表现主义舞台美术
舞台美术知识：舞台美术中的魔幻表现方式
舞台美术知识：舞台美术中的魔幻表现方式魔幻表现方式是舞台美术中的一种独特表现方式，它通过舞台布景、灯光、影像等手段，创造出虚幻、奇幻、神秘的舞台效果，让观众在情境、场景、人物等方面感受到与众不同的视觉与心灵体验。
魔幻表现方式最早源于古希腊戏剧，那时剧场中的舞台布景只是简单的前景、背景和假门窗等，随着戏剧演变，越来越多的特效、灯光和音效被引入其中，丰富了舞台感受。
到了20世纪，随着科技的不断进步，魔幻表现方式更加成熟，创作力更为丰富。
但是要实现魔幻表现，并不是简单的事情。
只有对舞台美术的各个方面进行细致的研究，并在具体的实践中不断探索，才能创造出更加华丽的魔幻效果。
为了实现魔幻表现方式，舞台设计师需要充分考虑舞台布景、舞台灯光、音效、视觉特效等，从整个舞台环境上给观众带来感受。
例如，通过雾气效果，舞台设计师可以在一个黑暗的舞台上创造出神秘的环境；在音效上，设计师可以使用带有人工合成的声响，为观众呈现出更为真实的环境声效；在照明上，设计师可以通过特别的控制来显示不同的光效，为整个舞台环境创造出不同的氛围。
在魔幻表现中，舞台灯光是不可或缺的一部分。
通过不同的灯光，可以创造出不同的视觉效果。
例如，在创作幻想类的舞蹈剧中，可以通过聚光灯和投影灯来创造出神秘、梦幻的舞台效果，还可以通过不同的灯光颜色调度来突出梦幻般的意境。
在魔幻表现中，大胆地使用不同的照明效果会引起观众的共鸣，大胆去冒险也是实现魔幻效果的必要手段。
在舞台美术中，使用特别的视觉效果也是实现魔幻表现的重要手段。
例如，在大型音乐剧中，可以使用多媒体技术来展示视觉影像，通过影像展示，观众可以更深入地感受到舞台的效果。
同时，根据演出的不同，可以使用不同的视觉效果来创造出完全不同的影像效果。
在魔幻表现方式中，舞台布景是另一个至关重要的因素。
通过仔细设计舞台，创造出一个积极、丰富的环境，能够取得很好的效果。
舞台设计师可以选择多种风格和材料来创建舞台布景。
舞台美术考研知识点归纳
舞台美术考研知识点归纳舞台美术是戏剧、舞蹈、歌剧等表演艺术中的重要组成部分，它通过视觉艺术的形式增强了表演的感染力和艺术效果。
考研时，对舞台美术的知识点进行归纳和掌握，对于提升专业素养和应对考试具有重要意义。
舞台美术的基本概念舞台美术，又称为舞台设计，是将舞台空间作为艺术创作的场所，通过布景、灯光、服装、道具等元素，创造出符合剧情需要的视觉效果和氛围。
舞台美术的分类1. 布景设计：包括硬景和软景，硬景指固定不动的背景，软景则指可以移动或变化的布景。
2. 灯光设计：利用光线的强弱、色彩、方向等来营造氛围，突出表演重点。
3. 服装设计：根据角色性格、时代背景等设计服装，以增强角色形象。
4. 道具设计：为表演提供必要的实物支持，如桌椅、武器等。
舞台美术的设计原则1. 符合剧情：设计应与剧本内容和主题相契合。
2. 突出主题：通过视觉元素强化作品的主题思想。
3. 创新性：在传统设计的基础上进行创新，避免陈旧和雷同。
4. 功能性：设计应满足表演的实际需要，如演员的移动空间、道具的使用等。
舞台美术的创作流程1. 剧本分析：深入理解剧本内容，把握剧情发展和角色特点。
2. 创意构思：根据剧本和导演意图，进行初步的创意构思。
3. 设计草案：绘制设计草图，确定布景、灯光、服装和道具的基本样式。
