高级油画技巧

看陈丹青油画写生的一点感想
2000年时因考清华美院博士，和其他四个同学在陈丹青主持的第四工作室待了一年。课程除临摹西方古典大师作品的图片外，就是写生了。有时老陈也和我们一起画，只要他动笔，我就停笔，在后面看他写生到结束，一年下来多少学了一些东西，明暗交界处，一定要在颜色不干的时候进行衔接；最好一次性完成，完成不了就刮掉等等。
早期他的用笔还是苏派风格的，笔触短而方，大概是那时看到的西方美术资料有限。后来在美国居住多年，西方纯正的油画看多了，用笔发生了变化，有点像书法，会游走，有弯度，这点看他的写生很清楚。
有个关键处：上述技法建立在精湛素描基础之上——起稿准确，笔笔到位，游走的笔触与造型极好地结合到了一起。这点他在国内是翘楚，无人能比。
素描技术如果到位 ，色彩差点，并不影响油画作品的整体效果，陈就是个例子。按照一般的色彩技法要求看，陈丹青油画作品的色彩技法是很普通的，调色盘上的颜色也很简单，写生时并不刻意调准局部色彩，但是整体看很结实。原因就是他的素描技术实在是太好了。
因此，我在上课时总对学生说，对于写实风格的油画来说，素描几乎是一切。素描好，油画技术才可能好。只练习油画，素描差，一辈子都没戏。
之所以聊这些，是因为我对油画怀有眷恋之情，毕竟是那个年代过来的人。
我幻想，如果完成了《众生相》系列，拿出几年时间来专画小幅的油画写生，并且达到炉火纯青的境界，是此生最后的愿望之一。
大型油画创作的构成
大型作品的构成是由特殊的规律性、题材内在的规定性和一定的偶发性几个方面的因素集合而成的，最后的形成因素十分复杂，画面的最后结果也难以预料。
制作也是一个反复改动的过程。一般我在上画布前只是依照一个模糊的想法，并不固定画面。例如《酸雨》（220CMX340CM 1997-1999九届全国美展铜奖），这幅作品因为追求雨雾的效果，有意压缩了黑白关系，有很大的难度，制作时间长达两年。1997年构图开始的时候，只有中间部分，半年后，一边又加了一快，成为三联，面积增加了一倍，人物由原来的七八个增加到三十几个，变成了一个大型的作品。与开始的小稿比，面目全非。
《圣地拉萨》 （180CMX340CM1995--1997）的创作也是如此，最开始的构图是两联，为了暗示朝拜队伍的环绕方向，与右联的正面的人群对应，左联所有的人物都是背部。但上了画布画到一定阶段以，就觉得别扭，只好把左边的三十多人全部改成了侧面。
一般尺

