中国传统绘画艺术之精神

——“无画之处皆成妙境”之留白

的艺术

【摘要】中国画的“留白”是一种艺术的含蓄，是一种深邃的意境，也是一种艺术追求。留白是为了“多”，为了“有”，为了满足，空白才能给人以无尽的感觉，才能使观者以想象力去丰富它，“此时无声胜有声”，节奏一停意味无穷。

【关键词】中国绘画，留白，意境，延伸

中国绘画，是以五色六彩，用毛笔勾勒出的墨色的世界，而人们也不难发现，“留白”技法常被很巧妙的应用在其中，使得画面灵动而更有意境。在中国画的二维空间中，孕育于山川湖泊间跌宕起伏的，犹如心跳般的“节奏”皆来自于精心铺陈的“空白”。没有节奏感的画作既没有生命力和缺乏美感，这也自然失去它存在的价值了。中国传统绘画，始终在自觉而别具匠心的利用“留白”技巧来打破单一的墨色于画面呈现出的那种严肃。在精心构思与幽妙的黑白设置中，使画作在恬淡中达到无色之色的话语表述，从本质上使人于虚实相生主体与客体中因循心理的审美规律，求得艺术性与审美性的完美统一。

“无画之处皆成妙境”是中国画所特有的美学观点。与其它画种相比，中国画喜欢在画面中留出大大小小的，各式各样的空白来。这些“白”可以是天空、是浮云、是流水、是迷雾、是尘壤同一幅画面上的不同位置的“白”处，因与不同的“实景”相配合，即产生了不同话语意义。如近山之顶颠或锁其腰之“留白”处，或远空或云雾；近崖埃者，便或水之淼淼或雪之皑皑……由“白”带来的美感已得到共识，但这种“白”不是画者于画面上随意漏笔而成就的，它，是一种感觉，一种空灵，一种印象，一种空间感，一种深远的意境。以空白为背景，用笔墨和形体的虚实变化来创造意境、表现空间。

中国古代山水画家喜欢画“远”，高远，深远，平远。中国山水画家为什么要画“远”？因为山水本来是有形体的东西，而“远”突破山水有限的形体，使人的目光伸展到远处，从有限的时间空间进到无限的时间空间，进到所谓“象外之象”、“景外之景”。所以，“远”，也就是中国山水画的意境。而留白，恰能淋漓尽致地使画中世界不仅仅局限于画卷，达到深远的意境。

留白，使画面更为灵动有深意，同时，也是古人们的精神，中国传统哲学的反应。一切无需太满，无中生有，有中亦无，二者相互消长。

中国画的“留白”艺术与中国古代道家思想有着极大的联系。《老子》的第十一章中有关空间的阐述，具有中国朴素辨证法的鲜明特色：“三十辅,共一毂，当其无，有车之用。埏埴以为器，当其无，有器之用。凿户牖以为室，当其无，有室之用。故有之以为利，无之以为用。”可见有形的实物是空间赖以形成的条件，空间才是真正有用处的部分。中国传统哲学中对空间的存在形式的辨证描述即“无”与“有”的辨证关系，突出了“无”即空间的价值。而“无”与“有”之间《老子》第四十章中又讲到：“天下万物生于有，有生于无。”老子所谓的“无”并非一般意义上的无，他“无中生有”，有中亦无，二者处于相互消长而又时时转化的对立统一，正如太极阴阳鱼的图案，到极满处便是无，而极少处，又是另一个的满。正是这样一种哲学思想，一直影响着中国传统绘画。

中国画家在观察客观世界时，不是单一从一处着想、一点着眼，而是强调全面观察，以情观景，在现实中寻找那些最能说明自己感情的形象。既强调客观的观察，更强调主观的肯定；既强调对象神态的刻画，更强调作者情感的抒发和表现。所以，中国画家笔下的形象，是通过画家的头脑的综合与概括，删除繁杂的细节，所表现出的事物赏心悦目的主要部分，是对象最突出的精神特点，也是作者用以寄托情思的直接展现于画面的墨色部分。对于这一部分的表现，力求清楚、明确、突出，并着意渲染，使精神意识向它集中。而对于暂时无关事物则“心不在焉，视而不见”，往往连同背景尽量减弱以致舍去，直至代之大片空白。用大小不同的空白来寓意空间，这就成了中国绘画表现空间的一个鲜明特点。清代画家李方膺在题梅花诗中所说：“触目横斜千万朵，赏心只有两三枝”，这两三枝就是画中实体部分和精神特点所在，而省去则成为空白的虚体部分。笔画变化无尽的分割、空白有机的穿插，墨块对空间的剖切所造成虚实变化，留给观赏者的是一种更空阔、更灵动，更富有审美想象的空间。

“留白”作为中国画形式美中最重要的一种表现方法，是表现中国画空间感、艺术感的重要手段和技巧。“留白”，不仅衬托了画面的主体，给主体形象有活动自由的空间，同时也扩大了画面的意境，是所谓形象的延伸。大的空白和内部任一小的空白都保持默契，它们的对比——同质而大小悬殊的空间对比，使人感到气象开阔。它既是无形也是有形，因此，“留白”不能简单地理解为“虚无”，而是一种“藏境”的手法。在中国绘画中，有形亦可以虚，无形也可以实。如云水，烟霞，在画中可以留空白，不着笔墨，化为虚象；而画中的空白，在景物实象的对照下，又可显出云、水、烟、雾无形可实。为显其高“以泉”高之；为显其深“以云”深之；为显其阔“以烟”阔之。“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰则高矣。水欲远，尽出之则不远，掩映断其派则远矣”，用云、用烟、

用空白来遮藏掩映，在平面的布置中求其纵深的空间关系。这种虚白犹如乐曲的间隙，是实处的基础和依据，是实处的余意和扩大。华琳说“画中之白，即画中之画，亦即画外之画。”这种“画外之画”是观者运用自己的创造能力，想见更多的审美意象，产生意象的自由空间，这种无形可实的空白，是中国画空间构成的独特手段。

中国古代和现代的许多画家都是非常善于运用空白的。如清代画家朱耷，堪称画坛巨匠，明朝宗室，对清朝有切肤的亡国之恨。其花鸟作品，都留有大片空白，读他的留白，何其痛苦和沉郁，画家画到此处有许多悲愤要倾吐，但却留下一片空白，让人深思。似乎每一空白都有自己的特点，自己的个性，自己的韵律。空白是中国传统绘画中独特的，没有笔墨的语言，它与笔墨相互生发，产上着神秘的魅力。

中国画所提倡的“意境”在“留白”中得到了至善至美的实现。如名笔画“兰”多于笔断意不断间取得清丽柔美之感；如名笔画“山”多于错落参差有致间得到险峻悠远；如名笔画“水”多于淡笔了了细微涟间求得浩淼烟烟……其实我们自己也是有此体验的，于画面上画得过多过细，反而觉得失去了淡、远、空、灵之气韵，同时也会因此而远离“雅趣逸境”。画之空白不可以表述得过于“截然”，要有笔墨上的相对过渡以避免突然“断裂”的感觉。画之妙境多在若有若现之间。因此，留白与画实景要以相应的“度”做“关联”把持画面“实景清而空景现”的艺术效果。这里的“关联”，意义在于实景与空景的过渡合法性上。

