音乐在舞蹈创作中的美学研究
舞蹈表演美学视域下的舞蹈意象与编创
舞蹈表演美学视域下的舞蹈意象与编创摘要：意象的表达，在舞蹈的编排和其它类型的艺术创作中，具有举足轻重的地位。
本文共分为三个部分，首先，从从艺术美学到艺术想象入手阐述其关系，其次在舞蹈表演审美视野中，探讨了“意”和“象”之间的关系。
最后，从有意意象、创造意象、典型塑造三个角度，对舞蹈编排中意象的表现进行了剖析，并从意象的表现、意象的创造、典型的塑造等方面进行了具体的分析，指出意象的表现在作品中塑造个性化形象、营造诗化意境、深化作品内涵所发挥的重要作用。
最后，从形象在舞蹈编排中的延伸和加深，以及引起观众的联想和想象力，来探讨舞蹈编排中形象的表现。
关键词：舞蹈表演美学、意象、舞蹈编创、人体被视为舞蹈艺术的物质载体，也是舞蹈审美活动的逻辑起点。
而且，这个物质载体并不是身体和意识的分离，而是被人的意识所控制的整体。
因此舞蹈美学研究必须坚持身心一元论。
只有坚持身心一元论,才能准确地把握舞蹈艺术的本质,也能防止舞蹈训练向单纯技术性创作的道路上滑去。
对舞蹈表演美学中的从生命意识、宗教意识、象征意识、社会意识和美学意识三个方面来审视，以探寻舞蹈意象与创作的意义,将舞蹈美定义为"意识的肢体表现艺术"。
编导以具体的现实生活中的客观事物为载体，对所要表达的内在情感和精神内涵进行艺术化的构思、审美、凝练、组织、编排，最终形成了舞蹈的情绪，产生了深厚的意境，使之能抒发感情。
这是一种艺术的想象、想象和审美，经过艺术的加工和处理，它将作者的感情寄托在舞蹈的外部语言之中，将无形的、无法言喻的情绪通过舞蹈的身体语言表现出来。
是编导对生活的理解和对艺术的追求，并且创作过程中不断地丰富自己的感情和想象力，是一种抽象和具体的融合、一种感性和理性的融合。
玛丽·魏格曼曾说：“舞蹈是一种生动的语言，它是一种在真实世界上空飞翔的艺术灵感，它的目标是用更高的层次来表达人类内心情感的形象和比喻，并请求与他人交流。
最关键的是，这支舞需要直截了当地表达，而不是拐弯抹角。
相辅相承—论舞蹈与音乐
相辅相承—论舞蹈与音乐作者：葛丽丽来源：《魅力中国》2011年第13期舞蹈是一门综合性的艺术，除舞蹈本身之外，还包括音乐、美术、文学、戏剧等多种姊妹艺术。
在这诸多艺术形式中，当数音乐与舞蹈的关系最为密切，在音乐舞蹈史上也曾有过一句使音乐家听了感到欣慰和温暖的名言，即“音乐是舞蹈的灵魂”，可以说在舞蹈艺术中，音乐与舞蹈是血肉相连的伙伴关系，是一对天生的“孪生姐妹”，二者相辅相依，紧密配合，共同编织着美妙的艺术之花。
一、音乐与舞蹈音乐以声音为物质媒介，声音的非造型、非语义性质，决定了音乐形象带有极大的抽象性与不确定性。
音乐不擅描绘、造型、叙事以及写景，不能提供空间的视觉形象，难以表达人的思想逻辑与概念，生活中大量的视觉形象也不能用声音加以再现。
所以，对音乐形象的理解，不是一件容易的事。
舞蹈以人的肢体动作作为媒介，属于视觉性的表现艺术。
从舞蹈美学的角度看，它以舞蹈表情、动作、构图为其三大要素，主要是通过有节奏、有组织、虚拟化、程式化并经过美化了的肢体语言来表情达意。
舞蹈表达情感是含蓄、写意而非直露、写实的，其特有的宽泛朦胧色彩，使舞蹈艺术境界具有某种空灵感与不确定性。
一般来讲，它长于抒情而拙于叙事。
