《艺术与视知觉》读后感
艺术与视知觉读书笔记
《艺术与视知觉》读书笔记
《艺术与视知觉》这本书是阿恩海姆的代表作之一，为我们揭示了艺术与视知觉之间的密切关系。
通过深入浅出的方式，阿恩海姆分析了视知觉在艺术创作和欣赏中的重要性，以及如何运用视知觉规律来更好地理解艺术作品。
在这本书中，阿恩海姆强调了视知觉在艺术中的核心地位。
他认为，视觉感知是人们理解艺术和感知世界的基础。
通过视知觉，我们能够捕捉到艺术作品中的形状、色彩、线条和空间等元素，并对其进行感知和解读。
同时，视知觉也能够帮助我们感知和表达运动、节奏和动态等元素，这些都是艺术创作中不可或缺的元素。
在分析视知觉与艺术的关系时，阿恩海姆提出了一些有趣的观点。
例如，他认为艺术作品中的形式并不是简单的几何图形，而是具有情感和表现力的元素。
通过对形式的感知和理解，我们能够感受到艺术作品所传达的情感和意境。
此外，阿恩海姆还强调了艺术作品中的节奏和动态等元素对于表达情感的重要性。
除了分析视知觉与艺术的关系，这本书还介绍了许多艺术家如何运用视知觉规律来创作出令人惊叹的作品。
例如，梵高通过独特的线条和色彩运用，表达了自己对于自然和人类命运的深刻思考；毕加索则通过独特的立体主义手法，打破了传统绘画的束缚，探索了新的艺术形式。
这些例子让我们了解到艺术家如何运用视知觉来创造出独特的艺术风格。
总的来说，《艺术与视知觉》这本书对于我们更好地理解和欣赏艺术作品具有很大的帮助。
通过了解视知觉在艺术中的重要性以及艺术家如何运用视知觉规律来创作出独特的作品，我们可以更好地领略艺术的魅力。
这本书也让我们认识到视觉感知是人类与世界之间最基本的联系之一，是我们感知和理解世界的重要途径。
艺术与视知觉读后感大全（4篇）
艺术与视知觉读后感大全（4篇）第一篇：艺术与视知觉读后感大全(4篇)艺术与视知觉读后感大全(4篇)【篇一：读《艺术与视知觉》有感】最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。
因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。
但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。
最后自己觉得还是感受颇深。
接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者鲁道夫阿思海姆就谈到：视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。
当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。
所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。
当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。
当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。
每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明;有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析;有的则通过一些实际案例来作对比。
所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。
通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。
也是我今后要好好去学习努力改造的地方。
下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。
艺术与视知觉读后感
艺术与视知觉读后感《艺术与视知觉》是一本由美国心理学家鲍姆加特纳撰写的书籍，该书通过对艺术与视知觉的深入探讨，揭示了视知觉在艺术创作中的重要作用，以及艺术如何影响我们的视知觉。
在阅读这本书的过程中，我深刻地感受到了艺术与视知觉之间的密切关系，以及它们对我们生活的深远影响。
首先，书中对艺术与视知觉的定义和关系进行了深入的剖析。
作者指出，艺术是一种通过视觉形式来表达情感和思想的方式，而视知觉则是我们对外界环境的感知和理解。
