音乐内心听觉在器乐演奏中对原作的重塑作用
乐器与音乐创作的关系与互动
乐器与音乐创作的关系与互动乐器是音乐创作过程中的重要工具，它们与音乐创作之间存在着紧密的关系和互动。
本文将探讨乐器在音乐创作中的作用以及它们如何相互影响。
一、乐器的表达能力乐器是音乐创作中表达情感和想象力的工具之一。
不同乐器具有各自独特的音色，能够通过声音的高低、音量的强弱以及演奏技巧的运用来传达不同的情感。
比如，小提琴的高亢激昂，钢琴的深情厚重，吉他的轻盈明朗等等，都可以通过乐器的声音来表现出来。
乐器还可以通过演奏技巧和音效处理来扩展其表达能力。
演奏者可以运用技巧，如颤音、滑音、颤弓等等，来表达情感的变化。
此外，现代技术也使得乐器能够具备更多的音效，比如在音乐创作中常用的合成器、电吉他、电子鼓等等，它们都可以通过不同的设置和效果来营造出独特的音乐氛围。
二、音乐创作的启发乐器不仅仅是表达情感的工具，它们还可以直接影响音乐创作的过程和内容。
音乐家在演奏乐器时，常常可以从中获得灵感，从而启发出新的创作点子。
弹奏乐器时的旋律、和弦、节奏等元素可以在创作中得到发展和延伸，成为新的音乐素材。
此外，乐器的特性和演奏技巧也会对音乐创作的风格和形式产生影响。
比如，管弦乐器常用于交响乐的创作，而电子乐器常用于电子音乐的制作。
不同乐器的演奏技巧和音域限制也会直接影响到音乐的结构和编曲。
三、乐器的演奏技巧与音乐创作之间的互动乐器的演奏技巧与音乐创作之间存在着密切的互动。
音乐创作者可以根据具体的乐器特性和演奏技巧来设计乐曲的形式和编排。
比如，在作曲时可以充分考虑乐器的音域、音色变化以及演奏者的技术难度等因素，以便更好地展现乐器的特点和演奏者的表现力。
同时，音乐创作者也可以与演奏者互动，倾听他们对乐器的理解和演绎方式。
演奏者对某种乐器的熟悉程度和个人风格都会影响音乐的演奏效果，因此音乐创作者可以从他们的演奏中收获更多灵感，并调整创作中的细节。
四、乐器和音乐创作的创新性乐器的发展和创新本身也推动着音乐创作的创新。
音乐家和制造商们不断尝试设计新型乐器，扩展音乐创作的可能性。
乐器在音乐中的重要作用
乐器在音乐中的重要作用音乐是人类创造的一种形式艺术，它通过声音的组织和表达，传达情感、表达思想以及引发人们的共鸣。
而乐器则是音乐创作和演奏的重要工具，在音乐中扮演着不可或缺的角色。
乐器的多样性和独特性使得音乐作品更加丰富、生动，本文将着重探讨乐器在音乐中的重要作用。
一、提供声音的丰富性和多样性乐器作为音乐的一部分，为音乐作品提供多样化的声音质感和音色。
不同种类的乐器，如铜管乐器、木管乐器、打击乐器等，都具有独特的音色特点，能够通过演奏技巧和艺术表达，呈现不同的情感和音乐效果。
比如，小提琴的悠扬音色适合表达浪漫和柔情；而吉他的和弦演奏则能营造出轻快和欢快的氛围。
乐器的声音丰富性和多样性为音乐增添了魅力与吸引力。
二、增强音乐的表现力和感染力乐器通过音乐演奏的技巧和表现力，能够将音乐作品中的情感和意图传递给听众，提升音乐的表现力和感染力。
演奏者可以通过乐器的音色、音量、速度等方面的控制，准确地传达作曲家的创作意图，使听众更好地理解音乐的内涵和情感。
例如，在一个悲伤的音乐作品中，演奏者可以运用小提琴的颤音技法和轻柔的演奏方式，将内心的伤感表达得淋漓尽致。
乐器的表现力为音乐注入了生动和灵动的特质。