所以，对舞蹈形象的理解，同样也不是一件容易的事。
在研究了音乐与舞蹈的特性之后，舞蹈教育家肖苏华也以认同的口吻说道：“音乐与舞蹈都是非语言性的艺术。
它们具有共同的艺术特征——写意性、概括性、象征性、虚拟性、比喻性、寓意性、抒情性、诗意性、多义性等等。
”我们可以将这理解为，音乐与舞蹈都是以形式律为上的艺术，其神奇的魅力在于，它们都不是以清晰地讲述具体的概念为目的，而是以各自独有的艺术表现手段，用优秀的艺术语言，从精神层面对人的生活感情能力加以诱发，进而催生别的艺术形式所无法替代甚至难以企及的艺术效果。
二、音乐在舞蹈艺术中的重要作用舞蹈作为一种综合性的艺术，音乐在其中所起的作用是显而易见，也是十分重要的。
在舞蹈表演艺术中，优美的音乐配合，可以帮助舞蹈在整个表演过程中表达情绪，体现个性，烘托气氛，从而塑造完美的舞蹈形象，同时，还有助于舞蹈元素、舞蹈短句、舞蹈组合以及各种舞蹈语汇之间的连贯和流畅，音乐可以大大增强舞蹈艺术的表现力，并使舞蹈的结合更加鲜明，这就是音乐在舞蹈中所起到的非同一般的重要作用。
新古典主义钢琴音乐风格的美学特征、创作手法探析 ——以斯特拉文斯基《彼得鲁什卡》为例
新古典主义钢琴音乐风格的美学特征、创作手法探析——以斯特拉文斯基《彼得鲁什卡》为例摘要：新古典主义音乐，又称“新巴洛克时期音乐”，是20世纪20年代流行于两次世界大战期间的现代音乐派别之一。
新古典主义音乐要求艺术整体各方面的均衡、完美、稳定。
本文主要以斯特拉文斯基《彼得鲁什卡》为例，从该作品的创作手法、美学特征来进行探析，帮助我们更好地理解和演奏新古典主义时期的音乐。
关键词：新古典主义音乐；《彼得鲁什卡》；创作手法；美学特征一、《彼得鲁什卡》的创作风格特点分析1、形式上其具有鲜明的反传统性以往的芭蕾舞剧大多都是关于神话中的帅气英俊的王子与美丽可爱的公主之间的浪漫爱情故事。
舞台背景的布置也比较华丽，演员们珠光宝气，伴随着优雅的贵族舞蹈，音乐优美抒情，委婉动听……而在《彼得鲁什卡》中，音乐中的复杂怪异的节奏与不协和和弦贯穿始终，而在剧情上也是一改过去的以歌颂与赞美爱情为主导思想的创作手法，更多地表现了残暴与讽刺的一面，选择了社会最底层的平民作为表现对象。
2、节奏上不断的打破节奏原有的律动性斯特拉文斯基打破了浪漫时期以来一直惯用的规律性节奏与重音。
通过不停地变换节拍和利用不规则的重音来不断的打破节奏原有的律动性，产生了全新的音乐效果。
其实，纵观斯特拉文斯基的一生，其都是一位不断致力于节奏的探索和研究的创新者。
他认为节奏样式的组合是无穷无尽的，他对于尖锐的、原始的节奏的偏爱程度远远大于其对于旋律的，他将节奏在音乐中的地位提到了旋律之上，使旋律的进行服从于节奏的不规则律动，这一做法开拓了现代音乐发展的新方向，这一点也是斯特拉文斯基对世纪音乐语言发展的重要贡献之一。
作曲家在《彼得鲁什卡》的创作中，关于节奏的这个特点就格外突出：不规则重音、复节奏以及每隔几小节就会发生一次变化的拍号，无不是这一创作特点的体现。
不停变化的节奏和重音，带来的是一种不规则的律动，这就从根本上改变了人们的听觉感受。
3、旋律上具有俄罗斯民族民间音乐的风味在《彼得鲁什卡》的音乐中还是可以随处感受得到的。
音乐与舞蹈之间的关系
