浅谈现代音乐的音乐存在方式问题(一)
浅析音乐学习中容易出现的问题与解决
浅析音乐学习中容易出现的问题与解决音乐学习是一项需要耐心和毅力的艰巨任务，学习者在这个过程中难免会遇到各种问题。
本文将从几个主要方面来浅析音乐学习中容易出现的问题，并提出一些解决方法。
一、技术问题在学习乐器或声乐时，技术是学习的基础，但也是最容易出现问题的地方。
技术问题可能包括手指协调、节奏感、音准问题等。
针对手指协调问题，学习者可以通过练习不同的音阶、琶音和练习曲来增强手指的灵活性和协调性。
要有耐心，不要急于求成，逐步提高技术水平。
对于节奏感的问题，可以通过听力训练和练习节拍器来提高。
多和其他乐器合奏或合唱也能有效地提高节奏感。
音准问题是学习者非常容易遇到的问题。
对于声乐学习者来说，可以通过练习发声和检验音高的方法来提高音准。
对于乐器学习者来说，可以通过练习吹奏或拉弦来提高音准。
二、理论问题在音乐学习过程中，理论知识也是至关重要的。
但学习者可能会因为理论知识的枯燥性而产生学习障碍。
解决这个问题的方法之一是找到一些有趣的理论知识的教材或视频，从而提高学习的兴趣。
可以通过参加一些音乐理论课程或者在线课程来打好理论知识的基础。
和其他学习者进行互动交流也是一个不错的方法。
通过互相讨论和分享，可以加深对音乐理论知识的理解，同时也能激发学习的兴趣。
三、演奏问题在进行音乐学习的过程中，很多学习者容易出现演奏时的紧张和表现不自如的情况。
为了缓解紧张情绪，学习者可以通过练习放松和呼吸法来缓解紧张情绪。
也可以通过多次的舞台表演来提高自己在舞台上的表现能力。
平时的练习也非常重要。
只有在平时的练习中不断提高自己的演奏水平，才能在舞台上表现得更加自如。
四、音乐理解音乐的理解是音乐学习中不可或缺的一部分。
但学习者在学习音乐的过程中，可能会发现理解音乐是一个比较困难的问题。
解决这个问题的方法之一是多听音乐，尤其是不同类型的音乐。
通过多听音乐，可以培养自己对音乐的感知能力，从而加深自己对音乐的理解。
也可以通过学习音乐史和音乐作品的背景知识，来提高对音乐的理解。
音乐存在“六问”——关于音乐存在方式问题的研究
艺术探讨音乐存在“六问”——关于音乐存在方式问题的研究刘彩凤（南京艺术学院音乐学院，江苏,南京 210000）摘 要：音乐存在方式问题不仅是音乐美学研究中的基础理论问题，也是中西方音乐美学界不断讨论的话题。
对于这一问题，学者们从不同视角进行了探讨。
如：区别中西方音乐存在为“音本体”与“乐本体”；音乐存在以“创作、表演、欣赏”为一体；音响是音乐存在的本质特征；音乐作品的存在方式是物质和精神的统一体；“本体”与“客体”对应论；音乐存在于文化中；音乐是作为人的存在；“音”“心”对应论等。
尽管研究成果已十分丰富，但是仍然存在一些问题：音乐、音乐作品、音乐艺术、音乐现象、音乐作为人的存在方式有何不同；“音乐本体”所指为何；音乐存在方式与经济、政治、文化之间的关系；“音乐存在”的应用问题等。
“音乐”的范围很广，其内涵和外延也随着人们认识的深入而不断变化，因此，对于丰富多样的音乐的存在方式应当分门别类研究。
关键词：音乐；音乐作品；音乐现象；存在；审美；文化；应用波兰哲学家罗曼·茵加尔登（Roman lngarden，1893—1970）在《音乐作品及其本体问题》中围绕音乐作品的存在及本体问题，提出“音乐作品是纯意向性对象”，其本体是某一实在客体，后来存在于乐谱、音响、欣赏、评价等物质媒介中。
1这一观点引起了国内外学者的关注。
在西方学者的相关研究中，大多是对茵加尔登著述的评论，如德国音乐学家卡尔·达尔豪斯在《音乐美学观念史引论》中，介绍了茵加尔登音乐作品是“纯意向性对象”的内容，并认为“作品”的文本并不是唯一存在方式，音乐与作品在严格意义上是不等同的。
国内学者对 “音乐存在方式”问题的关注与探讨共经历了四个时间段。