三、丰富音乐的层次和纹理乐器在音乐中的运用可以丰富音乐的层次和纹理，使得作品更加立体且丰满。
乐器可以分为主导乐器和伴奏乐器，主导乐器在音乐中扮演主旋律的角色，而伴奏乐器则为主旋律提供底蕴和支撑。
在交响乐中，弦乐器通常担当主导乐器的角色，负责演奏主旋律，而管乐器和打击乐器则充当伴奏乐器，增强音乐的厚重感和层次感。
乐器之间的合奏和音色的交织，形成了音乐作品独特的音韵，提升了作品的艺术性和审美价值。
四、实现音乐的个性和风格乐器的选择和演奏风格，直接决定了音乐作品的个性和风格。
不同类型的乐器在不同的音乐风格中有着广泛的运用。
举例来说，爵士乐中的萨克斯风、钢琴和小号等乐器，演奏起来更加灵活、富有即兴性，强调个人的表达和创造力；而管弦乐队中的定音鼓、大提琴和长笛等乐器，则注重团队的合作和协调，体现出庄严和纪律感。
器乐教学中的听觉审美培养
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。
器 乐教学 中的 听 觉审美培养
文 ＼ 余 鹏
器 乐 教 学是 一 种 以演 奏 技能 培 养 为主 的 音 乐教 学 。 演 奏 技能 的 掌 握与 提 高是 器 乐教 学 的重 中之 重 同时 我 们也 应 认识 到 除 了技 能培 养 以外 器 乐教 学 更是 学 习 者 用器 乐 演奏 的 方 式 来 对音 乐 进 行认 识 与把 握 的过 程 从 审美 角 度 而 言 这 也 是 一 种 主 动 的 实 践 性 的音 乐 听觉 审美 过 程 。那 么 如 果 我 们能 在 注重 技 术训 练 的 同时 也 加强 听
奏 技巧 建 立在 丰 富 的舞 台 实践 经 验 之上 。 从 演奏 学 习到 演
乐 理 与视 唱 虽 然不 是 器乐 教 学 的主 要 内窖 但 对于 业 余音 乐 爱好 者 而言 因 其 在音 乐 基础 知 识方 面 的 空 白 教 师应 针 对其 音 乐水 平 有意 识 的 贯穿 些乐 理 与 视唱 的 内 容 提 升其 对 音 乐的 认识 对 于业 余 音 乐学 习 者 而言 除 进 行 专 门的 乐理 与 视 唱练 耳 学 习非 常必
看 演 三 个 方 面来 谈
演 奏 技 术 与音 乐 表 现 能 力 。
在 讨 论之 前 笔者 先 对器 乐 教 学 的概 念 予 以澄 清 。从 器 乐 教 学 所 面 对 的 对 象 而 言 大 致 分 为 三 种 种 是面 对
首 先 是 听
个 器 乐演 奏 者必 须 要 广泛 接 触 更
声乐学习中听觉的自我完善
声 乐 是 以 人 体 自 身 的 发 音 器 官 为 “ 器 ” 用 科 学 的 发 乐 ， 声 方 法 ． 以歌 声 和 语 言 相 结 合 来 表 达 思 想 感 情 ．塑 造 艺 术 形 象 的 一 种 综 合 性 艺 术 形 式 。 以 感 官 而 论 艺 术 可 分 为 视 觉 艺 术 和 听 觉 艺 术 。 视 觉 艺 术 如 文 学 、 绘 画 、 雕 塑 、 舞 蹈
的 内 耳 膜 ． 造 成 自 己 听 起 来 又 大 又 亮 的假 象 。 白 声 ． 从 音 色 上 听 是 粗 糙 、 生 硬 、 不 集 中 、 不 润 泽 的 ，是 一 种 无 正
常 音 波 的 发 直 发 散 或 发 扁 、 发 尖 ，