4. 技术实现：与技术团队合作，将设计转化为实际的舞台效果。
5. 彩排调试：在彩排中不断调整，确保设计效果与表演的协调。
舞台美术的发展趋势随着科技的发展，舞台美术越来越多地融入了多媒体技术、虚拟现实等现代元素，使得舞台效果更加丰富和立体。
结束语舞台美术考研知识点的归纳，不仅需要对基础知识有深入的理解，还需要关注行业的最新动态和发展趋势。
通过对这些知识点的系统学习，可以为考研做好充分的准备，同时也为将来的舞台美术创作打下坚实的基础。
舞台美术知识：如何用丰富的表现形式打造跨界舞台美术
舞台美术知识：如何用丰富的表现形式打造跨界舞台美术在舞台上，美术的表现形式是非常重要的，它可以帮助观众更好地理解并与演出产生共鸣。
然而，在跨界舞台中，如何用丰富的表现形式打造出独特的舞台美术，依旧是一个面临挑战的问题。
首先，跨界舞台美术需要具备强烈的视觉冲击力。
这是因为，在跨界舞台中，艺术形式的碰撞是必然的，而各种艺术形式的冲击会对观众产生一定的震撼。
因此，舞台美术需要通过图形、颜色等视觉元素来强化舞台效果，从而吸引观众的注意力。
比如，通过大胆使用色彩、配合舞台灯光效果来打造出强烈的视觉冲击力。
其次，跨界舞台美术需要适应各种艺术形式的需求。
不同的艺术形式对舞台美术的要求也是不同的。
比如，在与戏剧结合的表演中，需要更加注重表现人物情感，营造有机的人物氛围，而在与音乐结合的表演中，则需要更注重配合音乐的起伏呼吸，创造出具有音乐气息的美术。
此外，跨界舞台美术需要具备高度的创新性。
创新是跨界舞台美术的一大关键，它可以为观众带来崭新而独特的观赏体验。
因此，舞台美术需要从不同艺术形式中吸取经验并取长补短，以创造出具有高度创新性的美术表现形式。
比如，在舞蹈与科技相结合的表演中，可以通过运用先进的投影技术，将舞者的身影投射到舞台各个角落，营造出科幻、未来感极强的舞台效果。
最后，跨界舞台美术需要具备高度的互动性。
随着当今技术的不断发展，对于观众来说，参与感已经成为了观看表演的重要元素之一。
因此，在跨界舞台中，舞台美术需要具备高度的互动性，让观众更加融入表演中。
比如，在音乐与舞蹈相结合的表演中，可以设置一个观众互动区，使观众能够在表演中发挥自己的创造力，增强表演的趣味性。
总的来说，如何用丰富的表现形式打造出跨界舞台美术是一项需要不断实践和创新的工作。
它需要跨越不同的艺术形式，具备强烈的视觉冲击力、适应各种艺术形式的需求、具备高度的创新性以及高度的互动性。
最终实现了艺术形式的交融，形成更加完美的舞台效果。
舞台美术知识：舞台美术中的象征性表现方式
舞台美术知识：舞台美术中的象征性表现方式舞台美术是一门极其重要的艺术形式，其体现了舞台与演员所需要的视觉效果。
舞台美术的象征性表现方式这一概念，是常见于各类话剧、歌舞剧、音乐会和歌剧等舞台表演中，是舞台美术的重要基础和表现手法之一，其涉及到各个方面的元素，如舞台布景、灯光、音乐、服装以及演员的表演，等等。
而通过这些象征性表现方式的运用，舞台美术帮助观众更深刻地理解剧情，将观众带入一个完整的情境之中，让观众与舞台剧中的角色更加感同身受。
在舞台美术的象征性表现方式中，舞台布景是最为重要的元素之一。
一个好的舞台布景除了能够将观众带入有情境感的场景之中，同时也是整个剧情的重要表现手法。
首先，舞台布景的色彩搭配和布景的构造，都是对情境的象征性表达，由舞美师们的巧手和灵感组合出来，刻画出一个故事背景。
