中国画“写意性”的人文内涵
中国画“写意性”的人文内涵
摘 要：“写意”是对中国传统艺术具有重要影响的艺术观念，也是中国传统艺术的典型美学范式。中国画是中国传统文化和民族精神的体现和表率，中国画的“写意精神”确立了以后中国画的基本艺术特征和美学规范。
关键词：写意性；工笔画；写意画；人文精神
中图分类号：j222 文献标识码：a 文章编号：1005-5312（2013）11-0198-01
一、“大象无形”的中国绘画写意观念
中国传统绘画中重“写”尚“意”的理论开始于唐宋，成熟于元。元代以前对“写”与“意”是单独进行论述的。“写”便是画，可引申为一种倾吐、宣泄的方式。“意”便是意思，指画家的主观意识情趣，通常称为“尚意”、“表意”。它们一个指的是方式，一个却指的是内容。明确将“写”与“意”相连，将“画意”变成“写意”则是元代的汤垕在《画鉴》中提出来的，他所强调的“写意”是指类似书法中的直抒胸襟的以“写”的方式表达“意”的内容，即是指书写胸中之情思意趣。自此，“写意”一词便成了中国画中的理论术语。
写意性不是绘画中略显抽象的图像，也不是相同于工笔技法的一种绘画体系，是建立在画家对传统文化、时代精神和自然物象深入观察基础上的，“天人合一”的至高境界，它是一种思维意识和
审美想象凝聚的，贯穿于整个中国画领域的一种艺术思想。从历史上看，“写意”是欧阳修的“画意不画形”、“写意”是苏东坡的“论画以形似，见与儿童邻”、“写意”是米友仁的“墨戏”后，“写意”是扬雄书论提出的“心画”等等……到元代逐渐形成的概念。
二、异曲同工的中国画笔墨表现语言
自古以来，人们根据不同表现手法，将中国画分为“工笔画”和“写意画”两大类。也正因为如此，人们总是习惯性的、错误的把写意性对应着写实性而谈，人们误以为只有“写意画”里才含有“写意性”，认为工笔画仅限于具象的描摹而并非还有意象的成分。其实从东晋顾恺之遗留下来的中国最早的画论和画评来看，我国此时的工笔画已开始重“神”、“意”、“形”的描绘了，而中国笔墨从此时开始趋向于疏放淋漓，挥洒自如，也就是今天所见的“写意画”。这种绘画方式是自东晋开始七百多年后才得以出现的，远远迟于中国“工笔画”的发展与成熟。工笔画与写意画从绘画审美的角度而言，在风格形态和笔墨用法上有明显差别和不同的侧重点，工笔画重法度、倡严谨，强调“以形写神”；写意画则擅笔墨、精诗文，追求“似与不似”的意象。两者虽然用笔不同，但相同的是在处理形神关系上都要求“形神兼备”，在造型和意境的表达上都要求“气韵生动”。从根本上讲，两种国画种类的基本要求都来源于中华民族悠久的传统文化和丰富的美学思想，具备中国绘画传统基因的同质性，传统工笔画也具有“写意性”的艺术特征，两者有异曲同工
的相通之处。我们所说的写意画只是一种绘画的表达方式，并不能算是标准的某种绘画技法。“写意性”更多针对写实观念而言，而“写意画”则对应工笔画画体而言。“写意画”与“工笔画”是共同构成中国画技法体系的两路基本画体。因此，在这里我们可以毫无疑问的说传统“工笔画”早于“写意画”，就已经开始表达“意”的存在了。
三、在意境与人文精神交汇中成长的传统绘画
