谈音乐内涵的三个维度
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式一、声音美在音乐中，声音美是最为直接的体现，它是音乐的基础，也是最容易被人体验到的美感。
声音美既包括音色美，也包括音高、音长、音量和音质等方面的美。
音色是音乐中最为鲜明的特色之一，不同的乐器具有不同的音色，它们相互搭配和谐统一，才能够产生出丰富多彩的声音美。
交响乐中的木管乐器、铜管乐器和弦乐器各自具有独特的音色，它们在音乐中的运用能够丰富音乐的层次和情感表达。
音高、音长、音量和音质等也是影响声音美的重要因素，它们在音乐表达中的合理运用，能够使音乐更加丰富多彩，让人们产生更深的情感共鸣。
二、结构美结构美是音乐美感中的重要组成部分，它主要体现在音乐的组织结构和发展流程中。
音乐的结构美主要包括旋律、节奏、和声、对位和韵律等方面的美感。
旋律是音乐中最为基本的组成元素，它具有一定的情感表达功能，能够给人以美感享受。
音乐中的节奏、和声、对位和韵律等元素也是体现结构美的重要因素，它们在音乐中的合理运用能够使音乐更加丰富多彩，给人以美感享受。
音乐的结构美还体现在其整体结构的合理性和发展的连贯性上。
一个好的音乐作品，其旋律、节奏、和声、对位和韵律等元素应能够相互配合、相互呼应，形成一个完整和谐的整体，使人们在聆听时产生愉悦和赏心悦目的感受。
三、情感美情感美是音乐最为重要的美感之一，它是音乐的灵魂所在，也是音乐最为深刻的表达方式。
音乐通过旋律、节奏、和声、对位和韵律等元素的合理运用，能够更好地表达情感和情绪。
快速的节奏、高亢的音高和强烈的音量能够传达出愉悦和热情的情感，而缓慢的节奏、低沉的音色和柔和的音量则能够传达出沉郁和忧伤的情感。
音乐中的音乐语言、音调及曲式等形式，也是表达情感美的重要手段。
音乐中的音调能够直接传达出音乐的情感，使人们在聆听时能够产生共鸣和情感上的感受。
音乐的曲式也是表达情感美的重要手段，例如交响乐、协奏曲、奏鸣曲等不同的曲式，都能够通过其独特的结构和发展方式来表达出不同的情感。
谈音乐内涵的三个维度
谈音乐内涵的三个维度作为音乐的三位一体现象，它与美国逻辑学家皮尔斯(Charles Peirce)被广泛了解与接受的图像、指索、象征符号三分法直接相关：音乐的情感性相当于图像符号，音乐的描绘性相当于指索符号，而音乐的象征性自然相当于象征符号。
自巴洛克时期音乐语汇规则的确立开始，17 世纪到20 世纪的近代与现代文化中音乐内涵的三个重大方面定型为这种音乐意义上的三位一体。
音乐内涵这三个维度并不平等：音乐的情感性是必然的，而描绘性与象征性是可能的，却不是必然的。
音乐艺术有时会离开后两个方向，却又总是重新返回，在里面发现令人精神振奋的、富有表现力的“营养”。
因此音乐内涵三个维度相互之间的关系在欧洲(或者世界)严肃音乐历史的不同时期具有很大的区别。
我们将17—20 世纪的音乐历史分为四个基本阶段，即巴洛克、古典主义、浪漫主义与20 世纪，以此对音乐内涵的三个维度进行比较，同时展示这四个时期不同的音乐语汇规则。
一、巴洛克时期巴洛克时期(17 世纪初到18 世纪中期)音乐的特点是音乐内涵的三个维度全都处于最高水平，这也是其语汇规则的主要特征。
情感性作为鲜明与深刻的体验，是这一时期划时代的成就。
“情感性”这个词本身便是17 世纪法国哲学家勒内·笛卡尔提出的。
当时卡契尼在音乐中使用术语“cantare con affetto”(1601)，蒙特威尔第使用术语“stile concitato”(1638)，多尼(GiovanniBattista Doni，意大利人文学家、音乐理论家，1595—1647) 使用术语“stile espressivo”(1640)，而阿特纳斯·柯雪(AthanasiusKircher，德国全能型学者，1602—1680)使用术语“musica pathetica”(1650)。