最早可见的是周煦良于1964年翻译了考尔奈的《罗曼·英加顿：<艺术本体论研究>》。
其次是杨洸先生于1985年在中国音乐上发表的《音乐作品及其存在方式——罗曼·茵加尔登的音乐美学思想》，引起了国内学者的关注。
音乐欣赏存在问题大全
音乐欣赏存在问题大全第一篇：音乐欣赏存在问题大全音乐欣赏存在问题音乐欣赏教学是音乐教学的重要内容,是审美教育不可缺少的重要组成部分,也是学生培养音乐兴趣,扩大音乐视野,发展音乐感受能力和审美能力的有效途径。
教师在音乐欣赏教学中的责任是引导学生用审美的态度欣赏音乐,使学生在轻松愉悦的课堂环境中享受音乐,创造音乐。
但是,中小学音乐教师在具体的教学实践中却存在许多问题,值得关注。
一、音乐欣赏课教学存在的具体问题1.反复的语言讲述不符合音乐审美规律。
音乐艺术中的声音的非造型、非语义的性质,决定了音乐艺术的美不能用确切的语言表述,可是,在中小学中有相当一部分教师,在课堂上习惯于按自己理解用语言来描述或解释音乐,这些解释带给学生的只是语言词汇,约束了学生感受力和想象力的发展。
这种以语言替代音乐的欣赏教学效果充其量只是诗歌、散文、故事的语言给人的感受,而完全不符合音乐欣赏审美的规律。
（教师语言讲述，累赘）2.过多的听赏使学生失去兴趣在教学中,有部分教师特别重视音乐欣赏课中的“听”,因此大量收集音像资料,不惜花整堂课的时间用于反复的“听”音乐,使得学生不但没吸收音乐知识,反而因为过多的听赏而注意力分散,没了兴趣。
如在欣赏乐曲《拉德茨基进行曲》时,音乐教师往往（忽视学生）首先，音乐欣赏课的教学模式过于单调固定，教师摆脱不了传统欣赏课教学的一般程序：组织教学；导入新课；介绍作品（包括体裁形式、创作背景、作者生平）；分析作品；反复聆听作品，并分段讲解作品的艺术特点；演唱或演奏主题音乐。
当这一程序结束后，一节课也该结束了。
教师在这一过程中扮演的“教”的形象，而学生所能做的就是“接受”。
由此看来如此单一的枯燥无味的教学模式，根本无法提起学生的学习兴趣。
（教学形式单调）其次，音乐欣赏课的内容比较“旧”。
尽管教材也在不断更新，但更新的速度是不可能赶上现代学生对音乐流行潮流的追赶。
这一说法或许有一些牵强，但在现在大部分学生的眼中，音乐的范畴也许只缩小到了流行音乐这一小部分内容，而上音乐欣赏课，就是接触他们所熟悉的、感兴趣的流行音乐,但这其中也需要对内容有选择性地去欣赏。
音乐行业存在的问题及具体表现
音乐行业存在的问题及具体表现音乐行业的问题与具体表现一、介绍在当今社会，音乐已经成为人们生活中不可或缺的一部分。
然而，尽管音乐无疑给我们带来了欢乐和娱乐，但音乐行业却存在着一些问题。
本文将探讨音乐行业所面临的问题以及其具体表现。
二、商业化导致创意匮乏1. 公司主导制作流程随着全球化和数字化时代的到来，大型唱片公司在音乐制作过程中扮演着重要角色。
然而，这种商业模式往往削弱了艺术家对创作过程的控制权，使他们难以自由发挥创意。
大量企业干预限制了新人艺术家的涌现，并导致了许多音乐作品缺乏原创性和个性化。
2. 商业利益至上在商业驱动下，唱片公司更注重市场收益而非艺术品质。
他们倾向于寻找能够迅速取得商业成功的曲目和艺人，而忽略那些可能需要更长时间才能取得突破的潜力股。
这种商业化导致了音乐创作的趋同性，缺乏多样性和艺术性。
三、不平衡的收益分配1. 低收入艺人困境尽管音乐行业规模庞大，但只有极少数顶级艺人才能获得巨额回报。
相反，大部分音乐人收入微薄甚至难以维持基本生计。
这是因为唱片公司通常通过复杂的合同安排抽取大量利润。
此外，互联网时代的到来使得音乐分享变得更容易，鼓励了非法下载和盗版现象，从而削弱了艺人的应得收入。
2. 社交平台算法偏好如今，在社交媒体平台上走红成为许多音乐人推广自己作品的重要途径。