缺 乏 共 鸣 色 彩 和 无 音 色 变 化 的 刺 耳 声
很 多 人 常 常 把 歌 唱 中 自 己主 观 听 觉 所
来 完 成 的 。 因 而 声 乐 学 习 者 要 不 断 地 加 强 练 习 ， 反 复 的 记 忆 ．把 临 时 的 记
忆 变 为 长 期 的 记 忆 。 在 演 唱 歌 曲 时 还
习惯 称 它颤 音 （ ｉ ｂ 。 而 当颤 动 音 Ｖ ｂ ａ ｏ） ｒ 波 的 周 率 约 为 每 秒 ７次 以 上 时 ， 即 小
２． 弦 时 应 是 手 指 带 动 手 掌 ，手 掌 带 动 手 腕 ，手 腕 略 揉
练 耳 ． 音 乐 记 忆 等 多 方 面 音 乐 知 识 ，并 且 加 深 对 作 品 的 理 解 ．把 握 演 奏 过 程 中 的 放 松 和 呼 吸 问 题 等 。 本 论 文 试 论 重 点 侧 重 于 二 胡 演 奏 中较 为 细 致 的 问 题 。 所 谓 “ 刀 不 误 砍 磨
拨弦 音被覆盖。 ６． 奏 中 ， 弓毛 碰 触 琴 弦 导 致 发 音 沙 哑 或 有 杂 音 。 拨 ７． 奏 前 弓 的 握 杆 处 应 置 于 右 腿 外 侧 位 置 。 使 得 弓 杆 拨 与 琴 筒 、 右 腿 两 个 接 触 点 正 好 可 以端 稳 弓 。 总 结
浅谈音乐欣赏中的音乐听觉能力
浅谈音乐欣赏中的音乐听觉能力摘要：良好的音乐听觉能力是准确、深刻地欣赏音乐的基础。
音乐欣赏是借助于听觉而实现的艺术活动，如果我们具备一定的音乐听觉能力，我们就能在聆听中准确地感知、认识、理解音乐作品的内涵。
马克思曾说过，欣赏音乐要有“音乐的耳朵”，“对于不辩音律的耳朵来说，再美的音乐也是毫无意义”。
关键词：音乐感受能力内心听觉情感体验人们在欣赏音乐的时候，主要是通过听觉的渠道，接受的是听觉的刺激，引起视觉意象，产生丰富生动的联想和想象，进而引起强烈的感情反应，体验到音乐家在作品中表达的思想感情和意境，获得美感，并为之感动。
所以说，良好的音乐听觉能力是音乐欣赏的前提和核心。
一、敏锐的音响感知能力音响感知是指通过音乐欣赏者的听觉而获得的对音乐音响及结构形式完整的接受。
在音乐欣赏的感知活动中，音响感知是整个音乐欣赏的前提和基础，音乐欣赏中一切感情体验与形象联系都以音响感知为基本，如果离开了对音乐音响及其结构形式的感知，就谈不上对音乐作品的进一步欣赏。
音乐作品的实际音响是以节奏、旋律和声等音乐诸要素相互参与、相互合作，经人为的艺术加工而形成的“声音工艺品”，我们的耳朵可以直接感觉到，但我们的耳朵必须是经过训练且能分辨音乐的耳朵，否则，就难以接受、理解这种音响外层的“工艺品”。
具体说来，音乐音响的感知能力主要体现在以下几个方面。
1.对音乐音响的辨别能力。
这是指对音乐的音高、节奏、力度、音色等基本要素的辨别能力，如果欣赏者具备了对这些音乐要素的辨别力，也就具备了音响感知的基础。
培养对音乐的辨别力，对音响感知具有重要意义。
2.对音乐音响的感受力。
音乐音响的感受力包括旋律感、节奏感、多声部的音乐感以及对乐曲结构的整体感知等几个方面。
其中旋律感主要是对不同旋律的特点进行感受，并由此达到对旋律美以及对其中蕴含的感情内容的体验。
节奏感决定着音乐的表情性质和风格特征，要获得音乐的美感，就必须培养起良好的音乐节奏感。