中国画的艺术形式具有写意性的特质，这是中国画重抒发、重写意的创作精神所要求的。意境是中国艺术独特的审美范畴，意境是中国画的核心和灵魂。重视意境是中国画所独具的民族特色。意境的创造源于创作者深厚的艺术修养和对自然、生活深层的感悟。作品的意境之美源自画家对自然物象美的表现，也是画家精神和情感的呈现。“意境的表达”取决于画家自身，包括画家本人的认识、修养、品格、素质，以及画家对物象的情思、感受等方面的内容。如张越作品《鱼·予》系列作品中把鱼和少女放在一个画面里，原本毫无关系的两个事物被画家巧妙的结合在一起，从而更高的提升了画面的想象空间。让我们在欣赏时能够身临其境地感受少女向往鱼类的自由生活和想逃离现实社会的强烈愿望。
在近代画家俞致贞画的《荷花》里，空白形成无际的天空，空白可以是云，可以是雾，可以是大地，可以是海洋。由于空白的运用，画面有限的空间被突破，境界得到无限的提升，在意境上巧妙
的体现了工笔的“写意性”意味。由此看来在绘画创作中，意境就是核心，只有完美的意境才能表达画家的个人情怀，因而，意境的表达是最具“写意性”的。
齐白石曾说过：“太似为媚俗，不似为欺世，绘画的最高境界就是妙在似与不似之间。”写意性则正表现在“似与不似之间上”。在中国传统绘画中，人文精神正是通过“神似”、“写意”的审美追求、比兴的手法、笔墨的运用及完美和谐的形式显现出来。“神似”与“写意”密切相关。“‘神似’则是‘写意’的目标和最高境界。二者从不同侧面反映了中国传统绘画的艺术观和审美追求。这种艺术观使中国画家可以摆脱时空限制，超越客观物象，获得更大艺术表现的自由。他可以融汇自己的修养、学识、个性和表现技巧，最大限度发挥想象力，把所见、所知、所感、所想综合成一种创作意识，从而创造出物我交融的作品。”显然中国的写意艺术观体现了强烈的人文精神，中国绘画所蕴含的人文精神和绘画的表现手法是密不可分、相辅相成的，具有一定的统一性，使得人文精神贯穿于中国传统绘画之中，成为绘画的生命和灵魂。
浅谈中国工笔人物画的写意性
浅谈中国工笔人物画的写意性
中国工笔人物画是中国传统绘画的一种流派，起源于宋代，经过明清时期的发展，形成了独具特色的风格。这种绘画技法以细腻的线条和精细的色彩着称，注重描绘人物形象的细节和神态。然而，尽管工笔人物画以其细致入微的表现方式闻名，但在其中蕴含着一定的写意性。
中国工笔人物画的写意性体现在以下几个方面。
首先，中国工笔人物画在传达人物形象时，注重表达内在的情感和精神世界。通过艺术家的笔触，人物的神态和表情得以生动地展现出来。无论是喜悦、愤怒、哀伤还是平静，工笔人物画都能通过细腻的线条和色彩表达出人物的情感状态。这种表现方式不仅仅是在复制现实，更是在传达作者对人物内心世界的理解和揣摩。
其次，中国工笔人物画在刻画人物服饰和周围环境时，具有一定的自由表现力。尽管工笔绘画强调细节的描绘，但在人物服饰和背景细节中，艺术家常常运用写意的手法。他们可以通过简洁的线条和色彩，准确地表达出人物所处的时代背景和社会环境。这种自由表现力使得工笔人物画在细致入微的基础上，融入了一定的艺术创造性。
最后，中国工笔人物画在人物形象的塑造上，追求形神兼备的境界。艺术家通过观察和揣摩，以细腻的线条和色彩，将人物的外貌特征和内在的精神特质相结合。这种塑造方式不仅仅是对人物外貌的再现，更是对人物个性和精神状态的揭示。通过细腻入微的描绘，工笔人物画展现了人物的真实和独特之处。
综上所述，中国工笔人物画虽然以其细腻入微的表现方式著称，但其中蕴含着一定的写意性。通过传达人物的情感和精神世界、自由表现人物服饰和周围环境、塑造形神兼备的人物形象，工笔人物画展示了其独特的艺术魅力。这种写意性的体现使得工笔人物画在传统与创新之间找到了平衡点，成为了中国绘画文化的瑰宝。
浅谈中国画的写意性