中国画的“留白”是一种艺术的含蓄，是一种深邃的意境，也是一种艺术追求。留白是为了“多”，为了“有”，为了满足，空白才能给人以无尽的感觉，才能使观者以想象力去丰富它，“此时无声胜有声”，节奏一停意味无穷

参考文献：《艺术教育》

《新文艺》

国内传统绘画的主要种类

中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。中国画在古代无确定名称，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来为区别于西方输入的油画（又称西洋画）等外国绘画而称之为中国画，简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样，横向展开的有长卷（又称手卷）、横披，纵向展开的有条幅、中堂，盈尺大小的有册页、斗方，画在扇面上面的有折扇、团扇等。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画在世界美术领域中自成体系。按表现对象大致可分为；人物，山水、界画、花卉、瓜果、翎毛、走兽、虫鱼等画科；按表现方法有工笔、写意、钩勒、设色、水墨等技法形式，设色又可分为金碧、大小青绿，没骨、泼彩、淡彩、浅绛等几种水墨画中国画的一种。指纯用水墨所作之画。基本要素有三：单纯性、象征性、自然性。相传始于唐代，成于五代，盛于宋元，明清及近代以来续有发展。以笔法为主导，充分发挥墨法的功能。“墨即是色”，指墨的浓淡变化就是色的层次变化，“墨分五彩”，指色彩缤纷可以用多层次的水墨色度代替之。北宋沈括《图画歌》云：“江南董源传巨然，淡墨轻岚为一体。”就是说的水墨画。唐宋人画山水多湿笔，出现“水晕墨章”之效，元人始用干笔，墨色更多变化，有“如兼五彩”的艺术效果。唐代王维对画体提出“水墨为上”，后人宗之。长期以来水墨画在中国绘画史上占着重要地位。院体画简称“院体”、“院画”，中国画的一种。一般指宋代翰林图画院及其后宫廷画家比较工致一路的绘画。亦有专指南宋画院作品，或泛指非宫廷画家而效法南宋画院风格之作。这类作品为迎合帝王宫廷需要，多以花鸟、山水，宫廷生活及宗教内容为题材，作画讲究法度，重视形神兼备，风格华丽细腻。因时代好尚和画家擅长有异，故画风不尽相同而各具特点。鲁迅说：“宋的院画，萎靡柔媚之处当舍，周密不苟之处是可取的。”（《且介亭杂文·论“旧形式的采用”》）以张铨、江宏伟、贾广键、赵蓓欣、喻慧等为代表的现代中青年画家为现代院体画的发展作出了一定的贡献。文人画亦称“士夫画”。中国画的一种。泛指中国封建社会中文人、士大夫所作之画。以别于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，北宋苏轼提出“士夫画”，明代董其昌称道“文人之画”，以唐代王维为其创始者，并目为南宗之祖（参见“南北宗”）。但旧时也往往借以抬高士大夫阶层的绘画艺术，鄙视民间画工及院体画家。唐代张彦远在《历代名画记》曾说：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”此说影响甚久。近代陈衡恪则认为“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”通常“文人画”多取材于山水、花鸟、梅兰竹菊和木石等，借以发抒“性灵”或个人抱负，间亦寓有对民族压迫或对腐朽政治的愤懑之情。他们标举“士气”、“逸品”，崇尚品藻，讲求笔墨情趣，脱略形似，强

九年级美术下册《继承和发扬中国美术的艺术传统》教案及教学反思人美版.doc

九年级美术下册《继承和发扬中国美术的艺术传统》教案及教学反思人美版继承和发扬中国美术的艺术传统教学目标：知识目标：通过对比的方法，了解我国与世界上优秀建筑、雕塑、绘画的艺术风格，从而更好地了解中国传统艺术的形式和风格C 能力目标：用语言阐述自己对中国优秀民族艺术的认识。情感目标：通过对中西不同风格形式美感的体验，形成审美趣味和提高美术欣赏能力，加深对美术艺木的理解，更加热爱祖国，了解自己民族的博大精深，树立民族自豪感，逐步形成崇尚文明、珍惜优秀民族艺术与文化遗产、尊重世界多元文化的态度。教学重点：通过中外美术作品的比较分析、讨论，使学生了解，个民族尤其是中华民族艺术独特的风格和审美特征，认识到“只有民族的才是世界的”这一观点。教学难点：中外美术作品的形式艺术风格的对比。初步理解传统和多元文化并存的关系。教学过程：教学环节教学活动设计意图二次备课导入新课不同的国家有不同的艺术传统，我们应该继承和发扬中国美术的艺术传统，那么我国都有那些传统艺术需要我们继承和发扬呢？这节课我们来学习《继承和发扬中国美术的艺术传统》。

引领分析出示故宫的图片，请同学们讨论，故宫的建筑风格以及所体现的人文精神。（1）大屋顶、金黄色的琉璃瓦的艺术美感和实用性。（2）为什么采用木结构的建筑体系。例：它的材料是以木结构为主的，木结构的建筑体系向来注重人与自然的高度协调，尊重自然，体现“天人合一”的境界，在艺术风格上重视对中和、平易，含蓄而深沉的自然之美的表达，它集轻巧、坚韧、易于加工于一身。（3）与西方建筑相比较，在风格上有什么不一样的地方。（4）它所反映的人文精神是什么。将同样是通过人物形象表现理想美的题材作品进行比较：将顾恺之的《洛神赋图》和希腊雕塑的代表之作《米洛斯的阿弗萝蒂特》进行比较，并引导学生去体会不同的风格及其艺术美感。（1）你是怎样理解顾恺之的绘画精神一一“传神写照，正在阿睹中” o的？主要是引导学生从技法上去分析作品引导学生从表现手法上去比较中西方人物画的异同。