然而，社交媒体平台的推荐算法通常倾向选择已经热门或流行的音乐作品，使他们更加曝光在用户面前。
这使得新兴艺术家难以被广泛发现和提升知名度。
四、创作环境与创新力不足1. 盗版侵权问题数字化时代带来了音乐作品的便利分享，但也给音乐创作者带来了巨大的盗版风险。
网络上任何人都可以随意上传和分享音乐作品，这使得作者很难保护他们的版权，并获得公正回报。
严重的盗版问题削弱了音乐家对投入时间和创新力的动力。
2. 缺少长期发展机制由于商业模式偏好追求短期内的利润，音乐行业往往忽视长期发展规划。
唱片公司更倾向于签下一夜成名的明星而非为新人艺术家提供持续支持与培养计划。
现代音乐的存在方式分析
现代音乐的存在方式分析作者：唐宏智来源：《音乐时空》2015年第10期摘要：音乐的存在问题，一直是音乐美学研究中的一个重要问题。
研究这个问题就需要分析音乐的形态、意识和行为。
而音乐的研究存在的问题，往往是因为音乐的存在没有被重视引起的，现代音乐尤甚。
本文就针对音乐的存在方式问题对音乐的一些流派和音乐理论进行分析，并对以后的音乐的发展提出一些建议。
关键词：现代音乐音乐存在形式存在问题“音乐的职能并不是为了表现情感，它不需要外来内容来表现它的美，和音乐没关系的思想根本不属于音乐。
”这是奥地利一位音乐家在讨论音乐美的时候说的话。
并且它还说“音乐的内容时乐音的运动模式”。
在以前，人们总将音响及其运动当成音乐的存在，而随着人们对音乐的研究深入，才发现以前的认识是错误的，从而对音乐的存在方式又产生了研究和重视。
一、现代音乐的发展历程十九世纪末到目前的二十一世纪中间音乐艺术中的所有音乐流派都被称为“现代音乐”。
它是在浪漫派音乐解体后才产生的。
西方音乐在这个时间内发生了非常大的变化，许多音乐流派和理论体系都在这个时期内产生。
这其中有被人们称之为“现代派”的作曲家们，他们的音乐作品让人们体会到了完全和以往音乐不同的艺术。
它的表现内容和表现形式完全不同于其他类型的音乐，主要有两个特点：突破性和实验性，这两种都是现代音乐中的大胆创新和尝试。
这种形式的音乐又让人们议论音乐存在的方式。
二十世纪二十世纪中期，结构主义达到前所未有的巅峰。
它主张研究作品的客观性和科学性，却还重视研究和作者毫无瓜葛的文学文本，探寻作品表面掩盖的结构。
结构主义非常重视作品的自律性，并将作品的形式当主要对象来研究。
奥地利一个音乐理论家申克认为音乐的理论应该建立在有机的、连贯的理论基础上，他又把音乐作品本身作为一个封闭的、自律的系统，构成音乐的要素在这个封闭的空间内联系、依存，达到一种没有这个、那个就不合理的境界。
新的方法论注入到这个音乐结构中，研究和弦的关系，还有作品的内在规律。
音乐行业存在的难题与解决方案
音乐行业存在的难题与解决方案随着科技的不断发展和数字化时代的到来，音乐行业也面临着诸多挑战和困境。
本文将探讨音乐行业所面临的一些主要难题，并提出相应的解决方案，以期为这个行业带来积极的改变。
一、盗版问题盗版是音乐行业长期以来始终存在的一个严重问题。
通过互联网分享和下载，大量未经授权的音乐作品被非法传播，导致权利人无法获得应有的回报。
这不仅对艺人和制作人造成了损失，也使得整个产业链受到了严重影响。
解决方案：1. 加强版权保护意识：政府和相关机构应加大对版权侵权行为打击力度，并加强宣传教育，增强公众对于版权保护重要性的认知。
2. 合理定价：提供合适价格的正版音乐服务，降低用户使用盗版资源的动机。
3. 数字水印技术：采用数字水印技术对音频文件进行标记和溯源，从而追责侵权者。
二、平台分发不公音乐作品的发行和传播途径几乎都依赖于各大在线音乐平台，然而，这些平台之间存在着严重的不公，导致少部分明星独占了主流资源，而其他艺人很难获得公平竞争机会。
解决方案：1. 建立公正的评估体系：鼓励音乐平台建立客观、公正、权威的评估体系，充分考察歌曲质量和市场需求，并根据实际情况推送给用户。
