拉斐尔圣母像创作的美学特性研究(精)
拉斐尔艺术成就和特点
拉斐尔艺术成就和特点拉斐尔（Raffaello Sanzio da Urbino）是文艺复兴时期意大利的一位杰出画家和建筑师。
他被认为是艺术史上最重要的画家之一，他的作品充满了优雅、和谐和精确的特点。
拉斐尔在短暂的生命中创作了许多杰作，对后世的艺术发展产生了深远影响。
1. 早期生活与教育拉斐尔于1483年4月6日出生在意大利乌尔比诺市一个有名的艺术世家中。
他从小就展现出绘画天赋，并在父亲和其他当地艺术家的指导下接受了艺术教育。
他学习了绘画技巧、色彩理论和人体解剖学等基本知识，并通过模仿大师们的作品来提高自己的技巧。
2. 艺术风格与特点拉斐尔以其优雅、和谐和精确的风格而闻名于世。
他善于捕捉人物的情感表达，创造出具有真实感和灵性的形象。
他对人体结构和比例的准确把握使他的作品显得非常逼真。
拉斐尔的画作通常给人以平静、温和和亲切的感觉，他运用柔和的色彩和细腻的笔触来表达自己独特的艺术语言。
3. 重要作品3.1 圣母像系列拉斐尔创作了许多圣母像，其中最著名的是《圣母在草地上》。
这幅画描绘了圣母玛利亚、婴儿耶稣和约瑟夫在一个宁静的自然环境中。
拉斐尔通过精确的构图、柔和的色彩和细腻的绘画技巧，表现出母爱与宁静。
3.2 梵蒂冈斯坦齐礼拜堂壁画拉斐尔被教皇尤利乌斯二世邀请到梵蒂冈城国家参与壁画创作。
他在斯坦齐礼拜堂上创作了一系列壁画，以展示教会历史中重要事件和人物。
这些壁画充满了宏伟和庄严，展现了拉斐尔在构图和透视方面的卓越能力。
3.3 《雅典学派》《雅典学派》是拉斐尔最著名的作品之一，也是文艺复兴时期最重要的画作之一。
这幅画描绘了古希腊哲学家亚里士多德、柏拉图和苏格拉底等人在一起讨论哲学问题。
拉斐尔通过精确的人物塑造、逼真的表情和细腻的绘画技巧，创造出了一个富有思想深度和艺术价值的作品。
4. 影响与遗产拉斐尔对后世艺术发展产生了深远影响。
他的作品被后来的艺术家广泛模仿和赞赏，他的风格被称为“拉斐尔式”。
他对色彩、构图和人物塑造等方面的研究成果为后世艺术家提供了宝贵的借鉴。
拉斐尔绘画中的圣母形象浅谈
拉斐尔绘画中的圣母形象浅谈作者：王倩来源：《文艺生活·文艺理论》2013年第08期摘要：文艺复兴以后，画圣母知名的画家络绎不绝，而在众多创作圣母的画家中，拉斐尔以《西斯廷圣母》成为画圣母的最高典范。
关键词：圣母玛利亚；基督教；文艺复兴；拉斐尔中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2013）23-0072-02拉斐尔绘画中圣母形象的主要特点：人们总是用“超凡入胜”“尽善尽美”来形容拉斐尔的作品。
拉斐尔从不塑造刚强有力的英雄人物，而是偏爱画些温柔美貌的圣母与圣婴。
在文艺复兴之前，圣母的形象总是充满“神性”，严肃的与世俗保持着距离，而拉斐尔的圣母像一反以往宗教画的呆板僵化、苍白神秘的气氛，以人性化的因素注入其中，使其变得有血有肉，平易近人。
他短暂的一生创作了大批圣母像并以圣母像闻名于世，在他的300多幅画作中有近百幅是圣母像，《圣母子》（又名：奥尔良圣母）、《大公爵圣母》、《金翅雀圣母》、《西斯廷圣母》等等。
一、人性化而非神化拉斐尔笔下的圣母形象人性化而不再神化，它是拉斐尔圣母区别于中世纪圣母像的最大标志，也使得他的圣母像成为文艺复兴时期圣母像的代表。