浅谈中国画的写意性
中国画是中国传统文化的重要组成部分，具备独特的艺术风格和表现手法。中国画的写意性是其独特之处，本文将从中国画的起源、特点以及写意性的表现方式进行探讨。
中国画的起源可以追溯到远古时代的壁画和绘画器皿，经过不断的演变和发展，形成了独具特色的绘画风格。与西方绘画追求逼真、细致的写实风格不同，中国画强调意境、情感和笔墨的表现。它不仅追求形式的美感，更注重对艺术对象内在的情感、意境的把握和表达。
中国画注重表现主观情感和思想意境。中国画的重要价值在于它通过形象的表现来表达画家的主观情感和对世界的感悟。画家通过筆墨的运用，利用自己对于世界、生活和美的感受，来表达自己的哲学、情感和思想。这种方式不仅仅是对客观事物的模仿，更是对内心世界的表达。中国画旨在通过画家的内化表达实现与观者之间的情感沟通和共鸣。
中国画通过笔墨运用凝练艺术对象的形象，以求达到艺术的快感和审美效果。中国画的绘画手法广泛运用水墨和水墨籍的描绘。水墨是中国画中最常用的画材，它通过运用颜色和墨水的运动、深浅和浓度的变化，来勾勒出事物的形象。中国画师的笔墨技法既能写实，又有丰富的想象力，能够通过简洁的笔墨表现事物的形态特征，以及渗透下去的情感和意境。
中国画的写意性也体现在画家对于艺术规律的把握和创新。中国画历史悠久，有着丰富的艺术积累。画家们在长期的实践中摸索出一套独特的绘画风格和表现手法。他们常常通过捡拾自然界的形象，来追求笔墨的随心所欲和自由发挥。中国画家倡导意境、情感和笔墨状态的自由流动，追求超越形式的表现，突破传统规范的束缚，充分展现自己的个性和创造力。
中国画的写意性是中国画的重要特点之一。中国画通过把握对象内在的情感和意境，运用笔墨描绘出形象，以及对艺术规律的创新，展现画家的个性和艺术创造力。中国画的写意性使得观者可以更加自由地借助自身的想象力和情感，在作品中找到共鸣和快感。
论中国画的写意精髓，国画大师经典写意人物画赏析，优雅如仙女
论中国画的写意精髓，国画大师经典写意人物画赏析，优雅如仙女
写意是中国美学的一种外在表现形式,而意境是其内涵,它们体现在中国文化艺术的各个方面.写意国画是画家把主观的审美意念与客观物象相融合,并以独特的方 式在画面上的表达,具有提炼、概括、夸张的品格.中国国画家的骨子里传承着中国文化的精髓.
写意是中国画的精髓，写意性是中国画独特的艺术观念，一直贯穿于中国画发展的始终。其实，“写意”这个词语首先提出并不是针对我们今天说的写意画，而是针对当时的工笔画。是针对工笔画中的工。强调工笔画应该注重写意性。但是现在的工笔人物画并没有把这个倡导传承下去，而是把细腻工整作为工笔人物画唯一的艺术特色。 工笔画以能曲尽形神及精妙的刻画著称于世。早在魏晋南北朝时期的顾恺之就在他的《论画》中提出了“以形写神”的艺术观点。顾恺之把体现对象的内在精神气质(即“传神”)。作为对人物画的最高要求，主张通过描绘人物最能流露内在神情的外部特征去达到这一要求。唐・张怀罐在《画继》中说的“顾恺之运思精微。襟灵莫测。虽寄迹翰墨，其神气飘然在烟霄之上，不可以图画问求”。由此看来，“意”的营造和体现是作者巧思冥想后赋予物象的精神气质，是让人感悟的“弦外之音”。 写意性就是隐藏在“以形写神”的原则下的基本要求，换句话说，以形写神的作品必然带有写意性。顾恺之的“传神论”是我国古代绘画美学的一个中心内容，对后世中国绘画的发展影响极大。以形写神重在写神，比以形写形高了一步。要先求形似。