安格尔绘画中的“真实” 与“理想之美”
浅析安格尔绘画艺术中的独特与创新
平列上 在创作中他使用 薄涂 和淡色底来确保 画面的明度 和不变色 ： 而在暗部使用不透明的白色求得 以呈现浅浮雕式的平面化效果 因而 差不多每一幅画都力求做 到构 图严谨 、 色彩单纯 、 形象典雅 ， 这些 特点 在 他的《 泉》 、 《 大宫女 》 、 《 土耳其浴 室》 等一 系列表 现人体美 的绘 画作 品 中尤其体现得较突出
２ ． 绘 画题 材 的 选 择
安格尔的创作 ， 包 括了历 史画 、 女性人体 画以及 肖 像画， 但 由于创 作思想的消极 面 ， 历史画 的成就 并不高 ． 女性人体 画和 肖像 画方 面则 取得了很大的成就 ２ ． １表现对象—— 对女性 的挚爱 安格尔画作 中成 就最高 、 最 引人瞩 目的是女性 人体画 ． 他一 生以 浓厚的兴趣表现女子裸体 由于他本人是极 为崇 尚 自然 ， 他 的裸 体创 作往往不事雕琢 ． 是 自然形象洗练化 与古典造型理性 的完美结 合。对 肌肉、 皮 肤的褶 皱、 酒 窝以及 肉体 的起伏 （ 波浪线 ） 都加 以完美 的表 现。 这些裸体 女子 ． 虽然被 画得光滑 、 美丽 ， 但并没有像华多笔 下的女 子那 样 的轻挑和欢愉 ， 往往 显得 比较庄 重和冷漠 ， 如《 瓦 尔品松浴女》 中的 经典裸体背影 但是 ． 安格尔的裸体画也存在着某些弱点 ， 不 象马萨乔 、 米开 朗基 罗、 乔 尔乔 内等 大师的裸 女画那样 ， 体现一种 充满人性 的时代 理想 。 安 格尔 在裸女 上所 寄予 的理想 ． 是“ 永恒 的美 ” 这一 抽象 概念 ． 借助 娴熟 的艺术技巧 ， 表现女 性的身段 美 、 线 条美 ， 却缺 少 了人 的理想境
响方 面． 阐述 了其绘 画艺术 中的独特与创新。 【 关键词 】 技巧处理； 色彩； 线； 题材
“除了色彩，素描是包罗万象的”——安格尔与小提琴家帕格尼尼
INSIGHT术而时尚的扣子。
在这幅卢浮宫馆藏的肖像画中，安格尔对帕格尼尼的描绘达到了逼真的程度，帕格尼尼随意地将小提琴夹在腋下，用平视的目光看着观众。
那表情充满了权威，但他狂野的头发却透露出一些不寻常的东西。
大都会馆藏的另一幅《帕格尼尼》，似乎是卢浮宫这幅肖像照的镜像版。
安格尔与帕格尼尼私交不错，二人曾同台演奏贝多芬的弦乐四重奏，也算从侧面印证了安格尔的演奏水平。
给帕格尼尼画这幅素描的缘由不得而知，或许是出于二人在同台演出后的留念。
然而，安格尔这幅素描却被当时很多人诟病，因为他没有将帕格尼尼英俊洒脱的形象和狂放不羁的演奏状态展示出来。
他笔下的帕格尼尼像个贵族绅士，丝毫没有“魔鬼小提琴家”那擅长即兴演绎的“野性”，算是对艺术家的一种“误读”。
与卢浮宫和大都会这两幅安格尔创作的肖像画对比，德拉克洛瓦（EugeneDelacroix）的这幅《帕格尼尼》这似乎更符合他“恶魔小提琴家”的声誉。
1831年3月9日，德拉克洛瓦在巴黎歌剧院观看了尼科罗·帕格尼尼的现场演奏，进而完成了后者的整身肖像习作。
德拉克洛瓦笔下的帕格尼尼正处于激烈的演奏而导致的痛苦中，也许是在演奏他著名的“魔鬼的颤音”。
帕格尼尼和安格尔同属于一个音乐圈，曾经在一起拉小提琴。
世界就是这么的小。
安格尔既混绘画圈，又混音乐圈，而且两个领域都达到了顶尖水平。