1507年拉斐尔创作了《花园中的圣母》，圣母在人间，除去光环、十字架和远方的教堂，这就是一幅很美的母子图，圣母的眼睛凝神下视，眼中流露着温柔和慈爱，圣婴的表情则天真活泼，母子间其乐融融；同年他创作了《金翅雀圣母》，而这幅画即是因其上有一只抓在婴孩手中的金翅雀而得名，画中的人物没有一点宗教的标签圣婴与圣约翰都画成了幼儿形象，年轻的圣母就象带着孩子的民间母亲，幼婴的天真烂漫与圣母脸上的爱抚，组成了画面的基本内容——吟诵天伦。
人性化的因素显示出拉斐尔深受文艺复兴时期倡导的人文主义思潮的影响，在这一时期，人被提到了前所未有的高度，在人神的关系上，人文主义者追求的是建立一个以人为中心人神统一的世界，“人文主义者对神的看法经历了三个阶段：上帝人情化、上帝保佑幸福、上帝被排除在人间事物之外。
论拉斐尔绘画中圣母形象在艺术创作过程中的体现
论拉斐尔绘画中圣母形象在艺术创作过程中的体现拉斐尔被世人誉为文艺复兴三圣杰之一，凭借着精湛的绘画技巧，在文艺复兴时将人文主义发挥到极点。
特别是他画的圣母系列作品不仅歌颂了普通人类母性的光辉，而且完美结合了传统的宗教题材与现实生活中的理想美，是世界美术史上不可缺少的杰作，他的作品也被称为古典主义。
本文就拉斐尔的圣母形象来谈谈创作的三个阶段以及它们之间的联系。
一、从拉斐尔笔下圣母形象的发展变化看艺术创作的源泉艺术体验艺术体验是艺术创作的准备阶段，它可能是一个相当长期的过程，伴随着强烈的情感情绪，把艺术家长期对于生活的感受、观察和思考形成艺术创作的基础和前提。
对拉斐尔来说，他的不同时期的经历决定笔下圣母形象的三个时期变化。
首先在幼年时期，他随父学画时就已经开始了生活体验，为创作阶段或酝酿工作做好了准备，其后投师佩鲁吉诺门下学习绘画，他的感受、观察、思考时都会受老师的影响。
青年时创作的《圣母的婚礼》继承了佩鲁吉诺的艺术精华，构图上平稳;在造型上，玛利亚和约瑟的形象端庄、文雅，这就为以后的圣母形象奠定了基础。
随后，1504 -1508 年他一直居住在佛罗伦萨。
在这段时间里，那里民主精神、共和政治和人文主义思想影响了他，为他的绘画提供了艺术体验，同时他还认真研究并吸取各画派大师的艺术精华，特别喜欢学习钻研达·芬奇的构图技法和米开朗基罗的表现人体的风格，这些艺术体验使他的古典精神风格日趋成熟，从而迅速取得了和达·芬奇、米开朗基罗鼎足而立的巨大成就，从而确定了他第二阶段的圣母形象。
这一时期他的一系列圣母形象的特点首先是善良、端庄、纯洁和美丽，都以母性的温情和青春健美体现了人文主义思想，着重体现出民间纯朴的平民妇女或少女的一种母性精神品质。
另一重要特点就是已摆脱了宗教的束缚，完全表现的是真实生活里的普通母性。
其中最有名的是《带金莺的圣母》《花园中的圣母》和《草地上的圣母》。
拉斐尔与圣母像
【简介】拉斐尔,（1483——1520）是意大利杰出的画家，和达·芬奇、米开朗琪罗并称文艺复兴三杰之一，也是三杰中最年轻的一位。
他的作品博采众家之长，形成了自己独特的风格，代表了当时人们最崇尚的审美趣味，成为后世古典主义者不可企及的典范。
拉斐尔潜心研究各画派大师的艺术特点，并认真领悟，博采众长，尤其是达·芬奇的构图技法和米开朗基罗的人体表现及雄强风格，最后形成了其独具古典精神的秀美、圆润、柔和的风格，成为和达·芬奇、米开朗基罗鼎足而立的文艺复兴艺坛三杰之一。
拉斐尔创作了大量的圣母像，显露出其非凡的天才。
他的一系列圣母画像，都以母性的温情和青春健美而体现了人文主义思想。
本文将要与大家一起探讨拉斐尔与他众多的圣母像。
【关键字】：拉斐尔，文艺复兴，圣母像，人文主义思想，新柏拉图主义【正文】拉斐尔1483年出生在乌尔比诺，他父亲是宫廷的二级画师，他从小随父学画，七岁丧母，十一岁丧父。
