流行音乐编曲配器的7个特点

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流行音乐中的和声运用

流行音乐中的和声运用

流行音乐中的和声运用流行音乐作为一种广泛受众喜爱的音乐形式,和声在其中扮演着至关重要的角色。

和声不仅可以增加音乐作品的层次感和丰富度,还可以让听众在音乐中感受到更加丰富多彩的情感和表达。

本文将探讨流行音乐中的和声运用,分析其在音乐创作和表演中的重要性以及常见的和声技巧。

一、和声在流行音乐中的作用和声是指在音乐中与主旋律相配合的旋律。

在流行音乐中,和声可以起到以下几个方面的作用:1. 增加音乐作品的层次感:通过和声的加入,音乐作品不再是单一的主旋律,而是在旋律上再加上一层和声,使整个音乐作品更加丰富多元,听起来更加立体。

2. 丰富音乐的表现力:和声可以在音乐中增加情感的表达。

不同的和声形式可以传达不同的情绪,通过和声的变化可以使音乐作品更加生动感人。

3. 增强音乐的节奏感:和声不仅可以在旋律上起到衬托作用,还可以在节奏上起到增强作用。

通过和声的运用,可以使音乐的节奏更加明确,让听众更容易跟随节奏感受音乐。

二、流行音乐中常见的和声技巧在流行音乐中,有许多常见的和声技巧被广泛运用。

以下是一些常见的和声技巧:1. 和弦进行:和弦进行是指在音乐中使用和弦来进行和声的变化。

常见的和弦进行有I、IV、V等,通过不同的和弦进行可以使音乐的和声更加丰富多彩。

2. 和声编曲:和声编曲是指在音乐中通过编曲的方式来进行和声的设计。

通过合理的编曲可以使和声更加突出,增加音乐的层次感。

3. 和声配器:和声配器是指在音乐中通过不同乐器的组合来进行和声的设计。

不同乐器的组合可以产生不同的和声效果,通过合理的配器可以使音乐更加生动。

4. 和声旋律:和声旋律是指在音乐中通过和声的旋律来进行和声的设计。

和声旋律可以与主旋律相呼应,增加音乐的表现力。

5. 和声和声:和声和声是指在音乐中通过和声的和声来进行和声的设计。

通过和声的和声可以使音乐更加丰富多彩,增加音乐的层次感。

三、结语和声作为流行音乐中不可或缺的一部分,对于音乐的表现力和丰富度起着至关重要的作用。

音乐编曲知识:如何在编曲中打造音乐主题

音乐编曲知识:如何在编曲中打造音乐主题

音乐编曲知识:如何在编曲中打造音乐主题编曲是将原始乐曲进行重新创作、编排、编排,使之更适合现代音乐风格或者针对具体要求进行修改最终形成一首新的曲目的过程。

在编曲的过程中,如何打造一个好的音乐主题是至关重要的,这个主题可以影响音乐的整体质量和受众的反响。

下面我将介绍一些关于如何打造音乐主题的技巧和经验。

1.选择主旋律在编曲中,选择一个主旋律是非常重要的一步,它可以作为整首曲子中的中心,并且可以作为整首曲子向听众传达的核心思想。

主旋律通常是比较简洁易懂的,不过可以添加一些细节让它显得更加丰富复杂。

通常情况下可以用钢琴或者人声来演绎主旋律,也可以用合成器来打造出让人难以忘怀的旋律。

2.添加配器在音乐编曲中,配器是非常重要的一环。

合适的配器可以让曲子更加生动有趣和华丽,而不适合的则会让曲子显得无趣乏味。

因此在添加配器时要慎重,选择最适合现代风格、原始乐曲以及主旋律的乐器城市化中的合适之选。

3.考虑结构在编排中导入良好的主题结构可以帮助我们更好的编造音乐主题,在设计结构时,可以考虑应用序曲、过渡和结束。

序曲可以在开始时令听众进入音乐情境,过渡是在不同段之间过渡的过程,需要采用恰当的措施和音乐元素,才能使得曲子自然流动起来。

结尾是给予曲目一个完整性的结束符号,表明曲子的结束和完成。

4.重要的和声和声是在主旋律上继续演奏出的诸如和弦等音符,很有必要在演奏时重视。

合理韵律,节奏和音调变化的结合是实现好的和声与主旋律的关键。

当音乐主旋律非常独特的时候,和声可以起到增强音乐表现力的作用。