艺术作品不仅是艺术家对世界的观察和思考的产物，也是观众对艺术作品的感知和理解的结果。
因此，艺术与视知觉是相辅相成的，艺术家通过视知觉来表达自己的情感和思想，而观众则通过视知觉来感知和理解艺术作品。
其次，书中还探讨了艺术如何影响我们的视知觉。
作者指出，艺术作品的形式、色彩、构图等元素都会影响我们的视知觉，改变我们对世界的感知和理解。
艺术作品可以唤起我们的情感，引发我们的思考，甚至改变我们的行为。
例如，一幅富有动感的油画可以让我们感受到艺术家对世界的热情和活力，一幅充满阳光的风景画可以让我们感受到自然的美好和宁静。
艺术作品通过激发我们的视知觉，让我们对世界有了不同的认识和体验。
最后，书中还讨论了艺术如何帮助我们改善视知觉。
作者指出，通过欣赏艺术作品，我们可以锻炼我们的视知觉能力，提高我们对世界的感知和理解。
艺术作品的形式、色彩、构图等元素都可以激发我们的视知觉，让我们对世界有了更深刻的认识和体验。
此外，艺术作品还可以唤起我们的情感和思考，让我们更加关注和理解世界。
因此，艺术作品不仅可以丰富我们的生活，还可以帮助我们改善视知觉，提高我们的感知和理解能力。
通过阅读《艺术与视知觉》，我对艺术与视知觉之间的关系有了更深刻的认识。
艺术作品不仅是艺术家对世界的观察和思考的产物，也是观众对艺术作品的感知和理解的结果。
艺术作品通过激发我们的视知觉，改变我们对世界的感知和理解，甚至帮助我们改善视知觉。
艺术与视知觉之间的密切关系让我更加珍惜艺术作品，也让我更加关注和理解世界。
《艺术与视知觉》读后感
《艺术与视知觉》读后感《艺术与视知觉》读后感一本书需要慢慢读，反复读，我喜欢设计喜欢视觉传达这个方向，在以后的学习中也会坚持的。
下面是WTT收集整理的《艺术与视知觉》读后感，希望对您有所帮助!艺术与视知觉读后感(一)最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。
因为里边讲了太多的理论知识，而且书中就对一个问题分析性、针对性很强，介于自己现在的理解能力，一时很难深入看下去。
但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。
最后自己觉得还是感受颇深。
接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。
”当时在看到这句话的时候就很有感触，我觉得我们现在看到的一切美的事物都是通过眼睛传达到大脑，然后经过大脑的思考，心灵上的有感而发，通过感性与理性的相结合而达到最终的美的效果。
所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。
当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。
当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。
每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明;有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析;有的则通过一些实际案例来作对比。
所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。
通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。
也是我今后要好好去学习努力改造的地方。
下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
艺术与视知觉第九章读后感
艺术与视知觉第九章读后感
摘要：
1.引言：简要介绍《艺术与视知觉》第九章的内容和作者鲁道夫·阿恩海姆；
2.主体：分析第九章的主要观点和理论，如视觉艺术与视觉心理关系、视觉图式细分的发展阶段等；
3.读后感：谈论自己在阅读过程中的心得体会，以及对艺术与视知觉的认识和理解；
4.结论：总结文章要点，强调艺术与视知觉的重要性，以及阅读此书对个人成长的意义。
正文：
【引言】
《艺术与视知觉》第九章继续探讨了艺术与视觉心理之间的关系。
作者鲁道夫·阿恩海姆通过深入浅出的语言和心理学规律，阐述了视觉艺术的各种原理。
虽然理论性强，但读来仍感到收获颇丰。
【主体】
