现代管弦乐队中赋格的配器法研究
谱写管弦乐作品中的配器技巧
谱写管弦乐作品中的配器技巧在管弦乐作品中，配器技巧是一项至关重要的艺术。
通过合理的配器，作曲家能够充分展现音乐的魅力和表达情感。
本文将探讨一些谱写管弦乐作品中常用的配器技巧，以及它们在音乐中的作用。
首先，音色的选择是配器技巧中的关键因素之一。
不同乐器有着独特的音色特点，作曲家可以根据音乐的需要来选择合适的乐器。
比如，小提琴的高亢音色能够表达出激情和欢乐，而大提琴的低沉音色则更适合表达内敛和沉思。
作曲家可以通过巧妙地运用不同音色，使乐曲更加丰富多样。
其次，音域的合理运用也是一项重要的配器技巧。
不同乐器的音域有所限制，作曲家需要根据乐器的特点来安排各个声部的音域。
例如，法国作曲家德彪西在他的《海》中运用了低音提琴的低音域，使得乐曲在表现大海的宏伟和浩渺时更加生动。
合理运用音域可以使乐曲的声音层次更加丰富，给人以更深的音乐享受。
此外，合奏技巧也是配器技巧中的重要组成部分。
在管弦乐队中，不同乐器需要相互配合，形成和谐的整体声音。
作曲家可以通过合奏技巧来创造出多样的音乐效果。
例如，交响乐中的对位技巧可以使不同声部的旋律相互交织，增加音乐的层次感和丰富度。
另外，交替奏和分散和弦等技巧也可以使乐曲更加丰富多样。
除了以上提到的技巧，还有一些特殊的配器技巧可以进一步丰富音乐的表达。
例如，和声技巧中的声部交替和声可以使乐曲的和声更加丰满。
此外，作曲家还可以运用变奏技巧来改变乐曲的音色和表现形式。
通过改变乐器的组合和音色的运用，作曲家能够创造出更加丰富多样的音乐效果。
在谱写管弦乐作品中，配器技巧的运用不仅仅是为了丰富音乐的表达，还能够为作品增加一种独特的个性和风格。
例如，俄国作曲家柴可夫斯基的《天鹅湖》中运用了木管乐器的独特音色，使得乐曲更加优雅和浪漫。
配器技巧的运用可以使作品更加富有个性和魅力，给人以深刻的艺术享受。
总之，配器技巧是谱写管弦乐作品中不可或缺的一部分。
通过合理的音色选择、音域运用、合奏技巧以及一些特殊的配器技巧，作曲家能够创造出丰富多样的音乐效果。
不同乐队构思下的指挥思辨——管弦乐队与管乐队配器手法之比较
中国音乐学院 2018届硕士学位论文不同乐队构思下的指挥思辨——管弦乐队与管乐队配器手法之比较The Command Speculation of Different Bands ——the Comparison of Techniques of Orchestration between Orchestra and Wind Band专业：音乐研究方向：乐队指挥导师姓名：杨又青学生姓名：李一明学号：20152208020中国音乐学院2018年3月关于学位论文使用授权的说明本人完全了解中国音乐学院有关保留、使用学位论文的规定，即：中国音乐学院拥有在著作权法规定范围内学位论文的使用权，其中包括：（1）已获学位的研究生必须按学校规定提交学位论文，学校可以采用影印、缩印或其他复制手段保存、汇编学位论文，可以公布论文的全部或部分内容；（2）为了服务于教学和科研，学校可以将公开的学位论文作为资料在图书馆、资料室等场所供校内师生阅读，或在校园网上供校内师生浏览部分内容；（3）根据《中华人民共和国学位条例暂行实施办法》，向国家图书馆报送可以公开的学位论文。
同意学校将本人的学位论文加入《中国优秀硕士学位论文全文数据库》、《中国博士学位论文全文数据库》和编入《中国知识资源总库》。
本人保证遵守上述规定。
作者签名：导师签名：日期：日期：摘要本文旨在探索管弦乐队与管乐队配器手法的异同。
笔者一方面对管弦乐队与管乐队的起源和发展进行梳理，另一方面较为简要地概括了古典主义时期、浪漫主义时期印象派时期和20世纪，这四个时期弦乐组、木管组、铜管组以及打击乐组的发展演变，并在此基础之上，笔者以《蝙蝠序曲》为例，详细分析了管乐与管弦乐配器手法的不同。