5.风格的选择在编曲时,选择不同的音乐风格可以为音乐主题目的带来不一样的情绪和体验。

选择风格时需要考虑到歌曲的主题以及目标受众的口味和喜好等。

也可以通过和各地乐团合作,使用各种风格的音乐,来发掘新的想法和灵感。

在总结中,我们可以得出一个结论:打造好的音乐主题是音乐编曲中至关重要的步骤之一。

以上提到的技巧和经验可以帮助我们更好地打造出具有创造性和个性的曲子,从而吸引更多的受众。

音乐制作中的编曲技巧

音乐制作中的编曲技巧

音乐制作中的编曲技巧音乐编曲是指将原始音乐素材进行重新编排、重组和改写的过程。

通过巧妙地运用编曲技巧,音乐制作人能够赋予音乐作品更具个性和创意的表达方式。

本文将介绍一些常见的音乐制作中的编曲技巧,旨在帮助音乐人和制作人提升音乐作品的品质。

一、声部编写和配器技巧声部编写是指在编曲过程中,根据具体的音乐风格和要表达的情感,合理地安排各个乐器或声部的音高和旋律走向。

要注意保持声部之间的和声关系,使得整个音乐作品更加和谐和统一。

配器技巧则是选择和运用合适的乐器音色和组合,并在不同地方进行适当的变化,以增加音乐的表现力。

可以通过合理运用和谐音、对位和交叉编写等手法,来创造丰富多样的音乐效果。

二、和声的运用和声是指在音乐中多个声部同时发声产生的声音叠加效果。

在进行编曲时,合理运用和声可以使得音乐更加丰富,表现力更强。

一些常用的和声技巧包括:1. 和弦进行变化:通过改变和弦进行的顺序和结构,可以使得音乐在不同的部分产生不同的情感体验。

2. 和声的分声部:将声部分成高音、中音和低音,可以铺展出更宽广的音乐画面。

3. 立体化和声:利用不同的音色和声部在空间中的位置,使得音乐听起来更加层次分明和立体感强。

三、节奏感和动态处理节奏感是音乐中非常重要的元素之一。

在编曲时,要注意合理运用不同的节奏元素,使整个音乐作品更具生命力和活力。

可以通过合理的速度和节奏变化,增加音乐的张力和表现力。

同时,动态处理也是编曲中需要关注的重要方面。

通过运用不同的音量和音色的变化,可以使得音乐更加丰富多样。

要注意在音乐的不同部分进行动态上的合理控制,使得音乐的起伏和变化更加自然和流畅。

四、效果处理和音色设计效果处理和音色设计是现代音乐制作中常用的技巧。

通过运用各种音频效果器和合成器,可以对音乐进行环境、时态、混响等方面的处理,从而创造出丰富多样的音乐效果和音色。

在进行编曲时,要根据音乐作品的整体风格和情感需求,选择合适的效果和音色,使得音乐更加出色和个性化。

原创歌曲编曲与配器

原创歌曲编曲与配器

原创歌曲编曲与配器关于流行歌曲的编曲一般歌曲的织体结构说到编曲(既配器),就不能不涉及乐曲的织体结构,我们知道,主旋律是一个表达乐思的单线条,而且是横向的,而要是说道编曲,则不然了,所谓编曲是把一个单线条的音乐旋律,通过和声与复调,结合各种乐器的性能将其编制成一个多声部,既多线条的织体,不论是颂歌体,民歌体还是现在的流行歌曲的体裁,他的基本结构都是大同小异的,下面我来分别说一说一般歌曲的基本织体:歌曲伴奏中的织体一般由主旋律、副旋律、和声层、节奏层、低音和噪音层组成;主旋律没什么好讲的了,他就是我们歌篇上的那几行谱子,而副旋律则是在一定的音乐段落中的主旋律的陪衬,犹如红花和绿叶一样。

一首歌曲的配器水平如何,除了考验编曲人对乐器法所了解的熟练程度以外,最重要的就是副旋律写得如何,写好一首歌曲的副旋律是一个编曲人的综合创作才能的具体体现。

再说到和声层,和声是音乐进行的骨架,犹如一所房子的柁和檩一样。

一个好的和声进行,能够给音乐增加迷人的色彩和辉煌的动力。

所以和声层在歌曲的进行中是不可缺少的一个重要部分。

再说到低音,一般来说是一个简单的线条,但是你可别小看这个线条,如果没有了它,你的音乐就会明显地感到缺乏支撑,因为低音是整个音乐进行的基础,犹如我们盖房子的地基一样。