在第九章中，作者强调了视觉艺术并非感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性表达。
视觉具有倾向于最简洁结构的趋势，视觉图式细分的发展阶段，以及知觉的动力特性等基本原则。
这些原则使得形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为媒介在艺术作品中呈现。
【读后感】
在阅读这一章节的过程中，我对艺术与视知觉有了更深入的了解。
虽然理论知识较为抽象，但在努力理解的过程中，我对视觉艺术的认识逐渐清晰。
我意识到，艺术不仅仅是视觉上的享受，更是一种心理上的共鸣。
通过阅读这本书，我对艺术创作和欣赏有了全新的理解。
【结论】
总之，《艺术与视知觉》第九章为我们揭示了艺术与视觉心理之间的奥秘。
通过学习这些理论，我们不仅可以更好地欣赏艺术作品，还可以提高自己的创作水平。
阅读此书，让我深刻认识到艺术与视知觉的重要性。
艺术与视知觉读后感
艺术与视知觉读后感艺术与视知觉是一本由美国心理学家罗杰·N·谢克曼编著的专业书籍，该书探讨了艺术作品对人类视知觉的影响和启发。
在阅读这本书的过程中，我深刻地感受到了艺术与视知觉之间的密切关系，以及艺术作品对我们的视觉感知和心理状态的影响。
在此，我将分享一下我的读后感。
首先，书中对艺术作品的视知觉效应进行了深入的研究和分析。
通过对不同艺术形式，如绘画、雕塑、建筑等的研究，作者指出了艺术作品如何通过视觉形式和符号来影响人们的感知和情感。
例如，书中提到了色彩、线条、形状等视觉元素在艺术作品中的运用，以及它们对人们的视知觉产生的影响。
这让我对艺术作品的视知觉效应有了更深入的理解，也让我更加欣赏艺术作品所蕴含的深刻内涵。
其次，书中还探讨了艺术作品对人类心理状态的影响。
通过对艺术作品的心理学分析，作者指出了艺术作品如何通过视觉形式和符号来触发人们的情感和情绪。
例如，一幅抽象的油画作品可能会让人感到迷惑和不安，而一幅充满阳光和希望的风景画可能会让人感到愉悦和放松。
这让我意识到了艺术作品对人们心理状态的影响是如此深刻和重要，也让我更加珍惜艺术作品所带来的情感体验。
最后，书中还介绍了一些艺术作品的实验研究，通过这些实验研究，作者进一步验证了艺术作品对人类视知觉和心理状态的影响。
这些实验研究让我对艺术与视知觉的关系有了更加具体和直观的认识，也让我对艺术作品的独特魅力有了更深刻的理解。
通过阅读《艺术与视知觉》，我对艺术作品的视知觉效应和心理影响有了更加深刻的认识，也让我对艺术作品的价值和意义有了更加深刻的体会。
我相信，在今后的生活中，我会更加用心去欣赏艺术作品，也会更加珍惜艺术作品所带来的视知觉体验和情感体验。
艺术与视知觉，让我对艺术作品有了更加深刻的理解和体会，也让我对艺术作品的独特魅力有了更深刻的认识。
艺术与视知觉读书心得
竭诚为您提供优质文档/双击可除艺术与视知觉读书心得篇一：艺术与视知觉读书笔记《艺术与视知觉》读书笔记第一次听说这本书是在大一，设计老师说到排版的问题，给我们翻阅了一些做的比较好的杂志，里面的图片大多放置在四角顶住两边，至少也是贴着一边，并且也不似我们想象的和文字排版那样留出统一的页边距。
老师说这涉及到格式塔心理学，并推荐了这本《艺术与视知觉》。
书名一晃而过，可惜我并没有去看过。
第二次听说它，是20XX年暑假在中建西南院实习时，项目的老总给我们几个实习生推荐的。
可是我依然没有放在心上。
直到这次课程要求，我才鼓起勇气去看这55万字的著作，长期以来一直觉得它名字玄乎，又是大家都推荐的好书，于是我带着敬畏之心开始翻阅。
谁想，文章虽然有些地方比较难懂，但却不似枯燥的理论书籍，只用简单的图示和风趣的语言，阐述了本质的问题，这些问题往往是我曾经心生疑惑但不求甚解后忽略的，或者是从未意识到，一朝发现却觉得异常有趣的。
书的内容很多，短时间内我只阅读了第一章《平衡》和第四章《发展》。
在读此书前先从我初始它的格式塔心理学开始了解。
格式塔心理学又称完形心理学，其将心理现象视为有机整体，认为整体虽有各个部分组成，但并不等于部分之和儿时大于部分之和，并且认为，整体先于部分并且决定部分的性质。
阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。
他认为，审美知觉并不像元素主义认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。
