论中国钢琴作品的演奏

论中国钢琴作品的演奏中国钢琴作品创作是作曲家们运用西方作曲技法融入中国民族民间音乐素材而创作的钢琴作品。

尽管中国钢琴作品创作只有短短的100年，但是，所沿用的西方作曲技法既有巴洛克时期的特点，又汇同20世纪音响概念编织的音乐并存，这足以证明中国钢琴作品创作历程缩短了欧洲400年音乐发展的整个轨迹。

作曲家们经历几个时期的社会、文化审美的流变，却始终表现中国本土的文化内涵，或在外表上呈现出民族外形的特征，或在骨子里蕴藏着中国神韵。

多年来，笔者通过对中国钢琴作品在教学和演奏中的体会，试图对中国钢琴作品的创作历程作一阐述并对演奏特点作一剖析。

希望越来越多的演奏者能够日益领略到中国钢琴作品的独特魅力。

一、中国钢琴作品创作的发展历程回顾中国钢琴音乐创作百年来的发展，根据笔者本人的理解和归纳，大致分为四个阶段：（一）早期中国钢琴创作始于20世纪初，当时正值钢琴教材缺乏，作曲家们尝试以中国民族音调为素材并借鉴欧洲钢琴作曲技巧创作了曲式短小、构思简单的中国钢琴小品。

正式出版的第一首中国钢琴作品是1914年赵元任创作的《和平进行曲》。

虽然这时期的钢琴作品创作基本属于起步阶段，数量少，大多是篇幅短小的开荒之作，但它们具有深远意义。

值得赞誉的是，贺绿汀先生创作的《牧童短笛》以“写意”般清新脱俗的中国风格，获得齐尔品举办的“中国风格钢琴作品”大赛一等奖。

（二）建国时期（1949—1966年）这一时期是钢琴作品创作的繁荣阶段。

它与早期的钢琴作品相比数量大、篇幅长、民间气息浓郁。

作曲技法上基本属于“以中国民歌的旋律加西方和声的创作模式”，即以民族民间音乐为基本素材，或将民间音调植入乐曲中，并借鉴欧洲的作曲技法来创作，作曲技法具有更加娴熟、更加钢琴化的特点。

钢琴作品有陈培勋《卖杂货》、刘庄《变奏曲》、孙以强《谷粒飞舞》、汪立三《蓝花花》等。

（三）“文革”时期及其后二年（1966—1978年）中国受当时特定环境的影响，钢琴创作的唯一方向只有改编古典传统民族器乐曲、革命歌曲、民歌、样板戏的旋律成为钢琴独奏曲。

这时期的作曲家们不断地探索用钢琴模仿各种民间乐器的演奏，如古琴、箫、二胡、琵琶，并在钢琴上营造出虚实相间的音乐意境，探索了一条“中国民族风格”的钢琴改编之路。

钢琴作品如黎英海改编的《夕阳箫鼓》，储望华改编的《二泉映月》，陈培勋改编的《平湖秋月》，储望华、石叔诚等人改编的钢琴协奏曲《黄河》。

（四）改革开放时期至今从1980年以后中国钢琴创作与之前相比有了明显的变化，由于我国的文化和音乐事业对外交流频繁，作曲家们在创作中勇于进行大胆的突破，他们广泛运用现代作曲技法，甚至将西方二十世纪的无调性技法融入到钢琴作品创作中，音乐表现更加多元化。

与此同时，他们还追求新颖的音响与结构，在钢琴作品中融入了个性化的艺术特色。

这时期的钢琴作品有汪立三《他山集——五首前奏曲与赋格》、权吉浩《长短组合》、赵晓生《太极》。

这时期的中国钢琴音乐在民族化的表现上少了外形的特征，多的是骨子里的中国神韵。

二、中国钢琴作品的特点及演奏（一）独特的民族化音乐结构中国钢琴作品的音乐结构是一种衍展体，其特点是音乐不停地往前发展的一种结构，这就是常见的散板（散——慢——快——散）。