然后，通过灯光和服装的配合，使得观众和演员更好的沉浸在情境之中，加强观众对舞台剧的理解和关注。
其次，象征性表现方式也非常重视音乐的使用。
音乐在舞台剧中扮演了一个十分重要的角色，与舞台美术相互配合，形成一个完整的情境。
音乐可以包露出人物的性格和情绪状态，同时也能把观众带到舞台中所描绘的情境中，让观众情感深度体验其中，使舞台剧更加完美。
最后，演员的表演也十分重要。
演员的表演不仅是对剧情及角色情绪状态的展现，更是对自身角色的通过感染力和情感包容力的传达。
演员需要通过自身的表演能力来将角色塑造得更加精彩和生动，让观众将自己代入这个情境之中，并感受到舞台剧所带来的各个意境和情感。
总之，舞台美术中的象征性表现方式是一种即视感又情感非常丰富的体验。
它使得观众更好地融入到舞台剧的情境之中，并且更好地感受到其中所要表达的情感和内涵。
而这也是舞台美术所要追求的目标，那就是希望能够让观众和演员们在共同体验中达到心灵的共鸣。
舞台美术知识：舞台美术表达情感暗示性
舞台美术知识：舞台美术表达情感暗示性舞台美术是一种用来表达情感的艺术形式，它可以暗示出一个作品中人物的情感状态、情节的演变以及其它各种元素的含义。
正是因为这种暗示性，舞台美术才能更好地传达作者的意图。
在本文中，我们将探讨舞台美术是如何表达情感暗示性的。
首先，舞台美术需要选择合适的色彩和元素来表达情感。
比如，如果一个场景需要表现夏日的炎热，那么舞台美术就可以使用暖色调的灯光和热带风情的元素来营造气氛。
如果需要表现情感纠葛，那么灯光可以被设计得模糊或者闪烁，舞台上的元素也可以被布置得繁琐或复杂，使得人物显得无所适从。
除了色彩和元素，舞台美术还需要注意舞台的空间运用。
在舞台设计中，空间的大小、布置和曝光都能够暗示出角色的情感状态。
如果角色感到束缚、压迫，舞台设计师可以选择一个狭小的场地和仅能容下一个人的空间来表现这种状态。
相反，如果角色感到自由、宽敞，舞台设计师应该选择辽阔的空间和能够表现广阔气象的场景。
另外，音效和音乐也是非常重要的舞台美术元素。
音乐不仅能够营造气氛，还可以用来表达情感。
比如，悲伤的音乐能够表现出人物的哀恸，使得观众不需要太多的言语就能够理解人物的内心情感。
音效同样也能够帮助舞台美术表达情感。
对于静态场景，戏剧音效可以营造一个环境的感觉；而对于动态的场景，音效能够让观众更加真实地感受到现场的情境。
最后，舞台美术暗示情感的能力还在于其能够激发观众的想象力。
观众可以通过布景、道具和人物来识别人物的情感状态。
在表演中，舞台美术设计师应该将观众引向基本情感，而不是直接呈现出来。
例如，如果角色演绎出浪漫的情感氛围，舞台美术设计师可以使用精心设计的烛光来暗示这种感情，并通过观众自身的判断力，去感受角色的情感状态。
综合来看，舞台美术的表达情感暗示性与色彩、元素、空间、音效、音乐等方面密切相关。
如果设计师能够恰当地运用这些元素来表达情感，那么作品的情感表达就有足够的暗示性和足够的说服力。
对于观众来说，便能够更好地理解角色间的情感关系，投入到剧情中，从而更好地体验到作品的情感内涵。
舞台美术知识：舞台美术中的图案设计技巧
舞台美术知识：舞台美术中的图案设计技巧舞台美术是表达舞台剧目意境的重要艺术手段之一，图案设计是舞台美术不可或缺的组成部分。
