作曲技法简史及作曲技法学习

作曲技法简史及作曲技法学习说到作曲理论，很多人都把它看成很恐怖，很复杂，很学术很专业的东西。

说到写作品，可能很多人更是望而却步，就算写，很多人也顶多局限于是单旋律的小歌，或者其他什么东西。

其实作曲理论并没有那么复杂，只是很多情况下被人为复杂化了。

今天这个文章就谈最基础的理论和技法，以及发展的情况，至于艺术创作，就是另外一个级别的问题了。

也是无法进行讨论的问题。

这个跟个人的品味（而非品位）和情趣有关。

从欧洲音乐史来说，很糟糕，因为只能从欧洲音乐史来说，因为中国从来就没有成型的自主的音乐创作理论，倒是有不少理念。

目前常用的也仅仅是从欧洲形成的作曲理论。

所以说到技法的发展得从欧洲音乐史说起，欧洲音乐跟很多文化的音乐都一样，最早都是单声部音乐，被誉为欧洲音乐基石的格利高里升咏其实就是单声部音乐。

后来慢慢的开始使用二声部写作的方式，开始用的很简单，都是平行八度，或者是平行五度，因为当时是允许不协和音程的，慢慢的演变成了多声部音乐，而且，在中世纪和文艺复兴时期，形成了中古调式，或者称为教会调式，由于当时还没有小节线的存在，当时作品的节奏是比较自由的，但是这个自由不是那种绝对的自由，而是在重拍位置上，会有各种各样的变化，不像后来的音乐，多数作品都是有规律的重音位置。

那个时期也是对位法鼎盛发展的时期，那个时代的人考虑的更多是线条的东西，而和声并不是当时的课题，所以说，那个时代的音乐如果现在听起来会有种比较怪异的感觉，所以说，在巴洛克时期以后基本上就没有作曲家使用教会调式来创作音乐，但是也有特例，比如说贝多芬的晚期四重奏Op127（？这个具体记不清了）的第二乐章就是用教会调式写出来的。

好像浪漫派也有具体的例子，但是很少很少。

那个时期的作品，很多东西会让今天的人不可思议，看当时的乐谱，很多谱子都是分开写的，合唱作品只有分谱，而没有总谱，这在后来都是反过来的，很多东西只有总谱没有分谱。

多声部的声乐作品在那时是鼎盛一时，而器乐最多也就是给人打打边鼓帮帮忙而已。

而且那个时代很多乐器也发展得并不成熟，慢慢的到了十五世纪，从1600年，音乐史的纪元进入了巴洛克时期。

也是从这个时期的音乐开始，技法对今天的影响越来越大。

巴洛克时期第一件大事就是出现了歌剧，尽管人们已经根本不知道最早的歌剧是什么样子了，但是，歌剧确实在巴洛克时期发展了起来。

不管是格鲁克，蒙泰威尔第，斯卡拉蒂，还是亨德尔都写了大量的歌剧，可是音乐史上最顶峰的大师，巴赫却一部歌剧都没写过，不过倒是写了不少清唱剧，也算是弥补了一下子。

巴洛克时期是音乐史上最重要的一个时期，因为，是个音乐技法，以及音乐创作材料的发展时期。

因为在15世纪开始，大小调的形式出现，慢慢的取代了中古调式（教会调式）的地位，人们也慢慢的习惯了大小调的那种导音的倾向性，那么就形成了今天的和声的雏形。

这也是音乐历史的巨大进步，当然，大小调也不是一天就完成转化的，也是花了不少时间的。

巴洛克时代的另一大贡献就是就是在律制上面的，十二平均律的发现，对于世界音乐历史都是有着里程碑一般的意义，虽说，这个很多书上都是这么说的，恐怕真正明白这个道理的人，并不多，可以说没有这个基础，就没有今天的音乐。

稍微说点律制的问题，在平均律以前，用的大多数都是五度相生律（在欧洲就是毕达哥拉斯原理而确定的音律），还有的就是纯律，当然，这两种音律到现在也还是有应用的地方，很多地方这两种音律相对与平均律来说，有很高的音乐优势。

