第三节 中国山水画笔墨技法
山水画笔法技法全解析！
山水画笔法技法全解析！一、关于笔法基本概念的诠释魏晋南北朝的谢赫在被称为中国画基本定义的“六法”中就已经明确提出了“骨法用笔”的概念，唐代张彦远更在《历代名画记》中提出“夫象物必在于形似，形似须全其气。
骨气形似，皆本于立意而归乎用笔”的著名论断，由之，历代中国画家们莫不将用笔当作中国画技法的第一要义。
有着深厚基本功底的王颂余先生的山水画以其用笔的考究而著称，特别是由于他同时又是一位卓有成就的书法家，因此以书法入画法，以书理印证画理就构成了他的一个主要艺术风格。
众所周知，书法最重要的构成要素是笔法，精研书法的王颂余先生在绘画实践中自然地将书法应用于画法，从而完成了在技法层面上的书画合璧。
也正是由于这样，使得他在技法教学中尤重笔法的锻炼。
这里我们打算从三个侧面来理解笔法的基本构成。
1．提按由于毛笔的材质特点，对于初学者来讲首先要掌握的就是能够自如地进行提按。
所谓“提”“按”，就是指在运笔过程中通过腕力的上提和下按动作而使笔锋的表现产生变化。
一般来讲，腕力下压力量的大小和所形成的点线轨迹的粗细成正比，所施加的压力越大，形成的点线就越粗。
不过正如王颂余先生在范图中提示的那样，我们“可以用腕力的一张一弛来体会微妙的提按动作，因为小的提按动作是不易察觉的”。
他在图中用一条曲折线条的变化，向我们揭示了提按对线条的线性与线形的变化关系。
在其中依据其线条变化轨迹，从起始之处可以看出他是以“按”——“快提”——“渐按”——“快提”——“重按”——“稍提”——再“重按”——“渐提”——“按”——“渐提”，这样一个动作过程来完成的，由于在提按过程中他能够完全控制住笔锋，所以其完成的线条变化显得非常自然到位。
在这里王颂余先生向我们展示了起笔之按、运动过程中的渐提渐按、快提快按、收笔之提等动作。
此外，还可以有起笔之提、收笔之按等动作。
如果我们能够随心所欲地掌握住这些动作，无疑会大大提高我们笔墨表现力。
“提”“按”既是运动的过程也是运动的结果，在线条的运行当中如果完全没有提按，或者过多地不恰当地使用提按，不仅会使线条显得乏味，也会大大影响其塑造形体的表现力，这其中有一个适度和适当的问题。
中国画山水画入门——笔墨技法篇
中国画山水画入门——笔墨技法篇披麻皴由参差松软的条形墨线组成，用笔要灵活，皴擦并用，注意浓淡干湿的丰富变化。
笔线长的称长披麻皴，笔线短的称短披麻皴，这种皴法常用作来表现土质山或质地疏松的岩石。
董源多用披麻皴描写江南山水，淡墨轻岚，不装巧趣，具有浑朴自然的风格。
代表作有元代黄公望的《富春山居图》。
《富春山居图》斧劈皴常用中锋勾勒山石轮廓，而用侧锋横刮之笔画出皴纹，再用淡墨渲染。
笔线细劲的称小斧劈，笔线粗阔的称打斧劈。
代表作有马远的《踏歌图》。
《踏歌图》雨点皴为长方形的短促笔触，常用中锋稍间以侧锋画出主要表现山石的苍劲厚重。
代表作有范宽的《雪山萧寺图》。
《雪山萧寺图》云头皴笔多曲折迂回，向中心环抱。
代表作有郭熙《窠石平远图》。
《窠石平远图》荷叶皴从峰头向下屈曲纷披，形如荷叶的筋脉，故名。
用来表现坚硬的石质山峰，经自然剥蚀后，岩石出现深刻的裂纹。
当你远望黄山的莲花、莲芯二峰时，可以看到荷叶皴在自然界中的情景。
代表作有赵孟頫《鹊华秋色图》。
《鹊华秋色图》解索皴行笔曲折密集，揭开的绳索，故名解索皴。
代表作有王蒙的《春山读书图》。
《春山读书图》米点皴是用饱含水墨的横点，密集点山，泼墨，破墨，积墨并用。
米点皴是米氏父子对大自然的长期观察体验的产物。
近代有入批评米点披全无用处，这是不公正的，问题不在于米点皴本身，而在于我们如何运用。
有的现代画家在描绘封山育林的蓬勃景象时，用饱含水分的密集竖点画出，取得很好的艺术效果。
这实际上是米点皴的活用。