但不应以形似为满足，进一步提高到以形写神，或遗貌而取神，即是在形似的基础上，把人物的内在精神，性格特点，加以集中和突出，从而达到神似之目的。而这就要求我们的工笔画人物画对人物形貌的刻画光能达到无微不至、如真似幻是远远不够的，而应该是形神兼备，注重“意趣”的表达，这样才会打动人。 唐、五代时期是工笔人物画发展的比较高级的阶段。涌现出一批人物画大家。不仅完备了工笔人物画的优良传，也极大地丰富了工笔人物画的创作。这时期的人物画无论从人物内心世界的刻画，到人物造型的准确，及绚丽的色彩，而且画面中多了很多“写意”的精神。
浅谈中国画的写意性 2
浅谈中国画的写意性
在中国传统绘画中，写意性是一种非常重要的表现手法。它的核心思想是通过艺术家的主观感受和创造力去表达画面中所描绘的对象。与之相对的是工笔画，工笔画要求细致入微的描绘和准确的色彩运用，而写意画则更强调对自然和社会现象的一种艺术再创造和积极的表达。
写意性在中国画中有着深远的历史根源。早在两千多年前的战国时期，中国画就开始出现了一些具有写意性质的作品。例如《老耕夫图》就以几笔勾勒出一个老农忙碌的身影，描摹了农民生活的辛勤和朴素。这种轻旷而不拘于形式的表现手法逐渐被艺术家们所接受，并成为中国画的特色之一。
中国画的写意性最为明显的体现在山水画中。山水画是中国画的一个重要流派，它以山川河流为主题，通过抒发真挚的情感和个人的艺术追求来描绘大自然的壮美和宁静。在写意山水画中，画家常常运用简洁而富有节奏感的线条勾勒山水的形状和轮廓，通过变幻的色彩和层次来表现山水的深远和壮美。这种写意性的表达方式不仅突破了实物的形象限制，还可以让观众产生更加广阔的想象力，在画面中去感受大自然的平和与宁静。
除了山水画，花鸟画也是中国画中具有写意性质的一种绘画形式。花鸟画通过艺术家的个性表达去描绘花卉和鸟类的形态特征，并通过色彩的运用来表现花鸟的活灵和神态。在花鸟画中，艺术家经常运用大胆的笔触和鲜艳的色彩，使画面充满活力和生气。与工笔画不同，花鸟画更注重于对花鸟形态的感悟和把握，而不是一味追求细致的描绘和准确的色彩运用。这种写意性质的表达方式的优点是能够更好地表现花鸟的灵动和活泼，给观众留下更深刻的印象。
写意性的具体表现手法还包括了一些特定的技法和形式。墨色渲染是中国画中常用的一种表现方式。艺术家运用笔墨的深浅和温暖的技法来表现物体的光影和质感。这种表现手法在写意画中特别常见，因为它能够通过简洁的线条和变幻的色彩来描绘出丰富的图像和情感。艺术家还经常通过留白的手法来表达画面中的主题和氛围。通过使用浓墨和留白的对比，艺术家可以使画面更加生动和丰满，给观众一种抽象而富有想象力的感受。
中国传统绘画的人文精神
中国传统绘画的人文精神
中国传统绘画具有深厚的人文精神，它不仅反映了中国古代艺术家对世界的独特理解，还传递了中国古代文化的价值观和人生哲学。以下将从主题、技法和表现手法等方面，对中国传统绘画的人文精神进行阐述。
中国传统绘画的主题多以人文情感为核心。绘画作品经常描绘人们的生活、工作、情感和思想。早期的绘画作品多集中在宫廷人物、官员、文人雅士等社会上层人群，表现了他们的儒家道德观念、中庸之道和为政清廉的精神。而后期，绘画题材逐渐扩展到普通百姓，表现他们的喜怒哀乐、困境和希望，展示了中国古代人民对生活和社会的思考和关怀。