“单一情绪论”促进了情感性的兴盛。
为了造成强烈的情感印象，充满一个完整曲式结构的某种情绪需要长时间延续，且其间没有对比情绪的替换。
对音乐的三元理解
对音乐的三元理解作者：方璀来源：《神州》2012年第20期摘要：在所有的艺术类型中，比较而言，音乐是最抽象的艺术。
音乐是一种符号，声音符号，表达人的所思所想。
笔者则借鉴音乐美学的观点，从音乐创作、音乐表演和音乐欣赏这三个角度，对“音乐”的本质、意义进行了分析和阐释。
旨在从较为立体的维度中去理解“音乐”的具体内涵。
关键词：音乐；创作；表演；欣赏在我们日常的生活学习和工作中，“音乐”这个词是高频出现的。
由此，究竟什么是音乐？其本质何为？包涵了几种层面上的含义？诸此问题，皆是我们这些音乐艺术的学习者和研究者，经常面临且又不可回避的问题。
笔者则从音乐创作、音乐表演和音乐欣赏这三个角度，对“音乐”进行抛砖引玉式的理解和阐释。
一、音乐创作的灵魂音乐是一种抽象无形的艺术，它的产生离不开音乐的创作者。
笔者认为，音乐是由创作者通过对音色、节奏、音高、速度和力度等元素的把握和有机结合，而产生的一种具有一定规模和结构的艺术形式，我们可以称其为“音乐作品”。
这个音乐作品的形式是多种多样的，可以是一首歌曲、一首器乐曲或是一部歌剧等。
这是对音乐作品本质的物理分析。
美国当代著名作曲家乔治·克拉姆曾说：“我相信音乐反映人类灵魂最深处的能力甚至超过了语言”，“对我来说……似乎任何时期、任何风格的优秀音乐，都呈现出了灵魂和思想的完美平衡”。
①我们可以这样理解：生活或诸多事物对创作者产生了灵魂上的激发，这种感悟无法用语言来描述、无法用肢体动作来表达、无法用色彩和视觉画面来比绘，只能通过音高、时值来体现，用时间的艺术来记载和再现内心深处的感触。
例如：莫扎特的歌剧《魔笛》，反映了他追求启蒙主义和对“共济会”的自由、平等、博爱的理想；贝多芬的《第九交响曲》是其创作的思想境界、革命热情和艺术理想的集中体现；肖邦则通过《革命练习曲》、《b小调谐谑曲》、《第一叙事曲》和《bA大调波兰舞曲》来渲泄内心的思乡情亡国恨……还有我国著名的作曲家聂耳、冼星海等，都是在一定的时代背景下，激发他们灵魂深处的音乐。
音乐三维目标是哪三个
音乐三维目标是哪三个音乐三维目标是指音乐所追求的三个方面的目标，包括音乐作品的表达力、技术水平以及艺术源泉。
下面分别对这三个目标进行详细介绍。
首先是音乐作品的表达力。
音乐作为一种艺术形式，主要是通过声音来传达情感和思想。
作为作曲家或演奏者，他们希望通过音乐作品能够表达出自己的独特的感受和思考，让听众能够感同身受。
表达力是衡量一首音乐作品质量的重要指标之一，它需要作曲家和演奏者有深入的情感理解和技巧的支持。
只有通过准确的演奏和恰到好处的音乐编排，才能够使作品中所包含的情感得到最真实最完美的表达。
其次是音乐作品的技术水平。
音乐创作和演奏都需要一定的技术基础和技巧支持。
作为作曲家，需要具备一定的音乐理论知识和作曲技巧，才能够将自己的创作想法转化为实际的音乐作品。
同样，作为演奏者，需要掌握一定的演奏技巧和乐器技术，才能够将作品中包含的情感和意境通过演奏完美地展现出来。
技术水平的提高需要持续的学习和练习，只有不断地提升自己的技术水平，才能够更好地表达自己的音乐理念。
最后是音乐作品的艺术源泉。
音乐作为一种艺术形式，需要有灵感和创造力的支持。
艺术源泉是音乐创作的生命力所在，它包括作曲家内心的情感和对生活的理解，也包括作曲家对音乐语言和结构的创新和探索。
好的音乐作品往往能够触动人的心灵，给人以启发和思考，这些都是艺术源泉的表现。
作曲家在创作音乐时需要敏锐地捕捉灵感，同时也需要不断地扩展视野，开拓创作思路，才能够创作出更加优秀的音乐作品。
综上所述，音乐三维目标包括音乐作品的表达力、技术水平以及艺术源泉。