九年级美术下册 1 继承发扬中国美术优秀传统教学设计人美版

1.继承发扬中国美术优秀传统 1教学目标知识目标:通过对比的方法,了解我国与世界上优秀建筑、雕塑、绘画的艺术风格,从而更好地了解中国传统艺术的形式和风格。能力目标: 用语言阐述自己对中国优秀民族艺术的认识。情感目标: 通过对中西不同风格形式美感的体验,形成审美趣味和提高美术欣赏能力,加深对美术艺术的理解,更加热爱祖国,了解自己民族的博大精深,树立民族自豪感,逐步形成崇尚文明、珍惜优秀民族艺术与文化遗产、尊重世界多元文化的态度。 2学情分析本课是针对九年级学生设置的“欣赏。评述”。这一年龄段的学生有自己独到的见解和想法,他们的主观意识很强,有一定的分析、辨别、判断能力,因此,本课针对初中学生的年龄特点,从四个方面概括介绍中国美术最突出的艺术传统,可以降低难度,易于学生从整体上对祖国优秀的美术传统有一个概括的了解,从而激发学生学习中国传统美术的持久兴趣。 3重点难点教学重点:通过中外美术作品的比较分析、讨论,使学生了解,个民族尤其是中华民族艺术独特的风格和审美特征,认识到“只有民族的才是世界的”这一观点。教学难点:中外美术作品的形式艺术风格的对比。初步理解传统和多元文化并存的关系。 4教学过程导入不同的国家有不同的艺术传统,我们应该继承和发扬中国美术的艺术传统,那么我国都有那些传统艺术需要我们继承和发扬呢?这节课---- 新课出示故宫的图片,请同学们讨论,故宫的建筑风格以及所体现的人文精神。 (1) 大屋顶、金黄色的琉璃瓦的艺术美感和实用性。 (2) 为什么采用木结构的建筑体系。例:它的材料是以木结构为主的,木结构的建筑体系向来注重人与自然的高度协调,尊重自然,体现“天人合一”的境界,在艺术风格上重视对中和、平易,含蓄而深沉的自然之美的表达,它集轻巧、坚韧、易于加工于一身。 (3) 与西方建筑相比较,在风格上有什么不一样的地方。

民间艺术赏析

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中国民间艺术赏析我国有着深厚的历史文化底蕴，在五千多年的文明中，民间工艺也占据着重要的位置。民间工艺有着自己强大的生命力和鲜明的特色。我国的民间工艺在很大程度上，是对我国原始的一种延续，民间工艺中有很多原始艺术的影子。它同样继承了实用与审美统一的特点，大部分都带有浓厚的乡土气息，带有乐观向上、淳厚、真实的感情色彩，是人类劳动生活中最质朴的艺术思想和艺术的体现，在世界艺术宝库中也光彩夺目。一、民间工艺的分类 1.美化日常生活用品的民间工艺为了美化日常生活，勤劳的民族围绕着直接的衣食住行制作了很多必需品，如各地区和各民族的服饰鞋帽、房间装饰品、器皿家具、雨伞、扇子、帐子、帘子等。这些民间工艺有很多都具有较高的美学价值和浓厚的地方色彩。一般都是采用天然的材料和手工制作而成，简练质朴，明快大方。“在汉族地区的印蓝花布和花格土布，少数民族的蜡染和织锦，都是富有特色的染织品。贵州的蜡染，湘西的蓝印画布，云南和湘西的扎染，都是民间印染中几个极具特色的品种。” 2.装饰与美化的民间工艺装饰美化环境的民间工艺有木版年画、剪纸、帐沿、挂饰等。民间木版年画分布于全国各地，是用于春节期间张贴而常年欣赏的，色彩艳丽富

有装饰性。剪纸的种类很多，有窗花、墙花、顶棚花、烟格子等。帐沿有画的、绣的和彩印的数种。挂饰如陕西省的泥塑虎头挂片、山东省的刺绣门帘挂饰等。这些民间工艺形式多样，生活气息和乡土气息很浓。“像民间剪纸各个地方都有自己的特色，山东黄岛剪纸粗犷豪放；山西浮山剪纸有鲜明的地方特点，内容十分丰富，有历史故事，民间传说等；江苏扬州剪纸是民间专门用做鞋花的艺术品，其特点是秀丽洒脱，光洁干净，构思新颖，布局完美。” 3.体现节令风俗的民间工艺在中国传统节气中，从正月初一到腊月三十，一年里有许多的节令，并有相应的民间工艺产生。如春节的年画、门神、春联等，元宵节的灯彩，清明节的风筝，五月端午节的划龙船、扎彩粽、绣香包等，七月七日乞巧、刻花瓜、剪牛郎织女，八月十五中秋节吃月饼、做瑞饼花馍，九月重阳登高、做重阳糕、插重阳旗，等等。这些带有民俗特点的艺术年复一年地出现，其形式既有明显的传承性，又不断地翻新，在民间的文化生活中起着巨大的作用。“我国传统年画色彩鲜艳，画法工整，构图集中，人物突出，形象优美。它多以写实与装饰、写人与写景相结合的简明、夸张手法，表现欢乐、幸福、祥和、劳动和勇敢等题材，是绘画艺术中的一朵奇葩。” 此外，在民间工艺中有些是用来表达情谊和用作纪念的，如荷包、鞋垫、织的手帕、缝的绣球、花包等。有的是用于儿童玩耍的，有的是结合一些礼仪使用的，还有的是用来丰富文体活动的，诸如：皮影戏、木偶、

中国民间艺术教案

中国民间艺术——剪纸教学目的：唤起学生对民间剪纸艺术的热爱；使学生认识民间剪纸艺术，学会运用剪纸的基本技法制作剪纸作品；培养学生的创造性思维能力和动手能力。教学重点：重点理解和掌握剪纸的造型装饰手法，培养学生创造性地设计剪纸作品能力。教学难点：是创作和正确把握纹样好连接与完整性。教具准备：多媒体、示范作品、彩色纸、剪刀、刻刀，订书钉。教学过程：一、观看视频片段引出课题观看中央美院最近原创剪纸动画《大红公鸡毛腿腿》选段，这是哪种民间艺术表现形式？——剪纸。引出今天的课题。民间剪纸是中国古老的传统民间艺术。它历史悠久，风格独特，深受国内外人士所喜爱。二、讲授新课（一）剪纸的种类：剪纸按纹样大致可以分为：人物、鸟兽、文字、器用、鳞介、花木、果菜、昆虫、山水等。还有人提出加上世界珍奇现代器物两类，共计11类。（二）剪纸的运用花瓶、餐具、水杯，服装，屏风、建筑等。（三）剪纸的表现手法 1.剪影法剪影是剪纸艺术中的一种古老形式，它是通过外轮廓的形状表现人物和物象的形状，所以它最注重外轮廓的美和造型。剪影一般以表现人物、动物、景物等物体的侧面为好。

2.阴剪一般指镌刻，就是刻去表示物象结构的线，用在黑色块面中展现线条的方法，来保留大的体面，这种效果厚实、结实、稚拙感很强，有一种强烈的黑白对比感。北方剪纸多用此法。阴刻剪纸——线线相断 3.阳剪一般指镂剪，就是剪去空白的面，留下线条或稀疏块面的方法，以保留各种变化的线条。这种方法流畅、清雅、玲珑剔透。南方剪纸多用此法。阳刻剪纸——线线相连 4.阴阳剪此法是在同一幅作品中，出现了阴阳两种剪法，使构图变化多样，画面黑白灰对比鲜明，是一种表现力很强的方法。现代内容的剪纸多用此法。（四）和剪纸的符号 1．小圆孔 2．月牙形 3．柳叶形 4．锯齿形（五）剪纸步骤