中国传统绘画的技法也体现了人文精神。传统绘画强调绘画技法的审美特征，它讲究用线条和色彩的变化来描绘人物和物象的神韵和情感。水墨画的写意笔法强调情感表达，通过激情四溢的笔画来展示人物的心境和情感状态。工笔画则追求精确的细节描绘，重视人物形象的认真塑造。这些技法的运用，使得绘画作品更加生动鲜活，富有情感和张力，体现了中国古代人文精神的深远内涵。
中国传统绘画注重人物的表现手法，更强调情感和心灵的传递。绘画家在创作人物形象时，以传统的审美观念为基准，注重人物的神态和轮廓塑造。绘画作品经常通过人物的表情、眼神和体态来表达情感和思想。传统绘画中常见的“远望”、“独坐”等表现手法，通过描绘人物的身姿和眼神，传达出对现实世界的关注、思考和无尽的向往，展示了中国古代人的心灵追求和精神独立。
浅谈中国画的写意性 3
浅谈中国画的写意性
中国画是一种非常传统的艺术形式，它强调的是“写意”，也就是说，画家可以自由发挥自己的创意和想象力，创造出独一无二的艺术作品。与西方画派非常不同的是，中国画并不重视细节和逼真的描绘，而是更加关注画面的整体感觉和主题的表达。
首先，中国画的写意性表现在它的笔墨运用上。中国画中主要使用的是毛笔和墨水，画家可以自由运用笔墨控制线条的粗细、轻重、灰暗度等等，从而表现出画面中的各种元素，如山水、花鸟等等。在这个过程中，画家可以根据自己的意愿随意调整笔触和画面效果，用笔墨表达自己的情感。
其次，中国画的写意性还表现在它的构图和色彩运用上。中国画不同于油画等表现手法，更注重直接表现对象的内在气质和气息。中国画的构图比较简洁，主要是通过画面的整体布局、造型和空间的运用表现画面的主题和气息。同时，中国画的色彩运用也比较抽象，更多的是通过色彩的明暗、对比、层次等表现对象的形态和情感。
最后，中国画的写意性还体现在它的主题和精神上。中国画中经常表现的主题是自然物象，如山水、花鸟、人物等等，这些物象不单单是艺术形式，还包含了情感和哲学的内涵。中国画的精神包括儒家思想和道家思想，主张养成平和心态和对自然的敬畏心态。
综上所述，中国画的写意性是其艺术价值的重要体现。它为画家提供了更大的自由度和创造力，也为观众提供了充分的想象空间。通过中国画这一非常传统的艺术形式，我们可以更好的理解中国文化和哲学，感受其中的精神内涵。
浅谈中国画的写意性 4
浅谈中国画的写意性
中国画是中国传统文化的重要组成部分，它以其独特的艺术风格与表现手法，吸引了无数人的关注与喜爱。而其中一个重要的特点就是其强烈的写意性。
写意，即以所描绘的事物为基础，注重抓住事物的精神、情感和气势，以意境和笔墨来表现。中国画的写意性体现在多个方面，从题材、构图、笔墨运用、表现手法等方面都可以看到其独特之处。
中国画所描绘的题材广泛多样，无论是山水、花鸟、人物还是动物，都强调形神兼备，注重表达对象的内在情感和精神境界。中国画家通过独特的写意表达手法，使得作品更加富有内涵和情感，不拘泥于外在形象的模仿和复制。
构图是中国画中表现写意性的重要手段之一。中国画注重以简取胜，往往通过简洁的构图来表达画家的意境和情感。传统的中国画作品往往以点、线、面的组合来概括形象，并强调画面中物象的构图和排列方式，以营造出一种特殊的视觉效果。这种构图方式与西方绘画的透视法不同，更强调意境和幻觉，给人以更多的遐想空间。
笔墨运用是中国画中重要的表现手法。中国画家强调用笔直观地表现对象的精神和情感，并通过丰富的笔墨变化来表达画家的情感和想法。中国画家画山水时，常常运用笔墨来刻画山的雄伟、水的湍急和云的飘逸；他们画花鸟时，通过鸟或花的姿态以及墨色的运用来表现事物的生动与自然。这种笔墨运用的特点，使得中国画更加富有诗意和想象力，也突出了中国画家所追求的意境和神韵。