大概1495年，拉斐尔来到佩鲁贾，在著名的温布利亚画家佩鲁吉诺画室学习。
佩鲁吉诺的抒情性艺术给拉斐尔早期的创作以相当大的影响，比如说他后来的画作画面上始终洋溢着明净的色彩，柔和的光线和宁静而优雅的节奏感，这都得益于他所受的早期教育。
这也是拉斐尔的作品体现了温柔与宁静的气息的原因之一。
拉斐尔对圣母有着很深的信仰感情，透过手中的笔，他画出的圣母总是圣洁、高雅、端庄。
在他的圣母画像中，比较著名的作品有《圣母的婚礼》、《草地上的圣母》、《圣母加冕》、《大公爵圣母》、《带金莺的圣母》、《椅中圣母》和《西斯廷圣母》等。
在这些大量的圣母题材的作品中，他运用达芬奇的明暗处理的技法来表现人物和场景，体现了单纯而诚挚的感情。
他的风格代表了当时人们所崇尚的审美情趣。
拉斐尔吸取其他人的长处再加以自己的意志，而后综合创造出最合乎当时人们的口味的形象。
他的这种“秀美”的风格，不仅使当时人倾倒，并且延续了四百年，成为后世古典主义不可企及的典范。
举例说明拉斐尔的艺术特点
举例说明拉斐尔的艺术特点拉斐尔（Raffaello Sanzio da Urbino）是文艺复兴时期意大利最重要的画家之一，他的作品被誉为“完美”的典范。
拉斐尔的艺术特点体现在他对人物形象的塑造、构图和色彩运用上。
下面将从这三个方面详细举例说明拉斐尔的艺术特点。
一、人物形象的塑造1. 真实而理想化的人物形象拉斐尔擅长通过细腻入微的绘画技巧，刻画出真实而又具有理想化气质的人物形象。
在他著名的作品《雅典学院》中，他以极其精确和细致的手法描绘了每一个人物的面部表情、肌肉线条和服饰细节，使得人物形象栩栩如生，给观者一种身临其境之感。
2. 神圣与尊贵感拉斐尔在绘制宗教题材作品时，尤其擅长表现神圣与尊贵感。
在《圣母子像》中，他通过精确而温柔地描绘圣母和婴儿耶稣之间的情感交流，使得观者感受到一种庄严而又亲切的氛围。
他对圣母的形象赋予了高贵和柔和的特点，使得她看起来既像是一个普通的母亲，又像是一个超凡脱俗的圣人。
二、构图1. 对称与平衡拉斐尔在构图上注重对称与平衡的原则，使得他的作品显得和谐而稳定。
在《雅典学院》中，他将人物分布在画面两侧，并通过中轴线将画面分为上下两部分，实现了左右对称和上下平衡。
这种对称与平衡的构图方式使得观者能够集中注意力，并感受到一种稳定和安宁。
2. 透视与深度拉斐尔善于运用透视法和深度表现技巧，使得他的作品具有立体感和空间感。
在《雅典学院》中，他通过远近景混合、人物大小比例等手法创造了一种逼真的空间效果。
观者可以清晰地看到前景、中景和背景之间的层次关系，进一步加强了画面的立体感。
三、色彩运用1. 明亮而柔和的色彩拉斐尔的作品以明亮而柔和的色彩为特点，给人以温暖和舒适的感觉。
他擅长运用红、黄、蓝等明亮的颜色，使得画面充满活力和生气。
在《圣母子像》中，他使用了柔和的粉红色作为背景，与圣母和婴儿耶稣的肤色形成鲜明对比，增加了画面的视觉冲击力。
2. 色彩的象征意义拉斐尔善于利用色彩来传递情感和表达主题。
拉斐尔艺术成就和特点
拉斐尔艺术成就和特点
拉斐尔（Raffaello Sanzio），又名拉法艾罗，是著名的文艺复兴画家，出生于义大利马拉斯拉维诺，可以说是文艺复兴时期文艺复兴时期最
重要的画家之一、他的作品受到过比萨斯尼尔的影响，但他的作品一直在
演变，他吸收了古典艺术，古罗马艺术和盎格鲁撒克逊艺术的元素，结合
自己的创造力，形成了一种独特的艺术风格。
拉斐尔的成就从耶稣诞生的
圣母玛利亚中的活动开始，包括罗马教堂（例如大殿）的室内装饰，以及
