现象，画家们使用了一系列复杂的特技效应。
在观看时，你可以想象自己置身于数十亿年前的太空中，俯瞰着这个孤独的饱受折磨的星球，在虚无的海洋中打转。
５、第六交响曲「田园」
乐圣贝多芬（１７７０─１８２７）三十九岁时作曲，和第五交响曲「命运」同时发表。
「田园交响曲」是描写自然景物的优美音乐。
贝多芬酷爱奥国的田园景色和朴素的农民生活，他把这种感情生动地注入到这首标题交响曲中，由(一)初见田园景色时的愉快心情、(二)溪畔景色、(三)村人快乐的集会、(四)雷电，暴风雨、(五)牧歌，暴风雨后欣喜与谢天之歌等五个乐章构成。
可是狄斯耐的画家们，却把此曲的舞台转移到希腊众神所住的奥林帕斯山上。
贝多芬的《第六交响曲》的动画中描绘的是希腊神话中的人马和女人马（这是迪士尼公司的一个发明）、一匹飞马和它的全家以及奥林匹斯山脉上众神的场景。
酒神狄俄尼索斯召集众神参加一个宴会，但这场宴会却因为宙斯用雷来击打众神取乐而不欢而散。
第一乐章变成飞马（Ｐｅｇａｓｕｓ，希腊神话中缪司神所骑，长着双翼的天马）家族在天空云间或湖泊上飞翔、浮游的音乐，其中刚学飞、动作笨拙的老幺（小黑马）是多么可爱，不久牠居然变成兄弟姊妹间飞行技术最灵巧的一个。
第二乐章是「人马（Ｋｅｎｔａｕｒｕｓ，上半身是人，下半身是马的怪物）的浪漫曲」，当我们初看一群半裸的美丽姑娘在河水中嬉戏时，还以为是「小飞侠」中所出现的美人鱼呢，不一会儿，她们上岸时才发现原来是人马。
后来由于小丘彼德(爱神)的穿针引线，女人马和男人马展开了一场浪漫的爱情游戏。
第三乐章是酒神巴卡斯的幽默故事，其中有酿酒与欢舞的场面，色彩富丽，充满娱乐性。
第四乐章和原曲一样是暴风雨场面，出现天神、雷神和风神，可怜的酒神几乎被闪电击成「烤肥猪」。
在雨过天晴后的第五乐章中，所有前面亮相的神话角色全部出场，共享五彩缤纷的山色湖光，在这欢愉的终曲中先后出现彩虹仙子、太阳神、夜神和月神，于是大地和生物都随着进入甜蜜的梦乡。
据说，画家们开始时为了如何描绘人马，曾苦思很久，究竟上半身是年轻女性、下半身是马的人马，该如何刻画才能流露女性魅力呢？各人经过一番苦思后画出的造型草图，几乎可以堆成一座小山。
６、时辰之舞《时钟之舞》该谐地描绘了驼鸟、河马、大象和鳄鱼试图跳时钟之舞的场景。
这个动画中的疯狂性是迪士尼的动画片中罕见的。
意大利歌剧作曲家庞开利（１８３４─１８８６）的作品。
原是他所作歌剧「乔宫达」中的一段芭蕾音乐，在第三幕中演出。
这部大歌剧是根据法国文豪雨果的悲剧写作而成的，而这段「时辰之舞」共分晨、午、晚的三个部分，由分别穿上红衣、金衣和黑衣的女舞者献舞。
在卡通中，很有趣的是，这段芭蕾音乐是由根本和舞蹈扯不上关系的三种动物担任主角，于是呈现出既滑稽又精采的芭蕾场面。
曲中由驼鸟、大象、河马和鳄鱼所展示的舞蹈，动作
是何等道地、精练，而鳄鱼和河马的纠缠，又是多么幽默，难怪这段「时辰之舞」会如此受到儿童们的热爱。
画家们要动笔之前，先邀请真正的芭蕾舞者跳出这段芭蕾舞，同时拍成电影，然后再把她们的舞姿转换在卡通角色上。
7、荒山之夜《荒山之夜》中的魔鬼的生动性和强烈性也是迪士尼动画片中少有的。
迪士尼雇佣了著名的恐怖片影星贝拉·卢高西（Bela Lugosi)作为这个形象的原形。
卢高西在迪士尼的摄影棚中待了数日，模拟魔鬼的样子，这些动作被拍摄下来作为后来动画中魔鬼的原形。
影片中，突然传来的教堂钟声中止了群魔的乱舞，电影的镜头转向远方：一队僧侣在舒伯特的音乐伴奏下在森林中持烛行进。
最后伴随着舒缓的人声吟唱，僧侣们走出了森林，迎来了美丽壮观的日出。
这是俄国作曲家穆梭斯基（１８３９─１８８１）所作的著名交响诗。
这位国民乐派大师，是根据民间传说写成这首名曲的，曲中在描写六月二十四日圣约翰节前夜，妖魔鬼怪们聚集到基辅附近荒山上，欢宴、戏闹、狂舞的情景。
狄斯耐的卡通情节，和穆梭斯基的原曲极为忠实，其中接连出现恶灵、巫婆和亡魂，他们在黑夜显形后，飞行着聚集到荒山之顶，然后出邪恶魔王杰诺波带领，举行怪诞、恐怖的弥撒，然后是纵情的狂舞，寻乐与欢宴。
骚闹到颠峰时，传来远方钟声，群妖一哄而散，魔王化成山峰，大地复归平静。
制作群特别聘请匈牙利出身的魔王Ｄｒａｃｕｌａ演员贝拉．鲁格西作模特儿。
8、圣母颂
歌曲之王舒伯特(１７９７─１８２８)的著名女高音歌曲。
二十八岁时，舒伯特根据史考脱的诗集「湖上美人」中的一段诗谱成此曲。
歌颂、赞美圣母玛利亚的圣母颂，可以说也是讴歌和平、希望与生命的音乐。
卡通电影中的合唱，使用美国诗人路伊杰．费尔特特别为这部电影所写的诗作为歌词（舒伯特原由歌词是拉丁文）。
卡通是从前一首「荒山之夜」不停地接过来的，由邪恶的吵闹剎时变成宗教气氛的静谧中。
这个对比鲜明的转换，乃是制作群刻意设计出来的，给人强烈印象。
先是在蒙胧雾中手持蜡烛的朝圣者(有人认为是修女)的行进行列，前后延绵很长。
行列静静走过桥，然后进入教堂般的森林深处。
画面上的树林在行列移动间，显示出多么巧妙的立体感。
这部「幻想曲」就在这个优美的歌声与映像中结束。
由于本片为五十年前首都立体声电影，放在音响质量方面不能苛求，然而其艺术成就则不可磨灭。