在舞台美术中，图案可以通过形态、色彩、线条等手法来表现舞台剧目的主题和情感变化，因此图案设计技巧应当被注重。
一、基本图案设计技巧1、比例设计：比例是构成图案的重要要素之一。
比例的大小和位置会影响整个图像的美感，因此在舞台美术中设计比例时，要考虑到场地大小、以及观众的视角等多方面因素。
2、线条构成：线条是构成图案的基本元素之一。
在设计舞台美术图案时，要从线条的角度出发进行构思和设计，参照表现主题和情感变化所需求的直线、弯曲线、曲线等种类，加以运用。
3、色彩运用：色彩是舞台美术中表现情感和主题的重要手段之一。
在设计图案时要充分考虑色彩的表现力，同时也要考虑到舞台灯光色彩和舞台服装的搭配问题。
4、空间设计：在舞台美术中，空间设计是至关重要的一环，需要设计师充分考虑到舞台下方、背景等地方的空间设计，让舞台上的图案能够更加完整地呈现。
二、图案特别技巧1、重复式图案设计：重复式图案是指将一种基本的图案进行重复排列的设计方式。
在舞台美术中，通过使用同样大小和形状的图案排列在一起的方式，可以营造出天然、神秘、简洁、优美的效果。
2、反向图案设计：反向图案设计是指将图形和要素进行翻转或者倒置操作的设计方式。
在舞台美术中，通过使用反向图案设计来呈现剧目的逆转和转折，可以使得观众更好的理解剧情，加深内心的感受。
3、排列式图案设计：排列式图案是指将多种不同图案以一定的顺序和排列方式组合在一起的设计方式。
在舞台美术中，可以通过排列式图案设计来凸显舞台剧目的主题和情感变化，使观众更加深入地了解剧内的含义。
4、自然元素图案设计：自然元素图案设计是指将自然元素融入到舞台美术设计中的方式。
在舞台美术中，自然元素图案可以增强自然美、唤起观众对美好自然的感受。
三、图案设计的考量点1、舞台及场地：在设计舞台美术图案时，要考虑到舞台的形态、大小以及背景装饰等因素。
表现主义舞台美术 张维汉
表现主义舞台美术张维汉摘要：舞台美术源远流长，其代表着世界几千年的文化内涵，而表现主义与舞台美术的融合产生了更多具有表现力的戏剧形式，表现主义绘画在1905年的“桥社”组织中正式宣告问世，从事物的外部具象将观众们引导开，不被思维定式，不理会这些表面东西，而是去理解更深刻的层次，去体会，进入心灵的世界。
一切事物通常是通过主角的视角眼光去理解，从而被表现在观众眼前。
关键词：舞台；美术表现主义戏剧用创新的手段打破了传统戏剧的规则体系，整个颠覆了存在于各个客体之间的常规性逻辑关系，表现主义舞台美术按照人们内心的主观印象去重现塑造，而不再是去追求那种体现客观事物的物质性的真实感，而是表现由事物激发起的人类内心感受情感。
表现主义戏剧以断续简短而又干练具有代表性的语言动作，去反复的申诉内心的悲伤绝望与痛苦感受，疯狂虎啸龙吟式的朗诵伴以浮夸的动作。
正犹如1918年演员多伊奇演出哈森克勒德的表现主义戏剧《儿子》时，其所表现的内心感受和采取的手法技巧，这种方式使人不禁联想起表现主义先驱挪威画家的名作《呐喊》，画面中心一个衣衫褴褛的人物发出一声恐怖的呐喊，他用那粗糙的手捂住憔悴不堪狰狞的面孔，整个人的身躯扭曲的变形，他的内心感受感情在他周围产生了由内向外扩散的感染力，周围的环境仿佛陷入了一种扭曲的漩涡中。
在演出过程中，舞台灯光和布景如同被赋予了生命一样成为有活力的戏剧元素融合在一个整体中。