威尼斯政府的室外装饰和建筑。
拉斐尔的主要成就是在他的画作中，他把古典艺术的仪式主义和现实
的经验融合在一起，不仅充满了空间立体感，更充满了情感。
他的作品总
是有着明确的画面中心，使用立体几何学，使图像的结构更加严谨。
他的
画中，人们看到的是丰富的光影色彩和生动的表情，又有视觉上的完整性，仿佛在整个图像中同时表达着和谐和美。
他的作品有种独特的抽象性，他能将抽象的表现手法和真实的细节结
合在一起，使得拉斐尔的画作看起来既精致又抽象，既有宗教感又有人性感，既深刻又形式化。
拉斐尔《西斯廷圣母》赏析
静穆而高贵单纯而伟大——浅析拉斐尔《西斯廷圣母》画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。
代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地欢迎圣母驾临人间。
圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。
她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享着思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。
人们忍不住追随两位稚气未脱的小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。
画面的背景是画家精心安排的，是由许许多多的孩童的脸的形象化成的云朵，具有深刻的象征意义，体现了圣母做出这一伟大牺牲的重要性。
圣母的塑造是全画的中心。
从天而降的圣母出现在我们的面前，她体态丰满优美，面部表情端庄安详，秀丽文静，初看丝毫不觉其动，但是当我们注目深视时，仿佛她正向你走来，她年轻美丽的面孔庄重、平和，细看那颤动的双唇，仿佛听到圣母的祝福。
拉斐尔擅于塑造圣母形象，而这幅画中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品，它以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩。
画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像那种僵硬、麻木、冰冷、不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女的形象，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱的救世主基督，她的脸上又洋溢着身后的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。
在拉斐尔过去创作的圣母像中，总是极力追求完好无缺，更多地具有母亲和情人的精神气质和形象。
而这幅《西斯廷圣母》是在更高的起点上塑造了一位人类的救世主形象。
这幅稀世之作画出了女性的温柔与秀美，歌颂了圣母把爱子献给拯救人类的伟大事业的崇高行动。
拉斐尔在她塑造的人物身上倾注了全部的热情，尤其是圣母的形象，画家将人间所有的美和美好的品格都集中在她身上，让我们真真切切地感触到她就在我们身边。
不是吗？画中圣母头顶没有光环，穿戴毫不华丽，甚至赤着双脚，那样平易近人，纯朴可亲。
为什么说拉斐尔的《西斯廷圣母》是最美的圣母像
为什么说拉斐尔的《西斯廷圣母》是最美的圣母像拉斐尔的《西斯廷圣母》是毫无疑问的世界著名的艺术珍品。