多声部音乐手法广泛应用于合唱、键盘音乐、管弦音乐领域，只有具备多声部音乐感，才能懂得各声部的组合和音乐的和声效果。
音乐内心听觉与美感训练探析
关键 词 ：视 唱 练 耳 ：音 乐 内心听 觉 ：音 乐 美感 训 练
２ ０ １ ３ 年第七期 《 音乐创作 》
音 岳雨 听 与 美 纠 探 斩
业原
摘
吴渝林
要： 音 乐内心听 觉训练与音 乐关感动 】 练是视 唱练 耳教 学中不可忽略的两个重要环节。 结合 多年的教 学实践与研 究经
验 ，笔者认 为，在视 唱练耳教学过程 中，如果机械地 强调 音准、节奏、旋律及和声的技 术技巧练 习，忽视 内心听觉与音 乐关
前
言
非常好 的演奏 （ 唱） 、或作 曲能力 ，乐感不好的人，往往 听 觉 ，又特别是内心听觉有 问题 ，听不准必然 唱不准 。所 以， 许多乐感不好的人似 乎永远与音乐表演、音乐教育、音乐创 作等专业工作无缘；另一方面，我们接触到一些音乐专业演 奏者 ，他们凡开 口必左 ，但唱不准，也丝毫没有影响他们的
现 实音 乐生活 中随处可见 ， 这两种能力直接制 约了人们对音 乐的感 知能力 。 这 一现 象的存在本身说明视唱练耳课程教学 需要做进 一步的改进 ， 应加 强对音乐 内心听觉能力和音 乐美
感 能 力 的 训练 。 音 乐 听 觉 的 发展 需要 有 注 意 力 分 配 的 能 力 、 要 能够 敏 锐
美感训练 ， 才能让音乐专业学生在演唱 、 演奏 中准确再现音
、
音乐 内心听觉与音乐美感 的基本 内涵
乐器与情绪音乐的疗愈力量
乐器与情绪音乐的疗愈力量音乐是一种无声的语言，它有着独特的力量可以触动人们内心深处的情感。
乐器作为音乐的重要组成部分，不仅可以产生美妙的音符，更承载了情绪的表达和疗愈的力量。
在这篇文章中，我们将探讨乐器与情绪音乐的疗愈力量，以及其在精神健康领域的应用。
一、乐器的丰富表达能力乐器作为一种工具，可以通过演奏者的技巧和感情表达出不同的音乐效果，从而引发听众的共鸣和情感共振。
每一种乐器都有其独特的音色和发声方式，如小提琴的悠扬、钢琴的深沉和吉他的柔和。
乐器不仅能表达出人类的喜怒哀乐，还可以通过音符的高低、音调的快慢来传达不同的情绪状态，如欢快、伤感、愤怒等。
这些丰富的表达能力使得乐器成为了情绪音乐的理想载体。
二、情绪音乐的疗愈效果情绪音乐是一种特定音频，它旨在通过音乐的节奏、和谐和旋律来唤起特定的情绪和情感体验。
通过聆听情绪音乐，人们可以获得情感的宣泄和释放，从而达到调整情绪和舒缓压力的效果。
在当代社会中，人们面临着各种各样的压力和焦虑，情绪音乐成为了一种有力的心理疗愈工具。
乐器在情绪音乐中发挥着重要的作用。
不同的乐器能够产生不同的音色和音效，这些音效和音色能够直接影响人们的情绪和心理状态。
比如，轻柔优美的钢琴曲可以平静内心的焦虑和紧张，放松身心；而激昂而有力的鼓点则可以激发人们的勇气和动力，帮助人们克服挑战。
不同的乐器和音符组合产生的旋律和和声也可以刺激大脑产生多巴胺等快乐荷尔蒙，提升情绪和幸福感。
三、乐器在精神健康领域的应用在精神健康领域，乐器和情绪音乐已经得到了广泛的应用。
音乐疗法师通过乐器演奏和情绪音乐的引导，帮助个体调整情绪、减轻焦虑和抑郁等情绪困扰。
例如，钢琴疗法可以帮助强迫症患者放松压抑的情绪，减轻强迫症状；吉他疗法可以引导自闭症儿童与周围环境交流，促进社交能力的提升。