《中国艺术精神》5000字读后感

《中国艺术精神》读书笔记在中西文化相互碰撞，中国传统文化面临危机的背景下，徐复观先生写了《中国艺术精神》一书，系统地指出中国传统的艺术精神及其对现代人生的启示。他在此书中对儒道两家思想在传统艺术人生形成过程中的地位与作用做了深入研究。这本书一共十章,前两章分别论述了儒家孔子与道家庄子各自所代表的艺术精神,其余八章均为论述绘画艺术及其所蕴涵的中国艺术精神。整部著作以第二章为总纲领,重在探讨庄子为艺术而艺术的“纯艺术精神”,其结论是中国绘画艺术是由庄子哲学一路开导而出。所谓艺术精神，就是指一种艺术独自具有的、内在的品质或气质，更或说是蕴涵一种文化的根本理念。谈及中国的艺术精神，徐复观先生就其中国艺术精神是庄子精神的论述具体在本书中有所阐述：庄子之所谓道，落实于人生之上，乃是崇高的艺术精神；而他由心斋的工夫所把握到的心，实际乃是艺术精神的主体；由庄子所显出的典型，彻底是纯艺术精神的性格，而主要又是结实在绘画上面；老、庄思想当下所成就的人生，实际是艺术的人生；而中国的纯艺术精神，实际系由此一思想系统所导出；当庄子从观念上去描述他之所谓道，而我们也只从观念上去加以把握时，这便是思辨的形而上的性格。但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神；庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同；对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。徐复观认为，中国人在艺术精神上的诸多区别，如果穷究到底，可以概括为孔子和庄子所代表的两个典型。这是因为：中国只有儒道两家思想，由现实生活的反省，迫进于主宰具体生命的心或性，由心性潜德的显发以转化生命中的夹杂，而将其提升和纯化，进而落实于现实生活之上，奠定人生价值的基础。所以只有儒道两家思想，才有人格修养的意义，并使这种人格修养的作用成为文学艺术的根基。而具体地看，孔子和庄子所代表的艺术精神，又呈现出两种典型性格。由孔子所显发出的艺术精神，是道德与艺术合一的性格；由孔门通过音乐所呈现出的为人生而艺术的最高境界，即是善与美的彻底谐和统一的最高境界。由庄子所显发出的艺术精神，则是彻底的纯艺术的性格；中国的纯艺术精神，实际上是由此一思想系统所导出；中国历史上伟大的画家及画论家，常常在若有意若无意之中，在不同的程度上，契会到这一点。当然这并不是说，只有孔子所奠定的儒家艺术精神才是“为人生而艺术”，由庄子所奠定的道家艺术精神则是“为艺术而艺术”，可以说，唯有“为人生而艺术”才是中国艺术精神的正统。但儒家所开出的艺术精神，立足于仁义道德，需要经过某种意味的转换方能成就艺术，没有这种转换便不能成就艺术，而更能代表中国艺术精神的，则是庄子的艺术精神。对庄子的艺术精神进行疏释，是徐复观阐释中国艺术精神的画龙点睛之笔。徐复观进而通过对中国思想史和中国绘画史圆融于一体的考察，对庄子的艺术精神的深远影响作了深入论析。他指出，庄子的艺术精神，特别是在绘画方面，通过魏晋玄学的影响，结出了丰硕的成果。而魏晋玄学的影响，是通过人物画与山水画两方面表现出来的。徐先生从文化的角度来研究艺术，将艺术作为与道德、科学相并立的三大文化支柱之一。他认为艺术最能体现出一个全整个体所具有的修养和所达到的人生境界，同时也是修身养性的手段。中国传统艺术成就蔚为大观，而其中体现的艺术精神来讲，就是由道德而艺术，在世界中安顿内在自我进而达到与外在社会秩序和谐的一种力量和超越精神。他进而认为，中国文化的精髓和最高体现就在其艺术精神，而中国的艺术精神实际上则由老庄思想系统所导

浅谈中国传统绘画的特点

浅谈中国传统绘画的特点中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点：一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功

夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己

《中国民间美术》省优质课比赛一等奖教案

《中国民间美术》教案课业类别：美术欣赏操作课课时：一课时教材分析：中国民间美术种类繁多，寓意深刻，文化内涵深厚，是一个自成体系的美术种类，是我国传统文化精髓之一。欣赏民间美术作品首先要搞清民间美术的概念、种类，了解民间美术的一般审美特征，初步掌握民间美术的一般欣赏要点。民间美术是在我们劳动人民社会生活中发生、发展，流传了几千年的美术品种，它存在于劳动群众生活的衣、食、住、行、用各方面，其品种浩繁，本课选取了剪纸、年画、风筝、玩具、编织、等几类典型的中国民间美术作品进行介绍，分析其各自特有的造型特征及审美趣味，使学生初步地、较为全面地了解我国民间美术的辉煌成就，理解学习掌握民间美术基础知识，不仅仅是继承和发展民间美术本身的问题，同时也是对民族历史文化统的继承和发展，也是我们进行树立民族自信心，增强民族自豪感教育的需要。

教学目的： 1、使学生了解中国民间美术的概念、种类及其造型特点，掌握欣赏民间美术作品的基本知识。 2．培养学生对中国民间美术作品的初步的欣赏能力。 3．激发学生对我国丰富多彩的民间美术的喜爱之情，从而使学生热爱祖国的传统文化，振奋民族精神。教学重点： 1．讲清并使学生理解民间美术的基本特点、民间美术在造型方面的特征以及审美特征，是使学生理解、喜爱民间美术的关键。 2．进行继承民间艺术传统，发扬民族精神，弘扬民族文化传统的引导，进行爱国主义教育。组织教学：１、将课题分成六个小部分，学生分成六组，自由组合。 2、根据实物作品整理各部分的材料，展开讨论。 3、检查学生回答得问题是否充实，不足的教师给予补充。 4、课前把教师准备的材料布置在六块版面上，变成小小展览厅。教学过程：一、新课导入 1、自我介绍 2、（把实物摆放在讲桌前展示-------）导入主题曾经有人说过：民族的才是世界的，才是有生命力的，而民间美术是民族文化的重要组成部分，因此，作为一个中国人，应该了解中国的民间美术。中国的民间美术是我国五千年文明留下来的具有东方特色的遗产，是中华民族不

《中国艺术精神》字读后感

精心整理《中国艺术精神》读书笔记? 在中西文化相互碰撞，中国传统文化面临危机的背景下，徐复观先生写了《中国艺术精神》一书，系统地指出中国传统的艺术精神及其对现代人生的启示。他在此书中对儒道两家思想在传统艺术人生形成过程中的地位与作用做了深入研究。这其余 ,重 ? 是思辨的形而上的性格。但当庄子把它当作人生的体验而加以陈述，我们应对这种人生体验而得到了悟时，这便是彻头彻尾的艺术精神；? 庄子所追求的道，与、艺术家所呈现出的最高艺术精神，在本质上是完全相同；?对儒家而言，或可称庄子所成就为纯艺术精神。?