它不仅是文艺复兴时期最伟大的作品之一，更是几乎所有拉斐尔画作中最受欢迎的一幅。
这幅画已经成为了圣母像的代表之一，从古至今被人们所熟知，无论是艺术史家还是敬仰者都对它赞不绝口。
那么，这幅画作为圣母像的代表，它又有哪些特点，为什么被称为最美的圣母像呢？本文将就这个问题进行一些探讨。
首先，拉斐尔的《西斯廷圣母》具有极高的艺术价值，有着完美比例、和谐的色彩、周正的构图和逼真的细节。
在这幅作品中，圣母玛利亚以一种极其温柔、和善的面容展现在我们的面前，她优美的仰面姿态以及抱着得孚安可修士手臂上的耶稣的慈祥神态，都与一般圣母像所呈现的表情大为不同。
与此同时，这幅油画的金碧辉煌的背景给人一种神圣和闪耀的感觉，整幅画都非常和谐美好。
这些特点让《西斯廷圣母》成为了毕生中不可多得的杰作。
其次，这幅画作为艺术品，它融合了大量人文主义的元素和基督教的文化。
拉斐尔虽是一个天才画家，但他也是一个人文主义者。
在这幅作品中，他以柔和的笔墨勾勒出来的圣母像非常让人感觉到和善。
这种感觉和当时的人文主义文化一脉相承。
此外，拉斐尔用油画的形式赋予了圣母的形象，传达了神圣与尊荣的感觉。
整幅画虽是基督教文化的表现形式，但是它已经成为了人们生活中怀念的特殊的文化符号。
值得注意的是，作为一个文艺复兴时期的杰出艺术家，拉斐尔在制作这幅画的时候，可以说是找遍各种资料，以求更好地再现圣母的真实形象。
他敏锐而深刻的观察、仔细的凝神于生活细节的描写以及对天然材料的运用，都是一种奇异的才华。
这幅画的制作，经历了严格构思、绘图彩稿、修整等环节，以便于更好地真实地再现圣母本真的形态。
拉斐尔的《西斯廷圣母》因此呈现出真实、生动、传神的艺术形式，成为圣母常见形象之一。
最后，这幅画的标志性地位也是不容忽视的。
拉斐尔的《西斯廷圣母》是意大利文艺复兴时期的代表作之一，也是整个世界的美术艺术宝藏之一。
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拉斐尔圣母像创作的美学特性研究 _邹琼辉一、拉斐尔的创作概述拉斐尔·圣齐奥(1483-1520 , 1483年出生于意大利中部小城乌尔比诺,他的父亲是一位宫廷画师,所以拉斐尔自幼就接受了正统的美术教育, 15岁进入贝鲁基诺画室开始了专业的美术学习,并且展露出了绘画的天分和才华, 17岁就担任了教堂壁画的主创, 21时,拉斐尔定居文艺复兴之都佛罗伦萨,受到了人文主义精神的熏陶,同时亦学习达芬奇和米开朗基罗的绘画,并迅速和二人齐名,先后创作出《圣母的婚礼》《雅典学院》《基督的埋葬》《波塞纳之弥撒》等作品。
1519年, 年仅 36岁的拉斐尔在创作中突然死去,一代大师英年早逝,被称为是西方美术史上最大的遗憾。
圣母像是拉斐尔创作的重要题材,占到了其绘画作品总数的三分之一,他用母性的温存和青春健美的形象实现了对人文主义思想的诠释,以至于恩格斯在赞美人类的双手时,谈到的第一个例子就是拉斐尔的笔下的圣母像,可见其魅力之巨大。
二、拉斐尔圣母像创作中的美学特性1. 科学之美文艺复兴时期,一个重要的思想上就是充分肯定人的价值和作用,提倡科学文化,使人们从传统、蒙昧的宗教中逐渐挣脱出来。
在美术创作中,很多艺术家都绘画进行了科学的研究,先后将透视法、解剖学等知识运用到绘画中来,一方面改变了之前绘画中的程式化倾向,另一方面也使绘画有了更为坚实的科学理论基础。
拉斐尔作为文艺复兴成熟时期美术三杰之一,对于绘画中的各种科学研究十分赞同,而且积极主动地将这些理念运用到绘画中去,使得他的圣母像散发出一种科学的光芒,这也是其作品到被奉为经典的重要原因。