代表作有米氏父子的作品。
《春山瑞松图》笔锋可分中、侧、逆、拖、散等。
中锋用笔握笔较直，使笔头中间有力，笔锋基本上在笔痕的中央，笔痕呈圆柱形。
侧锋用笔笔锋略向左右倾斜，使笔尖、笔腰同时一侧着力，笔痕变化较多，有时出现一面光一面成锯齿形的效果，能同时表现线与面。
逆锋用笔将笔头倒逆而行。
顺笔作画时，笔根在前，笔尖尾随；逆锋用笔则相反，笔尖在前，笔根尾随，自上而下，自右而左逆毛而行，具有苍劲、古拙的效果。
国画山水画的笔法技法
国画山水画的笔法技法
国画山水画是中国画中的重要分支，其笔法技法与其他中国画不同。
以下是国画山水画的笔法技法：
1. 落笔为重：国画山水画以落笔为重，即一笔到底，不可反复涂改。
所以在画之前必须深思熟虑，轻重有度，把握好每一笔。
2. 用笔须工：国画山水画讲究用笔工整，不可有污染、断、滑、叉等毛病，用笔要有力度，但又不能过分硬挺。
用笔时要求气贯长虹，自然畅达。
3. 用色要淡：国画山水画的色调以淡雅为主，不可使用红、蓝、绿等鲜艳的颜色，以墨、淡红、淡蓝、淡绿为主。
颜色的运用应该与画面的整体构图协调一致，不能过于突兀。
4. 造型要真实：国画山水画的造型要求真实自然，不能太过生硬。
画家应该通过观察大自然，把握事物的本质和特征，将其更好地表现在画面上。
5. 技法要协调：国画山水画的不同技法，如悬挂、点染、泼墨、写意等要协调使用，使画面效果更加协调和谐。
以上就是国画山水画的笔法技法，细节之处还需画家自行研究，深入了解山水画的特点和思想，才能画出优美的国画山水作品。
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中国山水画笔墨技法
中国山水画的笔墨技法包括以下几种：
1. 勾、皴、擦、点、染：这是中国山水画的基本技法，也是画家表现山石树木等自然景观的主要手段。
勾是勾勒山石的轮廓，皴是表现山石的纹理和质感，擦是用来表现山石的暗部和阴影，点是用来点苔表现山石的细节和质感，染是用来表现山水的整体氛围和空间感。
2. 留白：留白是中国山水画的重要技巧之一，通过留出空白来表现云雾、水面、天空等元素，增强画面的空间感和层次感。
3. 笔墨浓淡：笔墨的浓淡变化是中国山水画的重要特征之一，通过墨色的深浅和笔触的轻重来表现山水的层次和质感。
4. 干湿结合：干湿结合是指将干燥和湿润的笔触结合使用，以表现山水的干湿变化和质感。
5. 疏密结合：疏密结合是指将密集和稀疏的笔触结合使用，以表现山水的疏密变化和层次感。
6. 繁简结合：繁简结合是指将繁复和简单的笔触结合使用，以表现山水的繁简变化和节奏感。
7. 透视法：透视法是中国山水画的另一个重要技巧，通过透视和比例来表现山水的远近和空间感。
8. 墨色变化：墨色变化是指将不同浓淡的墨色结合使用，以表现山水的明暗和质感。
9. 线条美：线条美是指通过优美的线条来表现山水的轮廓和质感。
以上是中国山水画的一些基本笔墨技法，但不同的画家可能会有不同的风格和技巧，因此在学习和实践中需要不断探索和创新。
山水画的20种笔墨技法，不看就可惜了！
山水画的20种笔墨技法，不看就可惜了！在读本文之前，我们有必要问大家一个问题？何为山水画？一、山水画，简称“山水”。
中国画的一种。
描写山川自然景色为主体的绘画。
在魏晋、南北朝已逐渐发展，但仍附属于人物画，作为背景的居多；隋唐始独立，如展子虔的设色山水，李思训的金碧山水，王维的水墨山水，王洽的泼墨山水等；五代、北宋山水画大兴，作者纷起，如荆浩、关仝、李成、董源、巨然、范宽、许道宁、燕文贵、宋迪、王诜、米芾、米友仁的水墨山水，王希孟、赵伯驹、赵伯骕的青绿山水，南北竞辉，达到高峰。
从此成为中国画中的一大画科；元代山水画趋向写意，以虚带实，侧重笔墨神韵，开创新风；明清及近代，续有发展，亦出新貌。