音乐与舞蹈之间的关系舞蹈从产生便和音乐产生了密不可分的联系，音乐为舞蹈增添了许多的活性的元素,使舞蹈变得更加具有感染力,而舞蹈让音乐的价值更能得到充分的发挥。
舞蹈离不开音乐，音乐在舞蹈中占有非常重要的位置。
在舞蹈艺术的总概念中，音乐成为其不可分割的一个重要组成部分。
舞蹈与音乐的密切关系从根本上说是舞蹈离不开音乐。
舞蹈总是在音乐的伴奏下展现出来，不存在没有音乐伴随的舞蹈。
原始的舞蹈也有敲击出的节拍或歌唱相伴。
要谈舞蹈与音乐之间的关系就必须想清楚音乐和舞蹈的概念。
舞蹈是人类最古老的艺术形式，是一门以人体为媒介的表演艺术。
通过人自身来展现，以无声的表达即动作为表现手段来表现内心的情感。
舞蹈是伴随着人类最早的动作行为出现的艺术形式，它是律动变化多端的活动的塑像艺术。
影响舞蹈表演的因素有很多,大致可以分为两大类：一类是舞蹈本体的范畴,包括舞蹈演员的肢体、必要的舞蹈技术和艺术表现力。
演员的肢体指舞蹈演员的自然条件，诸如形象、身材、比例、气质等;舞蹈技术是指扎实的基本功、单人、双人的技术技巧等;而艺术表现力是指对角色的理解、情感的展现等等，这些都涉及到舞蹈演员的生理因素和心理因素两个方面。
影响舞蹈表演的另一类因素是非舞蹈本体的范畴，作为外界的刺激同样会影响到舞蹈本体。
舞蹈演员的肢体表现,包含了音乐、文学背景、服饰道具、舞台美术(灯光、布景等)、剧场环境等诸多因素，在这其中,对舞蹈演员产生最大影响的莫过于音乐因素。
音乐是用有组织的乐音来表达人们思想感情、反映现实生活的一种艺术。
在人类还没有产生语言时，就已经知道利用声音的高低、强弱等来表达自己的意思和感情。
随着人类劳动的发展，逐渐产生了统一劳动节奏和相互间传递信息的呼喊，这便是最原始的音乐雏形;当人们庆贺收获和分享劳动成果时，往往敲打石器、木器以表达喜悦、欢乐之情，这便是原始乐器的雏形。
音乐是有目的的，是有内涵的，其中隐含了作者的生活体验，思想情怀。
音乐的最基本要素是节奏和旋律。
《歌剧魅影》作品分析及美学特点
《歌剧魅影》作品分析及美学特点《歌剧魅影》作品分析及美学特点 《The Phantom Of the Opera》（剧院魅影/歌剧魅影/歌剧院幽灵）是⾳乐剧⼤师安德鲁·劳埃德·韦伯的代表作之⼀，以精彩的⾳乐、浪漫的剧情、完美的舞蹈，成为⾳乐剧中永恒的佳作。
它改编⾃法国作家加斯东·路易·阿尔弗雷德·勒鲁的同名哥特式爱情⼩说。
下⾯跟着⼩编来看看《歌剧魅影》作品分析及美学特点吧！希望对你有所帮助。
⾳乐剧《歌剧魅影》整个故事情节是悲情的，讲述了⼀段发⽣在 19 世纪巴黎歌剧院中的让⼈落泪的爱情故事，算得上是⼀个悲剧。
在《歌剧魅影》剧中，“魅影”形象或许只是⼀个表现形式⽽已，并不能代表其真实本质，我们也⽆法⽤好与坏，善与恶来简单的下结论，但就剧终魅影思想品德⽅⾯为我们只能从⼈性的⾓度去剖析。
引⾔ 对⾳乐剧的研究是⼀个起步较晚，研究历史较短的领域，但对于著名的《歌剧魅影》⽽⾔，研究更是少之⼜少，今年来许多学者、专家也不断的在尝试克服前⼈研究资料不少、研究理论未能结合实际的困难，也出现了不少优秀的研究成果，本⽂也在许多学者的研究基础上，去粗取精、取长补短，结合个⼈研究观点对⾳乐剧《歌剧魅影》进⾏了⼏个⽅⾯的分析。
⼀、创作《歌剧魅影》历史的背景 ⾳乐剧有别于传统⾳乐，早在20世纪的⾳乐的内容和题材以及表现形式都发⽣了相当⼤的变化。