2. 提高信息透明度：加强对在线音乐平台运营和推广方式的监管力度，确保公开透明，并避免内幕交易等现象。
3. 多样化渠道：鼓励音乐人通过多个渠道发布和推广自己的作品，促进创新和多元性。
三、收入分配不均尽管线上音乐服务迅速崛起并获得了广泛使用，但艺人和制作人依然面临着收入分配不均的问题。
与此同时，在数字化时代背景下，有些艺术家在线上传播中却难以转化为经济收益。
解决方案：1. 制定公平的分配规则：鼓励全球音乐产业联盟等机构制定更为公平、透明的收入分配规则，确保每一位参与者都能够获得合理的报酬。
2. 多元化收入来源：艺人和制作人应积极寻求其他收入来源，如演唱会、品牌代言、歌曲授权等，降低对数字音乐收入的依赖。
四、市场碎片化互联网时代带来了市场碎片化的趋势，用户的音乐消费方式变得多样化，他们更喜欢以单曲形式购买和播放音乐。
分析现代音乐的音乐存在方式问题
分析现代音乐的音乐存在方式问题音乐的存在方式问题是音乐美学研究中第一性的问题,应从音乐在形态、意识、行为三方面构成的完整存在来全面认识。
奥地利音乐家汉斯立克曾在《论音乐的美》一书中提出:“情感表现完全不是音乐的职能,音乐的美是一种不依附、不需要外来内容的美,音乐同音乐之外的思想范围无关。
”他得出了“音乐的内容只是乐音运动的形式”这一结论。
的确,在以往的研究中,常常是以音响及其运动形式作为音乐的存在方式,这是一种强调“音本体”的“自律论”的音乐美学思想。
随着研究的深入,人们逐渐认识到这一研究方法的片面性,从而使对音乐存在方式问题的研究重新得到了重视。
自二十世纪五十年代以来,西方现代音乐中居于统治地位的序列主义,以及那种在“音乐本体化”的口号下过于强调音乐的自律性,将音响材料自身的处理及其结构原则置于至高无上地位的唯理主义思潮被称为“后现代主义”。
如果说现代音乐是有序的话,如勋伯格的“十二音体系”、梅西安的“有限移位”体系等,他们取代了传统的大小调体系,而后现代主义则走向无序,走向行为过程,走向复风格,走向广场,走向世俗,走向虚拟空间。
随着“结构主义”的到来,以约翰·凯奇和斯托克豪森等当代音乐家为代表人物的偶然音乐不得不中止那种高度秩序化、组织化结构的音乐,取而代之的是一种失去秩序控制和组织化的“不确定性”和“偶然性”。
音乐的时空观念、陈述秩序完全被打乱,突出即兴的任意性和偶然性。
偶然音乐家们十分推崇汉斯立克的音乐美学观点,认为:“音乐作品除了他的声音之外,没有其他东西。
”“声音的结构或解构,或声音经过若干时间层的进行,它们就是主题自身,它意味着声音的行为和生命……”他们将音乐形式“自律论”推向了极端。
“音响的来源是无关紧要的,音响不需要做什么事情,不需要表示任何异议,音响就是印象”。
他们还强调音乐的纯客观性,“让音响就是它自身,而不应使它成为人为的理论的工具,或表现人类情感的工具”。
在他们的认识里,音乐与人类情感只是一种刺激与反映的关系,是一种纯粹无意识的、机械的关系。
音乐行业存在的问题及解决方案
音乐行业存在的问题及解决方案引言：音乐作为一种情感的表达和文化的载体，自古以来对人们有着深远的影响。
然而，在当前的音乐行业中，仍然存在着一些问题困扰着从业者和消费者。
本文将探讨音乐行业存在的问题，并提出相应的解决方案。
一、市场泛滥与浮躁现象在当今数字化时代，互联网技术和社交平台的普及使得音乐传播更加便捷，导致市场上涌现大量音乐创作者和作品。
虽然这样做降低了创作门槛，为更多人提供了展示才华的机会，但同时也带来了市场泛滥和浮躁现象。
首先，市场泛滥使得高质量音乐作品难以脱颖而出。
由于数量庞大且相似度较高，优秀作品被埋没在海量歌曲之中。
这种情况不仅给消费者面临选择困难，也让真正有才华的艺术家无法得到应有的关注和认可。
其次，浮躁现象对于音乐创作者的成长和发展有着负面影响。