表现上讲究经营位置和表达意境。
传统分法有水墨、青绿、金碧、没骨、浅绛、淡彩等形式。
百度百科说了这么多，其实山水画是中国人所特有的一个文化概念。
山水画是中国人所特有的一个文化概念中国人关于山水的观念，源于原始的宗教。
对山灵的崇拜，对水神的敬畏，人们在天人合一——人与自然的亲和，是山水画的基础天人合一的道家哲学在搞清楚了以上问题之后，接下来，我们来学习中国山水画的种类和表现技法20例二、中国山水画种类划分：中国山水画分为1、水墨山水画水墨山水画水墨山水主要以水墨作为表现形式；2、设色山水画。
设色山水画设色山水一般在水墨山水的基础上施以淡彩或重彩，可分浅绛山水和青绿山水。
亦有淋漓尽致的泼彩山水和没骨山水。
三、中国山水画技法：笔法、墨法、章法、意境、肌理效果及敷彩，无不融汇在山水画中，可谓集中画技法之大成。
所以学习山水画应该从基本方法入手，由浅入深，由此及彼，由表及里，上不求索。
摹、写生、创作的反复实践，就能画出有既有传统又富有个性山水画，使“情与景会，意与相通”。
1、山水画的表现技法。
实质上可以说是一个用笔、用墨和设色的问题。
山水画的用笔多种多样。
这是由毛笔的性能决定的。
它可以勾线、点苔、涂面、可皴、可擦、可染；笔锋可聚可散，用墨可干可湿。
中国山水画中的笔墨技法
中国山水画中的笔墨技法
中国山水画是中国传统绘画中的一个重要流派，它通过笔墨技法表现大自然景色和人文情趣。
在中国山水画中，笔墨技法是非常重要的，它可以决定作品的质量和艺术价值。
中国山水画的笔墨技法主要包括：线条、墨色、色彩和构图。
在线条方面，山水画注重的是线条的自由和流畅，既要有层次感，又要有韵律感；在墨色方面，山水画尤其注重笔墨的浓淡变化和墨色的渗透感，通过墨色表现山水的阴晴和层次感；在色彩方面，山水画通常使用淡雅的水墨色彩，通过颜色的变化表现山水的气息和情感；在构图方面，山水画注重画面的整体感和比例感，通过巧妙的构图表现山水的空间感和深度感。
总之，中国山水画中的笔墨技法是非常重要的，它可以表现出山水的神韵和情感，也可以体现出画家的个性和艺术水平。
对于爱好者来说，学习和掌握这些技法是非常重要的，只有通过不断的实践和探索，才能创造出更为优秀的山水画作品。
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新水墨山水画常用笔法和技法介绍，创作必用（建议收藏）
新水墨山水画常用笔法和技法介绍，创作必用（建议收藏）
在中国画的创作中
笔墨非常重要
笔是支撑整个画面的需要
墨是水墨铺排效果的需要
历代书画大家所创作的优秀作品
都是独一无二的
但是其基本笔墨技法是一脉相承的
因此今天小瀚就带大家
着重了解一些在绘画实践中
常用的笔法和技法
•积墨、积色
用积墨法画
首先把颜色调匀，平涂
它的技巧在于第一层铺底色
等到干了以后再一层一层的加
如果是潮的状态，则会产生渗透
无法达到“积”的状态
•色破墨
用颜色破墨色
是一种大块面的水墨渗透
首先用墨勾画出外形
在其未干时用颜色进行叠加渲染
在墨与色的结合中
充分发挥色彩在水墨画中的视觉魅力
丰富了表达的手法
使水墨画有了繁华的景象
更富感染力
•浓破淡、淡破浓
也即是以墨破墨
是在画山水画和花鸟画里面常用的技法浓淡相破，使得局部性产生模糊感
水墨自然氤氲成湿润感
这类技法常见于
书画家的即兴发挥
大笔挥豪随后破墨。
山水画笔墨详解
山水画笔墨详解
山水画是中国传统绘画中的一个重要类别，它以山水为主题，通过对自然景观的描绘来表达艺术家的情感和思想。
山水画的创作需要熟练掌握笔墨技巧，下面详细介绍几个常用的笔墨技法。
首先是“点染法”，这种技法通过点、涂、磨等手法将墨色渐变地表现出来，能够创造出柔和、细腻的效果。