阿恩海姆的知觉概念是建立在一种力的式样（或力的结构）的基础上的，知觉结构是一种特殊的“力的结构”，也就是一种对于力的感受结构。
艺术建立在知觉的基础之上，而知觉又是对于力的结构和式样的感知，由此得出的必然性结论便是：力的结构和式样对于艺术具有巨大的意义。
“知觉力”、“平衡”、“方向”、“位置”这些词是出现在第一章《平衡》里的，其实原来一副静止的画作中，哪怕是一个小小的正方形中的一个黑色圆面，就能引发出复杂的“内部结构”。
艺术与视知觉读后感1500字
艺术与视知觉读后感1500字艺术与视知觉读后感好书推荐/《艺术与视知觉》鲁道夫·阿恩海姆生于1904年，原籍德国。
1928年因对视觉表现心理学、哲学和美术音乐史的研究卓有成就而获得柏林大学的博士学位。
他对中国的美术界来说知名度是很高的。
同时，作为一位心理学家和艺术理论家，他对教育问题也非常关注。
阿恩海姆对美术教育的最重要的贡献，应该表现在他对视知觉的重要性所作的令人信服的充分论证，从而为美术教育在我们社会和学校的中的地位确立了牢固的基础。
阿思海姆对美术教育的见解主要集中在他的那篇《关于艺术教育的思考》的专论上。
现代心理学已经证明了，视知觉过程并不是一个简单的物理过程，而是一个复杂的心理过程。
对此，解剖生理学也证明了人的视神经实际上是脑神经的一部分，视神经与脑神经甚至有着一种一对一的联系。
观看的过程，必然要伴随着大脑的话动。
知觉意味着对事物意义的识别和判断。
在这一判断过程中，阿恩海姆对知觉作了这样的解释：“所谓知觉，就是那些具有相对说来较为简约形态的模态和样式(我称之为视觉概念或视觉范畴)，与刺激达到一致(或用之取代它)。
”因此，知觉的过程必然包括抽象、分析、综合、补足、纠正、比较、结合、分离，在背景中分离和突出某物等方法。
正是在这一认识基础上，阿恩海姆提出了一个十分重要的概念——视觉思维。
在知觉对客观事物的把握过程中，人们逐渐形成了心理意象。
这种心理意象在我们的思维过程中扮演了十分重要的角色。
所谓心理意象，是具有一定的抽象程度能反映事物样式特征的形象。
它比实际事物更抽象，但比概念要具象，居于中间。
成为沟通两者的中介，将表象世界与抽象思维联系起来。
阿恩海姆高度评价了意象在思维活动中所具有的作用；“思想是借助于一种更加合适的媒介——视觉意象——进行的。
而语言之所以对创造性思维有所帮助，就在于它能在思维展开时，把这种意象提供出来。
”他主张专门从事概念思维的人，必须时时将思维向意象回复，否则，就会陷人一种“贫血的思考”。
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《艺术与视知觉》读后感最近一直在读《艺术与视知觉》这本书，刚开始接触，自己很难理解。
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但是它里边谈到了很多自己感兴趣的话题，于是就尝试慢慢的看下去。
最后自己觉得还是感受颇深。
接下来我就对本书的理解谈谈自己的一下看法。
在书中引言中，作者鲁道夫·阿思海姆就谈到：“视觉形象永远不是对于感性材料的机械复制，而是对现实的一种创造性的把握，它把握到的形象是含有丰富的想象性、创造性、敏锐性的美的形象。
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所有的这些视知觉都包含着一种思维，而这种思维中又存在着一种直觉。
当我们在发现美、创造美的时候是这种直觉给了很大的灵感。
当然每个人的思维不一样，在知觉与视觉上的感悟也存在差异，最后导致对于美的认识、对于美的感悟也是有不同之处的。
书中一共讲了十章：平衡、形状、形式、发展、空间、光线、色彩、运动、张力、表现。
每一章都对本章的主题展开了很深入的探讨与研究，从各个角度去分析它，有的通过实验来证明；有的列举建筑、绘画、雕塑等来分析；有的则通过一些实际案例来作对比。
所有的这些都是在围绕一个主题在进行讨论，研究它的问题合理性、存在的价值性、给人们造成的怎样的视知觉等等。
通过这些可以看出，作者是花了很大的心思在里边，用心去思考问题，以一种认真的态度去对待问题，我想这就是我们现在所欠缺的东西。
也是我今后要好好去学习努力改造的地方。
下面我结合自己感兴趣的一些话题谈谈自己的一些看法。
首先是平衡，作者在书中提到了很多影响平衡的因素：重力、方向、顶与底、左与右等等，还有心理平衡与物理平衡存在的区别与联系。