中国画的写意性在表现手法上也有其独特之处。中国画家强调“离”和“落”，即通过主观表达来抓住事物的精神气韵，强调个人情感和意境的凝聚。他们追求精神的自由，强调意境的生成与个性的体现，通过大胆的表达手法和独特的意境构建，使得作品更富有个性与独特性。
中国画的写意性是其独特的艺术表现形式。它通过题材的选择、构图的设计、笔墨的运用以及表现手法的选择，使得作品更加富有内涵和情感，引发观者的想象与遐想。中国画以其独特的写意性，传承了中国传统文化的精髓与智慧，成为了世界文化艺术的瑰宝之一。
浅谈中国画的写意性 5
浅谈中国画的写意性
中国画具有独特的写意性，这种艺术风格的形成有着悠久的历史渊源和丰富的文化背景。中国画的写意性体现在以下几个方面。
中国画的写意性在于其抽象的表现手法。中国画并不追求形神兼备的写实效果，而是通过一些简练而富有表现力的笔墨技法，使得作品呈现出一种虚实相生、意象流转的艺术效果。这种抽象的表现手法给观者留下了较大的想象空间，使得观者可以自行联想和感受作品所传达的意境和情感。
中国画的写意性在于其强调意境的表达。中国画强调通过画笔的运用和墨色的渲染，传递出一种特定的情感和意境。通过简练而富有节奏感的线条和色彩，中国画呈现出一种自由、灵动、舒适的氛围，使得观者能够感受到画家所追求的心境和情感。
中国画的写意性在于其注重“神似”而不是“形似”。中国画不仅仅是在表现客观事物的外在形象，更重要的是要表达出其内在的气质和精神。中国画家通过绘画的形式和技巧，追求作品中所表现的主题、思想和情感，通过画面所传达的神韵来感动观者的心灵。
中国画的写意性还在于其追求“意象至上”。意象是中国画创作中的核心，中国画家通过意象的构建和表现，力图将作品传达的意境和情感更加清晰而深刻地表达出来。无论是山水画中的山水、花鸟画中的花鸟，还是人物画中的人物，中国画家都注重通过意象来表现作品的特色和主题。
中国画的写意性是中国艺术的重要特点，它通过独特的艺术手法和表现形式，展示出一种自由、灵动、深邃的艺术语言。中国画的写意性不仅仅是一种艺术风格，更是一种独特的文化气质和审美追求，它让人们能够感受到中国传统文化的深厚底蕴和独特魅力。无论是中国人还是海外人士，都能够通过欣赏中国画的写意性，领略到中国传统艺术的独特魅力和内在精神。
人文情怀水墨写意——寻求中国文人画的写意精神
人文情怀水墨写意——寻求中国文人画的写意精神
太湖之滨的江苏无锡，那里向来是物阜民丰，人文荟萃之地，《太湖画脉》五集专题片在央视探索频道播出以来在业界反向热烈。片子中介绍的各位大家各领风骚，创造了辉耀的艺术佳话。在这片充满艺术气息的土地上，人文情怀与写意艺术成为联系他们的不变的主题。对此，我从三个方面展开我的话题，期望通过回溯中国文人画的历史传统，特别是我身处的太湖领域文人画兴盛与繁荣的辉煌记忆，来阐明我对现阶段寻求中国画传统写意精神回归的一点认识。我认为，在全球化背景下，作为中国文化精神的重要载体和鲜明符号，中国的文人画不仅是外部世界了解中国人精神气质和审美取向的一把钥匙，也是中华文明与世界优秀文明对话的一条重要途径。
一、从书斋到山林：文人画的源流及艺术特征