最后，笔者从于指挥的视角，以肖斯塔科维奇《第五交响曲》第四乐章为例，重点论述了管弦乐作品“移植”为管乐作品后的排练处理。
并论证了管乐团这一艺术形态的存在价值。
关键词：管弦乐队管乐队配器异同AbstractThe paper aims at exploring the similarities and differences about techniques of orchestration between orchestra and wind band. On one hand, the author explores the origin and development of orchestra and wind band. On the other hand, the authors summarizes the development and evolution of string section, woodwind section, brass section and percussion section from classical era, the Romantic period, impressionist period to the twentieth century. On that basis, taking the example of Die Fledermaus Overture, the author detailedly analyzes the differences about techniques of orchestration between orchestra and wind band. In the end, taking the example of the forth movement of Shostakovich’s Fifth Symphony, the author mainly discusses the rehearsal dispose after “transferring” orchestral works into wind music in the view of command. Then the paper proves the existence value of wind band’s art forms.Key Words: Orchester Wind Band Techniques of OrchestrationSimilarities and Differences目录摘要 (i)Abstract (ii)第一章绪论 (1)第二章管弦乐队与管乐队的起源与发展 (2)2.1管弦乐队 (2)2.2 管乐队 (2)第三章不同时期弦乐组、木管组、铜管组以及打击乐组的发展演变 (4)3.1弦乐组 (4)3.1.1古典时期 (4)3.1.2浪漫主义时期 (4)3.1.3 印象主义时期 (5)3.1.4 20世纪 (5)3.2木管组 (5)3.2.1古典时期 (6)3.2.2浪漫主义时期 (6)3.2.3印象主义时期 (6)3.2.4 20世纪 (7)3.3铜管组 (7)3.3.1古典时期 (7)3.3.2浪漫主义时期 (7)3.3.3印象主义时期 (8)3.3.4 20世纪 (8)3.4打击乐器组 (8)3.4.1古典时期 (9)3.4.2浪漫主义时期 (9)3.4.3印象主义时期 (9)3.4.4 20世纪 (9)第四章管弦乐与管乐配器手法之异同 (10)第五章管弦乐队与管乐队的不同排练方法 (18)5.1管弦乐队与管乐队演奏员的坐席位置 (18)5.1.1管弦乐队 (18)5.1.2管乐队 (19)5.1.3交响管乐队Concert Band (19)5.2弦乐的弓法和管乐的呼吸、演奏法的不同处理 (22)5.2.1弦乐器 (22)5.2.2木管乐器： (27)5.2.3铜管乐器： (29)5.3管弦乐作品“移植”成管乐作品的排练处理 (31)结语 (36)参考文献 (37)致谢与声明 (38)个人简历 (39)第一章绪论笔者作为指挥系的一名学生，在校期间接触并实践了许多交响乐作品，但由于工作性质的原因，在平日的工作中却是以排练军乐团的管乐作品居多。