最后就是节奏层,关于这一层,可能是一些乐音,也可能是一些噪音;道理很简单,比如说,在流行音乐中打击乐的主要作用就是起到节奏的作用。

但是,在没有打击乐或者一首歌曲的开始部分当打击乐还没有进入前这时的歌曲节奏一般都由吉他或者钢琴来担任,所以说,歌曲织体中的节奏层可能是噪音,也可能是乐音。

再说道噪音层这一概念,很多不太注意,我这里所说的噪音层,并不是伴随着歌曲的进行始终如一的陪伴着的一个声部,而是一个或者几个片段,是除了打击乐以外为歌曲增加特殊效果烘托气氛的一种或者几种噪音效果,比如我们大家所熟悉的、风声、雨声、流水声等等。

别看这些噪音效果,他可能够给歌曲增加特殊的效果,使你和音乐更近、更近。

音乐艺术中的编曲与配器技巧

音乐艺术中的编曲与配器技巧

音乐艺术中的编曲与配器技巧音乐艺术的核心在于音乐创作,而编曲和配器技巧是音乐创作中非常重要的一部分。

它们直接决定着音乐作品的质量和感染力。

在音乐创作过程中,准确地运用编曲与配器技巧可以使音乐作品更加多元化,同时也可以拓展音乐家们的创作思路。

一、编曲技巧1.重点突出法在某些情况下,编曲家需要通过对重点乐器的突出以达到表现主题思想的目的。

比如在描写一个琵琶胡琴的对话场景时,他们可以在人声配乐上通过提醒区别乐器的清晰音色来向听者展示出交互性。

此时,人声伴奏和弦结构的变更最好进行跟着主题思想来做。

2.色彩重叠法色彩重叠法可以给人一种听觉上的完整感,同时也能够取得创新的效果。

在同一时刻,不同的乐器使用相同的和弦进行演奏,在这个过程中,每个乐器各司其职,不会产生声音的冲突。

3.渐弱法当乐曲要达到一个高潮的时候,渐弱法是非常有效的一种手法。

渐弱法可以把乐曲的高潮渐渐的压缩,最后呈现出一种缓慢渐弱的效果,从而达到激情释放的效果。

4.多旋法多旋法是因应音乐主题需要将旋律符号进行一定的添加和变更操作。

通过这种方法可以达到加强重复性,迅速提高乐章记忆度,以及表现出不同意境等目的。

二、配器技巧1.和弦的选择和弦是一首歌的基础,也是乐手们在配器过程中需要精心选择的音乐元素之一。

完美的和弦结构可以使乐曲更加感人,同时也可以给听众留下深刻的印象。

在选取和弦的时候,必须考虑清楚人声伴奏在不同音调区域的表现,选取全音符甚至八度和弦结构是非常好的加强重复性的方法。

2.音响层次音响层次是指在音乐作品中,不同的乐器所发出的声音的高低、音源的远近、音色的深浅、音量的大小,形成复杂、多层次的音响效果。

可以将它看作是一首乐曲的声音画面,给予听众清晰的印象。

3.弦乐器的加入弦乐器是一种具有较大表现力的乐器,因为其音色及共振音效果在音乐中发挥着重要的作用。

在配器中,加入弦乐器可以给作品增添一定的神秘感和独创性。

同时弦乐器部分可以出现在乐曲转调、间奏等地方,在音乐较高潮的时候使用,渲染氛围外的效果更加卓越。

流行编曲设计方案

流行编曲设计方案