但是五度律和纯律都有自己的缺点，那就是如果以一个音为基准把上方所有的五度都调纯了，再把所有的八度调纯了，按照基本理论来说，到了第12个五度的时候就跟这个音后八个八度的两个音是重合的，也就是音名不同，而实际上是两个同样的音符，可是实际操作起来这个音却有两种音高，从过5度调出来的要通过八度调出来的高那么一点点，而且这个小小的差别，是耳朵能够轻而易举听出来的。

这个虽说看起来不算什么大问题，可是，对于当时却很成问题，按照五度律或者纯律的方式调配出来的乐器，在调性的选择上有很大的局限，通常不能超过三升三降，超过这个范围，就很难听了，所以说，很多巴洛克早期的作品，都不会写成比如说升c小调这种调性，或者降D大调这样的调性，就拿巴赫本身来说，除了平均律钢琴曲集以外，很少有超过三升三降这个调性范围的。

原因就是当年的乐器多数都是按照五度律来确定音高的，平均律，其实就是一种这种的方式，在平均律里面，没有任何一个纯音程是准确的，每个半音的宽度是完全一样的，这样，理论上的12个大小调都可以在作曲实践中进行应用了，而且不需要换一个调就调一次琴，而且，很多和弦在听觉上变得完全一样了，比如说升C大三和弦，和降D大三和弦，从理论上说，应该听起来是一样的，而在实际定音的过程中，会变得很不一样，但是，通过平均律的使用，这两个和弦，就没有太大的不同了，那么这对于后来作曲技法的发展有着不可估量的意义，比如说，同音异名的和弦转调，在没有平均律的这个前提下，是不可想像的，所以平均律的发现和使用对于欧洲音乐来说，是具有划时代意义的事情。

说到这个，倒是要说一下，最早发现平均律的人是中国音乐家朱载堉，只是，这个理论对于中国音乐的发展没有起到任何的作用。

由于大小调的使用，尽管也有不同的大小调式，但是，导音的不协和与倾向性，在使用过程中十分的明显，慢慢的就形成了大小调功能和声体系，音阶上的音符以三度叠置而形成和弦，而且把和弦的功能性质分为了三类，主，属，下属，但是，这个理论，并不是在那个时代就有人提出来的，最早的功能理论是德国理论家，作曲家胡果里曼在19世纪才提出来的，但是，可以想像，当时的人应该也已经掌握到这方面的分类，只是没有人整理出来而已。

但是，在巴赫，亨德尔或者是斯卡拉蒂的作品中，已经能很明显的感觉到和声的存在，甚至在巴赫很多作品的升咏中已经有那种现代和声教材教给学生做练习的四部和声的写法。

但是，如果我们看巴洛克很多当时的原谱，就会发现，很多作品只有低音，下面只有数字，巴洛克时代也是一个数字低音（也称通奏低音）的时代，不知道是当时的作曲家太懒了，还是太忙了的缘故，很多作品在把重要的地方写完以后，从来就不自己填充和声，而是在和弦的低音下面标明一些数字，把和弦的音程数以及升降号提示给演奏者，这个东西弄起来还很有难度，一般人不熟悉一段时间，很难做得到的。

但是，这几乎每个学习古乐的人的必修课，没有这个想在巴赫的大型弥撒或者其他作品演奏填充低音和声的Contino是不可能的。

数字低音这种写法，甚至持续到古典主义时期，比如说莫扎特很多钢琴协奏曲，在钢琴声部中有时候在乐队演奏的部分也会标明一些数字，由于当时离巴洛克时期很近，那种大协奏曲的形式在器乐协奏曲中还有体现，会要求独奏乐器也在乐队中演奏，所以，也就会有这些数字的出现了。

巴洛克时期是整个音乐创作技法的成熟时期，这个时期，即继承和发展了之前的复调写作形式，又在其中融入了和声的理念，这个结合，对于后来音乐创作也有及其深远的意义。

在某种意义上说，巴洛克时代的音乐在复杂性上是无与伦比的，如果打开巴赫的一些圣咏来看，很多在浪漫派和近现代包括流行音乐的和声使用形式差不多都能找到。

当然，巴赫对于后来的一百多年里面的音乐家的影响并不很大，因为他在活着的时候并不很有名，而且巴赫那种高强度的复调写作技法，也被后人慢慢束之高阁，人们也许厌倦了巴洛克时期那种复杂的形式，转而像古典主义的风格挺进。