勋伯格《乐队变奏曲》的十二音处理与配器技术(下)
勋伯格《乐队变奏曲》的十二音处理与配器技术(下)
胡磊
【期刊名称】《黄钟-武汉音乐学院学报》
【年(卷),期】2009(000)004
【摘要】勋伯格的<乐队变奏曲>(Op.31).是勋伯格按照自己的十二音技法创作的第一部,也是唯一的一部管弦乐作品.在作品中体现的十二音序列音乐配器基本原则
不仅使十二音体系所强调的"音高平等"甚至是"音色平等"得以很好的体现,并且也赋予了作品音色多样化的乐队音乐特点[本文(上)刊登于<黄钟>2009年第三期上].【总页数】8页(P23-30)
【作者】胡磊
【作者单位】武汉音乐学院作曲系,武汉,430060
【正文语种】中文
【中图分类】J614.3
【相关文献】
1.勋伯格"突变"配器手法探析——以《五首乐队作品》之四为个案研究 [J], 李洋
2.勋伯格《乐队变奏曲》的十二音处理与配器技术(上) [J], 胡磊
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弦乐器配器法(一)
弦乐组的特性：
一、音色 弦乐组具有在其他乐器组中都罕见的， 近似于人声的基本音色，温暖而富有表情， 而且，不同弦乐器的音色，乃至每件乐器 自身不同音区间的色调也相对比较统一， 可以凝聚为一个音响高度融合的完美整体。
此外，现代作曲家们通过弦乐音色 “异化”的实验，又创造出了大量新的音 响造型手段。这些经过“畸变”的弦乐音 色的艺术表现价值虽然不一，但若仅就音 响的多样性而言，却又远为其他乐器组所 不及。它们极大地扩大了弦乐组的表现力 及音色对比的范围。
弦乐尽管木管、铜管乐 器在现代音乐中所扮演的“角色”显得日 见其重要，各种打击乐器、装饰性乐器及 电声的运用也愈益广泛，但至少如今，弦 乐器组却仍不失为现代管弦乐队中最重要 的成员之一。
其原因，恐怕主要在于作为一个群体 的弦乐器组在音响上具有超过任何其他乐 器组的巨大“包容度”及“可塑性”。它 为作曲家进行丰富多彩的音响“实验”， 创造“千姿百态”的音乐形象提供了无比 广阔的天地。
《广岛受难者的挽歌》为52件弦乐器而作，1960）
二、弦乐编制
传统的弦乐器组通常划分为小提琴I II， 传统的弦乐器组通常划分为小提琴I、II， 中提琴，大提琴及低音提琴五个基本声部， 中提琴，大提琴及低音提琴五个基本声部， 每个声部的乐器数目可根据乐队的规模大小 及不同乐器组间的音响比例关系，按大、中、 小三类编制进行配置。（P17） 小三类编制进行配置。（P17）
三、演奏技巧 除低音提琴外，可以说，弦乐家族的 主要成员在演奏技术方面的多样化，灵巧 性以及对难度较高的技巧性句型的适应能 力上，也都是其他乐器组的大多数乐器所 望尘莫及的。
正因为弦乐组在以上三个方面拥有巨 大的“优势”，才奠定了它在交响乐队中 虽历数百年而不衰的重要地位。即使 在上 世纪50年代至70年代的“实验音乐”中，常 规的乐队编制虽一度曾被各种奇特的“室 内性”乐器组合所取代，但专为弦乐队而 作的“试验性”作品，却仍在先锋派的曲 目中据有相当的比重。（【波】潘德列茨基：
论西洋管弦乐队配器法
替 代 维 奥 尔 琴 而 加 入 管 弦 乐 队 ； 羽 管 键 琴 或 管 风 琴 采 用
数 字低 音 演奏 ； 曼海 姆 乐派首 先把 单簧 管 引入 管弦 乐 队 。 这 样便 形成 了管弦 乐 队的雏 型。 在 １ ８世 纪 至 １ ９世 纪 ， 海