流行编曲设计方案流行音乐是各种音乐类型中最广泛传播和受欢迎的类型。

流行音乐通常由制作人、歌手和编曲师组成的团队来开发和制作。

编曲是流行音乐中一个非常重要的环节。

编曲师需要设计一些合适的编曲方案来确保歌曲中的乐器和音效能够很好地融合在一起。

本文将介绍几种流行编曲设计方案,让你在编曲的时候有更多的选择,同时也可以学到一些关于流行音乐和编曲的知识。

方案一:传统编曲方案传统的编曲方案依靠传统的乐器,例如钢琴、吉他、鼓、贝司等等,在歌曲中对这些乐器进行合理的编曲。

这种方式听起来很简单,但实际上需要编曲师对音乐的理解和对各种乐器的使用有一定的认识。

例如,在一个流行摇滚的歌曲中,编曲师需要使用吉他和鼓来创造出一个强烈的节奏。

同时,他还需要使用钢琴或其他乐器来增加一些和弦和旋律,并通过搭配演唱使歌曲更具表现力和感染力。

方案二:电子编曲方案电子编曲方案在现代流行音乐中也是非常常见的一种方法。

它通常会使用电子乐器和各种音效器材,例如合成器、音序器、数字音频工作站等等。

通过使用这些设备,编曲师可以创造出非常多样化和独特的音乐。

例如,在现代舞曲中,电子编曲是非常重要的一部分,增加了舞曲的感性和强烈的节奏感。

方案三:节奏编曲方案节奏编曲方案是流行音乐制作中重要的一个部分。

它通常是利用各种鼓器和打击乐器进行编曲。

通过使用巧妙的节奏模式和滚动构图,编曲师可以设计出非常有趣、有力和富有表现力的音乐。

这种方案通常应用于各种节日庆典、校园音乐会和流行歌曲中。

方案四:混音编曲方案混音编曲方案是将多种不同的音乐元素进行混合,创造出新的音乐。

这种编曲方案涉及到很多技巧和窍门,但是如果正确使用,它可以创造出非常独特和丰富多彩的音乐。

例如,在现代流行歌曲中,混音编曲方法通常应用于进行一些流行元素的合并,比如R&B,摇滚和嘻哈等。

结论以上介绍的是编曲设计的一些流行方案。

当然,这些方案仅仅是例子,编曲技巧的应用是非常多样化和灵活的。

在编曲过程中,实践起来是非常重要的,希望能够帮助你更好地理解流行音乐和编曲的知识,增加你的编曲技巧和经验。

编曲和配器的区别

编曲和配器的区别

编曲和配器的区别我们经常看到有些人编曲配器这两者分不清楚,对于音乐制作人来说,这些都是些小问题,很简单就能分清楚。

下面。

小编讲讲编曲和配器的区别。

1.编曲和配器的区别第一,配器≠编曲。

这是因为:编曲依据的是旋律层或称之为旋律声部,分析其隐伏和声之后来进行单维到多维的转换。

第二,从配器的字面意义上看,它是给乐器分配声部,或分配主干声部的概念,也就说钢琴织体或钢琴作品是乐队作品形成的基础和前提(除那些写作娴熟的管弦乐作曲家外,如肖斯塔科维奇等伟大作曲家)。

第三,通常意义上看(不全对),编曲是与流行音乐这种大众化的音乐风格相系,而配器则往往被看成是传统或20世纪类似于勋伯格、斯特拉文斯基等近现代作曲家及音乐风格相系(局限性认识)。