在这样一种注重于表现现实中深层次的内涵本质戏剧中，与戏剧所要去表达的精神没有干系的东西必然会被统统抛弃。
其中会包括那些能够去反映日常生活表面形象而却不能关联到其内在“灵魂”的视觉因素。
传统舞台美术所被灌输定下的意义以及从前所能起到的作用，在此时此刻也就注定了要被下调到一个最低的限度，从外在的表象是现实内涵的体现。
真正的表现主义舞台美术必须要去从色彩和形状，物体和线条，平面或立体大作文章，推陈出新。
从具体形象化的剧本中揭示出深层次的精神实质，从而才能达到象征的表现主义。
舞台美术知识：舞台美术中的动态空间美学
舞台美术知识：舞台美术中的动态空间美学舞台美术是一门既注重静态空间美学，又强调动态空间美学的学科。
在舞台美术中，动态空间美学是不可或缺的重要组成部分。
本文将就舞台美术中的动态空间美学进行深入探讨，探索其特点、表现形式等方面的内容。
舞台美术中的动态空间美学指的是在表现舞台剧时舞台各个元素的位置、体积、颜色、纹理、特效等在时间变化中所产生的美学效果。
这种美学效果不是单纯的“多一些，少一些”的空间追求，而是在时间、空间的变幻中表现出来的动态美感。
动态空间美学所表现的舞台空间主要包括以下方面：一、舞台布景、道具的大小、位置一个良好的舞台布景、道具设计，在舞台上会产生强烈的空间感受。
例如，在歌剧《茶花女》中，第3幕场景中，大量的花卉点缀着白色长椅，花卉的红色、白色、粉色彼此纠缠，在舞台上形成了一种立体的空间感。
而在舞台剧《贼》中，只用了简单的家具、布幔等元素，却通过局部位置的调整，从而有效地营造了室内角色之间的紧张空气。
二、舞台灯光、特效的运用运用恰当的灯光、舞台效果能够调整环境的氛围，引导观众的情绪，提高表现力。
例如，在音乐剧《狮子王》中，光效通过变换颜色、形态、发光效果等多种方式呈现出登峰造极，栩栩如生的非洲大草原景象，带给观众强烈、美好的视觉体验。
三、演员的动作、表情、位置等变化演员的动作、表情、位置等变化，反映出人物情感、角色关系、场景转变等内在因素，是创造舞台空间流动性的关键之一。
例如，在舞台剧《荒唐喜剧》中，演员在场景转变之间的自然反应，体现出人物丰富多彩、生动形象的特点。
总的来说，动态空间美学对于舞台美术的影响可以总结为以下几方面：一、良好的动态空间感受有助于引导观众情绪舞台上的动态空间感受，如开合布幕、变换灯光、道具的移动等，这些动态元素不仅仅是构建舞台空间的一部分，而是为情境、氛围、情感等的转变提供了良好的氛围感受，这样的空间感受有助于深入观众内心，引导他们的情绪。
二、强烈的动态空间感受有助于营造实际情境在舞台剧中，场景、道具的变换与移动是将现实场景带到舞台上并且呈现出舞台现实情境动态变化的好方法，这种动态元素的运用有助于丰富舞台表现力，强烈的动态元素会让人产生冲击和震撼，从而增强观众记忆度，让表现力达到最佳。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
表现主义舞台美术巴尔说：“如果印象主义把眼睛作耳朵，表现主义则把眼睛作嘴巴。
”（注：巴尔：《表现主义》，1920年版。
）表现主义的原理是渴望以主观视象来描绘外部世界，反对写实主义和自然主义那样用照相式的眼睛将焦点聚于外部细节上。
表现主义代表了人类的内部的眼睛，要对世界作出全新的完全独特的解释，认为可观察到的当代物质和机械的社会不代表真正的世界，这个社会歪曲了人性，将人沦为机器似的动物，使世界充满了痛苦和绝望。