如 1502 年创作的《圣母加冕》 ,就运用了透视法,画中的圣母和基督教徒位于画面的上半部,众多观看者则位于下半部,虽然略显生硬,但是依然体现出了拉斐尔的空间分割意识。
而到了《圣母的婚礼中》 ,这种运用就体现得更明显。
圣母和身后的宫殿建筑形成了一种远近的呼应关系,从而体现出了一种宏大的气势,每一个观看者都觉得自己是在触目远眺,从而获得一种心旷神怡的感觉。
除了透视法之外,拉斐尔对解剖学也进行了深入的研究, 《草地上的圣母》《金丝雀圣母》和《园丁圣母》等作品中,每一位圣母的肌肉和皮肤都得到了完美和细致的展现,丝毫看不出有任何雕琢的痕迹,给人以一种亲切自然的感觉。
同时在背景的处理上,他喜欢使用优美的自然风景,利用自己精湛的透视技巧体现出风景的悠远和深邃,从而使圣母形象更加清丽和温婉。
所以说,拉斐尔圣母像创作的一个重要特点就是对科学的塑造手法的运用,在空间上获得了一种三维立体感,在形体上具有雕塑感,而且人物的质感也能得到精致的刻画,这种创新的勇气、智慧和技巧以及作品表现出来的科学之美,都是为后人所称赞的。
2. 人性之美13世纪之前,出于对宗教寓意的表达,所有的圣母像创作都呈现出了一种程式化倾向,即头部要按照严格的比例关系来构成,身体往往都藏在宽大的衣服之后,背景都是平涂的光环,而色彩通常都是最神圣的金色。
圣母像已经不再是一种绘画作品,而是一种宗教寓意的承载者和传达者,被看作是宗教徒和上帝进行神圣精神交流的工具。
而文艺复兴,倡导人们从宗教的束缚中的解脱出来, “人”被提到了一个前所未有的高度,人文主义者试图建立一个以人为中心的世界。
作为人文主义思想的支持者和传播者,拉斐尔在其圣母像的创作中践行了这一观念,使得他的圣母像体现出一种鲜明的人性之美。
1507年创作的《花园中圣母》 ,第一次凸显了其圣母像与前人作品的不同,圣母不是在天上而是在人间,背后也没有了光环的照耀和宏伟的教堂,两个孩子依偎在母亲的腿部,而母亲则温情地注视着其中的一个孩子,将他的手臂轻轻挽起。
《藤皮圣母》中,画家有意淡化了背景,一改传统绘画中那种沉稳的金字塔造拉斐尔圣母像创作的美学特性研究邹琼辉摘要:圣母像是 13到 16世纪中欧洲绘画的重要题材,被誉为“文艺复兴美术三杰”之一的拉斐尔是圣母像创作的集大成者。
他创作的圣母像有着科学的表现技法、人性化的情感表达、完美化的审美追求等,使得这一题材的绘画获得了突破性发展。
本文从拉斐尔的创作经历谈起,就其圣母像创作的美学特性进行了具体的探索和研究。
关键词:拉斐尔 ;圣母像 ;美学特性美术研究DOI:10.15947/ki.dwt.2014.05.094·36·型,而是以一种轻松和随意的构图描绘出了母亲怀抱婴儿的姿态,画面中的年轻母亲将自己的头部紧紧贴在婴儿的头部,享受着母子之间的亲情。
而拉斐尔 1514年创作的《椅中圣母》中,似乎已经完全脱离了宗教束缚,画中的一位母亲和两个孩子,无论是在面容上还是衣着上,都和现实生活中的母子无异。
通过这些作品可以看出,拉斐尔逐渐将圣母的崇高较为平凡,他笔下的圣母已不再是高高在上的神,而是一个现实中平凡的母亲,一个慈祥和蔼的母亲,到最后基本没有了宗教的色彩,这种从神性到人性的转变,表明了在人文主义思潮的影响下,拉斐尔对自己的创造潜力有了全新的认识,开始把自己定位于美好事物和情感的表现者、传播者,个人的聪明才智和审美追求得到了充分的肯定。
而这种人性化的追求,直到今天还是绘画艺术创作追求的目标之一,由此可见拉斐尔对绘画艺术的突破有巨大的意义。