平衡给人的视觉因素很多，我们在观察一个建筑物的时候，就拿巴黎圣母院来说吧：当你第一眼看上去的时候，感觉是很神圣的，华丽的外表，中轴对称的形式，让人们对宗教产生了一种无言的崇敬。
但是有多少人去认真分析这座建筑的平衡之处呢？它不单单是作为以中轴对称的形式体现平衡的，在这座建筑中，中间的那个圆形窗口所处的位置正是在这所建筑本身垂直于水平的结合点，把两边的建筑集中在一起，这样在视觉上就给人一种平衡感。
就拿一件大师画的画来说，他在创作的时候，不管是写实的还是抽象的风格，在画面的表达上肯定都存在一种视觉上的平衡。
这种平衡可以从画面的重力来下手，也可以将其画面的色彩进行调整等等。
所有这些形式都为了使其画面有个视知觉上的平衡感，通过作者在作品中融入的情感，从而让读者更能够接受它，体会从中的乐趣。
其次要谈的是空间，我个人理解视觉上的空间表现其实就是对事物的本身存在的一种特质的抽象表现形式，物体的体积和面是作用于框架的基础之上的。
记得当时我们在上平面构成和是立面构成的时候，围绕一个话题去表现空间的时候，都是基于一种“图形”跟“基底”的关系。
平面构成所表现出来的空间只是一种二维的空间感，是要通过人们视觉上的感知去抽象的表达出来。
而立体构成是以一种三维的表现形式出现的，立体效果是通过消除变形图形的张力而产生的，它的这种形式能够让人看得见、摸到找，实实在在呈现在人们眼前的。
书中讲到：“要判断一个式样究竟被看成是二度的还是三度的，主要取决于哪种看法能够产生出较简单的式样。
”我觉得它说的很有道理。
当我们在分析一座雕塑像与这座雕塑像周围的空间之间的关系时，就可以被我们看成是“图与底”的关系。
如果我们真正愿意把它周围的空间看成是具有一定体积的物体，而不是把它看成事无形的空气的时候，那么雕塑像本身就具有了“图形”所具有的一切性质，因为它不仅是一件封闭的小型的立体物，而且具有一定的质感、密度和硬度。
从建筑本身来说，很多建筑都在不同程度上在表达着空间视觉性。
单从建筑外部是不能体现空间的具体存在，更要深入到建筑本身的内部，亲身体会那种给人带来凌驾于建筑空间之外的感觉。
好的建筑师会运用各种手法，例如通过建筑框架、光线、装饰等等手法去营造建筑体的空间感，给人一种高大、宏伟、至高无上的感觉。
很多建筑体现了空间带给人们那种强悍的视觉冲击力：西方建筑古希腊帕提农神庙、罗马的万神庙、罗马的大角斗场、中国的故宫等等，这些建筑从各个角度去体现了建筑空间带给人们视觉上的美。
当然我这里只是举例说明较大的空间给人们营造的视觉冲击力，然而小空间也同样能够给你带来另一种美的感受。
在这里我就不做表述了。
第三点要谈的是色彩。
书中作者谈到：“歌德把色彩划分为积极的色彩：黄、橙、黄红、朱红和消极的色彩：蓝、红蓝、蓝红。
主的的色彩能够产生出一种积极的，有生命力的和努力进取的态度；而被动的色彩则适合表现一种不安的，温柔的和向往的情绪。
”我想这个观点是很多设计师在运用色彩做设计的时候要考虑的必然因素。
运用什么样的色彩当然要具体事情具体分析了，前提是要达到色彩的和谐。
运用各种颜色或者是混合色使得色彩的色调能够看上去自然而又和谐才是我们运用色彩的主要意图。
如果说色彩的色调搭配的不好，看上去不和谐，就会影响了最终的视觉效果。
现在出现了很多要求色彩标准化的趋势，我想这种趋势并不是艺术真正的表现形式，好的艺术作品在运用色彩的时候并不趋于这种色彩标准化。
这种色彩标准化不是来自艺术的实践，而是某些染料制造商或者大量生产带色产品的工业部门的产物。
它们代表不了真正艺术作品所要追求的艺术色彩。
以上就是我结合书中的三大点谈的自己的一些看法，总体来说，我在这本书中学到了很多东西。
它让我更加清楚自己在以后的学习过程中，一定要好好的用心去学，这里的用心就是一种认真的态度、看事情的全面性和带着问题去思考。
这本书中也有一些自己不明白或者是不认同的地方，所以自己就把这部分给滤过了。
我觉得任何东西只要是自己所需要的，就应该把它接受、采纳和运用，如果对自己没有用的就可以把它删除。
没有全盘的接受也没有全盘的否定。
问题总是存在着矛盾性，不管自己是持有矛也好，握有盾也罢，只要不拿自己的矛去刺自己的盾就是很好的解决途径。
经过专业老师的多次推荐，最终读完了阿恩海姆的《艺术与视知觉》这本书。
感触和领悟非常大，它采用一种不受羁绊的写作风格来系统地陈述艺术与视知觉。