实 事 求 是 的态 度 ， 不 断 从 实 际 作 品 中总 结 经 验 ， 并 发展 曲式 理 论 ， 以适 应 并 指 导 创 作 实 践 。
顿 和 贝 多 芬 在 管 弦 乐 队 的 应 用 上 已 基 本 完 善 了 小 、 中 型
园” 活动 ， 更 是 使 管 弦 乐 直 接 走 出剧 院 ， 迈 向校 园 。 我 国 各 大音 乐院 校也 都 开 设相 关专 业 ， 其 中管 弦 系 、 作 曲系 、 指 挥 系 课 程 中 的 绝 大 多 数 作 品 都 来 自干 西 洋 管 弦 乐 。 这 些 丰 富 的 社 会 活 动 与 教 育 实 践 使 西 洋 管 弦 乐 得 到 越 来 越 多
论 西 洋 管 弦 乐队 配 器 法
陈锐 宿 迁 学院五 系
［ 摘 要 ］ 西 洋管弦乐队 由弦乐、 木管 乐、 铜管 乐、 打 击 乐 与 彩 饰 乐 器 五 部 分
组 成 。 自海 顿 、 莫 扎 特 时期 开 始 为 管 弦 乐 队 创 作 曲 目 ， 西 洋 管 弦 乐 队 配 器 法
其次 ， 随着音乐创作的发展 ， 音 乐 作 品 的 原 有 结 构
模 式 也 在 不 断被 突 破 ， 在作品分析过程中 ， 机 械 地 套 用
某 种 曲 式 原 则 是 不 可 取 的 。 我 们 绝 对 不 能 因 某 一 作 品
管弦乐团中的乐器声部分工与配合
管弦乐团中的乐器声部分工与配合在管弦乐团中，乐器声部分工与配合是保证音乐演奏达到完美效果的重要因素。
每个乐器声部都承担着特定的角色和责任，需要在演奏中与其他声部进行合作和配合。
本文将探讨管弦乐团中乐器声部分工的重要性以及其在配合中的作用。
首先，管弦乐团中的乐器声部分工是确保音乐演奏和谐统一的基础。
不同的乐器在音色和音域上存在差异，因此它们需要相互配合，形成一个声音综合体。
例如，弦乐器通常负责演奏旋律线，而木管乐器则负责演奏音色丰富的和声部分。
而铜管乐器则承担着饱满的音色负责奏响音乐的高潮部分。
乐器声部之间的分工合作使得音乐能够在不同的音域中呈现出层次感和丰富度，让听众能够体验到丰富的音乐内涵。
其次，乐器声部分工的配合是音乐演奏中的关键要素。
每个乐器在演奏中都有自己的节奏、强度和音色等要素。
这些要素需要在演奏过程中与其他乐器相互配合，从而形成和谐的音乐效果。
例如，当弦乐器演奏一个旋律时，其他声部应当以适当的音量和节奏进行伴奏。
这样才能保证乐曲的整体节奏感和韵律感，使听众感受到音乐的动感和魅力。
此外，乐器声部分工的配合还需要考虑到音乐作品的风格和要求。
不同的音乐作品可能有不同的曲风和音乐特点，乐器声部在演奏中要根据作品的风格，灵活调整自己的表演方式。
例如，当演奏一首激情四溢的浪漫时期作品时，乐器声部需要更加细腻地表现情感，而在演奏贝多芬的交响曲时，则需要更加注重音乐的力度和激昂感。
因此，乐器声部需要通过对音乐作品的理解，在演奏中做出相应的调整和配合，以准确地传达作曲家所要表达的情感和意图。
最后，乐器声部的分工和配合能够提高整个管弦乐团的演奏水平。
在一个音乐团体中，每个乐器声部都是不可或缺的一部分。
只有当每个声部都能够胜任自己的角色，并与其他声部合作无间，才能使整个管弦乐团的演奏达到理想的效果。
通过专业的排练和无数次的演奏，乐器声部能够更好地理解彼此的音乐特点和演奏方式，并能够更好地配合演奏。
这种协作关系使得音乐能够以更高的水平呈现给观众，同时也提高了整个乐团的音乐水平和声誉。
弦乐组MIDI配器法-文档
弦乐组 MIDI 配器法弦乐的 MIDI 配器法首先基于自然乐器的配器法 , 再针对电脑音乐本身的特点 , 进行全方面考虑。
一、I、H提琴用不同的音色库这无非出于三点原因 :一是使音响更饱满。
如果I、H提琴都用同样的音色，无疑可以实现响度的增加 , 但音色听起来还是空洞和单一的 , 并不能使音响听起来更加饱满和丰富。