徐复观先生提出的这些观点，让我耳目一新，为我理解中国艺术精神提出了一条比较重要的路线。? 徐复观认为，中国人在艺术精神上的诸多区别，如果穷究到底，可以概括为孔子和庄子所代表的两个典型。这是因为：中国只有儒道两家思想，由现实生活的反省，迫进于主宰具体生命的心或性，由心性潜德的显发以转化生命中的夹杂，而将徐复观进而通过对中国思想史和中国绘画史圆融于一体的考察，对庄子的艺术精神的深远影响作了深入论析。他指出，庄子的艺术精神，特别是在绘画方面，通过魏晋玄学的影响，结出了丰硕的成果。而魏晋玄学的影响，是通过人物画与山水画两方面表现出来的。

徐先生从文化的角度来研究艺术，将艺术作为与道德、科学相并立的三大文化支柱之一。他认为艺术最能体现出一个全整个体所具有的修养和所达到的人生境界，同时也是修身养性的手段。中国传统艺术成就蔚为大观，而其中体现的艺术精神来讲，就是由道德而艺术，在世界中安顿内在自我进而达到与外在社会秩序和谐的一种力量和超越精神。他进而认为，中国文化的精髓和最高体现就在其艺术精神，而 ? 独”、“正心”等更容易做到的工夫完成人格修养，因而也就“无需乎必取途于乐”。从外部看，孔子所要求的“为人生而艺术”的雅乐并不能被一般大众所接受，“孔子所追溯达到的美善合一的音乐精神与其形式??之合于少数知识分子的人生修养之用”。而易于被人民接受的俗乐又“始终不能得到被儒家思想所影响的人们的正面

如何理解中国传统艺术精神

如何理解中国传统艺术精神？答：儒家美学的形成和发展，受孔子以“仁”为核心的思想体系影响，儒家美学的政治色彩与伦理色彩比较浓厚，强调美与善的统一，功利主义倾向比较明显。儒家主张“入世”，提倡“修身齐家治国平天下”，忧国忧民，正人正己，崇尚“先天下之忧而忧，后天下之乐而乐”，“穷则独善其身，达则兼济天下”。儒家美学的代表人物杜甫，尽管杜甫仕途坎坷,政治抱负始终未能实现，亲历安史之乱，颠沛流离，生活困窘，但始终不改初衷。甚至在写作《茅屋为秋风所破歌》时的极度困窘中，杜甫所祈求的也不是个人的幸福，而是天下寒士的温暖。受儒家美学的影响，杜甫的诗歌十分严谨，讲究对仗、工整、格律，如他的绝句：“两个黄鹂鸣翠柳，一行白鹭上青天。窗含西岭千秋雪，门泊东吴万里船。”四句诗,两两成偶，对仗工整，一句一景，彼此并列。道家美学的形成和发展，受老庄以“道”为核心的思想体系影响。道家美学崇尚自然之道，追求个体精神的绝对自由，具有鲜明的超功利倾向。道家主张“出世”。认为真正能观于天地而体道得道的理想人格应当与天地并生，与万物为一，与造化同流，与日月同辉，游乎四海之外” 。道家美学代表人物李白，原来也有政治抱负，受到唐玄宗的礼遇，供奉翰林，但政治上并不受重视，又受权贵排挤，仅一年就被“赐金放还”，从此离开长安，遍游名山大川。李白的诗歌充满了老庄道家的意味，渴望精神的绝对自由，仙与酒成为李白常常吟咏的题材。如“我本楚狂人，凤歌笑孔丘，手持绿玉杖，朝别黄鹤楼。五岳寻仙不辞远，一生好游名山游”。李白的诗歌风格，不拘一格，挥洒自如，可以看出李白的道家思想飘逸的一面。禅宗是中国化的佛教。主张“心”是世界的本原，认为“一切法皆从心生”，高扬“心”的地位和作用，主张“遁世”，即避而不入。禅宗认定法由“心”生，境由“心”造，而“心”是空寂的，所以“心”所显现的世间一切事物和现象皆虚幻不实。禅宗美学的代表王维虽然受到儒家道家的影响，但更多地受到佛教禅宗美学的影响。王维长期在京供职，官至尚书右丞，晚年笃志奉佛，“退朝之后，焚香独坐，以禅诵为事”。王维的诗里都充满了浓郁的禅意。如“空山不见人，但闻人语响。返景入深林，复照青苔上。” 正是儒、道、释三者的不断冲撞和融汇，影响和决定着中国传统艺术思想、审美趣味的不断变化、发展，形成了中国传统的艺术精神，具体说来包括以下六个方面的内容。道，中国传统艺术的精神性。道,为中国古代哲学最高范畴, 道有天道、人道之分。天道是关于宇宙根本问题的学说，人道是人生根本问题的学说。老庄道家侧重于“天道”或“自然之道”，孔孟儒家侧重于“人道”或“论理之道”，禅学的“佛性”（即心即佛）相似于“道”的概念。天、人统一于“道”，也就是“天人合一”之道。“天人合一”决定了中国古代哲学的基本精神是追求人与人、人与自然的和谐统一。“天人合一”的思想对中国传统文化与中国传统艺术产生了巨大的影响。“天人合一”是中国传统文化的核心范畴，它不仅是一种人与自然关系的学说，而且也是一种关于人生理想, 人生价值的学说。“天人合一”思想认为人是自然界的一部分，而自然界具有普遍规律，人也应当服从这种

中国绘画艺术欣赏

中国绘画艺术欣赏感悟与心得在中华民族蔓延数千年的文化传统中生长发育起来的中国绘画艺术，以其独特的面貌屹立于东方大地。在漫长的历史进程中，形成了自身一套独有的审美体系、创作理念和表现形式。中国绘画具有独特鲜明的民族风格和完整的画学体系，是华夏文化与创造的结晶，是民族精神的闪光。美术史家把中国的绘画与希腊的雕刻、德国的音乐称为世界文化史上鼎足而立的三大艺术，又因其源远流长，博大精深，被称之为国粹。在中国绘画艺术的发展中，倾注了古今大师们的心血，中国绘画发展于今，也委实经历了一番不平常的历程。中国绘画与中国传统文化息息相关，体现着热爱自然、忍耐细致、中庸的民族性格，诠释了儒、道、释的哲学思想。对于原始的绘画艺术，这些绘画具有一定的文字功能和符号意义，反映了先民社会生活的信息及相关的图腾崇拜。进入商周时期，手工业生产规模扩大，青铜器得到了极大的发展，青铜文化集中反映了当时的文化特征。及至秦汉时期，在继承了前代绘画的基础上，绘画有了长足的发展。绘画的种类也增多，包括壁画、帛画、秦汉画像石及画像砖、器物上的装饰绘画等等，在内容上，反映了广泛、丰富的社会生活；在形式上，以相对写实的艺术风貌冲破装饰风格的羁绊，扫除西周时代的陈旧格式，呈现出崭新面貌；在思想上，要求绘画“恶以戒世，善以示后”的教化作用。这一时期随着儒家思想正统地位的确立,儒家的艺术观也就成为中华民族的传统艺术观。强调艺术的人工制作和社会政治服务的外在功利,注重其“厚人伦,美教化,移风俗”的社会效果,这种艺术观始终是中国艺术家心目中确定主题内容的准则。魏晋南北朝是我国历史上战乱频繁的动荡时期，痛苦动荡的社会促进了精神领域的全速发展，并给这个时代的艺术打上鲜明的时代烙印。在内容上以生活为主，注重人的因素，体现出人文主义的精神。在题材上，继承汉代的神话和历史故事题材，同时，新的绘画题材如肖像画、文学题材绘画、风俗画、花鸟画兴起，山水画也成为独立的画科。在风格上，从汉代的雄浑、粗朴、古拙、转为严谨精密、体韵飘然的风尚。隋唐时期统治者提倡绘画，许多著名画家云集宫廷，由于经济文化的迅速发展各题材竞立并存，中国古代绘画进入绚丽多彩的时期。此时人物画开始以世俗生活为内容，山水画也日益兴盛起来。画家不断吸收西域和外来文化的影响，艺术表现技巧更加丰富，创作题材也比较广泛。人物画越来越注意反应现实生活和刻画人物的精神气质；山水画分出青绿和水墨两大体系，产生南方、北方不同的地域风格；花鸟画创立工笔设色和水墨淡彩、没骨等多种表现方法，宗教画也显得更加绚丽多彩。可以说，唐代时期的绘画成就超过了以前的各代，影响到当时的东方各国，成为中国绘画史上的一个高峰。两宋绘画经历三百多年，题材、风格、技法都有大发展。艺术水平和表现力达到新境界。绘画内容，转向生活中的形象描写,注重真实的具体的描写。表现