我国戏曲中如京剧等主要人物的核心唱腔（相当于西方歌剧咏叹调）的基本节奏段落就是这一形式。

民间器乐合奏陕西鼓乐也是散板的节奏序列组合。

民族化的衍展体音乐结构与西方音乐结构相比更具有动力，更接近人类心理与情感的表达。

如钢琴曲《夕阳箫鼓》属于典型的衍展体结构，全曲共10段，开始的“江楼钟鼓”一段与尾声之间散起散落，中间各段节奏逐渐递增，由静转动、由远渐近，音乐层层高涨，情景交融，待到音乐即将结束时音乐慢慢地由动转静，由近至远，最后达到了曲终人散的收尾。

演奏时，需细心地体验、揣摩音乐的意境，在乐曲的散——慢——快——散的速度大框架中体悟音乐内在的发展，敏锐地洞察到每一段的音乐情绪递增，准确地找出乐曲的高潮部分。

演奏到尾声部分时还要能将高涨的情绪收回来。

此时音乐化为空灵，从有形到无形，从有限至无限。

最终情绪的紧张度逐渐褪去，音乐更为舒展，留下了宁静而致远的意境。

演奏时，应了解中国特有的衍展体的曲式特点，在音乐的许多段落接口处避免生硬、牵强的转换，速度变化也应合理。

（二）展现民族乐器的多姿多彩中国钢琴作品在作曲技法上借鉴了西方的作曲技法，并采用了民歌、民间音乐曲调、民族音乐元素、戏曲音乐等作为音乐的主旋律或元素，由此，钢琴作品中出现了大量对民间乐器的模仿，这需要相应地调整触键方法。

如《筝箫吟》中在钢琴上模仿了筝和箫的音色并凸显出它们的民族韵味。

演奏者利用鋼琴黑键比较柔和、淡雅的音色来模仿箫的吹奏，并利用黑键的音阶及刮键来模仿筝的效果，使钢琴的声音增添一点仿古的味道，又像古典舞蹈中翩翩起舞的感觉。

另外，乐曲《百鸟朝凤》的一开场用钢琴来模仿唢呐的音色，表现鸟儿喧闹的生动形象。

在演奏中，尽可能地使钢琴音色接近唢呐高亢而嘹亮的声音效果。

再有，王建中改编的古曲《梅花三弄》的引子部分，在低音区模仿古琴音色，声音深邃而暗淡。

由此看来，了解不同的民间乐器的音色至关重要，并通过钢琴将民乐的声音表现得生动。

（三）装饰音凸显民间乐器的独特情趣中国钢琴作品中的装饰音有些是对民族乐器的模仿，突出了民间乐器的独特情趣。

演奏装饰音时应注意在触键上有实有虚，即实装和虚装两种。

在《筝箫吟》中出现了实装和虚装的两种情况。

例：第1—12小节。

樂曲开始的装饰音是模仿古筝的音色，每个音都要实实在在地奏出，不能含糊、朦胧，手指的指尖部位要集中、尖锐，装饰音要实弹。

而第26—37小节的装饰音是模仿箫的吹奏，右手旋律部分的装饰音类似滑音一样，要虚弹，就像人在吹奏时的吐气一样。

弹奏时手指要有弹性，不能太硬，有一带而过的感觉。

例：第26—37小节。

钢琴作品《二泉映月》是一首二胡改编曲，乐曲中有不少装饰音是模仿二胡演奏中的滑音。

二胡上的滑音是用一个指头连奏，而在钢琴谱上写成倚音或者不作任何特别标记。

演奏者在演奏时要模仿二胡圆滑的触键，以接近于滑音的效果。

总之，中国钢琴作品中的装饰音演奏不能像弹莫扎特钢琴奏鸣曲那样一粒一粒的清晰而分明，而应多考虑不同民族乐器的声音效果，在钢琴上模仿出浓郁的民族味道。

（四）彰显民族音乐与文化内涵中国钢琴作品创作以民俗、民间音乐为基本素材，或将民间音调植入乐曲中，并借鉴欧洲的作曲技法创作，所创作出来的作品极具民族风格。

演奏民歌改编曲时应熟悉各地的民歌特征，不同地域民歌的节奏、速度、情绪、意境等因素不同。

如“号子”又叫“劳动号子”，音乐具有坚定、豪迈、粗犷的性格特征；“山歌”的曲调高亢嘹亮，节奏悠长，抒情性强；“小调”又叫小曲、时调，情感细腻，长于叙事和抒情，曲调流畅，旋律性强。