从内容和题材上区分有表现⾃然科学的，有表现抽象概念的，有表现幻想世界等等从表现形式上分有流畅的旋律，有基本没有调性的，有使⽤⼗⼆⾳⾳乐语⾔的，也有节奏⾃由变换的作品，还有像微分⾳⾳乐、电⼦⾳乐等⼀⼤批新的⾳乐品种及表现形式，更夸张更极端的是出现了⽆声⾳乐。
艺术家韦伯就刚好经历了这样的创作氛围的熏陶，从⼩⽣活在这种⾳乐⽂化之中。
他借鉴了传统的⾳乐剧创作中的精华和优秀之处，并运⽤个⼈与⽣俱来的⾳乐天分将其⼤胆改造，把浪漫和激情、想象与现实完美结合，将充满张⼒和表现⼒的曲调引⼊到欢快的节奏当中。
简述天鹅湖的艺术价值
简述天鹅湖的艺术价值《天鹅湖》作为古典芭蕾舞的巅峰之作，自其诞生以来，便以其深邃的艺术内涵、精湛的舞蹈技艺和独特的音乐魅力，赢得了世界各地观众的喜爱与推崇。
它不仅是芭蕾舞坛的一颗璀璨明珠，更是世界文化艺术宝库中的重要组成部分。
以下，我们将从舞蹈编排、音乐创作、戏剧冲突以及美学意义等多个方面，深入探讨《天鹅湖》的艺术价值。
一、舞蹈编排的精湛技艺《天鹅湖》的舞蹈编排无疑是其艺术价值的重要组成部分。
这部作品将古典芭蕾的舞蹈技巧与浪漫主义的表现手法完美融合，通过舞者们的精湛技艺，展现了白天鹅的纯洁与黑天鹅的妖媚。
在舞蹈动作的设计上，《天鹅湖》既保留了古典芭蕾的规范性和严谨性，又注入了新的情感和表现力。
例如，白天鹅的舞蹈动作柔美而舒展，如同湖面上翩翩起舞的精灵；而黑天鹅的舞蹈则充满了力量和野性，展现了其狡黠与诱惑。
此外，《天鹅湖》在群舞编排上也达到了极高的水平。
舞者们通过整齐划一的动作和变换多端的队形，营造出了壮观的舞蹈场面。
这些群舞不仅展示了芭蕾舞团的团队精神和高超技艺，还为观众带来了视觉上的享受。
二、音乐创作的卓越成就《天鹅湖》的音乐创作同样堪称卓越。
作曲家柴可夫斯基为这部作品创作了优美动人、富有戏剧性的音乐。
他通过运用丰富的音乐手法，如旋律的起伏、节奏的变换、和声的渲染等，成功地塑造了白天鹅与黑天鹅这两个截然不同的音乐形象。
同时，他还巧妙地将音乐与舞蹈相结合，使得两者在表现上相得益彰，共同构成了《天鹅湖》独特的艺术魅力。
此外，《天鹅湖》的音乐还在整体结构和局部细节上体现了高度的完整性。
从序曲到终曲，每一个乐章都紧密相连，共同构建了一个宏大的音乐世界。
这种完整性不仅使得观众在欣赏过程中能够感受到音乐与舞蹈的和谐统一，还使得作品在艺术表达上更加深刻和丰富。
三、戏剧冲突的深刻表现《天鹅湖》作为一部芭蕾舞剧，其戏剧冲突的表现也是其艺术价值的重要方面。
作品通过王子与白天鹅、黑天鹅之间的爱情纠葛，展现了善与恶、美与丑的永恒主题。
浅谈舞蹈专业学生乐理学习的重要性
浅谈舞蹈专业学生乐理学习的重要性舞蹈由于其优美的舞姿、多变的旋律、较高的表现力而广受喜爱。
在现阶段舞蹈学习的过程中，部分学生更重视形体等技能训练，而对于乐理知识的学习较为轻视。
此种现象长期困扰着一线教师和学生。
本文从乐理知识的具体应用与作用层面探究乐理学习对于舞蹈专业学生的重要性，旨在引导学生更好的掌握该门课程。
标签：乐理；舞蹈专业；学习；重要性一、引言乐理是“音乐理论”的总称，按照难易程度可以分为简单的读谱、节奏、节拍以及较为复杂的曲式、旋律、配器等。
乐理的学习是进行后续与音乐相关深造的基础，同时也是后续独立创造的关键能力。