多姿多彩的民间艺术教案

《多姿多彩的民间艺术》教学设计一、教材分析：《多姿多彩的民间艺术》是四年级下册第四单元“感受家乡文化，关心家乡发展”中一课。本课通过讨论、分享、展示的方法，了解民间艺术的多样性和魅力，感悟激发学生对民间艺术的喜爱和认同，探索民间艺术背后的价值和意义，为继承和发扬民间艺术作出自己的贡献。本课所体现的是《品德与社会》课程标准中引导和帮助学生“热爱家乡，珍视祖国的历史和文化，具有中华民族的归属感和自豪感”的要点。二、学情分析：全班学生46人，男生25人，女生21人，其中三分之二为城市学生，农村学生占三分之一。他们对民间艺术的印象大多停留在书本以及影视作品上，同时，他们乐学、好学。从学生的心理特点和认知程度上看，孩子们的注意力和兴趣往往会更多地放在民间艺术的外在形式上，且往往停留在表面现象上，而民间艺术和家乡气候、地形、历史文化间的密切联系则是孩子们很难考虑到的。课前指导时，教师可尽量引导学生使用简便、可行的方法收集材料，比如实地观察、查阅报刊和书籍。而材料的对象和内容尽量以学生身边熟悉的事物为主，课前准备的时间尽可能充分。课堂上，教师也要给学生们足够的交流时间与空间。对于难理解、难展现的地方，教师可先做示范，也可利用多媒体和课间对学生进行直观引导，使学生交流在范例引导下有目标、有侧重、有特色、有实效。三、教学目标： 1、了解我国著名的民间艺术； 2、知道这些民间艺术的来源； 3、了解我国民间艺术的现状。四、教训重点和难点： 1、教学重点：让学生了解和感受民间艺术的多样性和魅力，了解民间艺术的现状。 2、教学难点：探索民间艺术背后的价值和意义，树立保护和传承民间艺术的意识。

从中国传统艺术精神中去看中国古典舞的创作与发展

从中国传统艺术精神中去看中国古典舞的创作与发展摘要：本文尝试对中国传统的艺术精神在中国各个门类艺术发展中起到的重要作用的简述，从而提出了中国古典舞剧目的创作与发展应该从中国传统艺术中去继承、借鉴，从中国传统的艺术精神去吸取中华民族优秀文化的精华从而不断发展、完善中国古典舞剧目创作与中国古典舞学科体系。关键词：中国古典舞艺术精神继承借鉴一、前言中国古典舞是上个世纪50年代初提出的一个概念并创建的一个学科，到了20世纪80年代后，敦煌派、身韵派、汉唐派、昆舞派的相继建立，中国古典舞学科建设也正在一步步完善。虽然在近些年来对于中国古典舞的各种抨击和批评不绝于耳，但是值得欣慰的是无论在舞蹈表演，课堂教学和剧目创作等方面的发展都有所成就的。中国古典舞体系的创建是有根源的。它的根源都植根于中华民族优秀的文化中。这也说明了中国古典舞体系的创建和对中国传统美学思想的继承是成功的，从而带动了整个古典舞学科在表演、创作、教学等各个方面的建设。近年来在国内各个舞蹈比赛中出现了许多优秀的古典舞剧目，并涌现出了一大批杰出的古典舞演员。这就充分印证了中国古典舞这一学科成功的创建，以

及在其训练体系下所取得的各个方面的成就。二、中国传统艺术精神如今中国古典舞已经历经了半个多世纪的发展。而在当下经济全球化文化多元化的今天，如何继续发展中国古典舞，如何不断的创作出更多优秀的古典舞剧目，这都是我们应该去思考的。而中国古典舞身韵派的创立就是一个最好的实例。正是它继承、借鉴了戏曲舞蹈的动作和武术的套路和技巧，从中吸取了中国几千年舞蹈文化的精髓以及中国特有的美学思想和审美意识，才使其有了脱胎换骨的变化，才使其从戏曲艺术中分离了出来。如今的中国古典舞要想发展与创新那就必须秉承着“以我为主，以我化外”①的观点去回到中国古代舞蹈历史发展的长河中去追根溯源去继承借鉴。对于失传已久的古代舞蹈的寻根虽不可取，但我们可以另辟蹊径从融汇相通的中国传统艺术精神中去再续中国古典舞的创作与发展，或许这也是一条可行的方法。因为它们都是在中国的传统文化、社会背景和哲学美学思想的影响下产生的。它们有着共同的先祖和母体，那就是中国独特的传统艺术精神――意境、气韵、形神。当今中国文化主要是受到儒家、道家和佛教这三方面的美学思想的影响。恰恰是这三种思想交织、融汇、凝聚才形成了中国文化独特的艺术精神。经过了上千年的发展，如今这些传统的艺术精神都蕴藏在了中国的各个艺术门类，从而