这样我们有必要选择两个互相融合的音色采样来增加由于丰富程度的提高而带来的真实感。
二是追求音色的差别。
I、□提琴作为弦乐组中的两个重要部分,其音色上的差别是必然的 , 如果选择同样的音色库我们当然可以很容易地实现力度、强度、节奏、时值、声像、混响等方面的差异，但很难做到音色上的差异，而这一点恰恰是体现I、n 提琴不同功能的重要方面 , 所以选取不同的音色库是一个良好的选择。
三是增加声音的立体效果。
弦乐组中I、n提琴这两个部分从座次到人数以及演奏技术上都是不同的 , 这样在音乐厅里倾听实际的音响会充满着立体感和空间感 ,容易想像 ,同样的采样是很难实现音乐厅中的真实效果的。
二、音量的调整管弦乐写作中各乐器组应分属不同的功能（旋律、伴奏和低音）, 对于弦乐组来讲 ,如果整个弦乐组充当着一种功能 . 另外,从弦乐的整体功能上来讲 ,它在管弦乐队中会充当各种角色 , 我们就要根据它的功能属性 ,来确定其音量和力度参数 , 以达到整个管弦乐队的音响平衡。
因此, 音量的控制有着重要意义。
首先是总体音量的控制 , 如果弦乐的和声起到背景的作用 , 就要把整体的音量拉到背景的位置,起到中景的作用 , 就要将音量控制在中景的位置。
还要使各个声部的音量均衡而统一 , 不要有某一声部突出的现象 , 这一点在制作弱奏时的长音和弦背景时尤为重要。
三、声像和混响对于声像的问题 ,应该说在好的采样中肯定会有所体现 , 但并不等于我们应该对这一参数置之不理。
尤其是当选取不同音色库时,已有的声像参数 , 不一定会是我们需要的数值 ,这就需要我们去自行调节。
弦乐四重奏写作中的配器应注意的问题
弦乐四重奏写作中的配器应注意的问题作者：宗毅来源：《北方音乐》2017年第12期【摘要】弦乐四重奏（String Quartet），顾名思义，就是"由四把弦樂器组合而成的室内乐形式".它包含两把小提琴、一把中提琴以及一把大提琴，是目前最主要和最受欢迎的室内乐类型。
而配器就是给一段主旋律配上多声部伴奏总谱的过程。
要更完美地写出精彩的弦乐四重奏篇章，我们必须要注意配乐的运用与配合。
本文就弦乐四重奏中配乐的自由度进行探究。
【关键词】弦乐四重奏；配器；自由度【中图分类号】G627 【文献标识码】A弦乐四重奏是目前最主要的室内乐类型，是室内乐中最美妙、最和谐、最重要的组合形式之一，非常多美妙动听的音乐就是用弦乐四重奏表演出来的。
在弦乐四重奏中，配器的应用使美妙的音乐变得更加多姿多彩，变幻莫测，但是在应用配器的过程中也充满了很深的学问，比如在配器中自由度的问题等等。
一、关于弦乐四重奏的论述弦乐四重奏（String Quartet），顾名思义，就是由四把弦乐器组合而成的室内乐形式，它包含两把小提琴、一把中提琴以及一把大提琴，是目前最主要和最受欢迎的室内乐类型，也是弦乐重奏中最重要、最经典的组合形式。
弦乐四重奏虽然不能像交响乐一样给人一种震撼的感觉，也不能像歌剧那样展现出画面丰富的场景，但它却用交谈式的写作手法潜移默化的感染了听众的内心。
弦乐四重奏大多以抒情为主，它最初仅限于家庭、沙龙范围，是贵族雅士自娱自乐的音乐形式，随后在历史的流变中，它从贵族庭院走向世俗舞台，发展成一种表达人类情感最深刻、最细致的重要器乐体裁。
奥地利作曲家海顿.Joseph Haydn（1732～1809）是古典主义时期最著名的作曲家之一，这位多产的作曲家，一生创作了大量的交响曲、弦乐四重奏等，不仅奠定了交响曲的音乐结构形式，而且确立了弦乐四重奏的体裁特征，他让弦乐四重奏主题有了更大的扩展，织体的变化使得音乐变得更加丰富多彩。
【配器】MIDI交响乐配器法之——管弦乐配器基础——
标题：【配器】MIDI交响乐配器法之——管弦乐配器基础——思维如果要问怎样才能制作出效果很棒的管弦乐作品，则不是三言两语就能简单说清楚的。
我们可以以绘画为例来打比方。