他对乐器的喜爱甚至还催生了一个新的法语词“ le violon d' Ingres（安格尔的小提琴）”，意为兴趣爱好。
现在埃尔菲铁塔附近还有家这个名字的餐厅。
帕格尼尼的父亲是一个爱好音乐的商人，在帕格尼尼3岁时就开始教他小提琴演奏技巧，后来又让他师从小提琴家塞尔维托·科斯塔学习。
帕格尼尼8岁时便创作了他的第一首小提琴奏鸣曲，并能演奏小提琴家、作曲家布雷尔的协奏曲。
他9岁加入市立歌剧院的管弦乐团，11岁就登台演奏自己创作的《变奏曲》。
12岁时他把《卡马尼奥拉》改编成变奏曲并登台演奏，一举成功，轰动了舆论界。
安格尔眼中的艺术
、
新古典主义应运而生。其 中维安 、 达维特作 为新古典主义 绘画的早期 代表 三节脊椎骨”， 从 解剖学 上看是不符 合事实 的。 但是从 画面 的审美上来 说 ， 人物 。 反对过分装饰的绘画特点 。 在回归古希腊 庄严 、 朴素 的古典艺术 方面 这样的人体造型更能带来 视觉 上的享 受， 作 为艺术上 的“ 真 实” 是 行得 通 的。安格尔发挥了画家独特 的审美本质 ， 以艺术地真实完 美的表现 了客观 安格尔作为达维特的学生 ， 继 承 了这一艺 术主 张 ， 并被 推 为了新古 典 的 真 实 。 主义绘画的领袖。在他漫长的艺术人生 中． 始终 是古典传统 的拥护者 和捍 安格尔的绘 画， 人 物形 象无论是 什么样 的姿态 ， 都在稳 定 的构 图 中保
取 得 了一 定 的 成 绩 。
卫者。他的艺术风格呈现 出一贯的古典 、 庄重 、 和谐 的艺术 美感 。 在他 的笔 持着画面的平衡 ： “ 平衡 的样式是由种种具有方向 的力所达到的平衡 、 秩序 下不管是历史画 、 宗教画还是神 话都注 重古典 艺术 的修饰 ， 尤其 是女 性形 和 统 一 ”， 从而 给 人 一 种 平 静 、 舒 适 的视 觉 享 受 。 象。 画 面 中流 淌 出的 是 典 雅 的 、 唯美的 。 婉约的和谐之美。 在绘画技巧上， 线条成 为安格 尔艺术 的特质。带有主观感 情的线 条是 从未有人把线条 的抽象美 的意 安格尔忠于真实 ， “ 美只存在 于真 实之中” ， 他认 为古希 腊、 古罗马 的艺 他表达画面境界的重要媒介 。安格 尔之 前， 术是绝对的美 ， 是真实的美。安格 尔在 解读艺 术 时讲 到永 恒 的美和 自然 ， 义 强 调 到 如 此程 度 。 “ 人 们 明 确 地 意 识 到 线 条 并 非 纯 粹 出 自天 然 ， 而 是 出 这里永恒的美是指古典艺术 。他 对传统 的尊重 与对 古典艺 术的喜 爱超过 自观察者所获得 的个人 印象。毕竟 ， 艺术 的 ‘ 美’ 本 身是 艺术 所追 求 的至 至于模特儿、 自然、 题材都 只不过是进 行独特创作 的种种依 托和借 用而 其他人 ， 他说 ： “ 漠视 古代传统 ， 眼里只有他 自己的艺术 ， 充 其量也不过 是懒 境 ，
我最喜欢的古典主义画家
我最喜欢的古典主义画家——安格尔安格尔一直是我很喜爱的古典主义大师.惊叹他精于形状的描绘,还有冷静清晰的构图，细腻精细的描绘几乎看不出笔触。
用"淡漠"二字来形容他的作品十分贴切.尤其是他笔下的肖像画作品.那些画中的人物.无不透露出一股高贵而淡漠的气质.尤其是那副《加拉德林娜·埃莲诺尔》，那种古典淡漠之美。
排除一切外在的情感冲动，还有那副很著名的〈泉〉，塑造了一位手托水罐的少女形象。