此外，乐器和情绪音乐也被广泛应用于应对应激和减轻疼痛。
研究表明，听音乐和演奏乐器可以促进身体的放松，增加内啡肽的分泌，从而减轻身体的疼痛感受。
如何在演奏中展现音乐的情感
如何在演奏中展现音乐的情感在音乐表演中展现情感是每个音乐人都追求的目标。
音乐的本质就是情感的表达，通过演奏技巧和音乐元素的运用，可以更好地传达出内心的情感。
本文将探讨如何在演奏中展现音乐的情感。
一、感知音乐情感在演奏中展现音乐的情感前，我们需要先感知音乐情感。
通过细细品味音乐作品，理解作曲家的创作初衷，感受其中蕴含的情感。
音乐情感多种多样，可以是欢快、悲伤、愤怒、温柔等各种情绪。
只有深入理解作品的内涵，才能更好地在演奏中传递情感。
二、技巧运用1.音乐的演奏技巧是展现情感的重要手段之一。
技巧的使用要与音乐情感相匹配，达到情感表达的最佳效果。
例如，在演奏中运用颤音、滑奏、颤音等技巧可以增强音乐的感染力，让听众更好地感受到情感的冲击力。
2.强弱与音色的掌控是展现情感的关键。
通过细腻的强弱变化，可以准确表达出音乐中的喜怒哀乐。
有意识地调整音色，使用不同的弦乐器、吹管乐器或键盘乐器，也能有效传达出不同的情感色彩。
3.演奏中的音符连贯性和节奏掌握也对情感的呈现至关重要。
合理运用延音、断奏等手法，使音符之间有机地衔接，增强音乐的流畅性和情感的连贯性。
三、情感投射与互动演奏中展现音乐的情感需要与观众建立情感互动，让他们更深地融入音乐中。
以下是一些建议：1.眼神交流。
与观众建立眼神交流，能够增强情感的共鸣。
通过专注的目光传递自己与音乐相连的情感，让观众感受到音乐的力量。
2.身体语言。
适当运用身体语言来表达音乐情感，比如姿势、面部表情、手势等。
合理运用这些元素，能够更好地传达内心的情感。
3.与合奏者的互动。
如果是在合奏中演奏，与其他演奏者保持紧密的沟通，相互影响，协调情感的表达。
通过相互激发，提升音乐表演的质量。
四、个人情感表达的思考每个人都有自己独特的情感，因此在演奏中展现音乐的情感也应该有个人的思考和表达。
以下是一些建议：1.与作品共鸣。
将个人的情感与作品相融合，找到与作曲家创作初衷相符的自己的情感，将其融入到演奏中去。
乐器演奏中的音乐合奏与协作技巧
乐器演奏中的音乐合奏与协作技巧音乐是一门富有创造力和艺术性的语言，而合奏则是一种在音乐表演中极其重要的形式。
乐器演奏的合奏需要乐手之间的默契和协作，既要保持个体的表现力，又要与其他乐手相互融合，共同创造出美妙的音乐。
本文将探讨乐器演奏中的音乐合奏与协作技巧，希望能为乐手们提供一些有益的指导。
一、倾听与理解在乐器演奏的合奏中，倾听和理解是基础。
每位乐手应该保持开放的心态，全身心地倾听其他乐手的演奏，并试图理解他们所表达的音乐意图。
只有通过倾听和理解，乐手们才能达成共识，确保所有乐器在合奏中互相呼应。
二、协调与配合合奏不仅需要乐手们理解彼此的表达，还需要他们之间的协调和配合。
在合奏中，乐手们应该互相交流并共同决定演奏的速度、力度、节奏等关键要素。
只有通过紧密的协调和配合，他们才能在演奏中实现和谐的统一。
三、分工与合作乐器演奏中的合奏涉及到不同乐器的分工与合作。
各种乐器有各自的音域和表现力，乐手们需要根据乐曲的需要，灵活地进行分工并相互配合。