一些音乐人追求短期效益，过于注重商业利益和流量指标，忽视了艺术内涵和创作深度。
这样的现象削弱了整个行业对艺术精神和创新的追求。
解决方案：为了解决市场泛滥和浮躁现象，我们可以采取以下措施：1. 强化音乐教育和培养优秀音乐人才要提高整体音乐素质水平，首先要从教育入手。
加强音乐教育的普及，并且注重培养学生的审美意识、音乐表达能力、创作激情等方面的素养。
同时，各级政府、教育机构和企业应该共同扶持那些真正有才华的年轻音乐人，提供更多的机会和资源让他们展示自己。
2. 媒体与平台加强筛选与推广媒体以及各种音乐平台在推广过程中应该进行严格筛选，将更多资源投入优秀作品的宣传与推广上。
通过专业评审团队的审核，评选出具有创新精神、高质量的音乐作品，并给予相应的宣传和推广资源。
3.加强版权保护与市场监管为了确保艺术家的权益，应该加强版权保护措施和市场监管力度。
建立健全版权法律体系，并提高对侵权行为的打击力度，确保艺术家能够获得公正合理的报酬。
同时，增加对虚假流量、数据造假等不诚信行为的打击力度，维护市场秩序。
二、商业化倾向与创作内容随着音乐产业的发展，商业化倾向逐渐凸显，导致一些音乐作品更注重商业利益而忽视了艺术性和人文关怀。
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浅谈现代音乐的音乐存在方式问题(一)
内容摘要]在对音乐的研究中，存在方式问题，往往是没有被重视的，对现代音乐的研究尤为如此。
本文从音乐的存在方式问题角度，对现代音乐中的代表流派及其作品、音乐理论进行了浅要的分析和总结，并对其以后的研究发展作出展望。
关键词]现代音乐;后现代音乐;音乐存在方式
音乐的存在方式问题，是音乐美学研究中第一性的问题，应从音乐在形态、意识、行为三方面构成的完整存在来全面认识。
奥地利音乐家汉斯立克曾在《论音乐的美》一书中提出：“情感表现完全不是音乐的职能，音乐的美是一种不依附、不需要外来内容的美，音乐同音乐之外的思想范围无关。
”他得出了“音乐的内容只是乐音运动的形式”这一最终结论。
的确，在以往的研究中，常常是以音响及其运动形式作为音乐的存在方式，这是一种强调“音本体”的“自律论”的音乐美学思想，随着研究的深入，人们逐渐认识到这一研究方法的片面性，从而使对音乐存在方式问题的研究重新得到了重视。
“现代音乐”是对19世纪末到21世纪音乐艺术中各种新兴音乐流派的一个总称。
在这一阶段，西方音乐经历了一个质的变化，产生了众多的音乐流派及音乐理论体系。
其中，代表着各个时期专业音乐发展前沿的被人们泛称为“现代派”或“先锋派”的作曲家们所创作的音乐作品及他们所发明和使用的新的作曲技巧，使人们领略了种种前所未听的音响、纷繁复杂的体系及个性迥然的技术。
现代音乐是1980年浪漫派音乐解体之后，后期浪漫主义在各国的扩散以及被个性化的产物，所以它代表着许多立场、观点、方法截然不同的各种派别，他们在创作中的主要表现是突破性和实验性，是一种新的创作技法和新的音乐语言的尝试和使用。
那么，现代音乐的存在方式，是否亦是“声、音、乐”三位一体的呢？这是一个值得深入研究的问题。
20世纪中期结构主义思潮达到鼎盛，它强调研究的客观性与科学性，注重研究与作者无关的文学文本本身及其“构造”和“关系”，以揭示文本表层结构下的深层结构意义。
结构主义强调艺术作品的自律性并把形式视为艺术研究的对象。
奥地利音乐理论家申克的音乐分析理论概念是建立在有机连贯性理论基础上的，他把音乐作品本身作为一个有机整体进行分析，是一个封闭的、自律的系统，构成音乐的各要素在其中是相互联系相互依存的，它们之间达到了离开其中之一便不能解释其中另一的紧密程度。
新的方法论深入到构成音乐作品微观领域中研究音与音、和弦与和弦的关系，探寻音乐作品的内在规律。