在安格尔的身上我们可以看到拉斐尔的影子，他们的画作都充满了恬静纯粹之美。
除了他的肖像画，另外要提一下的是他的素描作品。
其实从素描作品中就可一窥画家的个人风格。
和他的肖像画一样，他的素描作品同样是注重线条，描绘精细，寥寥几笔便将人物的性格与外貌表露无疑。
但是他的作品有个致命的弱点，依然是线条。
过于追求线条的干净流畅，使得线条压倒了一切，画面有时显得过于平整。
所以会有人说：“他的作品充满了金属般坚硬冰冷的绘画性，却又缺少绘画作品必须的流畅与灵魂”。
过多的顾及技术，无形之中就在作品与观者之间筑起了一道墙。
但是安格尔的作品，始终是赏心悦目的。
在他的画里，没有痛苦和分裂，只有美、静谧与秩序。
让-奥古斯特-多米尼克·安格尔出生于蒙托邦，父亲是装饰雕刻家、皇家美术院院士，自幼受到家庭良好的艺术教育,6岁时进教会学校学习绘画音乐,9岁时画的素描头像已显示出超群的才能。
尔后进入当地的绘画雕刻学校学习，当他第一次见到老师给他们看拉斐尔《椅中圣母》临摹作品时，激动得流下热泪，这个印象决定了他的日后艺术追求和命运。
17岁的安格尔经格罗介绍入大卫画室学习，由于成绩优异使拿破仑免了他的兵役，19岁时升入美术学院。
1806年因获得罗马大奖而赴罗马法兰西学院学习，四年期满后不愿回法国，因为他的古典主义倾向作品在巴黎历遭冷遇，因而继续留在罗马研究古代艺术遗迹，成为意大利古典艺术的崇拜者。
40岁的安格尔移居佛罗伦萨，四年后由于为故乡画了一幅《路易十三的誓言》而回到巴黎，意外地受到欢迎并被选入皇家美术院院士，可悲的是他的古典主义风格作品仍遭冷遇，无奈再度回到罗马，他说：“巴黎对我有敌意，我决心离开这里，寻求安宁，我争取到了做罗马学院院长的任命，去代替维尔涅。
安格尔《泉》赏析
静穆的伟大，崇高的单纯——浅析安格尔《泉》未见其画，先闻其名。
当得知这幅画是安格尔76岁所画的最著名的代表作品时，心心念念想看一看这幅名作。
看到画，一时间脑海中只冒出了一个词——纯净。
如此温婉动人的女子，与周围的环境融为一体，绞尽脑汁，却也想不出一个合适的词语能够概括眼前这番美好。
只能赞叹这位76岁的老翁终于将他心中长期积聚的抽象出来的古典美与具体的写实少女的美，找到了完美结合的形式。
安格尔是代表着保守的学院派，与当时新兴的浪漫主义画派对立，形成尖锐的学派斗争。
安格尔并不是生硬地照搬古代大师的样式，他善于把握古典艺术的造型美，把这种古典美融化在自然之中。
他从古典美中得到一种简炼而单纯的风格，始终以温克尔曼的“静穆的伟大，崇高的单纯”作为自己的原则。
《泉》是安格尔影响力最大，最不朽，也最具代表性的作品。
安格尔这位古典主义绘画的末代风流画家，吸收文艺复兴时期前辈大师的求实的技巧，使自己的素描技巧发挥到炉火纯青的境地。
这里所不同的只是，像马萨卓、米开朗基罗、乔尔乔奈等大师的裸女体现的是一种充满人性的时代理想，而安格尔在裸女上所寄予的理想，则是“永恒的美”这一抽象概念。
究其实，乃在于寻求以线条、形体、色调相谐和的女性美的表现力。
安格尔一生追求和表现理想美，十分迷恋于描绘女性人体，在他的笔下，每个人体都画得圆润细腻，健康柔美。
他严谨的素描功力充分发挥了线条的表现作用，把人物的形体动态刻画得极其准确、简洁而概括他创造的理想美典范就是在中国流传最广的完美少女人体之境界——《泉》。
《泉》中的少女造型在整体上是遵循古希腊雕刻的原则，但更为细腻微妙。