在合奏中，乐手们应该合理分配各个乐器的重要角色，确保他们之间的合作默契，使整个乐曲表现更加完美。
四、注意和声与过渡在合奏中，和声是十分关键的。
乐手们应该注重和声的构建，确保不同乐器之间的音乐关系和谐一致。
同时，在乐曲的过渡部分，乐手们需要注意过渡的顺畅与自然，使不同段落之间的衔接流畅而不突兀。
五、相互支持与尊重乐器演奏的合奏是一个团队的协作过程，乐手们应该相互支持并保持尊重。
在合奏中，乐手们可以相互鼓励、互相提供帮助，以提升整个团队的表演水平。
同时，乐手们也应该尊重每位乐手的个人特色和风格，给予他们自由发挥的空间，实现个性与整体的平衡。
六、反馈与改进乐器演奏的合奏是一个不断进步的过程，乐手们应该积极互相给予反馈并进行改进。
无论是演奏中的小细节还是整体表现，每位乐手都可以提出自己的建议和意见，共同推动合奏的提高。
通过反馈与改进，乐手们可以不断完善合奏的技巧和表现力，实现音乐的更高境界。
学习乐器用音乐表达内心的情感
学习乐器用音乐表达内心的情感音乐，作为一种无需言语却能够触动人心的语言，可以通过乐器来表达内心的情感。
学习乐器不仅仅是为了掌握技巧，更是为了借助音乐的力量将自己的情感传达给他人。
本文将从表达内心情感的重要性、乐器学习的益处以及几种常见乐器的情感表达能力等方面进行探讨。
第一部分：表达内心情感的重要性音乐作为一门艺术形式，拥有独特的魅力，它能让人们沉浸其中，感受到情感的共振。
在现代社会中，情感表达变得越发重要，因为人们需要一种方式来释放压力、传递情感和表达自我的个性。
学习乐器正是这样一种方式，通过演奏乐器，人们可以将内心的情感以无需言语的方式传递给他人。
音乐可以是愉悦、忧伤、激昂、平静等各种情感的载体，让人们赋予自己独特的意义。
第二部分：乐器学习的益处学习乐器不仅仅是为了能够演奏一首曲子，更重要的是培养了一个人的音乐素养和情感表达能力。
首先，乐器学习可以提高注意力和专注力。
演奏乐器需要注意力集中，因为每个按键、琴弦或者鼓垫的位置和节奏都需要准确地被掌握。
这种专注力的培养对于提高学习效果、工作效率等方面都有积极的影响。
其次，乐器学习可以培养耐心和毅力。
要掌握一首曲子，需要不断的练习和磨练，通过不断的尝试和坚持才可以达到心中理想的演奏效果。
这样的耐心和毅力对于人们在生活中面对困难和挫折时也能起到积极的作用。
此外，乐器学习还可以培养协调性和团队合作意识。
在乐队演奏中，每个乐器都扮演着重要的角色，需要相互协作和配合，这样的经历可以帮助人们更好地理解合作的重要性，提高团队协作的能力。
第三部分：几种常见乐器的情感表达能力1. 钢琴：作为一种既能够弹奏旋律又能够和弦的乐器，钢琴有着广泛的情感表达能力。
通过琴键的轻压、力度的变化以及速度的掌握，可以演奏出悲伤、快乐、平静等各种情感。
2. 小提琴：小提琴是情感表达能力极强的乐器之一。
借助琴弓的运动和音弦的震动，可以表达出细腻的情感，如爱情的甜蜜、悲伤的哀愁等。
3. 吉他：吉他的独特音色赋予了它极高的情感表达能力。
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音乐内心听觉在器乐演奏中对原作的重塑作用
[摘要] 本文从音乐心理角度出发，对内心听觉在器乐演奏中的形成和作用
原理进行了论述，从而使我们能够更好地调动内心听觉使我们进行的音乐活动尽