简单的说,两个都属于创作,只是创作的时间不同编曲属于一度创作,是编写乐曲。

配器属于二度创作,是在以有曲子的基础上,根据旋律走向和曲风选择合适的乐器。

先有了曲子,才能配器,所以这个创作时间上,编曲在前,配器在后。

2.编曲概念利用与原作不同的手法或表演手段,将一首音乐作品,或作品的一部分加以改写的创作;也指改编的作品版本。

3.配器概念第一,字面含义:配器是指给声部分配乐器。

这就说明,在分配乐器之前"主要声部"或"结构因素"已经基本确立。

第二,拓展意义:是指以"单维空间"到"三维"或"多维空间"的处理方式。

第三,配器的创造性,不在于"染色"和"渲",而在于"染"。

前者可以被看成是基于骨架声部的活动(可以看成是"看谱"或"背谱"),后者则在基于骨架声部和结构因素基础之上的"创造"(可以看成是"离谱")。

也有学者用"独立性装饰"和"非独立性装饰"。

音乐编曲知识:编曲中的重音处理技巧

音乐编曲知识:编曲中的重音处理技巧

音乐编曲知识:编曲中的重音处理技巧在音乐编曲中,重音处理技巧是非常重要的环节。

一首好的歌曲如果缺乏重音的处理,就会显得非常单调和平凡。

而恰当地处理重音,可以让歌曲更加烘托气氛,使乐曲更具鲜明的个性和独特的特色。

首先,我们需要理解重音的含义。

重音是指在一段音乐中重要的音符或音符组合,通常是歌曲中的高潮部分或者突出的旋律。

在编曲中,我们需要注意重音的处理,使其更加突出和吸引人。

下面我们来讲讲编曲中重音处理的一些技巧:一、配器处理。

在编曲中,我们可以利用不同乐器的高亢或者穿透力来制造重音。

比如说,在一段副歌部分可能会用一些锐利的弦乐器或者鼓来创建强烈的嘹亮效果,使高潮部分更加突出。

同时,还可以加入一些合成器或者电子鼓等硬件设备,使音效更加饱满,使重音更加明显。

二、节奏处理。

重音不仅仅涉及到音符的选择,更多的是体现在节奏的处理上。

在歌曲的旋律中,经常会出现一些比较突出的音符或者连续的音符组合。

这时候,在编曲中,我们可以利用不同的鼓点,强化这些节奏,并且让它与融入乐器的声音形成协调的整体,让重音更加突出。

三、合声处理。

在编曲中,合声是一个非常重要的环节。

合声不仅可以增加歌曲的层次感,更重要的是可以与旋律重音呼应。

对于旋律中需要强调的音符或者音符组合,我们可以在合声中加入相应的音调和节奏,使得整段歌曲的重音更加明显。

四、混响处理。

在编曲中,混响是一个非常重要的处理环节。

通过混响的处理,可以让歌曲的音效更加空灵,更有层次感。

当歌曲达到高潮部分时,我们可以通过增加混响的效果,让声音更加浑厚,使得重音更加醒目。

总之,在编曲中恰当的处理重音可以让乐曲更加有特点和鲜明的个性。

当然,每个歌曲的重音处理需求也是不一样的,编曲师需要根据歌曲的风格和特点来进行相应的处理,使得音乐更加动听而不单调。

通过这些技巧,我们可以制造出非常优秀的编曲作品,也可以为我们的音乐事业增加更多的成功机遇。

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流行音乐编曲配器的7个特点1乐队编制流行音乐主要使用的乐器大部分是以电声为主,如电吉他(E.Guitar)、电贝司(E.Bass) 、电钢琴(E.Piano)、电子琴(an)、电子合成器(Synthesizer)、电子鼓(E.Drum)等等。

除了这些特殊的电子乐器外,其他管弦乐队编制里用到的乐器流行音乐也都可以用。

其中,运用最多的是弦乐组,如小提琴(Vl.)、大提琴(V.C)和中提琴(Vla),在这里倍大提琴(Bass)极少用,因为流行音乐的电贝司(E.Bass)是借助于电声扩音机扩音的,一把电贝司就足以支撑一个大乐队,而不像传统管弦乐队是根据编制大小来决定配备多少把倍大提琴的。

因此,不管多大的流行乐队都习惯只用一把电贝司便够了。

民谣吉他(F.Guitar)即木吉他,在慢板和抒情的歌曲中是绝对少不了的。

而且用木吉他的时候都是习惯于写两声部,用不同的旋律位置演奏。

因为只有用这样两部的和声叠置方式才能使木吉他产生更多的高音谐波,以增加其穿透力与空间感,使音乐显得更富有诗意、缥缈、抒情等等。

在一些格调比较高雅、讲究内涵与深度的歌曲中,一般喜欢使用真钢琴而不是电钢琴。

铜管组也是流行音乐经常使用的乐器。

主要使用的是小号、长号还有圆号。

至于它们的和声组合、音色结合等与传统配器法是没有多大区别的,主要的区别在于演奏员的演奏法。

最好的方法是听听国外流行音乐的唱片或盒带,注意他们铜管演奏者追求的音色与演奏技巧。

木管组在流行音乐中较少使用,主要使用的是电子合成器,它可以制作出各种各样的混合音色,它的效果比木管组所有的结合加起来还要丰富得多。

萨克斯管(Saxophone)是流行音乐中非常重要的一种乐器。

特别是在美国的爵士乐中,往往需要很多支萨克斯管,例如,高音萨克斯管(SopraninoSax)、次高音萨克斯管(Soprano Sax)、中音萨克斯管(Alto Sax)、次中音萨克斯管(Tenor Sax)、上低音萨克斯管(Baritone Sax)、低音萨克斯管(Bass Sax)等。