左边以高举手臂的转折处为顶点，身躯的轮廓是一根有变化的倾斜线；右边则复杂多了，不仅水罐与抬起的手臂组成圆和三角的几何结构，胸部和腹部的转折起落也形成了波浪式的曲线，这正好与左边的单纯与宁静形成对比。
这幅画构图非常单纯，却充满了发展变化。
画面的主体虽然处于画面的中心，但是由于画面的富于变化使得整幅画有了一种独特的美：一是由于少女的站姿并不是僵硬的直立静止体，而是以一种羞涩而又温婉的造型示人，双臂抬起，亚麻色的头发随意的散落在肩上，这种自然的造型本身就有一种不平衡感，给画面增加了一丝动态美的气息。
安格尔绘画中的“真实” 与“理想之美”
安格尔绘画中的“真实” 与“理想之美”安格尔（Jean-Dominique Ingres）是19世纪法国最著名的画家之一，他在绘画中追求“真实”和“理想之美”的主题是他作品的显著特点。
他的作品尤其以女性形象为主，女性形象既具有真实感，又具备理想化的美。
安格尔的绘画风格注重细节的准确描绘，他在绘画中运用了光影效果和纹理的写实处理，以强调物体的质感和形态。
他注重画面的比例和构图，通过准确的透视来塑造立体感。
他的绘画风格受到古希腊和罗马艺术的影响，他熟练地运用了西方传统绘画的技巧和理念。
安格尔绘画中的真实感表现在他对细节的关注和准确的描绘上，这使得他的作品具有了相当的可信度。
安格尔追求的并不仅仅是真实，他同时追求一种理想化的美。
他认为艺术的目标是达到完美和最大化的美感效果。
他在绘画中刻画女性形象时，注重表达她们的优雅、高尚和神秘感。
他强调女性的纤细和柔美，并将她们呈现为神秘的、令人着迷的存在。
他的女性形象具有完美的面部特征、流线型的身体和柔和的肌肤。
他通过细腻的用色和光影处理来增强女性形象的魅力。
安格尔既在真实的基础上进行绘画创作，同时又通过理想化的手法来提升女性形象的美感。
安格尔绘画中的真实和理想之美的融合使他的作品具有独特的魅力。
他的作品既具有世俗的现实感，又具有超凡的理想化效果，这使得观者在欣赏他的作品时既感受到了现实的存在，又沉浸在一种超越现实的美的享受中。
他通过创造出完美的女性形象，展现了他对美的理解和追求。
他的作品所表达的美感观念深深影响了后世的艺术家，并成为了19世纪艺术界的重要范例。
对安格尔油画创新的感悟和启示
油画风格2
古典主义油画的风格特荷兰画派油画的风格特点新古典主义油画的风格特点与技法：以大卫，安格尔为代表，新古典主义遵循着庄重宏伟和优美典雅的审美原则，把所观察到的客观现实放到这个原则中去进行衡量取舍，所以这一派别的作品大多构图庄重，手法严谨，动态优雅以及气势雄伟，是一种充满理想主义的艺术。
在技法上，这一派别的画家以观察生活为基础，依照古希腊的雕刻艺术的审美原则去进行选择和创造，布格罗是新古典主义画家中把“美与真实”完美结合的典范，是大卫和安格尔艺术的真正继承者。
浪漫主义油画的风格特点与技法：浪漫主义认为，情感和想象力是绘画的生命技法上奔放不羁，笔触宽阔有力，构图重气势，动感，打破了古典主义的谨约于庄重，色彩强烈鲜明。
写实主义油画的风格特点与技法：写实主义又称现实主义，是指致力于再现事物和客观真实表象的艺术，因此，他们把客观的造型意识看做是绘画的基本原则，写实主义画家在对自己的时代和日常生活的观察中，发现了普通的人们及他们的人性和品格所具有的不朽价值。
写实主义画家始终热爱生活，善于观察生活和表现生活，他们把浪漫主义的激情与日常生活和谐的统一起来。
