从康定斯基的《构成第七号》看绘画创作中的节奏感
康定斯基关于“声音———图形”的通感理论———读《论艺术的精神》
康定斯基关于“声音———图形”的通感理论———读《论艺术的精神》康定斯基关于“声音———图形”的通感理论———读《论艺术的精神》摘要:《论艺术的精神》是一部具有抽象主义宣言性质的理论著作,本文通过对书中绘画基本语言的理解,着重对“声音———图形”进行了通感分析。
关键词:康定斯基;声音;图形;通感;理论康定斯基是20世纪现代抽象艺术在理论和实践上的奠基人,他1886年出生在莫斯科,早年在莫斯科大学学习政治经济学和法律,1895年在莫斯科展出的法国印象派绘画作品对他步入艺术之路起到了触发作用,1900年他进入慕尼黑皇家美术学院。
1910年创作了第一幅抽象画《即兴创作》,并写成《论艺术的精神》一书。
此书素有“现代绘画启示录”之称,对发展现代艺术起了重要作用。
书中,康定斯基宣扬了他的基本艺术思想,认为艺术重要的是精神,并明确提出“内在需要”是构成抽象绘画的主导原则的观点。
那么康定斯基又是如何用抽象绘画来反映“内在需要”呢?在《论艺术的精神》中有这样一段文字:“一般说精神是与肉体紧紧联结的,所以,一种强烈精神感受通过联想引发另外一种联想相适应的感觉就是可能的了。
”其实,康定斯基所说的“联想”,就是修辞意义上的“通感”。
在日常经验里,视觉、听觉、触觉、嗅觉、味觉往往可以彼此打通,颜色似乎会有温度,声音似乎会有形象,冷暖似乎会有重量,气味似乎会有锋芒。
比如听音乐通感到色彩和图形对我们来说是再自然不过的事情了,当我聆听《秋日私语》这首曲子的时候,脑中总会浮现出金黄色的叶片随风轻扬飘落的画面;也听人说过,光谱中的橙色光线如同蚊蝇的嘈嘈之声。
再譬如,朱自清的《荷塘月色》中有这样的一句话:“塘中的月光并不均匀,但光与影有着和谐的旋律,如梵婀玲上奏着的名曲。
”上以所说的内容其实都是人的通感在起作用。
所谓通感,是利用诸种感官相互交通的心理现象,是用一种感觉来描述表现另一种感觉,即感觉互为转移。
审美主体有了一种感受,在客观上可以多种途径传达,但是殊途同归,令人体会到的是同一种结果,这就是通感形成的基础。
儿童线描想象画的教学与实践(已交)
浅谈儿童线描想象画的教学与实践东渡小学陈丽建摘要：儿童线描画也可称为儿童素描画，以单线条来描写所看到的物体。
虽说线条单一，没有色彩那么丰富，但也可谓是单一中有千万之变化，想要用线描来表现世界的万事万物，也可并非难事。
但过去因其形式单一、重技法、过于程式化和成人化的线描画教学，让学生倍感枯燥，不适合儿童爱好新奇的特点。
新课程理念下的儿童线描想象画教学更适合儿童心理特点。
本文就针对儿童线描想象画教学中重组学习内容、开放艺术理念、丰富表现形式、引导尝试和体验等几个方面进行具体阐述。
关键词：新课程线描想象画教学实践线在自然界、生活中无处不存在。
如连绵起伏的山脉、层层叠叠的梯田、婀娜多姿的柳条，又如现代城市耸立的楼房、盘旋如龙的立交桥，山上蜿蜒的小路……都给人带来线条形态的直觉。
线条又给人不同的感受，有的线条柔软如丝，有的线条沉重有力，有的线条活泼轻松，有的线条庄重凝练……无不体现线条无穷的魅力。
而且我们不难发现线条具有二重性：一是运用线条可以勾画物体的轮廓、分隔空间，这是最初步的用线功能；二是作画者根据个人的喜好和感受，通过轻重、缓急、浓淡、长短、虚实的运笔，描绘出富有节奏美感的画面，给人以美的享受。