传统的观念是抛开相互之间的总体联系而对其内部形态进行孤立、静止的研究与考察，是片面的、分裂开的，而实际上我们今天的学习也大多数是以这种方法而进行。
申克理论的提出，对传统的观念是一个巨大的冲击。
他的由上方旋律的下行”原始线条”与下方低音“I—V—I”形式的结构合起来组成的“原始基础结构”是任何一部调性音乐所必然具有的共同结构，作品中其它一切结构和因素都是在这个基础上衍生出来的。
申克理论相对于传统方法有一定的进步性，但他片面强调了“音”本身，只注重分析作品自身结构要素，而忽视了音乐存在的意识、行为要素，所以难免陷入“自律论”的泥淖。
新维也纳乐派的勋伯格，在进入他创作的第二个时期自由无调性时期后，发现要保持无调性就要寻找另一种足以代替调性的新的结构力，经过近十年的实验，创立了十二音作曲法即序列音乐技术，将“强化了的主题一致性”作为其作品的结构力。
这是一种非常理性的创作方式，它刻意追求形式的高度完美，用倒影、逆行等手法对序列进行结构形式上的变化，但他的这种创作方法并没有因为崇尚理性形式的表现而被称为是“形式主义”，被划归于“自律论”一边，因为正如勋伯格所说“一件艺术品，只有当他把作者内心中激荡的感情传达给听众的时候，他才能产生最大的效果，才能由此引起听众内心感情的激荡。
”的确，他们在“形式”的背后运用独特的手法在表现一种特殊的“情感”。
他们注重形式，但并未把形式同表现、情感隔绝起来，并没有完全排斥“他律”的内容表现。
用最理性的设计、最精密的内容，描绘了人们心
中最深层、最隐秘的部分，是一种真诚的坦露。
其后的斯特拉文斯基在1935年的《我的生活纪年》中也曾对他的音乐观有精辟的陈述：“我认为，由于其本说，音乐就根本而言是无力表达任何东西的，不论是某种感情、心态、情绪，还是某种自然现象等等……音乐现象给与我的只有一个目的，那就是在事物中建立起一种秩序，包括—并且特别是—人和时间的协调。
”这是他转向“新古典主义”风格后，在音乐创作中所主张的对形式、结构、秩序的一种侧重。
这与我国魏晋时期稽康《声无哀乐论》中的音乐美学观点似有相同之处。
斯特拉文斯基在晚年转向了序列主义，并改良了“整体序列”的枯燥、艰涩的纯形式化手法，使序列手法更加灵活多样。
斯特拉文斯基和勋伯格作为20世纪新音乐的开拓者，他们共同的成就就是打破传统的基于七个音的大小调体系，努力挖掘一切其它音乐材料的可能性，开拓了音乐创作的思维想象空间。
二十世纪五十年代以来，西方现代音乐中居于统治地位的序列主义，以及那种在“音乐本体化”的口号下过于强调音乐的自律性，将音响材料自身的处理及其结构原则置于至高无上地位的唯理主义思潮被称为“后现代主义”。
如果说现代音乐是有序的，如勋伯格的“十二音体系”、梅西安的“有限移位”体系等，他们取代了传统的大小调体系，而后现代主义则走向无序，走向行为过程，走向复风格，走向广场，走向世俗，走向了虚拟空间。
随着“结构主义”的到来，以约翰．凯奇和斯托克豪森等当代音乐家为代表人物的偶然音乐不得不中止那种高度秩序化、组织化结构的音乐，取而代之的是一种失去秩序控制和组织化的“不确定性”和“偶然性”。
音乐的时空观念、陈述秩序完全被打乱，突出即兴的任意性和偶然性。
偶然音乐家们十分推崇汉斯立克的音乐美学观点，认为“音乐作品除了他的声音之外，没有其他东西。
”“声音的结构或解构，或声音经过若干时间层的进行，它们就是主题自身，它意味着声音的行为和生命……”他们将音乐形式——“自律论”推向了极端。
“音响的来源是无关紧要的，音响不需要做什么事情，不需要表示任何异议，音响就是印象。
”他们还强调音乐的纯客观性，“让音响就是它自身，而不应使它成为人为的理论的工具，或表现人类情感的工具。
”在他们的认识里，音乐与人类情感只是一种刺激与反映的关系，是一种纯粹无意识的、机械的关系。
音乐本身是既无目的又无意义的，又不表达内容，成了完全的“不确定性”的“偶然音乐”。