演奏时了解不同的民歌种类，加深民族音乐的意蕴。

民间器乐的改编曲，如《平湖秋月》（粤曲）、《巴蜀之画》（四川）、《花鼓》（安徽）。

这一类钢琴作品在音调、节奏、情绪等方面凸显出民族的音乐外形。

演奏时应注意将各地区的音乐特点在钢琴上加以展现。

中国作品中还有大量的古曲改编曲，如《夕阳箫鼓》《梅花三弄》《筝箫吟》等，以及反映中国民俗的钢琴作品，如《春舞》（新疆）、《长短组合》（朝鲜）、《卖杂货》（广东）、《火把节之夜》（云南）。

在演奏中要汲取各地区、不同民族特有的舞蹈节奏和旋律特征，才能在钢琴上演绎出一首首动人的旋律。

中国戏曲（京剧）是我国的艺术与文化的国粹。

近年来，常见以京剧元素作为钢琴创作的主题，使钢琴音乐中带有浓郁的戏味。

如钢琴曲《皮黄》是将京剧中板式的乐思上作了节拍、节奏、速度以及音乐织体等处理，展现出戏曲音乐的“板腔体”与西方传统音乐的技法的融合。

乐曲中有大量对于京剧伴奏乐器音响的模仿，板鼓的敲击、京胡的滑奏、锣鼓的齐奏等浓郁的戏味。

《京剧瞬间》也是一首西方现代作曲技法加中国戏味元素而创作的钢琴作品，深得演奏者们的喜爱。

演奏者在演奏中须抓住民族化的音乐特点，结合特有的民族化的节奏、音色、情绪，将中国民族化的音乐元素表现出来。

（五）描绘水墨画般的音乐意境音乐与语言有着密切联系，在母语中经常出现一字多音，在演奏中国钢琴作品时不能将每个音弹实，要表现出虚实相间的音乐意境。

中国钢琴作品中不乏精致而典雅，其审美既有中国诗词那种飘逸、空灵的美，又有中国书画那种在黑白色之间，通过线条的变化、色彩的不均匀及变换而达到的灵动美。

如乐曲《平湖秋月》中右手的主旋律采用了颤音的写法，演奏起来产生一种涓涓细流、波光粼粼的效果。

左手低音区的三十二分音符呈波浪的音型，时而像朵朵的涟漪，时而像滚滚的浪花。

乐曲到了中段，主旋律换到左手低音区，音乐显得宽阔而略带激动。

高音区的六十四分音符应演奏得更加快速而均匀，同时带有一定的起伏。

这段音乐描绘了湖面动荡不安，水流湍急，音乐情绪一点点地向前推进，激动不安。

之后又出现了琶音、分解和弦与分解八度，不时有闪烁的装饰音作为点缀，仿佛一轮秋月倒影在水面。

乐曲到了结束处有几个音要尽可能轻弹，似古筝的拨弦，将观众从梦境唤醒。

例：第2—7小节。

演奏富于音乐意境的钢琴作品就如中国“写意”的水墨画一样，要注意色彩的疏密、浓淡、明暗关系，在钢琴上营造出朦胧而唯美的意境。

三、结语中国钢琴作品通过采用西方作曲技法而创作，并赋予了民族民间音乐素材以新的艺术生命。

笔者对其创作的历程及演奏特点进行了归纳与总结，目的使中国钢琴作品的演奏更富于强烈的民族精神和浓郁的民族特色。