中国传统绘画艺术

浅谈宋代绘画对中国传统绘画特点的继承与发扬材料学院10级四班申艳微201000150163 大唐盛世百花齐放，经济文化高度发展，长安也成为世界经济文化的中心，然而安史之乱后的中原千疮百孔，巍峨霸气的唐朝宫殿还是在无数人的哭声中退出了历史的舞台。这时宋代来临了，当浓墨重彩的繁华化为泡影，人们开始关注自己的内心，追求对内的征服。表现在艺术形式上，自然会自成一种风格，别具一番特色。再加上宋代皇帝尤其是宋徽宗具有较高的艺术修养及独特的艺术见解，所以宋代的艺术很顺利的完成了艺术的继承与发展。首先来了解一下当时的社会背景。在宋代，政府组织建立了皇家画院。根据史书记载，宋徽宗曾亲自主持画院，宋代统治者对艺术的推崇与重视由此可见一斑。当时两宋宫廷画院都讲求“形似”和“法度”，法度是要学习传统，形似是要真切细致地再现客观事物。宫廷画师以写实、形似为主导思想，发展精工细刻的作风，追求形象的逼真，构图的提炼。总的说来，两宋宫廷绘画有一段时间都追求高度的“写实”，有的美术史家把两宋宫廷绘画称为“东方写实艺术的巅峰”。物极必反，同样适用于艺术的发展规律。当写实艺术发展到极点时，宋代一些具有广博文化修养的画家开始从理论和实践上另辟蹊径，倡导文人画运动。文人运动以苏轼为核心。他提出“士人画”这一概念，系统的阐释了文人画理论，提出要将文人画家与画工区别对待，积极鼓励文化积淀深厚的文人加入到绘画创作中来。再次，他倡导诗情画意的文人

画风格，反对完全追求形似的画工风格，极力推崇王维的画作，“味摩诘之诗，诗中有画。观摩诘之画，画中有诗。” 另一方面，文人画理论很快得到了在绘画方面颇有造诣的宋徽宗的赞赏，并有宋徽宗将其推展全国性的绘画规范。文人画的迅速、顺利的开展不能说不得益于宋代有一个皇帝画家——宋徽宗。据记载，为推展文人画运动，宋徽宗亲选宫廷画师的考试题目。由以往的看事物作画，求画作的逼真，改为以诗作画。一句“踏花归去马蹄香”，让全国的学画、作画风气为之一变。从此画家开始追求人文精神的提高，人文关怀的培养。南宋被史学家成为南宋的继续，绘画上也不例外，文人画在南宋仍得到了较好的鼓励与发展。下面我就个人的理解谈一下，在社会背景影响下的宋代绘画的突出特点。宋代开始画家开始抽调画中的缤纷色彩，而进行以墨为主的创作。墨分为焦墨、浓墨、重墨、淡墨、清墨五种。每一种墨色若运用得巧妙、适当，则会呈现丰富的变化。一反面，放弃色彩，只保留最基本最经典的墨色，还原的是事物的本来面目，让人看到的是最自然的状态。这一点正是对中国文化中“天然去雕饰，清水出芙蓉”的自然美的继承。另一方面，没有外在缤纷色彩的渲染与修饰会让人们更加关注内心，注重对内心的征服，表达自己强烈的内心感受，体现的是一种极强的人文关怀。这正是文人画运动的必然产物。另外，这一点与中国画中大片的留白一起，实现了中国画家追求的永恒。没有色彩涂抹、占据，仅用计白当黑凝练的笔法将对象的轮廓作于画上，永远不

美术《中国艺术中的文人精神——中国文人画》教案、教学设计

《中国艺术中的文人精神——中国文人画》教学设计方案教学目标： 1. 知识目标：通过讲述，使学生了解文人画的基本含义 2. 能力目标：1、能清晰的对文人画的含义进行简单表述。2、能大致了解文人画的发展，及其重要人物与作品。 3. 情感目标：1、在了解历史的过程中，形成乐于观察的意识、善于思考的态度和敢于评价的勇气．2 体验中国传统瑰宝文化的魅力，加深作为中国人的骄傲。教学重点：文人画的内涵，历史发展以及精神含义。教学难点：如何清晰的了解文人画含义和精神内涵。教学过程：第一环节：视频播放引导课题第二环节：课堂讲解细致分析第三环节：课堂提问总结提升第四环节：总结全课引发思考教学环节：一、视频导入：以视频《水调歌头》诵读引导课题，吸引学生兴趣。通过结合大文学家苏轼的身份来揭示课题——《中国文人画》。二、课堂讲解：展示六张图片让学生从其中选出那些是文人画，通过对比让学生自感受文人画和其他绘画的不同。初步感受中国绘画，激发学生兴趣。 1. 提出问题“什么是文人画？”总述文人画的含义。从五个方面用对比分析什么是文人画。分别是从名称，技巧，画面，表达思想意境及其代表人物来得到文人画所代表的字面以及其深刻的含义。既从名称看, 文人与画匠画家在身份、地位、学识、涵养的不同。所以文人绘画区别于装饰性较强的院画以及大多以实用性为目的民间绘画。从技巧看，并不注重精细“像”的表现，更在意其表达的神似。从画面看，一则多留白，在其意境也为后诗书画印结合

在空间上提供条件。二则南宗之后注重于意向的抒发，而北宗重绘画功力，重形似的不同。从意境看，更加能表达作者的思想心情品性，修养与性情。也能变相反应出作者当代的社会情况。 2. 简述文人画的发展（既从魏晋南北朝，宋，元，明清，近现代）的顺序。魏晋南北朝出现其创作思想。姚最“不学为人，自娱而已”成为当时文人画的中心；宋文人画运动：苏轼提出“士人画”一词，文人画运动开始，宋徽宗翰林图画院把文人画从运动提升为制度，画家地位提升到一定高度；元文人画复古风气。赵孟頫提倡古意，复唐绘画，元四家绘画从之发展与后世的继承；明清代文人画鼎盛；近现代文人画衰败消失。（通过历史的进程来清晰的展现文人画发展。使学生对文人画的历史有一定了解。使得学生在听历史故事的同时，能对于近现代文人画消失表示惋惜。对中国古典文化的缺失感到遗憾。） 3. 文人画的题材，文人画的题材多为梅、兰、竹、菊、高山、渔隐之类. 4. 讨论：为什么古代的文人要以这些题材入画？梅、兰、竹、菊入画，丰富了美术题材，扩大了审美领域。不但本身富有形式美感，而且令人联想起人类的品格。所以既便于文人们充分发挥笔墨情趣又便于文人们“借物寓意”，抒发情感。因此，描写“四君子”之风至今尤盛。三、精神内涵：1、中国传统艺术中的文人精神。中国古代文人画不拘泥于形体、线条、色彩、笔墨等，特别注重画外画、景外景、意外意的审美意向。讲求人与自然的亲和性、人际关系的伦理性。或超逸旷达，或含蓄内敛，彰显了东方人的审美情趣和人文智慧。 2、文人画的特点：文人画重意文人画重简文人画重笔墨情趣四、课堂小结：中国文人画源远流长，多以梅、兰、竹、菊、高山、渔隐、山水等为题材，以简单的笔法以形写意，笔墨情趣跃然纸上，抒发他们内心的情绪，表达其自身的心灵感受。或超逸旷达，或含蓄内敛，给人以深刻思考。彰显了东方人的审美情趣和人文智慧五、课堂练习：1、宋代文学家苏轼的诗词感情豪迈奔放，胸襟开朗洒脱；他在艺术上的造诣并不逊色于诗词，他的艺术作品对我国古代“文人画”影响颇深。“文人画”是指画中带有人文情趣、画外流露文人思想的绘画。下面对“文人画”的说法正确的是（D ） A ．文人画与中国山水、花鸟、人物并列成为中国画的题材 B．文人画最早可追溯到唐代诗人王维的作品