所以表现主义艺术家要求从主观愿望出发去改造外部现实，直至将其改变到与人的精神本质相一致，此时，这个世界对人类才是有价值有意义的。
由于表现主义者认为“真实”主要存在于主观领域，就必然寻求以新的艺术手段来表达出被扭曲的心灵：歪曲的线条，夸张的形状，反常的色彩，机械运动式动作，电报式精练语言……将观者从外部表象上拉开，进入心灵世界，一切事物常常是通过主角的眼光被表现出来，他的眼光可以对事物作强烈变形和主观解释。
表现主义绘画在1905年的“桥社”组织中正式宣告问世，但这个运动在戏剧中并没有立即产生影响。
在第一次世界大战中，特别是战争结束后，表现主义才成为戏剧表现的重要形式。
表现主义戏剧拒绝传统规则，打破存在于各客体之间的逻辑关系，按人类内部的眼睛重新创造，不是去再现客体自身的物质真实，而是表现由它们激起的情感。
表现主义戏剧演出以断续简短的语言，反复申诉内心的绝望和痛苦，狂呼式的朗诵伴以夸张的动作。
这种表演方式抛去了传统演出观，寻求与内心骚动相一致。
“用一种抽象的固定的姿势有节奏的朗诵，用强烈的，慷慨激昂的讲话和痉挛的表情显露出一种紧绷的，爆发的，愤怒的表演，不是具体化角色，而是揭示角色的精神状态”。
（注：巴勃莱：《欧洲表现主义戏剧》，1971 年巴黎版P208。
）这是1918 年演员多伊奇演出哈森克勒佛的表现主义戏剧《儿子》时，所表现的感情和采取的姿势。
这种方式使人想起表现主义先驱、挪威画家蒙克的名作《呐喊》，“画面中心一个衣衫褴褛的人物发出一声恐怖的喊叫，他的手捂住憔悴的脸，整个身躯都变形了。
他的感情在他周围引起了同心向外散发的波浪……周围环境变形……”（注：吴光耀译：《二十世纪舞台设计革新》，载1986年《舞台美》总第5期P164。
）在演出中，灯光和布景象演员一样成为有生命活力的戏剧元素，融合在一个整体中，共同创造剧本所要反映的母题。
在这么一种专注于表现现实的深层本质的戏剧中，与戏剧精神无关的东西全被抛弃，包括那些反映日常生活表面而不涉及“灵魂”的视觉因素。
传统的舞台美术的作用命定要被调整到最低限度。
从“外部形象是内部现实的表现”（注：巴勃莱：《欧洲表现主义戏剧》，1971年巴黎版P208。
）这个前提出发，舞台美术在线条、色彩、形式和物象上越来越主观，越来越抽象。
就象在著名表现主义导演杰士纳作品中，是一种简洁的“浓缩的符号”，作为演员表演的“跳板”，或称为“心灵和观念的搬运者”。
（注：巴勃莱：《欧洲表现主义戏剧》，1971 年巴黎版P208。
）自然，舞台美术的任务不再是再现客观世界或戏剧动作生存的场所；相反它必须从线条和色彩，物体和形状具体化剧本中暗示出的精神实质，达到象征表现。
朝着这个目标，沿着阿披亚的足迹，首先开始对舞台层面的造型进行重新构建，利用台阶和平台，组成富有节奏的舞台空间，再放置需要出现的布景元素。
重建舞台是由舞美师西凡尔特和皮尔歉提出，运用在导演杰士纳的作品中，成为著名的“杰士纳式台阶”。
这些台阶、斜坡和平台将舞台层面流畅地连接起来，推动和扩大了舞台运动，发展了演员动作，舞台上只出现配合主题的视觉因素。
舞台景压缩到非常简单，舞台的垂直面发展成使用片断式景，并不占满整个舞台，形象彼此脱离，没有逻辑关系地或前后或左右地散布在一个空的空间中。
这样表现主义的舞台布景破坏了物体间的，渴望取得最大的视觉效应。