舞蹈作为一门形体艺术，虽然与音乐创作、演奏等活动相比，对于乐理的要求相对较低，但是其中的基础性知识对于舞蹈动作的编排、节奏的把握、情感的表达等依旧具有关键性作用。
也正是基于二者之间存在的显著差异，导致目前部分学生对于乐理知识的学习较为忽视，甚至存在部分优秀舞蹈表演者对于乐理“一窍不通”的尴尬局面。
为了进一步说明乐理在舞蹈学习过程中的重要性，本文以乐理在舞蹈学习中的作用为主线，探究其学习的重要性。
二、乐理在舞蹈动作编排中的重要性舞蹈是一门形体配合音乐共同表达的艺术形式。
只有动作与音乐达到完美的结合，才能够在美学角度体现出舞蹈独特的魅力。
任何舞蹈的设计与编排初衷均是从这一原则出发的。
落实到实际的乐理层次中来，首先，赋予学生读谱的能力，使得学生对于音乐的流程与特征把握更为准确，从而为后续的动作编排提供有利条件。
其次，乐理能够进一步分解音乐的节拍与节奏，这些均是形成动作编排节点与表达核心的关键内容。
可以试想一下，如果舞蹈的动作与音乐的节奏无法完美匹配，不仅给舞者之间的配合造成了客观障碍，还使得舞蹈表演的总体效果较为凌乱，无法形成更高的整体效果。
最后，乐理的学习能够进一步明确音乐的曲式与旋律，对于进一步提高舞蹈的流畅度以及其中情感的表达具有积极意义。
从这一角度来看，乐理的学习对于舞蹈专业学生自我编排、改编舞蹈动作具有积极的意义。
“留白”之美在少数民族舞蹈创作中的运用
“留白”之美在少数民族舞蹈创作中的运用“留白”一词最早源自中国绘画艺术，指的是画面上留有一定的空白，不加装饰或风景。
这种留白的美学价值被广泛应用于文学、音乐、舞蹈等艺术领域。
在少数民族舞蹈创作中，“留白”之美具有独特的表现方式和内涵，通过留白，舞蹈作品更具有深远的内涵和情感的表达。
本文将探讨“留白”之美在少数民族舞蹈创作中的运用。
少数民族舞蹈中的“留白”之美体现在舞蹈动作的简约和空灵。
少数民族舞蹈中，舞者往往通过简洁的动作来表达情感和内涵，这种简约的动作正是一种留白的艺术手法。
比如蒙古族的舞蹈《草原之歌》，舞者在舞台上通过简单的舞步和手势来表现草原的美丽和壮阔，将“留白”之美发挥到了极致。
藏族舞蹈中的“石头舞”也是以简约的动作和姿态来表现出人与自然的和谐美，表达出一种简约而又深沉的情感。
“留白”之美在少数民族舞蹈中还表现在舞台效果的安排和舞蹈道具的运用上。
少数民族舞蹈在舞台效果的安排上往往会采用简约的布景和灯光，通过“留白”的手法来更好地突出舞蹈的主题和情感。
比如苗族的舞蹈《跳花灯》，在舞台布景上采用简约的花灯和色彩，搭配简单而又优美的舞蹈动作，使整个舞台效果更为清新和空灵。
一些少数民族舞蹈也会运用简约的道具来表现出“留白”的美感，比如壮族的舞蹈《打锣舞》中，舞者手持锣鼓轻轻摇动，悠扬的音乐和简约的动作相得益彰，给观众留下了深刻的印象。
“留白”之美还体现在音乐和舞蹈之间的默契和空白之美上。
在一些少数民族舞蹈中，音乐与舞蹈之间的空白和静默是非常重要的表现手法。
通过音乐的空白和静默来突出舞蹈动作的美感和情感，使整个作品更富有内涵和深度。
比如蒙古族的舞蹈《马头琴独奏》，在演出中常常会有短暂的静默和音乐空白，而舞者在这个时候会用自己的动作来表达出内心的情感和情绪，这种音乐与舞蹈之间的留白和默契正是对“留白”之美的最好诠释。
舞蹈与节奏的完美融合