这三个目标互为补充，缺一不可。
只有在表达力、技术水平和艺术源泉三个方面都得到充分的发展和提升，才能够创作出真正优秀的音乐作品，给人们带来真正的艺术享受。
因此，作为音乐从业者，我们应该不断地追求音乐的较高水平，不断地提升自己在表达力、技术水平和艺术源泉方面的能力。
只有这样，才能够更好地用音乐感动人心，丰富人们的生活。
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式音乐是一种高度抽象的艺术表达形式，在不同的文化和时代中，都有着不同的音乐美学观点和音乐情感表现方式。
音乐美感的体现有其内在的美和外在美，而音乐情感的表达方式则可以分为三个层次，即音乐语言、音乐形式和音乐气氛。
下面将对音乐的三层美感与音乐情感表达方式进行浅析。
一、音乐的三层美感音乐是一种心理感受的艺术，它可以让人们感知到律动、节奏、和谐、调性、色彩等方面的感受。
从音乐的美感角度出发，我们可以将音乐的美感分为内在美和外在美。
1、内在美内在美是指音乐所具有的本质美，主要包括律动美和和谐美。
律动美是指音乐中所包含的规则性的节奏和韵律，它能够激发人们的内在感觉和情感，引起听者共鸣。
而和谐美则是指音乐制作中所运用到的元素，如声部合奏、和声技巧、繁复的音符运用等，这些元素的运用能够创造出一种和谐美感，使人们感受到一种平衡和谐的感觉。
2、外在美外在美是指音乐的外部形式美，主要包括音乐节目的结构、演奏方式、音效处理等方面。
外在美的体现往往需要借助专业的演奏技巧和音响设备才能真正呈现。
比如，通过对音响设备的运用，可以创造出类似厅堂的音效，使人们感受到一种高雅的氛围。
二、音乐情感表达方式1、音乐语言音乐语言是指音乐中所使用的乐音符号和乐理知识，乐曲的调性、节奏、音色等都可以在音乐语言中表达出来。
往往乐曲中的各种元素都是有规律可循的，因此也能很好地表达出人们的情感需求。
2、音乐形式音乐形式是指乐曲的组成形式，也是音乐的基本结构。
不同的音乐形式可以表达不同的情感需求。
比如，一首慢板与一首快板的节奏和调性都会不同，它们所传达的情感也会有所不同。
同样，合唱曲和独唱曲的形式所表达的情感也有所不同。
3、音乐气氛音乐气氛是指乐曲所创造出的一种情境和情感状态，它与音乐形式和音响效果密不可分。
音乐气氛能够影响听者的情感状态和心理感受。
因此，在音乐创作和演奏中，除了要运用优秀的音响设备，还要注重音乐气氛的创造，以便更好地表达音乐的情感。
挖掘音乐文化内涵的三条途径
挖掘音乐文化内涵的三条途径第一条途径是历史文化的探究。
音乐作为文化的一种表现形式，与当时的历史和社会背景有着密不可分的联系。
我们可以通过研究不同年代、不同文化背景下的音乐作品，了解当时人们的文化观念、生活方式和价值观念。
例如，古代中国的古乐，既是一种音乐形式，也是一种文化形态。
它反映了当时的礼仪、文化和美学观念。
如果我们仔细研究古乐的曲调和演奏方式，就可以进一步了解古代中国的社会和文化。
第二条途径是文学和诗歌的解读。
音乐作为艺术形式，经常与文学和诗歌结合在一起。
很多音乐作品都是基于某些文学或诗歌作品而创作的。
通过对这些作品的解读，我们可以更深入地理解音乐的文化内涵。
例如，贝多芬的《第九交响曲》中加入了舒伯特的《欧阳山下》，这首诗歌中提到了爱与美的主题，贝多芬通过音乐来表达了对这些价值观的探求和赞美。
同样，孟庭苇的《月亮代表我的心》中，借鉴的是南宋诗人秦观的诗句，表达了对爱情和生命的颂扬。
第三条途径是跨文化比较。
不同文化背景下的音乐作品反映了不同的文化观念和价值观念。
通过对不同文化背景下的音乐作品的比较，我们可以更全面地认识音乐文化内涵。
例如，古希腊的音乐与现代西方音乐有很大的不同，古希腊的音乐注重旋律和节奏的协调，强调合唱的效果，而现代西方音乐则更加强调个体的表现和情感的表达。