舞台上写实因素也脱离了它们的真实和自然的关系：如要表现威尼斯，是出现圣马可广场，还是出现里亚托桥？表现主义舞台美术可以将这两个不在一处的景点同时出现在舞台上，无视它是否合理，只要这种方式能获得表现力，对观众有启发。
这种片断景可以是绘画性的，也可以是雕塑性的；可以是写实的，也可以是抽象的。
对表现主义来说，所有手段的价值在于是否能提供表现力，而不管它是一根线条，一个完整结构，一幅绘画还是一块木板条，这类似于克雷的中心象征。
如“《彭特西丽亚》中布隆纳所作图解式树木；《乞丐》中斯特恩设计的含糊的窗户轮廓；在《儿子》中西凡尔特放置在黑丝绒背景前的格栅窗，这窗户是通向威胁性城市的唯一出口；《奥赛罗》中皮尔歉放置在舞台上的孤单的苔丝德蒙娜的床。
”（注：吴光耀译：《二十世纪舞台设计革新》，载1986年《舞台美》总第5期P164。
）（图一）于是，孤立的元素，在传统的舞台美术中是作为演出整体中的一个细节出现的，现在虽然仍继续在整体组合中起作用，但它可以根据戏剧的需要，表现出一种潜在的情绪上的自身价值，强调其各自对剧本中思想的重要性。
物体间的一旦被肢解，表现主义舞台设计在处理个体对象时也就更自由，采用种种不同的手段用内省的方式对环境提出主观的解释：现实被变形，增强它对更深层次意义的暗示力量。
倾向于制造一种气氛，其现实被构思为梦幻似的，互不相干的物体和谐地同处在一个世界中，代表了演员的主观视觉：变形和精神错乱。
为达到这个目标，则寻求既能显现客体的精神，又能物质化艺术家的视象的更为合适的方法；寻求摆脱客体，有系统地对它的自然形态作变形的方法，形成艺术家本人感情的造型表达。
舞台产生了一种由倾斜的墙，反透视的道路，不规则形的房子组成，这种变形使舞台设计和布景具有一种强烈的刺激感。
表现主义电影《卡里加利博士的密室》（1919）是一部恐怖片，画家罗伯特·韦恩设计的布景加强了恐怖。
影片中的小镇是用景片搭出，房屋倾斜变形，似要倒塌下来，夜色中花园里的树木象恶魔般狰狞。
灯光的运用处处给人一种不安感，恍恍惚惚象恶梦一样。
这部影片产生的巨大影响证实了表现主义手法会强烈感染观众。
在舞台设计中，西凡尔特设计的《大路》（1923）（图二），整个舞台成为一条大路，房屋向里倾斜，门窗排列得象上操的队列那样整齐，四条透视线向舞台中心汇集。
（注：参阅吴光耀：《西方演剧史》，P421、P462。
）在马塞尔的《狂热者》中，房间悬在飘浮着白云的夏日天空中，将想象和现实揉合在一起。
在这种舞台装置中，色彩也负载情感。
色彩失去了自然界的法则，被自由运用，在视觉上解释角色和事件，用来表达情绪和思想，使其更具表现力，斯特恩设计的《乌珀河》（1919）（图三），乌黑的烟囱斜立，前面铁红色的工人住房，后面桔红色的天空，强烈的色彩对比加强了激荡的戏剧效果。
表现主义不仅以演员的声音，还以音响效果来震撼观众的神经，冲击他们的情绪。
在演出席勒的戏剧，当渥伦斯坦死亡时，强调了音响，这个事件的唯一目击者呆在空舞台上，而能听到谋杀者脚步声渐远，然后听到“＠①”的关门声，最后是一片寂静。
同样在马克白斯夫人梦游的场景中，可以听到半夜里脚步声在城堡大厅中回响。
在对现实作变形的过程中，灯光显示了其更为重要的功能，它在表现主义舞台美术中的强度，就象演员在朗诵时的呐喊那样有力，似乎具有一种火山爆发似的能量，冲击了所有的既定法则。