舞蹈与节奏的完美融合引言舞蹈是一种通过身体姿态和动作表达情感和思想的艺术形式。
而节奏则是指一定的音乐节拍和节奏感，是音乐的基本组成部分。
舞蹈与节奏的完美融合，不仅能够让观众感受到视觉上的享受，还能够通过肢体的舞动与音乐的节奏相互呼应，达到更深层次的情感传达。
本文将探讨舞蹈与节奏的融合，分析其背后的原理和技巧，以及对于舞者和观众的意义和影响。
一、舞蹈与节奏的关系舞蹈和节奏是紧密相关的，它们相互依存、相互促进。
舞蹈通过舞者的身体语言传达出情感和思想，而节奏则为舞蹈提供了一个有力的基础。
舞者通过对音乐节拍的感知和把握，能够更好地表达自己的情感，并与观众产生共鸣。
1.1 舞蹈对节奏的依赖舞蹈需要有一个明确的节奏感才能展现出最佳的效果。
舞者通过对音乐中的节奏进行理解和感知，能够将自己的舞蹈动作与音乐中的节拍相契合。
舞者通过有规律的舞蹈动作来呼应音乐的节奏感，使得观众能够更好地感受到舞蹈的魅力。
1.2 节奏对舞蹈的促进节奏音乐为舞者提供了一个节拍的基础，在舞者创作舞蹈时，能够更好地把握动作的节奏感。
舞蹈动作的每一个细节，都要紧密地与音乐的节奏相结合，从而展现出舞蹈的美感和神韵。
二、舞蹈与节奏的完美融合技巧要实现舞蹈与节奏的完美融合，并不是一件容易的事情。
需要舞者具备一定的舞蹈技巧和对节奏的敏感性。
下面将介绍一些实现舞蹈与节奏融合的技巧。
2.1 舞姿与节奏的呼应在舞蹈中，舞者的舞姿和音乐的节奏要相互呼应。
舞者可以通过舞姿的摆动、手臂的伸展以及身体的转动等动作，来展现出音乐的节奏感。
舞者要时刻保持与音乐的节奏同步，并通过舞姿的优雅和动感来与音乐产生共鸣。
2.2 舞蹈动作的速度和力度舞蹈的速度和力度也是实现舞蹈与节奏融合的重要因素。
舞者可以通过调整舞蹈动作的速度和力度，来与音乐的节奏相匹配。
当音乐的节奏较快时，舞者可以选择较快的舞蹈动作来呼应；而当音乐的节奏较慢时，舞者则可以选择较慢的舞蹈动作来呼应。
2.3 舞蹈编排与音乐编曲的结合在实现舞蹈与节奏融合的过程中，舞者和音乐编曲师之间的合作非常重要。
舞蹈艺术的审美特征
学术天地艺术与美学·ART AND AESTHETICS36 PACKAGING Collection 2015舞蹈是人类生命中最为重要、最活跃、最充分直接的情绪，是人类历史上最基本古老的艺术，它表现了人肢体运动的艺象美。
歌舞在我国具有悠久的历史，舞蹈同人类其他进步文明一样，都是社会发展的表现。
舞蹈不是一种仅仅靠身体来表达情意的形式，而是通过与音乐节奏结合组成的一种文化艺术，我们的一切情绪如喜怒哀乐都可以以舞蹈的形式表现出来。
舞蹈艺术来源于生活，并反映生活，是一种既通俗又高雅的艺术。
舞蹈表演通过肢体语言的变化、节奏音乐的渲染和情感因素的融入来完成艺术的展现。
舞蹈表现人的内在情感、理想、思想等方面，它以内在的心动、情动去驾驭外部的形动。
舞蹈和舞蹈审美有着密不可分的关系，因为舞蹈艺术本身得以产生舞蹈审美。
审美特征是体现一部舞蹈作品艺术高低的重要标准，要求作者在创作过程中紧紧把握住独创性这一点，在选取舞蹈题材和主题上标新立异，同时还需要加入抒情性因素，带给观众生动形象的舞蹈欣赏。
1情感美情感作为一切艺术的共同审美特征，早已被人们所认知。
而舞蹈作为艺术中的重要一种，情感自然是其题中应有之义。