现在一般常用的是中音萨克斯管(Alto Sax)和次中音萨克斯管(Tenor Sax)。

它们还经常与铜管组合在一起使用。

2平行五度,平行八度如果按传统和声的规则这样的平行进行是不允许的。

但在流行音乐的创作中经常可以见到这种进行,甚至可以被认为是一种特色。

因此,传统和声的这条平行原则在流行音乐中不大适用。

我们在编配和声时两个外声部的进行将会有更自由的选择余地。

但是,其他内声部与所有的和弦连接则还是要严格遵守传统和声的原则的。

3和弦的低音任何独立使用的和弦均用原位根音位置,这似乎是流行音乐编配和声时的一种习惯用法。

除了经过性和弦、辅助性与延留性和弦外,几乎从没有见过独立使用和弦的转位作低音。

这可能与物理现象泛音列的震荡有关系,因为流行音乐的低音乐器往往是电贝司,这是因为电声乐器的泛音震荡特别强烈,如果不用和弦的根音位置而用其他转位作低音的话,它的泛音不但得不到支持而且还会与和弦音相互抵触显得极不稳定。

所以,流行音乐往往需要用和弦的根音位置做低音。

4节奏流行音乐与传统音乐的最大区别恐怕要数节奏了。

流行音乐的节奏千变万化,异常丰富。

几乎所有的流行音乐都离不开鼓,只要鼓一响就决定了该曲的节奏型。

这也和中国戏剧里的曲牌一样,流行音乐也有特定的各种节奏类型。

如波尔卡(Polka)、华尔兹(Waltz)、摇滚(Rock and Roll)、摇摆(Swing)、爵士乐(Jazz)、迪斯科(Disco)、探戈(Tango)、伦巴(Rhumba)、桑巴(Samba)等等。

因此,我们如果要为流行音乐配器,选择适当的节奏型是非常重要的一个步骤。

要做好这一步,配器者必须具备三种能力:(1)尽可能地掌握较多的节奏类型,以便为节奏的选择留有充分的余地。

(2)当拿到一首陌生的歌曲时,能够较快地为其选择一种最适当的节奏型(节奏与歌曲的内在韵律相吻合,风格相一致)。

(3)将这种节奏型用电声乐队的伴奏完美地表现出来,即编配到具体的节奏组合声部。

在这三条中,第二条是比较难掌握的,这种能力实际上也是一种创作能力,需要长时间的实践,才能逐步掌握。

当然节奏型这东西不是一成不变的,尽管我们在一首曲子中从头到尾都是用一种节奏型,但在乐句的中间这些固定的节奏型还是必须跟着主旋律的重音(Accent)而作变化的。

著名轻音乐专家屠巴海先生就说过:“如果你要配器的乐曲是一首已为人们熟悉的乐曲,那你不妨就认真地把它原有的伴奏节奏听写下来。

如果改变原有节奏,请仔细推敲后再动笔。

如果你对一首新曲的伴奏确定不下来时,请你用一架小电子琴,用它上面已编好的各类节奏试一试,说不定你会找到满意的答案。

”总之,我们只要掌握住流行音乐的节奏精髓,便可以创造出更适合表现我们自己音乐内容的新的节奏型。

5和声为流行音乐配置和声,一般以传统和声功能体系为基础,即以正三和弦为主,辅之以副三和弦,运用少量的七和弦及变和弦(在爵士乐或摇滚乐中,也有以七和弦为主导和弦的)。

(一)和声语言要尽量简洁这一条很重要,尤其是当配器的色彩体现在音色和节奏上时,朴素的和声往往起着平衡和稳定的作用。

对一些流行歌曲,只用三个正三和弦配和声就足够了,而滥用副三和弦,反而会破坏歌曲的风格和统一性。

如著名西班牙歌曲:《鸽子》,从头至尾只用两个和弦,增加任何一个其它和弦,都会立刻破坏整个歌曲的风格特点。

(二)要把握好和声节奏的快慢张驰一般的要求是,在情绪热烈、节奏欢快的歌曲中,和弦更换的频率宜慢不宜快;而在速度较慢的段落中,和弦的变化可以积极些,适当加进一些变和弦与七和弦。