通过对这些不同的音乐文化进行比较，我们可以建立起更加宽广的音乐认知和审美观。
总之，挖掘音乐文化内涵是一个复杂而有趣的过程，需要我们在不同的途径中进行探索和解析。
只有从多个角度来理解音乐作品，才能更好地理解音乐的文化内涵，从而进一步提升我们的审美能力和文化素养。
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式
浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式音乐是一种极具魔力的艺术形式，它能够唤起人们内心深处的情感，引发身体和心灵的共鸣。
而音乐的美感和情感表达是音乐艺术中非常重要的两个方面。
在本文中，我们将浅析音乐的三层美感与音乐情感表达方式。
一、音乐的三层美感音乐的美感是指音乐所具有的观赏价值和审美感受，它包括音乐的听觉美感、结构美感和情感美感三个层面。
这三层美感共同构成了音乐的魅力和吸引力。
首先是音乐的听觉美感。
音乐是通过声音传达的艺术形式，因此它所具有的听觉美感是最为直接和重要的。
音乐的听觉美感涉及到音乐的声音质地、音色、音高和音量等方面。
不同的声音质地可以带来不同的感受，比如柔和的声音会给人一种温暖和安静的感觉，而尖锐的声音则会让人感到紧张和焦躁。
音乐的音色也是其听觉美感的重要组成部分，不同的乐器和演奏方式会造就不同的音色，从而影响到人们的美感体验。
音乐的音高和音量也会直接影响到人们的感受，高音和大音量的音乐通常会让人兴奋和激动，而低音和小音量的音乐则更容易引发内心的平静和放松。
其次是音乐的结构美感。
音乐是通过一定的节奏和和声规律组成的，这种结构美感是音乐的基本特征之一。
音乐的节奏可以让人感受到一种有序和融洽的美感，音乐的和声规律则可以给人带来一种和谐和统一的感受。
在作曲家和演奏者的巧妙设计下，音乐的结构美感会让人们产生一种美妙的审美感受，从而使人陶醉其中。
最后是音乐的情感美感。
音乐能够传达并唤起人们内心深处的情感，这种情感美感是音乐的最重要的美感之一。
音乐能够表达各种情感，比如欢乐、悲伤、愤怒、爱情等等，而这种情感的表达通常是通过音乐的旋律、节奏和和声等方面来实现的。
作曲家和演奏者可以通过一些技巧和手法来使音乐更富有情感，比如运用不同的音色和音高来表达情感的变化，加强节奏和加强音量来增加情感的张力等等。
这样一来，音乐就成为了一种可传达情感的语言，能够深深地触动人们的内心，引发共鸣。
二、音乐的情感表达方式音乐的情感表达是音乐艺术中最为重要的方面之一，它使得音乐成为了人类情感外露的有效途径。
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”
浅谈音乐美学中音乐存在“三要素”音乐美学是研究音乐艺术的美的规律和特点的学科，其中音乐的三个要素是指音乐的声音、时间和空间。
这三个要素是构成音乐的基本单位，通过它们的相互作用和结合，创造出丰富多样的音乐作品。
音乐的声音是构成音乐的基本要素之一。
声音是音乐的载体，通过声音的发出和传播，才能使音乐作品被听众感知和欣赏。
声音的特点包括音高、音色、音量、音节等，不同的声音组合和排列方式形成了音乐的旋律、和声和节奏。
声音能够直接触动人的感官，给人以美的享受，是音乐表现力和情感传递的重要手段。
音乐的时间是音乐存在的基本条件之一。
音乐通过时间的流逝来展现其发展和变化过程，时间的划分使得音乐的结构和形态得以体现。
时间决定了音乐的节奏和节拍，使各个声音和声乐表现在不同的时间点上。
音乐的发展和变化过程也是通过时间来体现的，包括音乐的起承转合、高潮和结束等。
时间的运用使音乐得以有机地展开，给人以动态和连贯的感觉。
音乐的空间是音乐存在的另一个重要要素。
音乐通过声音的传播和扩散在空间中形成一定的位置和分布，这样才能被听众感知和接受。