线描，即是用线条作画，是用线条说话的艺术。
儿童线描画源于中国画法中的白描，是一种用单色线去描绘物体和进行绘画创作的一种儿童美术绘画方式。
线描使用工具简单，画起来方便，它对具体物象既能作概括处理，也可进行细致刻划；既能进行造型训练，也可作创造表现。
以线造型的线描画以其简便、最直接表现形象的绘画手段在中今中外绘画中有着重要地位，也迎来儿童的青睐。
中国历代画家对线有着深刻的认识和高超的创造，他们用千姿百态的线，抒发情感，描绘自然，使“线”在艺术作品中有独特的魅力。
唐代的《仕女图》和元代《朝元图》就是很好的代表。
西方凡高的《星月夜》、马蒂斯的《花瓶》等都是非常优秀的线描画作品。
但过去的儿童线描画教学形式单一，更多的是以写生、临摹为主，倾向技法训练，按一定的程式学习传统的表现题材，如人物头像、梅花、喜鹊等。
西方艺术史：俄国现代抽象艺术色彩、线条构成的几何交响乐瓦西里·康定斯基kandinsky【83】
西方艺术史：俄国现代抽象艺术色彩、线条构成的几何交响乐瓦西里·康定斯基kandinsky【83】１９世纪欧洲及美国美术１８、１９世纪俄罗斯美术１９１７年前夕的美术倾向：在革命前夕产生了"青玫瑰派"（１９０７）、"红方块王子派"（１９１０）以及其他美术流派。
他们有的倡导从原始艺术中汲取营养，有的则基于法国的立体派。
另外沙加尔的创作预示着超现实主义的出现，而瓦西里·康定斯基、彼埃·蒙德里安和卡西米尔·塞文洛维奇·马列维奇则称自己是"无对象主义者"，实质上是抽象主义的前导。
康定斯基还与其他人共同成立了一个为时不长但很有影响力的艺术团体——“青骑士派”。
《蓝骑士》瓦西里·康丁斯基（康定斯基 wassily kandinsky，Василий Васильевич Кандинский 1866－1944年），出生于俄罗斯的画家和美术理论家。
他在1911年所写的《论艺术的精神》、1912年的《关于形式问题》、1923年的《点、线到面》、1938年的《论具体艺术》等论文，都是抽象艺术的经典著作，是现代抽象艺术的启示录。
《加布里埃拉·芒特》1903年《马上的情侣》这是一幅瑰丽而又充满诗意的油画作品。
在美妙的背景前，一对情侣骑在马上，行进在河边，远处是夜空与城堡，树叶似点点繁星。
这幅油画有着几何抽象的形式感，作品以色点为主，结合块面和线条，造成若隐若现、闪烁的浪漫情景。
整个画面充满了蓝宝石般的宁静和诗意的浪漫意味。
《马上的情侣》1906年《在奥伯劳的秋天剪影》1908年《餐厅内部》1909年《crinolines》1909年《弓箭手图像》《蓝色之山，第84号/青山》是康丁斯基早期的作品，在这幅油画中他受野兽派鲜明、随意的色彩表达方式影响而创造了“色彩的合唱“，并相信每幅作品都是“对内心情感的真实反映”。
[表现主义,德国,特征]论德国表现主义的艺术特征
![[表现主义,德国,特征]论德国表现主义的艺术特征](https://img.taocdn.com/s3/m/c1f41e9b852458fb770b56f3.png)
论德国表现主义的艺术特征德国表现主义是在一股反传统的思潮中孕育而生，在创作方法上它摒弃了在欧洲长期占统治地位的模仿论和反映论，推崇极具个人色彩的表现论的美学。
艺术家们在绘画创作中不再只是客观的描摹世界，而是根据自己内心的需求，把自己的主观情感、意象与幻想进行创作。