说到古典主义风格，通常很多人就把海顿莫扎特和贝多芬弄出来了，其实古典主义作曲家有不少，只是这个三个人更加杰出而已。

从某种意义上说，巴赫的儿子们都算古典主义的先驱，特别是CPE巴赫，对于后人的影响很大。

在技法选用上，一个更倾向主调音乐。

海顿的前期作品，在很多方面还有亨德尔或者其他的巴洛克作曲家的影子。

中晚期作品就已经基本脱离了巴洛克作品的特点了，而且，海顿的创造力也是极高的，可惜很多时候没有人给予足够多的重视。

至于莫扎特，莫扎特也不是从石头里面蹦出来的，也不是天生就会作曲的，曼海姆乐派的作曲家给他了很多影响，我想他之所以会写下那首单簧管协奏曲，可能跟斯塔米兹的影响是分不开的。

贝多芬则更加多样化，更富有个性，再加上他处在那个个性解放的历史年代，他的作品带有了很强的个人色彩。

从技法角度上讲，古典主义作曲家基本上抛弃了大型的复调形式，他们的作品虽然也有复调性，也有多声部技术的应用，但是并不是创作形式的主体，他们把目光放在动机，乐句，乐段的处理方式上，调性之间的对比上，作品的篇幅也慢慢的变大，在调性对比上也更加强烈，相对于巴洛克时期的转调，古典时期的作品转调更复杂，也更丰富，也更有目的性。

比如在巴赫的组曲里面，由于乐章本身篇幅限制，也不可能融合很多转调，通常使用的两次大的转调，乐章也就结束了，而且，就算中间有小的转调，也不过就是一个小小的经过，不会把那种经过性质的转调砸实，而在古典主义时期，由于很多形式的确定，就规定了很多转调的目的，那么在创作中，避免墨守陈规，避免没有新意，更加锻炼作曲家的创新能力。

也锻炼了作曲家的长性思维，这种思维，在后来越发展越恐怖。

这个在后文在详细阐述。

古典主义作曲家都倾向于使用动机形式进行发展写作，当然这种形式在巴洛克就已经有了，很多时候，巴赫的作品里面的模进都是用动机进行的。

但是那个巴洛克时期的作品由于复调性的原因，不可能大规模的发展动机和利用动机。

而古典主义则不同，由于没有那么强的复调性，依靠和声的有力依托，动机写作更加富有生气，可以将不同的节奏动机，不同的音型动机进行变化和发展，这对于作曲家选择材料有很高的要求，也对与作曲家发展这些动机处理这些动机的能力提出了很高的要求。

另外，古典主义时期，是德奥音乐一支独秀，除了德奥派，几乎没有其他国家的作曲家在这个时期对作曲技法有很大的贡献。

由于德国这个民族是个强调逻辑性的民族，所以，在形式的创立上，就灌输了很强的逻辑性，所以，在作曲技法的各个方面都反映出了德国作曲家们强大的逻辑思维，当然，如果太过于教条，作品就写成了理性的放屁（记得电影复制贝多芬里面，贝多芬说过这样的话，虽然不确定这是贝多芬说的，按照他的性格和他的作曲能力，是相当有可能。

）所以仅仅有那么三个德奥作曲家进入了一流大师的行列，同时期的胡美尔，马丁克劳斯，或者斯塔米兹，款次都只能算是二流作曲家，也很少有人会谈论他们的作品了。

这里单说一下舒伯特，舒伯特往往被人成为歌曲之王，总拿那600多首歌曲说事，其实这就是一种表象而已，在国内没有多少人真正的看过舒伯特的歌曲，以及他的其他作品，演奏的也就更少了。

在技法的拓展性上，舒伯特也许还要胜过贝多芬一筹，转调的突然性，以及三度调性间的运用，包括远关系转调，舒伯特都是最大的先驱，在形式上，舒伯特不仅继承了贝多芬的形式，也创立了单乐章作品形式。