其次是“皴法”，它是通过交错、重叠的皴笔，将山石、树木等自然景物的纹理表现出来，使画作更加生动有致，增强了空间感和立体感。
第三是“破墨法”，它是将墨汁稀释后用毛笔点在纸上，使墨色破裂、渗透，呈现出丰富多彩的层次效果。
此外，还有“泼墨法”、“点题法”等多种技法。
但无论采用哪种技法，都需要有深厚的绘画功底和对自然景物的深入理解，才能创造出具有艺术价值的山水画作品。
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第三节中国山水画笔墨技法一、教学目的：1、通过理论讲解和示范教学使学生掌握中国山水画的笔墨技法。
2、掌握如何用笔、用墨和笔法和墨法具体的实践操作，并在临摹、写生和创作中的运用。
二、教学内容：（一）笔法：笔法就是用笔之法。
用笔首先是执笔，正确的执笔方法应该是指实、掌虚，握笔略高为好。
以拇指和食指捏住笔管（拇指向上倾斜，食指向下倾斜，两指相对捏住笔管），中指由外向内勾住笔管，无名指由内向外抵住笔管，再以小指贴在无名指内下侧，协助无名指推挡。
这样笔管在手中既稳当又灵活。
指实就是手指捏笔管要实在，要用力捏紧，又不可太紧。
掌虚就是掌心要空灵。
捏毛笔切不可像捏钢笔那样，握笔略高为好，便于使转。
在掌握执笔方法之后，还要懂得运腕方法。
正确的运腕方法应该是“腕平掌竖”。
掌能竖起，腕才能平；腕平，肘才能自然悬起。
肘腕并起，腕才能够灵活运用。
小画提腕，大画悬肘。
一般作画只运臂、运肘、运腕，惟极精微处可以运指。
这虽属常识，但总关全局。
初学者起手入门要有个高的标准，否则一旦养成了坏习惯就难改了。
用笔的内容包括“起笔”、“行笔”、“转折”、“收笔”四个方面。
“起笔”是指笔画的开端，“收笔”是指笔画的结束，起笔和收笔是线条形成的关键。
按照笔法要求，起笔要像书法楷书下笔那样，做到“竖笔横下、横笔竖下”，“欲右先左、欲下先上”的笔意；收笔要“无垂不缩，无往不收”，即勾线至尽处，应把笔收回，通常称为回锋。
笔的运行造成各种线的动势，直接关系到线条的气质和绘画的气韵。
因此，行笔的过程中是很讲究波折的，通常称“一波三折”。
所谓“波”是指掌握用笔起伏的形成，“折”是指行笔运转的方向变化。
行笔中，要使笔锋始终在笔线的中间，用力要均衡、沉着，有分量、压得实，线条才不至于飘浮；行笔要自然流畅，洒脱自如，就要求在勾线时胸有成竹、一气呵成，富有连贯性；行笔要富有节奏，富有弹性，笔画有轻重、缓急、起伏、顿挫的变化。
总之，行笔要做到“快而不飘，重而不板，慢而不滞，松而不浮”，以追求自然流畅、生动灵变、沉稳有力的艺术效果。
当代山水画大师黄宾虹对中国画的用笔，曾提出过这样的主张：（宜圆、宜平、宜重、宜留、宜变。
）他阐明了中国画用笔的本质规律。
圆——是指圆笔中锋勾线，（如折钗股）线条圆润、有力、挺拔；平——是指行笔平衡稳健，（如锥画沙），用力均匀，处处着力；重——是指用笔厚重，如（高山坠石）要有力度，有分量；留——就是要沉着用笔，（如屋漏痕）控制住线条的运行，不至于留不住而“滑下去”；变——这里一个“变”字很重要，“变”是灵活变化、不拘成法之意，要根据描绘对象的各种因素而有所变化，去追求用笔的气格、韵味。
用笔要讲笔法。
中国山水画的笔法主要有中锋、侧锋、逆锋三种。
由这三种运笔方法又变化出点、厾、皴、擦、拖等多种笔法。
中锋用笔，是指执笔端正，笔锋基本上在笔线的中间。
这种线饱满、丰实、壮健，取其圆、厚、重，多用于表现结构的主线。
侧锋用笔，是使笔杆倾斜，甚至横卧，不但用笔锋，有时候也用笔身乃至笔根接触纸面，笔锋常偏向线的一边。
这种用笔变化多，既同画出线又可画出面，具有表现力强、变化丰富生动的特点。
逆锋用笔，是笔锋在前逆向而行，与通常用笔方向相反，既了画中锋笔线，也可画侧锋笔线。