与此同时，这一倾向与尼采的悲剧美学、弗洛伊德的精神分析学和柏格森的生命哲学形成交汇，产生了一种奇诡新颖的审美形态与艺术特征。
一、德国表现主义的先驱人物代表先驱：蒙克、康定斯基等。
表现主义的先驱：斯特林堡(1849-1912) 瑞典。
代表作《鬼魂奏鸣曲》。
他把梦魇鬼魂搬上银幕，将人、亡魂幻影同时登场，被称为表现主义文学。
在20 世纪初的欧洲文艺运动与思潮中，表现主义以其鲜明的外貌出现在人们的视野中。
典型代表人物：凯尔希纳(1880-1938)，是德国表现主义画派的重要代表人物。
凯尔希纳早期从事绘画与木刻，在慕尼黑艺术学校进行深造学习。
他先后经历了两次世界大战，饱受战争、疾病与穷苦的煎熬。
他深受高更和梵高创作画风的影响，强烈崇拜反自然主义色彩的表现方式。
1901 年他前往德累斯顿学习建筑，受新艺术运动的影响于1905 年与海克尔、洛特鲁夫等成员成立桥派。
他们期望如巴黎野兽派一样能在当地产生巨大的影响。
凯尔希纳1911 年定居柏林，开办现代绘画研习所。
在1933 年受到法西斯迫害，作品被从美术馆移出、没收捣毁。
纳粹上台后迁居瑞士，然而这次的迁徙并没有使凯尔希纳看到希望，德军进入奥地利，边境距离凯尔希纳的家25 公里。
这一次他彻底感到绝望，在长期的被迫害和病痛中开枪自杀身亡。
他的主要作品有：《街道》《街头五个女人》《桥社画家肖像》《马戏团的骑士》等。
凯尔希纳作为桥社的重要一员，他的影响是不能忽视的，在绘画风格上，凯尔希纳以叛逆、抽象躁动、狂放不羁惊世，他崇拜梵高与塞尚，但在作品的表达气质上并不具备欢快的灵动感，取而代之的则是德意志民族的坚韧奋发的风格。
浅析康定斯基点线面的构成及艺术理念
二：点线面的构成1926年，康定斯基出版的《点、线到面》1一书中，给组成作品要素的点、线、面和它们之间的关系，理性的下了一个绝对的定义。
这个定义就是指一个要素对另一个要素，以及对整体的关系。
他在这个时期的作品以一种硬边的和设计性的抽象来表现他画面的各种主题和情绪。
1.点的运用和设计；点本质上是最简洁的形，它的张力最终是向心的，丝毫不偏向任何一方，既不偏水平方向，也不偏垂直方向，向上向前向后的趋势也不复存在，唯有它向心的张力使它的内部凝聚成圆形。
点有着不同大小、比例和形状，点的外轮廓决定了点的外形，点可以想象成无比多样的形状，它的圆形可能带有锯齿状、花纹状的边，可以近似其他的几何形式最终是不规则形。
点只有张力而没有方向，无论是圆的点还是方的点或者是其他形状的点，它的“张力”是向心的。
康定斯基在1926年创作的油画《圆之舞》，是体现点的代表作。
这幅画面由大小不等、颜色不等的圆点进行组合，叠置。
每个圆点、每块颜色既在各自的位置上发出自己的《圆之舞》声音，又在相互的关系上制约与协调，给人感觉是画面构成了一曲主次分明的点的旋律，传达出元素的内在力量，达到和谐统一。
点是由于绘画工具表面最先的接触而形成的，通过这最初的接触，产生了最基础的面。
点的表现形式主要有：形状、方向、大小、位置、多少等诸多方面的变化。
点的外形是灵活的，有可视性，一旦物质化，点就必然被规定了大小、占据画面的位置。
也就是说：点可以扩展，并形成面。
康定斯基曾写道：“我用调色刀在画布上划成条状，画成点状的颜料，让它们尽可能自己表达出我要表达的东西。
”点不断积聚在面上，强调了点的发展过程。
而在这过程中，点本身就阐释出它特有的性质。