音乐空间的特点包括音乐的声场、音响效果和谐波分析等，通过空间的运用，音乐能够更好地表现出音响的立体感和深度感，给人以身临其境的感觉。
这三个要素是互相关联和相互作用的，缺一不可。
声音是音乐的基础和核心，时间是音乐的流动和发展的基础，空间是音乐的载体和传播的基础。
它们相互促进和制约，共同构成了音乐的世界。
在实际的音乐创作和欣赏中，对于这三个要素的处理和运用是至关重要的。
优秀的音乐作品往往是在声音、时间和空间的综合运用下取得的。
音乐创作者需要通过对声音的选择、时间的节拍和空间的安排来创作出富有表现力和感染力的音乐作品。
而音乐欣赏者则需要通过对声音的感知、时间的感受和空间的理解来领略音乐所传递的美和情感。
- 1、下载文档前请自行甄别文档内容的完整性，平台不提供额外的编辑、内容补充、找答案等附加服务。
- 2、"仅部分预览"的文档,不可在线预览部分如存在完整性等问题,可反馈申请退款(可完整预览的文档不适用该条件!)。
- 3、如文档侵犯您的权益，请联系客服反馈,我们会尽快为您处理(人工客服工作时间：9:00-18:30)。
谈音乐内涵的三个维度作为音乐的三位一体现象，它与美国逻辑学家皮尔斯(Charles Peirce)被广泛了解与接受的图像、指索、象征符号三分法直接相关：音乐的情感性相当于图像符号，音乐的描绘性相当于指索符号，而音乐的象征性自然相当于象征符号。
自巴洛克时期音乐语汇规则的确立开始，17 世纪到20 世纪的近代与现代文化中音乐内涵的三个重大方面定型为这种音乐意义上的三位一体。
音乐内涵这三个维度并不平等：音乐的情感性是必然的，而描绘性与象征性是可能的，却不是必然的。
音乐艺术有时会离开后两个方向，却又总是重新返回，在里面发现令人精神振奋的、富有表现力的“营养”。
因此音乐内涵三个维度相互之间的关系在欧洲(或者世界)严肃音乐历史的不同时期具有很大的区别。
我们将17—20 世纪的音乐历史分为四个基本阶段，即巴洛克、古典主义、浪漫主义与20 世纪，以此对音乐内涵的三个维度进行比较，同时展示这四个时期不同的音乐语汇规则。
一、巴洛克时期巴洛克时期(17 世纪初到18 世纪中期)音乐的特点是音乐内涵的三个维度全都处于最高水平，这也是其语汇规则的主要特征。
情感性作为鲜明与深刻的体验，是这一时期划时代的成就。
“情感性”这个词本身便是17 世纪法国哲学家勒内·笛卡尔提出的。
当时卡契尼在音乐中使用术语“cantare con affetto”(1601)，蒙特威尔第使用术语“stile concitato”(1638)，多尼(GiovanniBattista Doni，意大利人文学家、音乐理论家，1595—1647) 使用术语“stile espressivo”(1640)，而阿特纳斯·柯雪(AthanasiusKircher，德国全能型学者，1602—1680)使用术语“musica pathetica”(1650)。
“单一情绪论”促进了情感性的兴盛。
为了造成强烈的情感印象，充满一个完整曲式结构的某种情绪需要长时间延续，且其间没有对比情绪的替换。
这种观念长时间存在，格林卡也曾写到：“它(指凄凉的合唱——霍洛波娃注)必须延续足够的时间，以使忧伤的感觉留在听众的心头。
”与文艺复兴时期相比，巴洛克时期对词的态度发生了变化：音乐并不是去反映每一个具有表现力的词语(像在牧歌中那样)，而是为整个曲式的单一情绪音响选择一个关键词。
巴洛克时期出现了音乐情绪的分类法。
记录在阿特纳斯·柯雪《音乐总论》(Musurgia universalis ，1650)一书中的分类法将音乐的情绪分为以下八种：1. 爱(amor)2. 忧伤(tristitia)3. 勇敢(audacia)4. 暴怒(furor)5. 适中(temperantio)6. 愤慨(indignatio)7. 庄严(gravitas)8. 虔诚(religio)在柯雪的其他分类中还出现了“喜悦”与“惊恐”，而在音乐的实践中还有“玩笑”(或者“音乐的谐谑”——蒙特威尔第的术语)。