米勒、杜米埃、库尔贝被认为是19世纪法国写实主义最杰出的三个代表人物。
巴比松画派是现实主义画派中的一个艺术团体，虽画家各有不同的艺术面貌，但他们的艺术理想是相同的：要客观，真实的表现大自然，到户外去研究大自然的空气和光线并努力在作品中体现出来英国浪漫主义油画的风格特点与技法：浪漫主义认为，情感和想象力是绘画的生命技法上奔放不羁，笔触宽阔有力，构图重气势，动感，打破了古典主义的谨约于庄重，色彩强烈鲜明。
以透纳为主将，在自然景象的描绘中，融入了抽象的构成因素，对后来的抽象表现主义绘画产生了影响，他的艺术石从纯粹的形式出发的。
拉斐尔前派油画的风格特点与技法：拉斐尔前派主张学习拉斐尔之前的大师们的独创精神，提出“向自然前进，向真实前进”的口号，主张绘画与文学结合，反对维多利亚时代的资产阶级趣味和当时学院派的保守画风，大大丰富和发展了英国的民族绘画，他们的艺术有明显的唯美主义倾向。
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安格尔绘画中的“真实” 与“理想之美”
安格尔（Jean-Auguste-Dominique Ingres，1780-1867）是法国浪漫主义艺术的代表人物之一，他的绘画一直受到人们的关注和推崇。
安格尔的绘画风格充满了真实、细腻与典雅，同时又透露着一种理想之美的神秘魅力，这两种表现手法的完美结合，使得他的绘画充满了矛盾和对立的美感。
安格尔的绘画极其精准，他熟练掌握了人物的比例、身体结构与肌肉运动的细节，使得他的人物形象非常真实。
例如，在安格尔的肖像画中，他将人物的面部表情和身体神态描绘得十分逼真，同时运用光影的变化，使得人物的皮肤、衣物和环境的质感都充分地表现出来。
对于安格尔来说，真实并不仅仅是对事物的描绘，更是在真实的基础上进行深入的思考与创造。
因此，他的绘画创作非常严谨，要求画面的每一个细节都符合他的审美标准，例如角度、光影和色彩等。
正是由于他对真实和细节的执着追求，使得他的绘画具有了非常高的技术含量和艺术价值。
安格尔的绘画也充满了一种神秘的理想之美。
他常常将人物描绘成温文尔雅、端庄高贵的形象，使得人们感受到一种非常纯粹的审美情感。
例如，在他的《奥德赛》中，他将尤利西斯（Ulysses）描绘成一位英俊、慷慨和魁梧的英雄形象。
他的肌肉线条非常流畅，完美地展现了一个强壮有力的人物形象。
不仅如此，安格尔的绘画中还充满了对于美的不同阶段和风格的探索和表现。
他的绘画风格充满了古典主义和文艺复兴特征，他深受古希腊罗马文化的影响，同时也吸收了意大利文艺复兴艺术家的精华。
他的绘画将古典主义的严谨与文艺复兴的柔美完美地融合在一起，使得他的绘画不仅具有强烈的时代特征，同时也充满了永恒的艺术价值。
安格尔的绘画充满了真实和理想之美的矛盾和对立，但是这两种表现手法却又完美地结合在了一起。
他将真实的事物和表现理想的艺术手法结合在了一起，形成了一种非常独特的风格。
通过细腻而又准确的描绘技巧，他将人物形象描绘得非常真实，同时通过优美的线条和光影的变化展现了他的理想之美。
在安格尔的绘画中，真实与理想之美的完美结合无疑是他艺术成功的一个重要因素。
这种矛盾的美感不仅仅丰富了他的绘画形式，同时也传达了一种非常微妙的思想情感。
在这种美感中，我们可以感受到人类对美的探索和向往，也可以看到安格尔对于艺术的执着和追求，非常值得我们借鉴和欣赏。