康定斯基对点的解读独到而深刻，他尝试用严格的科学分析方法和严密的逻辑予以陈述。
他所描述的点是具有内在生命的，包含内在需求和声音，而这些有声音的元素组成和谐的关系。
因此他的这些绘画符号，总是有着生命的律动，使观者能从画面中感受到抽象符号和生命的和谐感。
从康定斯基的“点线面”到今天的“三大构成”
从康定斯基的“点\线\面”到今天的“三大构成”作者：刘晓斌来源：《中国经贸》2010年第24期摘要：现代艺术改变了人们的对于绘画的观念，随着经济、科技的发展，现代艺术与技术的结合又产生了设计，我国现代设计起步较晚，发展较快从五六十年代的图案学到八十年代的工艺美术到九十年代的设计艺术学，设计、设计教育与经济、科技是互相促进与发展的。
本文通过“构成”这样一个点来探讨现代设计的发展。
关键词：康定斯基；构成；设计现代艺术缘起于法国印象派，经历了后印象主义、立体主义、意大利的未来主义、法国的新印象主义、野兽派。
20世纪30年代苏联的构成主义、荷兰的风格派、德国包豪斯设计学院的艺术家们，倡导创造与开拓的精神，彻底扬弃从具象形态中提取造形主题，发现非再现自然形象的几何抽象造型的表现力；从造型的关系出发，探索纯粹几何形态的构成性；以感觉性、自由性、均衡性的方法创作作品，他们的成就直接影响了20世纪的建筑、家具、产品、平面设计等领域。
由于康定斯基在抽象艺术中的地位甚为特殊，被称为抽象艺术之父，所以本文就从康定斯基开始论述。
一、康定斯基的“点、线、面”理论的形成与发展康定斯基是20世纪最重要的艺术家之一，对抽象绘画的创立和发展起了极大的作用，他的著作《论艺术中的精神》影响了整整一代的艺术家。
在这本书中，他采用二元论的态度，沿用通神学者的说法，认为精神是世界的本原，物质只是蒙在真实世界上的一层面纱，人们只有透过面纱才能看到闪光的精神。
在康定斯基勾画的精神三角形中，音乐在精神三角形上的位置，他认为：“音乐在数个世纪里，都是一门以音响的方式表现艺术家的心灵，而不是复制自然现象的艺术……一个画家如果不满意于再现，而渴望表达内心生活的话，也不会不羡慕在今天的艺术里最无物质性的音乐……他自然要将音乐的方法用于自己的艺术。
结果便产生了绘画的旋律、数学的抽象结构、色彩的复调……的现代愿望。
在这样一个精神领域中，康定斯基将抽象绘画中的色彩运用类比音乐中的音符，在他看来，色彩同样具有音响和旋律效果，甚至具有交响乐般的震撼力量。
1.听音乐画画
名家作品 学生作品
《构成第七号》 康定斯基(俄罗斯画家)
《即兴》 康定斯基(俄罗斯画家)
《 梦中的笛声 》康定斯基(俄罗斯画家)
《吉他曲》 特罗斯勒（瑞士当代画家）
《无题》 罗铮（中国画家）
》——罗铮画
《爸爸的第二弦乐四重奏》罗铮（中国画家）
钢琴曲（水粉色）
琵琶练习曲（彩色水笔）
迪斯科舞曲（彩色水笔）
轻音乐（水粉色）
雄壮的交响曲（水粉色）
操作技巧
有人认为点、线、面传达给你的音乐信息如下，
你能感觉到吗？大胆说出自己的意见和看法。
线
厚重、低沉
点
柔和
面
跳跃
操作技巧
以下面的线条为例，有人认为同一种造型要素也许会
今天，我们通过音乐和色彩的相互表达的实践， 知道了听觉和视觉、音乐和绘画也是可以相通的。 所以我们在高兴或烦恼时，可以欣赏音乐，也可 以进行绘画创作，以表达或发泄自己的情感，既 陶冶了情操，又使我们的创造能力得以提高。
幸福拍手歌
• 节奏欢快。 • 歌曲中洋溢着幸福、快乐、