量趋于完美之境界。本文主要针对器乐演奏的学习来讨论内心听觉在其中所扮演
的角色和发挥的作用。
[关键词] 音乐内心听觉 器乐演奏 作品
音乐是一门听觉艺术。音乐由创作、演奏到欣赏的每一个环节都离不开听觉
的参与。我们通常说的音乐应该是一个合三为一的概念：第一是作曲家创作出的
乐谱；第二是以表演者表现出的实际音响；第三是听众感受到的音乐。这三个环
节都是一个听的过程。作曲家是通过一种内在听觉进行创作的，只有当他在心中
听到某些音的时候才能把它写下来，这种内在听觉可以说贯穿在作曲家作曲的全
过程中。演奏家也如此，他在演奏时也总是在内心中提前听到那些将要奏出的音
响，以便调整自己的演奏动作以求得自己满意的声音效果。听众听音乐也离不开
内心听觉，听音乐并不单纯是听觉器官的活动，它是一种内、外结合的听觉能力。
当听众在用耳朵听音乐的时候，内心的听觉也总是在不断地帮助他对感官听觉作
出判断。本文主要针对器乐演奏的学习来讨论内心听觉在其中所扮演的角色和发
挥的作用。
音乐内心听觉并非为专业音乐家所独有，而为一般人共有的一种在内心所进
行的音乐活动。它是与人的大脑中基于以往聆听音乐的积累与新发生的音乐、音
响相结合的心理活动。它在音乐表演中具有极为重要的作用。本文从音乐心理角
度出发，对内心听觉在器乐演奏中的形成和作用原理进行了论述，从而使我们能
够更好地调动内心听觉使我们进行的音乐活动尽量趋于完美之境界。尽管音乐内
心听觉的能力存在着个人差异，但是我们也能通过与之形成、作用过程的相关因
素着手去训练它。通过分析，我们会得知发展音响知觉意象、完善听觉想象应当
成为培养“内心听觉”的首要原则。
器乐演奏是一种音乐的再创造因而演奏不单单是作品的单纯模仿或机械的
形式化的刻板记录，然而演奏中是否具有创造性则须通过意象是否具有目的性来
加以判断。“普通的演奏心理可以被认为是一种主体不断寻求知觉的过程，而意
象则是自发地补充部分点上的空白；而在更高一级的演奏创造心理中，意象开始
发挥着日益主动的作用，并反过来作用于知觉，相互促进。”
器乐演奏的优劣，取决于演奏的技巧和音乐的表达能力。技巧，主要内容是
音准、节奏要准确，在这个前题之下，以演奏的速度来取胜。所谓“指技高超”，
即是指演奏者演奏的速度的快捷。所谓“表达力”，就是人们常说的“乐感”、“感
染力”或者说是什么“内涵”。 指肌要高度紧张、有力，思想充满自信，脑中想的
只有是乐曲。这就是器乐演奏高手的演奏心法。
最高明的语言的表达形式是朗诵。朗诵者朗诵的优劣与否，取决于使用“抑
扬顿挫”的巧或绌。语言是表现人的情感，人的情感，一言简之是“喜怒哀乐”。
这“抑扬顿挫”和“喜怒哀乐”，在器乐的表现手段主要是“轻重缓急”。其次是演奏
技巧的恰当使用。“轻重缓急”，主要是表现在音量的强弱和节奏的快慢。所谓恰
当使用技巧，即是指不要乱用技巧。同一技巧也仍是须有“轻重缓急”。如何恰当
使用技巧，这就需要我们下力气去积累知识，垒砌自己的知识金字塔。孙子的行
军布阵，变幻莫测，孙子总结经验为八个字：“兵无常势，水无常形”。我们器乐
演奏者如果对这八个字能心领神会，当然必定就能准确无误地使用技巧了。
当然，演奏者在演奏时还要认识以下两者的关系。1、演奏者和作曲者的关
系：正因为中国当时并没有专职的音乐家，因此也就没有所谓的“作曲者”或“演