1、文人画的源流：文人画是相对于民间画工和宫廷画院职业画家的绘画，多为文人、士大夫所作，是画中带有文人情趣，画外流露文人思想的绘画。其由来可以追溯到汉代，南北朝时期姚最提出“不学为人，自娱而已”的绘画宗旨，为历代文人所尊崇，这点出了文人画率性而为，怡情养性的精神内核，也就是其独具的文学性、抒情性的特点。至唐代，大诗人王维以诗入画，被奉为文人画的鼻祖，从此，诗中有画，画中有诗，诗画合一蔚然成风，代代相传。两宋时期，苏轼等在前人基础上，以书入画，南宋邓春有“画者，文之极也”的说法，将“文”与“画”紧紧地结合在一起，是系统的文人画理论。而在我看来，真正开创文人画传统的是所谓的“元四家”，即元代黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。其中倪瓒，号云林，也就是倪云林，正是本人乡前辈，无锡人。他们艺术上提倡“高雅”、“平淡天真”，理论上主张“逸笔草草”、“不求形似”等，这一时期，诗文印信亦开始进入画面，诗、书、画、印始成一体。至此，中国文人画从艺术风格到绘画理论渐趋成熟，而由元至清，文人画进入鼎盛时期，世界美术史迎来独具中国特色的写意艺术高峰。 2、文人画的艺术特征：唐代张彦远的《历代名画记》有言：“自古善画者，莫非衣冠贵胄，逸士高人，非闾阎之所能为也。”近代陈衡恪则认为：“文人画有四个要素：人品、学问、才情和思想，具此四者，乃能完善。”说到底，文人画，乃文人雅士之作也，而在传统绘画里，文人画特有的“雅”在中国绘画史上独树一帜，也是其与工匠画和院体画的具体分界。艺术上，文人画具有极其鲜明的特征。
大写意花鸟画的精神内蕴，“大”在内涵，“大”在胸怀
大写意花鸟画的精神内蕴，“大”在内涵，“大”在胸怀
花鸟画成为独立学科是在唐代时期，最初出现的花鸟画是以写实、写形为主，宋代院体画中的珍禽瑞鸟等题材为此类花鸟画的代表。进入元代，由于受统治者的压制，消极、避世、隐居思想笼罩文坛，花鸟画一改宋代绘画“刻意求工，妙在赋彩”的风格，转向以纯水墨抒发其内心情感的绘画风格。由写实性逐渐向写意性过渡发展，写意花鸟画成为画坛主流。可以说，大写意花鸟画的写意精神开始于元代，渗透于明代，形成于明末清初时期。在近代的吴昌硕、齐白石、潘天寿等人的努力下，大写意花鸟画日趋成熟。从小写意到大写意，无数画家锲而不舍地探索和追求，谱写了光辉的篇章。大写意花鸟画具有民族特色，富有很强的艺术生命力。
写意花鸟是经过画者赋予情感之后的生发，通过畅神、抒情、寄兴等方法来表达情感、陶冶心灵，为画者传情。达意、畅神、造境。元代开始出现小写意花鸟画，明代时期，才正式开始出现大写意花鸟画。大写意之“大”，是指内涵丰富，通过简练概括的线条表现出大写意之“大”。“大写意强调无极之境，用大片空白表达作者无限情感，从而能够直抒胸臆，将内心强烈情感通过有限的纸张宣泄出来。”大写意画首先以自然为美、以真为美，其次有寓“物趣”之中的“天趣”，充分地张扬自我，将诗、书融于绘画，加强笔墨情趣。
明代是花鸟画发展进程中一个高峰时期，不但成就卓著，并能开宗立派。被画史上称为“青藤、白阳”的徐渭和陈淳，他们在继承沈周、文徵明绘画的基础上，笔墨显得愈加放逸豪爽，并将诗文、书法和绘画互融，开创了文人写意花鸟的新风。
清代中晚期，“扬州画派”“海上画派”在继承传统文人画基础上，顺应时代潮流，创造性的将民间世俗的一些内容引入绘画，逐渐形成“雅俗共赏”的风格，从而改变了传统绘画以雅为正统的审美理念，进一步推动了传统大写意花鸟画的发展。甚至影响了近代的许多画家。这也是写意花鸟画发展过程中顺应时代潮流出现的一段特殊现象，从而促使大写意花鸟画更加成熟。