这种用笔由于笔锋在推进中遇到阻力散开，就会产生变化较丰富的飞白效果。
这种笔法比较滞涩、泼辣，多数是结合其他用笔运用的。
以上三种笔法，在作山水画过程中，经常是综合交替运用的。
画家必须根据内容表现的需要，恰当地把多种笔锋的运用结合起来，才富有表现力。
（二）墨法：墨法就是用墨的技法。
清沈宗骞说：（用墨之妙，在于以墨随笔），说明用墨与用笔是分不开的，墨法是通过笔法来完成的。
用墨与用水的关系也很大，只有笔、墨、水三者的巧妙运用，才有“墨分五色”之说。
即由于笔含的水墨多少不同，墨色可以呈现出从浓到淡五个层次——焦、干、湿、浓、淡。
这是大体的划分，实际运用起来，深浅的变化还会更丰富。
墨的运用宜在单纯中求复杂，在统一中求变化。
一般以一种墨色为主，兼用其他，局部的变化不宜过大，大了就会“花”而“乱”失去整体感。
对用墨的要求：干墨不枯，须腴润、不焦躁；湿墨不滑，不能涣漫、无笔力；浓墨不浊，不能呆滞，要笔迹分明；淡墨不薄，要有厚度，见骨力。
常用的墨法有以下几种：浓墨法——墨中掺水较少，色度较深，用以表现物象的阴暗面、凹陷处和近的景物用浓墨不可过量，过多容易板滞、不生动。
所以用浓墨必须沉着洗练。
淡墨法——墨中掺水较多，色度较浅，用以表现物体的向光面、凸出处和远处的景。
淡墨容易产生软弱无神之弊，所以用淡墨要明净无渣，要“淡不浮薄”。
蘸墨法——将干净的湿笔笔尖蘸墨，使墨由笔尖向笔根自然渗开，形成由浓到淡的丰富色阶。
这种墨法丰富而自然，富于韵律。
破墨法——是指墨与墨重叠的方式，它是两种色度不同的墨、不同水量的墨在尚未干时的重叠，渗化处既分明又模糊，具有一种丰富、浑厚、滋润的美，墨韵随之而生。
常取方式有浓淡互破、枯润互破、水墨互破等；形态上有点、线、皴、擦对面的破以及面对点、线、皴、擦的破。
积墨法——是指一种湿墨对一种干墨的重叠。
通常是淡墨对浓墨的重叠，也有小面的浓墨对淡墨的重叠。
积墨法在山水画中一般用在表现浑厚、浓郁的地方以及某些对比与气氛中的特殊效果，有时也藉以补救勾勒的败笔。
泼墨法——是泛指大墨量、大面积、大笔头的作品绘制方法。
这种方法有一种自然感和力度，有很大的偶然性和随意性，容易出现既在情理之中又有意料之外的效果。
泼墨法之难在于形的概括，在于既不能混沌一片，又不能笔笔分明，要既分明又朦胧，适用于追求情趣、感觉以及在造型上无需很严格的题材与物象。
焦墨法——是指以浓墨渴笔来描绘自然物象的表现方法。
因笔中水分少，勾出线来有“毛”的感觉，另有一番效果。
此外还有宿墨法、胶墨法、没骨法等等，但是不论采取哪一种或是混合运用的墨法，都要注意墨色浓淡干湿的变化以及墨自由渗透的特点。
第四节中国山水画学习方法一、教学目的：1、加强对学生基本功的训练，打好山水画造型基础，不断提高笔墨技法的表现力。
2、讲解山水画学习的步骤和程序，指导学生按照先临摹，后写生，再创作三个重要步骤开展学习，真正掌握山水画学习的方法。
二、教学内容：学习任何一种艺术都有一个基本功的训练问题。
中国山水画的基本功包含的内容是广泛的，如笔墨技法、画理画论、造型能力、构图法则、透视原理、色彩规律、创作练习、生活积累以及文学、书法、艺术修养等等，都是属于基本功的训练范围。
但是从山水画的特点来看，基本功作为一种手段，首要问题还是造型能力的培养和笔墨表现能力的掌握。
这两者之间是不可分割的整体，造型是通过笔墨来实现的，笔墨离开了造型就没有意义，充其量只是笔墨游戏而已。
打好山水造型基础，不断提高笔墨技巧的表现力，到大自然中领略绘画源于生活的道理，去创造有时代精神的作品，这是学习山水画的关键所在，也充分体现了学习山水画的三个重要步骤：先临摹，后写生，再创作。
（一）临摹清王麓台说：（学不师古，如夜行无烛，便无入路。