事实的确如此，舞蹈美千真万确是舞蹈艺术的重要审美特征之一。
许多舞蹈艺术精品充分而有力地证明了这一点，例如，舞蹈《红绸舞》表达了中国人民翻身得解放、当家做主人的欢欣鼓舞之情；舞剧《红楼梦》表达了林黛玉与贾宝玉的真挚、复杂、曲折、悲剧的爱情……不胜枚举。
因为情感性的存在，可以让人从欣赏舞蹈的过程中尽情感知舞蹈所蕴含的美感。
舞蹈艺术的创造主要是结合人们日常的情感进行的创作。
它来源于人类的日常生活，主要是通过人体动作来对其情感进行充分表达。
舞蹈艺术情感美的审美特征，要求所有舞蹈创编人员，满怀激情地选择富有情感含量的题材，从而创作出含情量极高的舞蹈作品。
由此可见，情感美的审美特征对于舞蹈艺术而言，是何等重要。
2 独创美独创美赋予舞蹈作品一个独立可行的空间，无论是题材还是主题，都必须展现与众不同的一面，这就要求作者在艺术构思过程中紧紧抓住创新点，不能死搬硬套舞蹈艺术的固有模式。
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音乐在舞蹈创作中的美学研究
作者：申文健
来源：《北方音乐》2015年第06期
【摘要】音乐是舞蹈的灵魂，舞蹈在编舞过程中通常需要音乐来带动舞蹈整体的节奏感，
舞蹈的动作伴随着音乐旋律的舞动而舞动，音乐是直达人类内心深处的艺术形态，舞蹈动作在
音乐旋律的带动下必然极富美感，本文正是研究音乐在舞蹈创作中美学效果。
【关键词】音乐；舞蹈创作；美学研究
引言
舞蹈是在人类的劳动过程中逐渐产生的，舞蹈表演时一个很重要的因素是舞蹈的节奏感，
舞蹈本身是很难做到自身富有节奏感的，因此舞蹈在创作和演绎时通过需要依赖外在的艺术形
态来引领节奏。音乐作为与舞蹈类似的产物，也是人类在劳动过程中逐渐产生的，音乐本身即
带有很强的节奏感，音乐音节的高低起伏无不表现出节奏感的强弱，正是由于音乐和舞蹈之间
极大的相关性，在舞蹈创作中融入音乐因素是十分必要的，本文正是基于音乐的节奏感特性，
探究音乐在舞蹈创作中重要性，以及对于地舞蹈动作中因融入音乐而产生的美学特征展开研
究。
一、舞蹈创作
舞蹈作为中国一门博大精深的艺术形态，诸多表演艺术中都有着舞蹈的体现。不论是阳春
白雪般的高雅作品，还是下里巴人般的通俗作品，无不有着舞蹈的身影。不论是盛大恢宏的艺
术形态还是温婉优美的艺术形态，都可以通过舞蹈的方式加以展现。舞蹈是通过视觉体现来欣
赏，而音乐是通过听觉来体会，音乐可以通过舞蹈的形体语言来表现音乐的情感，舞蹈可以通
过音乐优美的旋律来带动舞蹈的节奏感。正是两者具有一定的互补性，才能实现很好的融合特
性。
音乐和舞蹈最重要的共同点是节奏，节奏是舞蹈和音乐的骨架。舞蹈和音乐都是依据节奏
的跳动来进行创作。舞蹈动作和音乐节拍一旦没有和节奏进行相互关联，则舞蹈动作和音乐节
拍都会产生错位。
二、舞蹈动作的美学研究
李泽厚先生在其著作《略论艺术种类》中曾言：舞蹈艺术的美学特性是：主要不是简单的
动作的复现，而是内心情感的真实表露，不能通过简单的的动作重复，而要体现人物真实的性
格特点。不是模仿而是再创造。要求使用高度概括精炼的形式化表达去传递舞蹈的真谛，通过
舞者真实的情感特征的变化来展现真实的现实场景。
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哲学上对行为表达与内容之间的关系特征并未做准确的阐释，并未从艺术的角度去分析两