奏者”之分。西方音乐在18世纪以前基本没有严格意义上的“演奏家”，作曲者在
音乐创作过程中占据最高地位。到了18世纪后期，随着李斯特、帕格尼尼等炫
技派演奏家的崛起和此后录音技术的发展，西方音乐才对演奏者投入了较大的关
注。但是相比作曲者的地位来说，演奏者的再度创作仍被视为较为不重要的。而
在中国古代，情况恰恰相反，在中国的音乐史料中我们可以看到很多对演奏者（演
唱者）的记载（如魏晋时期的嵇康，唐朝时期的琵琶演奏家们，不胜枚举），在
这其中尤以演奏者兼作曲者更为重要。而单纯的作曲者往往被忽略（也或许根本
没有）。从这一点上既可以看出中国音乐的记谱体系使得演奏者的即兴创作完全
达到和作曲者相同的重要作用（甚至更为重要）；也可以看出中国音乐强调以演
奏者的感受为中心、以人的实践感知为主体的音乐特征。而这正是体验即兴美的
重要前提。因此我们只有理解了中国传统音乐中演奏者和作曲者的关系，才有可
能真正体会即兴美的精髓所在——那是产生于演奏者各异的意念、感受、情绪及
思维，心有微动而应诸于弦、管，从而完成整个音乐作品的创作。2、演奏者和
听众的关系：由于演奏者在中国古代所特定的生存状态，我们简单地以”创造”
和“接受”来表明演奏者和听众之间的关系可能不够妥当。事实上，若一定要用一
种话来表明演奏者和听众的关系的话，更多的是相互之间的交流。
文人音乐追求审美主体的自我完成，这也就意味着文人音乐并不需要听众，
演奏者本人就可以完成从创作、演奏到欣赏的全部过程。在此，文人追求的是心
理与生理的贯通，人格与乐格的统一，音乐在他们手下更是内心精神与气息的对
话，随兴而至的“气韵”是音乐的主导者，富于即兴变化的音乐特点在此处化为一
种随兴的美，超脱于旋律的原本意义，而与演奏者的“神、气”合为一体。
而民间音乐由于所伴随的音乐活动使得音乐更具有其他的功能。除了演奏者
以外的听众由于专注于活动或仪式的举行，并不关注音乐的细节变化，他们更需
要的是情绪的烘托和鼓励，这正为演奏者提供了即兴变化的自由；而只有专注参
与到演奏者演奏中的听众才能体会到这其中的“美”，体会到每一次不同变化的魅
力。由此，我们就不难理解为什么一般而言，演奏者比听众对每一次不同加花或
每一次安排音乐高潮的不同方式有着更多的兴趣。这有点类似于我们现在所说的
“自娱自乐”。 而不论是文人音乐还是民间音乐，都没有一个类似音乐厅的大众
传播场所。文人音乐 大多为“独居一处，孤芳自赏”。民间音乐则大多出现在庙
会、集市及各种婚丧嫁娶的行进队伍中。
相比西方由经济简化模式和原则发展而来的音乐会体制所强调的表演与欣
赏的概念，我们中国传统音乐的“演出”更多以“聚会”的形式出现，以演奏者和听
众的共同参与为目的，那么从这个意义上来说，听众或许并不仅仅是“听”众，他
们与演奏者往往保持着密切和默契的交流。正是这样的交流使音乐演奏中的“即
兴性”成为双方共同关注的部分；也正是由于两者之间的交流，使得中国传统音
乐在即兴之美的探求上越走越远。
器乐的演奏，是演奏者对音乐作品的第二创作。为使这个第二创作能获取成
功，演奏者就必不可少地需要努力学习多种领域的知识，来努力提高自己的演奏
技艺。器乐的演奏，展示人格。藉器乐的演奏，表达演奏者对世界的认识。这正
是能把对待艺术严肃还是不严肃的态度和对待艺术尊重还是亵渎的精神面貌如
实照映的明镜。