中国传统文化与中国艺术精神

中国传统文化与中国艺术精神演讲人：彭吉象演讲地点：重庆大学演讲时间：2015年10月人类虽然都要追求真善美，但中国传统美学观念和西方传统美学观念有很大的不同。这种不同，直接影响到中国艺术和西方艺术有很多明显的区别。其区别我们可以从以下几个方面进行简单的比较。中西美学比较人类都在追求真善美，但是，中国的美学和中国的艺术更多地追求美和善（善就是伦理）的统一，更加强调艺术的伦理价值；而西方的美学和西方的艺术更多地追求美和真的统一，更加强调艺术的认识价值。正因为如此，就造成了两种艺术表现形式很大的不同，例如我们以西方话剧和中国戏曲中的悲剧为例，西方的悲剧可以说是彻底的悲剧，一悲到底，如莎士比亚的《哈姆雷特》，到最后差不多台上所有的主人公几乎都死了，哈姆雷特自己死了，他的父亲被他的叔父害死了，然后叔父死了，母亲死了，未婚妻死了，他的岳父也死了，小舅子也死了，台上的人几乎都死光了，这就是西方的悲剧。中国的戏曲就不是这样的，中国的戏曲并不是没有悲剧，但是中国的戏曲一定要有一个光明的结尾，或者称为大团圆的结局，一定要让“善”战胜“恶”，这就是中国文化强调的美与善统一。中国传统美学强调的是表现、抒情、言志；而西方强调的是再现、模仿、写实。这是一个很大的不同。中国的艺术注重表现艺术家的情感。如中国绘画更多地强调表现，不注重焦点透视，而是注重散点透视；西方绘画却非常注重焦点透视，强调再现、模仿和写实。为什么会这样，区别的原因在哪里呢？我觉得除了两种文化不同以外，还有一个就是两种文学的源头也不一样。中国文学史是从《诗经》、《楚辞》开始的。《诗经》是流行于2000多年前的民间歌谣，《楚辞》是屈原、宋玉创作的作品。而且《诗经》大部分在黄河流域，而《楚辞》是在长江流域。《诗经》和《楚辞》分别代表了中国的黄河文明和长江文明，但是

中国传统艺术赏析

中国传统艺术赏析中国雕塑摘要：雕塑定义为美化城市或用于纪念意义而雕刻塑造、具有一定寓意、象征或象形的观赏物和纪念物，是造型艺术的一种，又称雕刻，是雕、刻、塑三种创制方法的总称。雕塑常借以反映社会生活、表达艺术家的审美感受、审美情感、审美理想的艺术。中国雕塑，为中国文化的重要组成部分，中国雕塑既可以是一个国家文化的标志和象征，又可作为该民族文化积累的产物。雕塑述说着民族发展的历史，凝聚着民族的精神和传统，代表着每一历史时期的精神面貌，反映着自古至今，人们的无限追求与执着信仰，展现价值观念及审美情趣。中国雕塑，城市建筑等，都是一个民族精神文明与物质文明最直观、最集中的表现。关键词：传统艺术、雕塑，中国文化正文：（一）雕塑的发展史在悠久的历史进程中，我们的祖先创造了许多精美的雕塑艺术作品。中国雕塑艺术是中国社会生活的反映，除了原始石器，从夏朝起到目前为止，按照遗存的资料和它的发展顺序的主要变化，可分为南北朝以前和南北朝以后。但在这两大段中，又可分为四个阶段：①、殷商-战国；②、两汉-晋；③、南北朝-五代； ④、宋-清。 1、殷商-战国 ⑴、中国原始时期的雕塑艺术大致可以追溯至公元前四千年以上。最初的雕塑可以从原始社会的石器和陶器算起，这是中国雕塑的序幕。造型多样的陶器，为中国雕塑的多向性发展奠定了基础。中国原始雕塑的最初形态是陶制品。它与其实用价值密不可分，从工艺手段上讲，大致可以分为以下几种：一是以动物外形为器皿，如仰韶文化遗址出土的陶质鹰鼎。二是装饰部分的雕塑，它们有的以配件的形式出现，如盖钮、把手等；有的以表面浮雕等形式出现。题材有动物、植物、人物等等。三是小型动物或人

中国传统文化的艺术精神(上

中国传统文化的艺术精神（上）楼宇烈一、中国文化充满艺术精神我今天要给大家讲的就是中国传统文化中间的艺术精神。我们讲中国文化的最根本的特征就是以人为本，或者以人为中心一种人文的文化。它体现出来的一种人文的精神，那么怎么样来养成这样一种人文精神呢？主要是通过传统的礼乐教育，礼乐教育从一方面来讲它是讲的两个方面，礼，我们说也可以作为一种伦理的教育，那么也体现为一种伦理的精神，那么乐的教育呢，也可以说是一种艺术的教育，或者说是美育的教育，体现中一种艺术的精神。为什么我这儿要把艺术教育还要跟艺术精神提出两个概念来，主要艺术精神它所包含的意义要比一般的艺术教育或者艺术来的宽泛，它并不一定说我要教你做一个会写诗、会画画、会演奏乐器等等一个具体的艺术的门类，而是指它一种体现艺术所追求的一种境界的那么一种精神。所以不一定跟具体的艺术完全联系在一起，也就是说某种程度上它是超越具体艺术的这样一种精神。所以这个可以说是中国文化中间两个方面，一个方面是伦理的精神，一个方面是艺术的精神。这两个方面它又是互相配合的，不可分割的。那么礼来规范人的社会的身份、地位等等。就像我这儿讲的礼是辨易、来明分，说明分就是来确定每个人在社会上的身份、地位、责任、权利、义务等等这样一些方面。也就是社会秩序的建立。乐按照传统说法它是统同的，也就是来合群的，因为这个社会都是一个群体，那么用礼把这个群分成了各种不同的身份、地位、等级、各种不同的责任、权利、义务，同时又用乐，通过乐教来使得这个群体使得不同的身份、等级、地位的人能够和谐一体，能够达到一种和谐，通过这个乐来表达人们自己的一种志向、情感，那么来交流、构建一个和谐的人际关系。所以在中国的文化中间可以说礼乐这两个方面是紧密的结合在一起，通过这个礼乐教化来养成一个人的最根本的品质。也就是说使人成为一个真正的人，一个合格的人，一个有高尚品德的人，都是通过礼乐来实现的。因此中国历史上大家都可以看到非常重视乐教，因为礼教大家都比较熟悉，很多过去常常讲中国历史上的文化是一种伦理的文化，实际上只看到礼教这一方面。很少注意到乐教那一方面，不仅仅是好像看起来非常严肃的、非常等级森严的，而同时又是非常和谐的。所以我讲要了解中国文化，如果不了解乐教这个方面或者是不