）临摹是传统的学习方法，临摹是学习山水画的必修课。
古代画家几乎无一不是从临摹入手而登绘画艺术殿堂的。
历代画家在山水表现手法上积累了丰富的经验，留在文字里，更留在大量优秀的绘画作品中，只有通过临摹，才能真正地领悟古人的理法，才能真正地掌握传统山水画技法。
不仅初学绘画者应从临摹开始，即使有成就的山水画家也都从这里得到过巨大收益。
临摹首先是临本的选择。
古人说：“取法乎上，仅得其中；取法乎中，仅得其下。
”意思是要向高水平学习，从师要从高师。
临摹学习要选择古代名家、现代名家的代表作品。
对临本的学习要认真咀嚼，静心研究。
不但要对临，还要背临，要反复临画，找出表现手法的规律来。
要先学一家之法，在掌握一家的基本之法后，更要转益多师，博采众长，融会贯通。
在临摹时不要贪多求快，更不可粗枝大叶、似是而非、草率从事。
临摹中心记最为重要，不要看一笔画一笔，要胆大心细，落墨不惧，一气呵成。
这就是山水画临摹的要领。
若遇到在临摹落墨时出现了败笔，应坚持画完，最后总结，切不可半途而废。
临摹是一种基本功，通过临摹练习笔墨技巧，向传统学习，同时也向现代优秀作品学习，这就叫做“借鉴”。
有这个借鉴和没有这个借鉴是大不相同的，有天壤之别，有文野之分。
笔墨技法和艺术修养，绝非旦夕所得。
必须长期磨练，才能有所提高；只要坚持不懈，就一定会出成果。
（二）写生临摹只是学习山水画的手段，不是目的，从传统学来的技法，必须到生活中去印证，去衡量自己掌握技法技巧的程度，只有通过写生才能进一步加深对技法的理解。
传统技法不能完全适应表现现实生活的要求，只有到生活中去长期观察、体会，才能把传统技法用活。
所以古人提出画山水要“饱游饫看”、“行万里路”、“搜尽奇峰打草稿”的主张，都是为了捕捉大自然山川景色的神韵，以描绘真正生动感人的作品。
写生的具体方法有四种：对景落墨、速写、默写和整理。
用毛笔在宣纸上直接对景落墨，虽难度较大，但可以深入细致地观察、分析、描绘对象，可以把从临摹中吸取来的各种表现技法，对照生活原型有机地加以运用。
长期坚持对景写生，不仅可以扎实地打下造型和笔墨的基本功，也可为今后的创作积累素材，开辟新路。
速写是配合写生练习不可缺少的一种基础训练，它要求在环境既不安定、时间又很短的条件下，迅速、敏锐、简明扼要地描绘自然景象。
这对于培养敏锐的观察能力、概括能力和表现力来说，是临摹无法替代的。
山水画还有一种特殊的写生方法，叫做记忆画，也叫默写。
默写是一种很重要的学习方法。
我们现在能够见到的绝大多数古代优秀作品，都不是直接面对物象写生的，而是通过观察记忆、默背下来的，或者依据写生、速写、记忆重新整理而成的。
由于记忆画不是对景写生，因此更富有意趣，更带有任意性。
当场写生的作品，一般来说比较生动，但由于作画条件限制，往往画得不够充分，一些作品尚显得粗糙。
回来之后，有条件、有时间再对所画过的东西重新思索咀嚼，抑或会产生一些新的想法，就是原有的立意构图，也可以在笔墨上下番功夫，在生动的基础上再画得深入一些。
整理不同于创作，整理应追求写生的感受，在写生习作的基础上进行。
（三）创作学画的最终目的是创作。
创作的过程是调动、运用全部知识和生活积累，以及绘画造型、技能、技巧的实践过程。
它既检验了画家基本功的深浅、基本功训练的方法对否，也检验了画家思想、阅历、知识、修养的深广程度。
创作的练习和锻炼是灵活运用知识能力、进一步提高造型能力及笔墨功夫的必不可少的重要环节。
在山水画创作中，一般都有两种类型的作品：一种是精心构思、结构复杂的大画，另一种是从造型到笔墨都非常简练而饶有意趣的即兴之习作，一般称为小品。
在学习创作的开始阶段，大量进行山水画小品练习，是学习创作的重要途径。
因为这种训练既是一种创作式的练习，又是一种基础训练的方法，训练和创造是紧密结合的。