巴洛克时期的俄罗斯理论家与作曲家季列茨基在著作《音乐的语法》中揭示了音乐的三种属性——愉悦的、凄苦的与混合的。
在意大利歌剧中形成了咏叹调的情绪类型：英雄的、愤怒的、悲伤的、雄壮的、喜剧的，等等。
巴赫的音乐达到了巴洛克音乐情绪状态的顶峰。
比如说，我们可以比较一下他音乐中的“忧伤”“爱”与“痛苦”。
“忧伤”对于巴赫来说是“温和的痛苦”。
以音乐语言来说：带有一些半音化的小调式、慢速的运动、“叹息”(suspiratio)与“下行”(katabasis)的音乐修辞音型，等等。
“爱”(对神的爱)是“温和的忧伤”，与“心”(Herz)、“爱”(Liebe)等词汇相关联，音乐语言上可能是小调式，也可能是大调式，使用“叹息”(suspiratio)音型与“下行”(katabasis)音型，比如巴赫的康塔塔《我们的上帝是坚固的堡垒》(No.80)第四曲女高音咏叹调《进入我的心房》。
“痛苦”是强烈的情绪，与耶稣在十字架上受难的词汇相关。
可能是带有大量半音化、不协和音响与延留音的慢速运动，使用“激情迸发”(patophoia)、“坚硬进行”(passus duriusculus ，也译为“沉重步伐”)、“坚硬跳进”(saltus duriusculus)和“叹息”(suspiratio)音型。
《平均律钢琴曲集》第I 部中的f 小调、升f 小调、降b小调赋格是典型的例子。
“勇敢”表现在与“同敌人战斗”“胜利决心”有关的歌词中，而在音乐语言上使用快的速度、自然调式、三和弦的重复与移动。
例如，巴赫的康塔塔《我们的上帝是坚固的堡垒》(No.80)第二曲二重唱咏叹调、《平均律钢琴曲集》第II 部中的D 大调前奏曲。
“喜悦”存在于耶稣诞生的事件，歌颂神的力量与教会的繁荣，以音乐语言来看主要是大调式、三和弦的使用，快速运动，没有切分、三拍子，而在乐队中是小号、长号、圆号。
比如使用D 大调的巴赫清唱剧《尊主颂》(Magnificat )第一曲与最后一曲。
巴洛克乐队协奏曲《天堂值得喜悦》(佚名)和《金管道》(В. 季托夫)是俄罗斯音乐史上少见的具有明显喜悦情绪的作品。
从巴洛克器乐作品的动力性方面来说，高潮尤其是高潮点并不典型，但也不是“寂静的高潮”(指19 世纪音乐中的一种高潮形式，可见下文——译者)，而是具有动力性的高原、“梯田式”的音量变化。
巴洛克音乐内涵中描绘性的维度由多个源头支撑：文艺复兴趋势的延续(对自然与世俗生活的关注)、具有观赏性的歌剧的出现、新教教旨的实现(在德国音乐中)。
在意大利，文艺复兴观念继续延续，比如在维瓦尔第的标题性小提琴协奏套曲《四季》中。
在法国，从16 世纪的香颂转向诸如拉莫的《鸟鸣》《母鸡》这类小曲。
而拉莫的《独眼巨人》《野人》等羽管键琴作品与歌剧和芭蕾有关，他还写到自己打算在《旋风》中展现“强风吹动粉尘的旋转”。
库普兰将曲名的标题性体系化，在他数百首羽管键琴小曲中有整部描绘鸟类形象的作品(《恋爱中的夜莺》《布谷鸟与鸣叫》)、描绘植物与花的作品(《罂粟》《花开的花园》)、描绘江海形象的作品(《浪》《提洛贡多拉》)以及描绘战争场面(《号角》)、日常生活(《闹钟》)、人物角色(《织工》《老领主》)的作品。
巴洛克时期大量运用音乐修辞音型进行描绘的体裁是清唱剧。
比如在《弥赛亚》中“我震动天地”(No.4)、《以色列人在埃及》中“到处都是青蛙”(No.5)、“无数苍蝇飞来”(No.6)、“钢水像墙一样”(No.20)等歌词都使用这种音型。
约翰·塞巴斯蒂安·巴赫所具有的极为成熟的描绘性不仅是近代人文主义的表达，同时也是新教教旨的彰显。
在施威策尔(A.Scchweizer)关于巴赫的著作中列举了数十个例子：自由的风的游戏，河水(约旦河)、大海(波罗的海)与大洋波浪的运动，脚步(坚定的、犹豫的)、钟声、蛇的动作、飞向高处、驱散绵羊、颤抖、惊吓，等等。