(三)和声的功能性和色彩性的运用在劲歌中或在歌曲推向高潮时,往往应突出和声的功能作用,多用四、五度关系的和弦连接,运用属(或临时属)和弦向主(或临时主)和弦的倾向性,以达到和声力度上的要求。

而在抒情的落段中,有时可以突出和声的色彩作用,这时常用三度关系的和弦连接。

象Ⅰ→Ⅲ、Ⅰ→Ⅵ、Ⅵ→Ⅳ、Ⅴ→Ⅲ等进行,如果,恰当地运用,均有良好的效果。

6层次流行音乐中最重要的一个层次在传统管弦乐里是没有的,那就是“四大件”,也叫节奏乐器(Rhythm Instrument)。

它们是爵士鼓(Jazz Drum)、吉他(Guitar)、低音吉他(Bass)、钢琴(Piano)、电子琴(an)或电子合成器(Synthesizer),或者统称为键盘乐器(Kcyboard)。

如果我们对这个节奏层次运用得好,即使不再增加其他乐器,它的效果也会令人满意。

因为这“四大件”基本上已可以代表一个大乐队了,甚至连弦乐器和管乐器也被键盘乐器模仿的声音而取代了。

特别是现在欧美的一些重摇滚乐队(Hard Rock)一般都只使用这四类乐器。

然而,在亚洲以日本、香港、台湾为首的一些流行乐队,还有灌录CD唱片的流行乐队大都习惯使用“四大件”加管弦乐。

因为,这样的乐队表现力更为丰富。

除了“四大件”这个层次外,其他乐器的使用手法与传统管弦乐配器法是没有什么区别的。

传统配器法对层次要求的一些要点如主旋律与伴奏之间的音色对比、音区距离、使用乐器份量的平衡关系等等,这些要点全都适用于流行音乐。

而且,运用我们所掌握的传统配器法知识还可以将“四大件”这个层次与其他乐器的层次结合得更加美妙。

7色彩通过和声、节奏、音色或者三者结合等手段都可以产生各式各样的色彩。

但这里主要谈的是传统管弦乐配器法中没有的电子乐器的音色色彩。

由于当今世界使用了新的电子科学技术,发明了电子合成器(Synthsizer),只要给它一个声音它便可以模仿成一模一样的声音,而且还可以把这个声音作任意的变化并可以出现在任何的音高上。

在电脑音乐迅速发展的今天,可以制作出各种各样变化无穷的音色,创造一些人们想象不到的音色效果。

要想领略一下这方面的音色效果,我们不妨听听法国作曲家米歇尔·让(JeanMichet Jarre),还有日本作曲家喜多郎(TenJikokitavo)的音乐作品。

他们的音乐全都是使用电子合成器制作的。

通过他们的音乐你将会发现电子音乐世界是如此的广阔、变幻和丰富多彩。

由此可见,流行音乐使用了电子乐器后,它的色彩变化将是无止境的。

以上谈的几点都是与传统配器法所不同的一些较突出的特点。

流行音乐的配器手法也跟电子合成器的音色变化一样是无穷无尽的,它的许多手法都是出自于传统的配器法,古典音乐的作曲技法本身已包含着所有音乐技术的精华。

只要我们拥有扎实的古典音乐基本功,不管新的音乐形式如何变化,我们都能取其精华进行再创造。

音乐制作学习动态与压缩器问题:录制人声音轨时总是感觉不到位,听起来有点太硬,又显得太软,始终得不到足够的冲击力。

解决方式:首先控制该轨道的动态,衰减最大波峰与平均电平间的那一部分。

这样做的目的是控制人声音轨,得到丰满而有冲击力的音色。

同时,最大波峰值降低后,整体音量又有了提升的余地。

这就是为什么该用压缩器。

在音频软件中,你可以衰减一些峰值,因为有很多最大峰值可以适当削减,但对音质并无影响。

缺陷:通常,音轨的动态受到控制后,声音会因动态的收缩而产生张力,但同时高频也会随之损失,声音会显得呆滞、黯淡。

有得必有失嘛!所以,压缩器的调整在正式录音前必须反复试验。

这有时候的确很费时间的,但随着经验的逐渐丰富,完全可以凭直觉来测定。

(哈哈,到那时候又要玩创意了。

可别小看压缩器的处理能力,高手绝对可以在压缩器上玩音色创意的!)。

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