美好、和谐。
二泉映月
• 凄婉，忧伤…… • 蓝色，紫色，灰色，黑色，
褐色……
《伴奏的中心》
1、作品色调明朗,华美。
2、画面主体图形与周围的小图形的形状、大小、 色彩、位置的变化有节奏感，苑如一首乐曲。
《尺幅内的波动感》 1、作品背景色彩朦胧、神秘，有肌理效果。
给人带来不同的感受，你能感觉到吗？大胆说出自己的意
见和看法。
平稳、舒缓、柔和
平静
近现代艺术家和设计家们常常用抽象的绘画元 素和语言表达作者的独特思想、观念和各种主观 感受，他们的作品和设计充满了独特的形式美感， 与传统的审美习惯及表达方式有着天壤之别，体 现了强烈的时代性，闪烁着灿烂的现代文化光彩。
现代抽象绘画的创始人：瓦西里·康定斯基
现代抽象绘画的创始人：瓦西里·康定斯基瓦西里?康定斯基（W.Kandinsky 1866-1944）康定斯基认为：绘画可以来源于对抽象的强烈要求，而不一定受客观世界面貌的约束。
至于想像就是对存在关系的一种主观透视，必须寻求一种新的形式象征符号与色彩的和谐。
在康定斯基的心目中，绘画犹如各种不同世界的大相撞，在相互的斗争中，由此产生出一个新的世界。
每一幅作品的起源如同宇宙的起源一样，是大灾难之后的产物，其结果如同在各种乐器的杂乱无章的噪声之中，提炼出一部交响曲。
创作出一幅作品，如同创造一个世界。
在康定斯基的画中，从他的构图结构、线条色块中，有一种内在精神、欲望、激情的自由流露，在运用线条、色块组合并没有固定的格式，都是画家强调精神表现的产物。
1914年以前的康定斯基康定斯基1866年生于莫斯科一个知识分子家庭，在良好的家庭环境中受到完美的教育；中学时代，不但成绩优异，而且是优秀的业余大提琴手和画家。
在莫斯科大学学过法律和经济，仍保持着对绘画的兴趣。
1889年到沃洛格达从事民族史与民俗学调查研究，广泛接触到俄罗斯民间绘画和装饰艺术，对它们的夸张的、非写实的表现手法和强烈的色彩，留下了深刻的印象。
1893年大学毕业，获博士学位，并在大学任教。
三十岁的时候，为了学画，他抛掉了法律教授的职位。
来到了慕尼黑，在这里，他一下子就被弥漫在这个城市的新艺术运动的气氛抓住了。
1900年慕尼黑美术学院毕业，成为职业画家。
1903年，他开始了欧洲及北非之行，并实地考察了各国现代艺术运动的发展状况，历时四载，从而加深了对欧洲文化的全面了解。
1908年，康定斯基定居慕尼黑，并开始了他的职业艺术生涯。
1909年，康定斯基加入德国表现派社团“慕尼黑新艺术家协会”，并担任首届主席。
次年他完成了自己的第一部关于抽象艺术的重要理论著作《论艺术的精神》，并创作了第一幅抽象作品《即兴创作》。
在这期间，康定斯基关于非客观物体的绘画或者没有实际主题的绘画正在萌芽。
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苏珊·朗格认为：“每一位艺术家都能在优秀的艺术品中看见生命的活力和生机。
”作为一位画家，其首要任务就是赋予他的绘画作品以生命，而节奏就是生命形式所应具有的基本特征之一。
绘画创作在表达客观现实中能够给予的视觉美，在于它和音乐一样，在形式上存在着节奏和韵律，即线条和色彩这两大绘画创作手法所显示出的节奏感和旋律感。
画家在进行绘画创作时都是依照自我的情感和愿望去表达客观事物的。
现代抽象艺术的奠基人康定斯基在他的艺术生涯中不断地探索用色彩作为绘画艺术的“音符”来谱写色彩的“乐章”。