一些没有歌词的器乐作品通过描绘性的片段似乎被理解为某种音乐的图画。
比如说在(《平均律钢琴曲集》——译者)第I 部的降B 大调前奏曲中，飞翔的天使、天兵天将(很多天使)的鲜明形象突然从天空出现，合唱的赞颂《荣耀经》(Gloria)，天使向空中飞去。
而在赋格主题的结构中显然描绘了牧人们鞠躬的形象。
作为音乐内涵的维度之一，象征性的高度成熟与巴洛克时期那些最伟大的作曲家息息相关：蒙特威尔第、亨德尔，尤其是约·塞·巴赫。
这从不同的角度展现出来——从词义上、从音乐修辞音型体系上、从数字符号上。
音乐修辞音型在蒙特威尔第的歌剧与牧歌中(《波佩阿的加冕》《俄尔浦斯》《阿丽亚娜的哀歌》)、亨德尔的清唱剧中(《以色列人在埃及》《参孙》《弥赛亚》)与巴赫的康塔塔、受难乐、圣咏、《平均律钢琴曲集》、管风琴作品与室内乐中比比皆是。
比如说蒙特威尔第的《波佩阿的加冕》第一幕大量使用音型来象征有某种情绪的词汇：使用“快速装饰”音型象征“在轻盈的翅膀上”“在快速的飞行中”，使用“减五度进行”(parrhesia)音型象征“不幸的”，使用“下行”(katabasis)音型象征“颗粒无收”，用“快速装饰”音型象征“神”，使用“减四度进行”(parrhesia)音型象征“你被遗忘了”，用一些“倚音走句”音型象征“闪电、闪电”，用“呼喊”(exclamatio)音型象征“哦”，等等。
音型同时也具有音乐的描绘性，其中包括亨德尔清唱剧中被提到过的例子，用“快速装饰”音型描绘“我震动天地”，用“模仿”(mimesis)音型描绘“笑了”“到处都是青蛙”“无数苍蝇飞来”。
对巴洛克来说，数字符号是教会确立的历史传统的产物，首先与宗教方向的音乐相符合。
这促使我们重新思考巴赫。
尽管他在音乐中并不是数字的崇拜者，但象征性对他来说无疑是存在的。
3——宗教三位一体的象征;7——象征创世纪的天数;12——十二使徒;33——耶稣被钉上十字架的年龄;14 与41 的象征意义——这刚好是Bach 与J. S. Bach 在德文字母表中的数字总和⑧：在巴赫的《平均律钢琴曲集》第I部第一首C 大调赋格的主题中使用了14 个音符，在巴赫整理的圣咏《我从此来到你的宝座前》(Vor deinen Thron tret ich hiermit )中第一句使用了14 个音符，而整体旋律的音符数是41。
二、古典主义时期与巴洛克相比，在古典音乐时期(维也纳古典时期的海顿、莫扎特、贝多芬)的音乐中内涵的三个维度又是另外一种情况：情感性维度囊括一切，而描绘性与象征性退居次要位置。
音乐情感性领域中的基本概念已经不是“情绪”，而是积极活跃的人性“感受”。
令俄罗斯音乐学家基丽琳娜以这样一个命题来描述古典主义者的感受所达到的高度：“在启蒙时代，‘感受’成为音乐美学的核心范畴。
”18 世纪上半叶杰出的理论家马特松(Johann Mattheson，德国人，也是作曲家、批评家，1681—1764)关于感受(仍被称作“情绪”)的见解大量预示了该世纪后半叶的音乐思想：“没有相应情绪的音乐毫无价值、毫无意义、不会带来任何影响。
”⑩我们见到的作曲家本人关于音乐感受的描写可以作为例证，其中包括贝多芬第六交响曲“田园”的文字纲要。
作者在里面两次使用了“感受”：第I 乐章——“到达乡村的愉悦感受”(Empfindungen);第V 乐章——“暴风雨后喜悦与感激的感受”(Gefühle)。
整体上，古典主义情感世界的意义与巴洛克不同。
原则上喜悦的情感占据优势，这与大调式的调性占有统治地位有关。
其他的新现象包括音乐史上前所未有的激烈情感的出现及与此相反的前浪漫主义沉思状态的开启，还有主题与段落间情感对比的形成、以到达高潮点为目的的高潮型发展过程。
维也纳古典主义音乐中喜悦情感的层级特别多：积极类、精神类、英勇类、田园类、优美类、谐谑类。