寸和古典技法的创作，精确的草图是重要的。而大型的画面和小稿之间视觉效果差异大，小稿构图再完美， 因为尺寸的变化，还是出现问题。所以我不习惯在小稿上花太多工夫，大致上有个气氛就上画布制作。我不善一气呵成，在画布上反复修改，表面看花费时间，但是画面的厚度就是这样形成的。
厚度有两层意思，一是指材料的堆积，一是感觉上的丰富厚重，局部的反复修改会形成的许多偶然效果，两方面互相交融，十分微妙。
大尺寸大场面的作品画面复杂，如何驾驭，学院严格的训练起到了关键的作用。“形”与“色” 的经营是其核心，这个“形”不但是“形象”、“形准”的意思、而且是“构图”“构成”的意思，在这里放下“形”不讲， 主要来谈“色”的问题。所谓的“色”不是“色彩”，而是“色调”，准确地说是素描中的“色阶”。所谓“五大调子”，听起来十分陈旧，所以常被轻视。实际这个东西极重要，恰恰就是它在连接契合和理顺画面上所有的关系。一个画面效果的好坏，除了创意，构图等诸要素之外，“五大调子”经营的优劣尤为关键。即便是写生这样简单的事情，如不得此要领，尽管自然当中存在着极为丰富的黑白灰关系，你没有理顺它，画面效果也无从谈起。可以说，只要是绘画，无论保守前卫，都少不了它的存在。
好的画面效果除了其它要素的经营以外，画面最大的黑白灰位置与面积的确定，是最重要的环节。在小尺寸画面上，人像一小快高光的面积，就相当于大型创作五六个人那么大一块面积。难度在于，处在高光位置的这些人像每个表面还有一组局部的黑白灰关系，这一组关系不能忽略，依然得仔细交代，但它有一个限定范围，那就是从大局上看，虽然这个局部有自己的明暗关系，他们组合的团块相对于整个大画来说仍是一块高光。以此类推，所有原始局部的素描关系要服从整个大局，才能保证整个画面大效果的响亮。
油画《过道》，也印证了上述经验。这幅画中部有一堵门洞后的白墙，是画面中最亮的部位分，第一眼看时，它十分简单，它其实有丰富的黑白灰变化，这个关系必须要画，不画就简单了。但前提是不破坏它作为整个画面的“白”，将属于它自己那一组黑白灰关系进行有意识地压缩，而加强大的“黑白灰”关系。其他部位都是如此，否则画面一定“脏乱差”。无论画面多么复杂，以比较的手段——黑与黑、白与白、灰与灰、黑与白、黑与灰等因素之间进行仔细的比较，就像把隐藏在各种素材下的黑白关系巧妙地串成一串珍珠，使视觉效果

具有一种内在的魅力。
画面其实是有生命的，一旦画布出现了线条和色彩，那个时候画家和画面就是互相钳制的关系，互为动因，欲罢不能。
其实画大幅创作最重要的技巧，是在漫长艰苦的制作过程中自身心态的调整。在激情和厌倦、平和与躁动之间寻找结合点，使自己始终处在不言败的状态中。否则，即便有大师般高超的技巧，作品也终究会不了了之。
门采尔素描
最近又要艺术高考，一些家长带孩子找我看素描速写。发现大部分学生速写问题很大，主要表现在：一般都使用单线，很死板，没有取舍，即使画站立的模特，连鞋带、衣服商标、指甲、线缝等无关紧要的细节都一一进行交待，如此考卷，一定难得高分。咎其原因，主要是社会上流行的速写教材害了不少人。这些教材的作者不少是素描速写不甚过关的三流艺术家。
鉴于目前美术学院各科的教师基本是过去体制培养出的，尽管风格有所不同，但对素描速写判断的标准基本一致。这里贴几张从网络上搜到的德国画家门采尔的速写，如果学生按此风格练习和考试，不仅进步快，而且一定会博得考官的青睐。
补充一句：下面这些素描堪称经典，小时我临摹过。作为写实油画的基础训练，是极为有效的。
关于油画作业吸油问题
在油画长期作业中很难判断画面是否干透或者时间问题，难免出现半干透修盖而导致的局部吸油现象，不知老师平时作画是怎么避免出现这样的情况，或者有什么解决方法？
答：我经验如下：
虽然是长期作业，但局部还是应该一次性完成，这样肯定不会产生吸油现象，同时也保持了用笔的生动。举一周人体写生作业为例：
第一天：应迅速用稀薄颜料铺满整个画面，大体素描和色彩关系符合基本要求，下午结束时应该用刀轻轻将厚的颜料刮去，这样一来，大体关系还在，同时保证第二天再画时画面完全是干透的。此点很关键！
第二天到周末：先做个计划，在剩余几天里，哪天画头部，哪天画胸部，一部分一部分有秩序地进行。最后一天进行整合。这样的话，每个部分都一次性完成，颜料与笔触、明暗转折的衔接很润，画面新鲜生动。如果画错了，坚决刮掉重画。绝不可全部画面同时进行，这样的话哪里都完成不了，也干不透，最后完全吸油，画面很难看。
这个方法也适用2周到3周的长期作业。