3. 完美之美拉斐尔的一生虽然十分短暂,但是十分顺利和幸福,充满了家人的关怀和朋友的帮助,而且他十分谦虚,待人诚恳,更像是一个天生的乐观主义者,这些主客观因素交织在一起,使他在创作中表现出了一种完美化的追求。
他自己曾经表示,为了创作出一个完美的女性形象,自己经常走上街头,仔细观察每一个女性,然后选取其中最美的一位作为自己的模特。
但是这个模特也只是一个大致的形象,他还要和自己脑海中的理想形象相结合,尽量朝着完美的方向努力。
可以看出拉斐尔笔下的圣母形象,既不是生活中人物原型的照搬,也不是纯粹的理想化想象,而是一种理想和现实结合,力求实现一种理想化的调和美,也就是他心目中的完美。
《西斯廷圣母》被誉为是圣母像中经典之作,画面的帷幕刚刚被揭开,圣母玛利亚身着一件朴实无华的斗篷,她转过头,用母性的仁慈俯视着小天使,仿佛同他们分享着思想的隐秘,人们忍不住追随着小天使向上的目光,最终与圣母相遇,这是目光与心灵的汇合。
环抱着圣婴耶稣,她的双手有力而又柔软,可以看出婴儿对圣母的怀抱是十分依恋的,而教皇和圣女则表现出了对圣母的虔诚。
从构图上看,画面设置十分严谨,虽然有六个人物,但是每一个人物都有自己合理的位置,既有联系,又不相冲突,实现了一种静态中的动感。
从色彩上看,拉斐尔并没有使用的鲜亮的颜色,而是以传统的褐色和棕色为主,意在表达一种庄重之感。
从背景上看, 为了避免罗列之感,拉斐尔采用了多视点的并列法,使画面具有了一种深远的感觉。
西斯廷圣母那种庄重、优美、慈爱得到了完美的刻画,引起了人们的无限遐思。
相传当时意大利很多怀孕的妇女都争抢着将这幅画放在自己的卧室中,希望自己也能够像圣母一样,散发出无限的母性光辉。
俄国的圣母像画家克拉姆斯柯依更是将其作为圣母像创作中的典范,称其有着不朽的价值,真正实现了理想和现实的统一。
4. 时代之美因为拉斐尔在圣母像创作中所体现出的诸多创新, 使得其创作也在客观上具备了一种时代化的特性。
在他早期的作品中,画面中圣母还基本遵循着传统圣母像创作的诸多特性,之后他开始在创作中刻意加入具有时代气息的内容,犹如一阵清风吹过,受到了教会和普通民众的普遍认可,他的圣母像作品甚至一度成为了时尚的代名词,而且伴随着名气的不断提高,拉斐尔可以超出创作中的契约关系,获得更多的自由,而这种自由表达总是和民众的口味相一致的,客观上了加快了其作品的传播力度。
如《草地上的圣母》中,圣母身着深红色的上衣和深蓝色的披衣,这两种颜色是人文主义时期的绘画中十分推崇的颜色,既能摆脱宗教绘画中的褐色和灰色,又能够获得一种稳定之感,而且拉斐尔还在圣母上衣的领口,为其加上了一道金边,使得圣母神采奕奕。
《椅中的圣母》中,几乎是当时意大利的妇女衣着的真实写照,圣母的蓝色披衣自然的搭到腿上,披肩和头饰都十分考究,都绣着民间的图案,十分具有意大利的民族特色。
相传这幅作品问世后,很多少女都要求裁缝为自己制作画中的衣服。
所以拉斐尔的圣母像不仅是时代的适应者,也是时尚的引领者,这种时代化特性的表达也是其圣母像广受好评的重要原因。
综上所述,拉斐尔笔下的圣母像的确给我们带来了与众不同的感受,他将女性所有美的特质集合于一身,而后将其融入到这个现实世界中,由此获得了现实和理想的统一,当然这与其先进的绘画创作理念、优雅脱俗的艺术气质所分不开的。
希望本文的研究能够起到抛砖引玉的作用,引起更多人对拉斐尔圣母像创作的关注和研究。
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