画家在作画的时候，必须要懂得如何运用调色板上的颜色，比如，什么颜色和什么颜色相调和以及在什么位置用什么颜色等，必须明白怎样运用色彩的配合才能获得期望的效果。
那么，画家又如何知道该怎样运用色彩的搭配呢？这取决于作品的风格、想要表现的主题和意境等。
管弦乐作品的制作也是如此，管弦乐队就如同绘画艺术中的调色板，要想获得美妙动人的管弦乐效果，管弦乐制作者就必须熟练掌握管弦乐配器知识以及各种乐器的音色特点，这样，一旦确定了作品的风格、主题等要素，就可以进行作品的创作了。
l 管弦乐创作首先应考虑的两个方面在进行管弦乐编曲的时候，需要兼顾两个方面的表现：一是音乐作品本身要表现的意图；其次是用什么样的管弦技法来达到表现的目的。
这两个方面都有相应的要求，在作曲的时候，需要很好地兼顾，才能获得出色的作品。
下面分别看这两个方面要达到的目的。
1. 作品本身的目的。
a) 按照所需要表现的情绪，使用相应的风格来完成作品。
b) 通过各种音响的有机组合来打动听众。
c) 作品要有引人入胜之处，而不致能使听众昏昏入睡。
d) 作品应该有感情上的起伏，能够引起听众的内心共鸣。
2. 通过管弦技法达到的目的。
a) 整个作品有平衡的音响，包括音量平衡、音色平衡和织体的平衡。
b) 充分利用管弦乐队中的各种音色，使音响富于变化，为旋律、副旋律及伴奏声部指派最合适的乐器。
c) 为每个声部分配理想的乐器领域、音色及表现这种乐器的演奏技法。
为了达到以上这些目标，我们需要尽可能地把这两方面结合在一起来进行创作。
有些因素需要在动手之前就充分考虑到，而有的因素应该在创作的过程中边创作边考虑。
从作品本身应该提前规划好以下方面的内容。
1. 作品的风格以及要表现的情绪。
2. 作品的长度以及将使用的声部数。
移译当代民族管弦乐中的配器思维——以贾国平作品为例
086文学·艺术《名家名作》·评论一、引言中国音乐在历史发展进程中，同样经历过与西方音乐相似的共性写作时期，从学习借鉴到创新融合，无不体现出作曲家为弘扬中华传统音乐文化与精神内涵所做出的伟大贡献。
中国民族管弦乐不仅仅是中国音乐的一个缩影，也堪称最具有时代意义的文化存在。
现当代作曲家为表现出不同的创作思路，便开始在作品中运用更具有独特意义的创作手法，以一种更具有前沿意义的创作理念进行创作，如借鉴中国传统绘画以及中国古典文学等旁类艺术来突出本民族文化的精神与内涵。
更直接的是通过取材于传统民族民间音乐的曲调或元素，结合西方的作曲手法来进行创作，这个现象虽在当代作品中屡见不鲜，但通过深入挖掘民族民间传统音乐元素并转化成新的音乐语言，对中国民族管弦乐和中国传统音乐文化的发展有着积极的推动作用。
作曲家贾国平在《飘荡在苍穹》中运用各地的民族民间曲调来进行创作，不仅用音乐滋养了中华传统文化，还为民族管弦乐增添了新思路，同时真正实现了“从音乐中来，到音乐中去”的艺术价值。
二、贾国平及其创作理念贾国平，1963年出生于山西省吕梁市离石县，当代中国著名作曲家，青年时期就职于吕梁群众艺术馆，擅于晋胡演奏并担任晋胡演奏乐师。
从小对中国传统音乐耳濡目染的他，有着深厚的民间音乐实践经验与感性认知，这对他成为作曲家之后的创作产生了深远的影响。
对民族乐器长年的实践与专业学习使他对音乐产生了深厚的情感，1987年凭借优异的成绩考入中央音乐学院作曲系，期间系统学习作曲技法，为之后的音乐生涯打下坚实的基础。
自1991年管弦乐作品《祀》问世之后，他便得到专家与老师的肯定与关注。
1994年，32岁的贾国平获得了德国高等学术交流基金会奖学金，赴德留学期间从师亨佩尔与拉赫曼教授学习作曲。
期间，他接触到很多前沿的作曲技法与作曲理论。
在不断学习与探索过程中，他的音乐创作也日益走向成熟。
1998年任教于中央音乐学院作曲系的贾国平创作出大量的优秀经典作品，随后于2000年从师吴祖强教授学习作曲并继续耕耘在这片沃土之上［1］。