灯光在自然主义戏剧中的运用是按照逼真的原理，而现在是作为戏剧元素参与，给舞台以生命，成为反映精神的一种强力。
舞台有时是半明半暗神秘朦胧的氛围，有时演区笼罩在一片漆黑中，有时倾泻而下的强烈灯光将舞台沐浴在一片光明中。
减少不定形的漫射光，尤喜运用聚光，灯光在事件的重要时刻，以即兴参与的方式来突出某个角色或某个舞台细节，创造强烈的效果。
它遵循剧作的戏剧结构和演员的心理流程，强调它在创造情感气氛方面的作用。
它摆脱所有写实要求，根本不考虑光源的色彩和角度的合理性。
舞台突然暗下来，是为了解释一个角色的心理状态；灯光在一个角色入场时又突然亮起来；恐怖袭来时，墙上出现巨大的影子。
灯光被任意控制，它的变化和静止，突明或突暗，唯一依据的原则就是服从戏剧本身的需要，毋容置疑，在扩大戏剧表现力方面，灯光成了表现主义者用之不尽的资源，开拓出各种独特的表现方式。
表现主义戏剧美术的理论假设在克雷的戏剧论著中已经提及，这位英国大师在他的作品中已经预示了许多表现主义的独特原理：从反自然主义到寻求每台戏中的“最高母题”，从符号的运用到超级傀儡的观念，从通过角色的眼睛看到的演出文本到由各个舞台元素的同时出力来获得的演出表现力。
表现主义先驱中，还有阿披亚，他将舞台本身构建为戏剧的节奏空间，将灯光用作突出演员和强调三维结构的工具。
还有斯坦尼斯拉夫斯基，他的作品如《生命的戏剧》和《男人的一生》中，舞美师耶果洛夫用象征性元素，衬以黑丝绒背幕来表明动作的场所，其中的技巧大多成为德国表现主义运动的借鉴对象。
两位德国大师福克斯和莱因哈特，也为表现主义铺平了道路。
福克斯认为：现代戏剧应该以纯粹的线和面来解决三维度和空间深度。
莱因哈特则更重实效，非常敏感地将表现主义绘画手法引进舞台设计。
在最初几年中，莱因哈特邀请许多著名表现主义画家来为他设计布景，如沃尔泽、蒙克、冯·霍夫曼、冯·门泽尔等。
后来转向三维立体的舞台。
在这个装置上配以千变万化的大自然的元素：象征的或写实的。
早在1909年莱因哈特即已按心理功能来使用灯光。
当然，德国表现主义道路，主要是由不同风格的著名导演杰士纳、韦克特等人开拓的，他们使德国表现主义戏剧的演出成为一种特殊的形式。
同时，一群舞美设计师：西凡尔特、赖格伯特、克莱恩、皮尔歉等，从舞台空间的变形出发，掀起了一场戏剧演出的革新。
杰士纳是最有代表性的表现主义导演，他的作品以“表达事件”来取代梅宁根的历史写实主义和莱因哈特的印象主义。
作为演员，杰士纳参加过无数次在欧洲的巡回演出，取得了丰富的经验去从事导演工作。
杰士纳主要上演传统剧目，以特有的视觉手法给传统剧目以新的解释，赋予新的生命。
同时也导演了布莱希特、巴拉克等现代作家的作品。
杰士纳想要解决的难题是如何处理传统剧目，他仔细思考原作，保留最深刻的感受，并将原作分解，重新按新的秩序排列后上演。
最令人感兴趣的是他导演的莎剧《理查三世》（1920），这台戏是伊丽莎白时期的元素和表现主义手法的完美融合。
几乎放弃了所有装饰的成分，没有时空描绘，舞台是由平台以及通向平台的下宽上窄的大台阶组成，后面是灰绿色墙壁。
这组台阶不仅给演员动作提供了丰富的调度，而且也是理查王朝兴衰交替的象征。
当理查王登位时，高踞在腥红色台阶的顶端，煊赫不可一世；当他失势时，跌落到台阶底部，成为阶下囚，理查王地位的上升和跌落，通过台阶的运用非常恰当地表现了出来。
（注：参阅吴光耀：《西方演剧史》，P421、P462。