这本书里，作者力图将那些潜在的规则一最简洁的语言形式描述出来，阐述了视觉所具有的倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，以使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间和运动等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
本书一共分为十章，有平衡，形状，形式，发展，空间，光线，色彩，运动，张力和表象。
每一章每一节所阐述的一些设计的基本原则和这些元素所呈现的状态，对自己所做的一些设计都有很大启发。
之前做设计都是完全凭感觉性的东西，缺乏理论的支撑，导致脑袋里既有一些浅薄的理论，又有中度的感性，思维很不清晰，也不知道什么样的才是艺术，什么样的才是好的设计。
但是读了这本书之后，感觉真的理性好多。
看一些设计作品，能够稍微联想到这本书中所阐述的道理，从而在脑海中形成很深刻的印象，指导自己辨别好的艺术和不好的艺术。
作者阐述的艺术的原理，以及这些原理所呈现的视觉和知觉上的异同，都是我们学设计所应该必须掌握的。
其中第一章有关于平衡的一些列知识。
阿恩海姆从完形心理学出发，反对元素主义的审美联想观。
他认为，审美知觉并不像元素主认为的那样是初级的、零碎的、无意义的，而是本身就显示出一种整体性，一种统一的结构，情感和意义就渗透于这种整体性和统一结构之中，而知觉结构是审美经验的基础。
在这本书里，学到了平衡，重力和方向等等在艺术设计中的作用。
怎样的构图，怎样的形状和色彩，才能符合人们的视知觉，才能在正常的视知觉中相识错误的信息等等，都给我们了一个很清晰有逻辑的阐释，以至于在日后从事的设计工作中少走弯路，提升设计价值都有很大影响。
除了这些，最大的感悟就是，应该多读一些理论之类的书籍，理论指导实践，实践又丰富并发展着理论，二者相辅相成，才能创作出好作品。
还有就是，在读书时读好书，否则既浪费时间又学不到东西，没有效率还会产生排斥心理。
而一本好书则会引起心灵的震撼和共鸣，从而提升自我。
作为一个艺术领域的门外汉，对于现在的我而言，这实在算是一本晦涩枯燥的专业读物。
虽然作者始终在力图以深入浅出的语言并结合心理学规律将种种视觉艺术的原理阐释的简单明了，但我努力跟随的思绪还是极易在稍不留神之间陷入懵懂。
所以在企图洞悉视觉艺术与视觉心理关系的过程中，我首先感到对于作者严丝合缝的理论分析的由衷敬佩，还有对自己的境界实在差得太远的感慨。
以平衡、形状、光线、色彩等视觉元素为切入点，作者鲁道夫借由大量的图例将潜在原则清晰地陈述出来，阐述了如视觉倾向于最简洁结构的趋势、视觉图式细分的发展阶段、知觉的动力特性等等，以及其他各种适用于所有视觉现象的基本原则，使读者能够更清楚地看到形状、颜色、空间等要素都可以作为一个统一的媒介呈现在艺术作品中。
而视觉艺术与视觉心理的关系，更是作者通过种种视觉实例首先向我们解答的问题，“视觉心理主要是指外界影像通过视觉器官引起的心理机理反应，是一个由外在向内在的过程，这一过程比较复杂，因为外界影像丰富，内心心理机能复杂，两者在相互联接并发生转化时建立起了千丝万缕的联系，因此不同的人不同影像，相同的人相同的影像以及不同的人相同的影像和相同的人不同的影像产生的心理反应是不同的。
”他根据正方形中的单一圆形、多个墨点等简单图例向我们阐释，视觉心理不仅仅是视觉上对其形状、光线、色彩等的感觉，而是由我们对于特定视觉图例的感觉与知觉共同构成，它包含了大脑对外界感觉信息的组织和解释。
“一个视觉式样所包含的东西，绝不仅仅是那些落到视网膜上的那些成分。
”“这种感应现象绝不是理智的活动，所得到的结果也不是基于预先积累的知识推断出来的，而是直接感知到的整体事物中的一个不可分割的部分。
”作者鲁道夫如是说。
除此之外，他还以大量的艺术史事例令人信服地解释了艺术史上的一些有趣的问题。
例如，所谓伦勃朗式用光法，我们仅仅看到了半张脸，但是我们却判断这是一个完整的脸。
埃及人画画的时候，永远都是侧面的人像和正面的身体，是他们不懂得所谓的透视法么？而迟雷科作品《一条忧郁和神秘的大街》对透视原则看似合理实则矛盾的利用营造出诡异的氛围，使整个画面浮动着隐隐的失衡感与危险感。
在了解视知觉原理之后，许多之前不曾注意的细节显示出前所未有的趣味，许多难以表述的朦胧感受也在了解规律之后变得清晰而可以解释。
不管是在视觉艺术的创作还是欣赏中，都大有裨益。
虽然目前我对此书的理解只能算是浅尝辄止，但再过一段时间等自己对书中理论有所消化和实践之后，还是值得一再细读的。