1910年康定斯基创作了第一幅抽象水彩画。
这也是现代绘画史上的第一幅抽象绘画。
画面上，所有的对物象的描绘性因素都不见了，大小不同跳跃的点，不同方向和力度的运动的线，粗野、激荡。
色彩和线条、形状相互穿插，让我们感受到一种内在的力量从画面中涌出。
《构成第七号》延续了以上这些特点，在画面中，除了一团团大大小小的色斑和扭曲、激荡的线条以外，我们几乎看不到其他东西。
画家还用淡淡的奶油色打底，造成了一种如同梦幻般的效果，而笔触又是轻盈和快乐的，一切都没有规则性，似乎是在精神世界中一闪而过的东西却又无法清晰地辨认出来。
康定斯基在1913 年创作的这幅《构成第七号》可以称为是一支音乐狂想曲。
这幅画给人的感觉异常迷乱，同时也可以感受到康定斯基构图的技巧，因为画面中有着无数的重叠和变化的布置。
并且每一个形体都有着自己的法则，每一个法则又在这个整体中发挥着强大的冲击力，使画面本身充满着律动感，又如同一部伟大的交响乐。
在画面中较为突出的是，画面中央出现的黑色的点和线，像旋风一样牵动着整个画面的色彩，具有强烈的倾向性。
它是康定斯基是他用一种新的创作方法试验的第一幅作品，不同于以往他所创作的任何作品，成为他创作的新起点。
他认为艺术创作的目的不是捕捉对象的外形，而在于捕捉其内在精神。
因此，他一直努力试验摆脱外形的干扰，尝试用水彩和钢笔素描的效果来揭示对象的精神。
这幅画就是他试验的结果。
如同《构成第七号》，在他的其它绘画中，我们也能感觉到一种如同音符般的因素存在，有一种与音乐相通的气质。
他认为现有的绘画方式无法表达他内心的感受，他需要一种纯绘画，看时应像听音乐一样具流动性。
康定斯基强调了绘画和音乐之间的联系。
他曾说过：“ 一张纸上盖满按照某种次序排列的色彩与线条，在不懂的人的眼里，等于是一张白纸。
” 他必须说出这么一幅作品创作的缘由。
他开始借音乐标题的方法来提示自己的潜在意图，如“ 构图” 、“ 即兴” 、“ 抒情” 等，即与音乐相类似。
通过线条、色彩、空间和运动来传达艺术家的感性意识，不再参照自然物。
他认为，虽然音乐(声音)必须在时间中产生，绘画(色彩)必须建立在平面之上，但是这两者之间的共性(即抽象性)依然存在。
康定斯基认为绘画也应当像音乐一样，不是通过事物的表象，而是以各种基本的色彩，通过形式的规定，来反映和表现人们的内在感情(精神)。
“在这里，色彩直接影响了心灵。
色彩犹如键盘，眼睛好似音锤，心灵仿佛绷满着弦的琴，艺术家就是弹琴的手，他有意识地按动着各个琴键，以激起心灵的有目的的震动”。
康定斯基经历了几个探索的阶段，逐渐从表现的和即兴的，向构成和几何化、具有清晰构图的自由风格发展，但康定斯基的绘画依然保持着剧烈的节奏感，保持抽象形式的继续不断的冲突活动。
康定斯基在他的回忆录中曾经说过：“创作就像不同世界的猛烈碰撞，这种冲突必定创作出一个崭新的世界，这就是作品……每一件作品的诞生都是一个创世纪，就像音乐是由不同的乐器产生出的声音，所创造出的和谐悦耳的旋律一样。
”由此我们可以想到，康定斯基每创作一幅画的时候，都是凭借着强烈的感性来创作的。
可以说，音乐是康定斯基绘画中的主题。
如果从他的绘画中抽出音乐成分，不能说其价值无法存在，但至少仅流于一种拘于形式的装饰画。
看康定斯基从早期到成熟期的作品就能够发现，其结构的发展过程，与音乐的从简单到复合结构的发展是完全一致的。