者的关联性和差异性。艺术形式不仅仅是简单的提供内容浏览，更重要的是其本身具有一定的
艺术欣赏价值，艺术是一种富有韵味的行为艺术。艺术技巧也不仅仅是一种内容的展现方式，
艺术技巧本身与艺术是息息相关的，因此艺术本身也是具有一定的欣赏和审美价值，用于衡量
艺术技巧审美价值的高低通常是通过技巧的难度而定。某个舞蹈动作难度越大，舞者在演绎时
显得愈加丰满和流利，则改艺术技巧则富有的欣赏性也越大，相对应的审美价值也越高。当然
在运用艺术技巧时要掌握一定的尺寸，要将艺术技巧用的惟妙惟肖，能够有机充分并且合理的
应用于整个的舞蹈作品中。诚然，如果仅仅将艺术技巧作为表现的手段，则很明显，其功能完
全被忽略甚至连存在的必要性也没有了。
现存世界上以表现性感之美为主的舞蹈主要有这么几种：
一是非洲的舞蹈，在撒哈拉沙漠以南，有一些非洲民族刚从原始社会跨进文明社会不久，
它们的舞蹈仍带有原始舞蹈的痕迹，有一些舞蹈原先是直接服务于性选择的，因此仍带有直接
引起性刺激的意味，
二是流行于埃及、土耳其等国的“东方舞”，俗称“肚皮舞”，这种舞蹈原是女性表演（现在
作为艺术品种也有男性表演）。“东方舞”与早期的生育崇拜有关，后王公贵族在自己后宫培养
“东方舞”的姬妾，让之模拟练习主动的性交动作以满足自己的性需求，待“东方舞”成为世俗的
舞蹈后，这种最初的性挑逗性质仍被保留，舞者上着胸罩式上衣，下身薄纱裙子基本上是前后
两片，让玉腿在舞动中不时露出，在完全裸露的腹部除用色彩艳丽的纱巾装饰外，在肚脐周围
还画有装饰图案，正中点缀着名贵的钻石，舞女一般要乳峰高耸，纤腰健腹，肥臀长腿，舞蹈
动作以腹部的收缩和颤动及胯部的摇摆与旋动为主，配合双臂如水蛇般的游动及双腿有节奏的
扭摆，显得特别煽情。
三是西班牙的“弗拉门科”舞，这种来自吉卜赛人的舞蹈典型地体现了吉普赛人内在似火一
般的情欲力量，舞蹈表面上似乎有点冷峻，但在冷峻中充满了强烈的性诱惑的力量，女舞者手
握响板作舞，舞步急促，在即兴式的舞步中展开令人眼花嘹乱的动作变化。
此外还有诸如印度外化的舞蹈印度舞以及欧美大都会舞蹈等。
三、总结
我们需要研究舞蹈的美，则需要深层级的去理解舞蹈的美究竟体现在何处，然而关于舞蹈
的美学研究，中外研究也极少见于报端，从美学的角度去分析和理解舞蹈也是凤毛麟角。然而
作为一门艺术形态，我们却可以在其表现形态上进行分析研究，舞蹈作为一种舞台研究的艺术
作品，每个节奏、每个舞蹈动作都会透露出属于舞蹈本身的美感。对于美感而言，其实这是一
个极度抽象的概念，既然不好从直观外露的角度去分析和体味其中到美感，则可以使图从它到
周围形态出发。本文正是从舞蹈到节奏感出发，分析舞蹈对于节奏感而言所体现出的不同的美
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学特性。舞蹈的灵魂是音乐，音乐毫无疑问是舞蹈的重要组成部分，音乐的美感早已不容置
疑，从音乐的美感上也可以从侧面反映舞蹈的极致美感。
参考文献
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作者简介：申文健（1993—），男，山西晋城人，主要研究方向：舞蹈学。