浅论中国画的形与神

【摘要】：传统中国画一直以来就将”形”与”神”作为描绘的重点，了解中国画是”重神轻形”还是注重”形神兼备”不仅仅对品评古人的绘画作品有着重要的价值，对我国现代的中国画发展也能起到深远的指导意义。首先，文章解释了”形”与”神”的确切涵义，然后具体阐述了”形”与”神”在中国各时代的主题地位，最后论证了要想追求艺术的自由王国就必须做到”形”与”神”的统一。

【关键词】：”形”与”神”主题地位；统一

“形”与“神”是中国画论中两个基本的概念。自东晋顾恺之提出“以形写神”后，这一理论便成为后世中国画创作的原则之一。后历代书画理论家，各有己见。直至今日，有关中国画“重神轻形”还是追求“形神兼备”都是画家和理论家常讨论的话题。要想融合百家意见最终形成自己深刻而又精髓的理论见解就必须先探究“形”与“神”的具体涵义。

中国画论中的“形”与“神”源于中国哲学。荀子在《天论》中说:“天职既立，天功既成，形具而神生。“形”这一概念引伸到绘画中，是指画中客观事物的外在视觉形象，不仅仅是单个视觉形象，更应包括画面中所有视觉要素及之间的关系。画论中“形”的概念最早出现在《韩非子》中:“客有为齐王画者，齐王问曰:‘画孰最难者?’曰:‘犬马难。孰易者?’曰:‘鬼魅最易。’夫犬马，人所知也，旦暮罄于前，不可类之，故难。鬼魅，无形者，不罄与前，故易之也。”“形”在这里虽然指的是单个犬马鬼魅，但不能将“形”这一概念仅仅理解为视觉形象。荆浩在《笔法记》中提到山水画的两种毛病，一种是无形病，指的是画面气韵不足，另一种是有形病，在谈到有形病时，他说:“有形病者，花木不时，屋小人大，或树高于山，桥不登于岸。”这里讨论的就是画面中的全部视觉要素的组合关系，可见“形”应该包括全部视觉要素及其之间的关系。

“形”是相对事物外部而言的，“神”则是相对事物内部而言的。“神”在不同历史时期有不尽相同的内涵，但总的来说，“神”是指事物内部的一种状态。《芥舟学画编》中有一段关于“神”的论述:“今有一人焉，前肥而后瘦，前白而后苍，前无须髭而后多髯。乍见之，或不能相识，即而视之，必恍然曰:‘此即某某也’。盖形虽变而神不变也。”这里的“神”是指人的神态、精神气质，也就是人的生理状态、心理状态。“神”这一概念在山水画中也多有涉及。明代董其昌说”读万卷书，行万里路，胸中脱去尘浊，自然丘壑内营，立成鄄鄂，随手写出，皆为山水传神。”郭熙在《林泉高致集》中说:“春山淡冶而如笑，夏山苍翠而欲滴，秋山明净而如妆，冬山惨淡而如睡”。山水画中的“神”是指主体对客观事物状态的拟人化的表达。总之“神”之于人是指人的生理、心理状态，引伸于物则是拟人化表达的事物的客观状态。

了解清楚“形”与“神”的具体涵义后让我们研究一下“形”与“神”在历代所处的地位。关于“形、神”论的争议自春秋至明清以来已经形成了三种偏向。大致来分

浅谈中国画与书法的关系

浅谈中国画与书法的关系 [摘要] 从艺术最终的目的来说，艺术本来就是人类自由心灵、人类创造力最完整、最伟大的表现。中国画在发展过程中受书法的影响较大，其绘画技法延用了书法的书写形式。众多画家都在探索以书法入画的各种可能。为此从“书画同源”的角度可以很好地理解中国画与书法的一脉相承的关系，及书画的当代性何以创新、发展。 [关键词] 书画同源字的造型线条性笔墨在艺术呈现多元化发展的今天，传统中国绘画和书法应认真加以呵护和继承，并使其成熟审美情趣的艺术形式和表现力得以创新发展，以民族性立于世界艺术之林。 “书画同源”是中国书画史上一个重要问题，千百年来，说者甚多，但大都语焉未祥。其根本原因，在于这一论题是一个因时而异的概念，在书画史的不同发展阶段，各有其不同的外延和内涵。若执着已见，作出结论，就难免以偏概全，从而也就无法理清其间的关系和头绪了。中国艺术审美形式，延续了中国人的传统审美习惯。中国山水画是我们的先民们在创造文明的过程中，发展了自然美，并给予艺术表现的结果，是文明的进步发展。中国绘画其特殊材料和欣赏习惯，在用笔和表意上，同中国的书法和字的造型有很多相通之处，有“书画同源”之说。一、早期的汉字与绘画的关系我们知道，绘画的前提是“应物象形”，也就是对具体物象的模拟；书法的前提则是可供书写的汉字，而汉字的结构原则乃是“六书”。“六书”以象形为首，次为指事、形声、会意、转注、假借；其中，转注、假借其实是用字的方法并不是构字的原则，而指事、形声、会意，实在也带来某种象形的成分。因此，论书法的起源，实际上就是文字的起源与绘画的关系密切，自无可怀疑。迄今为止，我们所见的古代文字，如甲骨文，钟鼎文之中，每有象形的符号，既是文字，又是图画，我们可以看一些象形文字是怎样组成的：例如：日，像已升起的太阳。月，像上弦月形。雨，像雨滴自天空而降之形。山，像山峦起伏之形。目，像眼睛之形。口，像人口之形。羊，像羊头、弯角、两目或耳形。人，人的侧视形，像头臂身腿之形。这些象形文字，足以说明画的结构跟书法是很有渊源的。而上古图画，如彩陶、岩画、青铜纹饰等等中，每有近乎符号的形象，即是图画，又是字。二、中国画与书法用线性前面说到字的组成是由大自然的一切物象形成的，那么推到魏晋以后，“书画同源”的命题将进入到画法等同于书法。因为，这一段时期对于书法创作来说，不仅仅需要通过书写的诗文内容来说明问题而更需要通过点画的使转如轻重、疾徐、顿挫、提按等所谓“用笔”的节奏

论浅论中国画之墨色美

论浅论中国画之墨色美中国画是一门融汇中华民族文化的丰富内涵，注重精神的注入，着意抒情写意的艺术。中国画的形式美凸显了中国画的艺术精华。广义地来看，形式美就是美的事物的外在形式所具有相对独立的审美特征。狭义来说，形式美是指构成事物外形的物质材料的自然属性（色、形、声）以及它们的组合规律（如整齐、比例、均衡、反复、节奏、多样性的统一等）所呈现出来的审美特性。通常我们所说的形式美，主要是指后者，即相对抽象的形式美。中国画的形式美就本文而言是指中国画运用特有的绘画工具和材料如毛笔、墨、宣纸等，运用表现技法形成了一整套的用笔用墨规律，通过对形象的概括，笔墨的描绘，意境的渲染，创造出独具特色中国画的形式美。在艺术发展多元化的今天，从形式美的角度对中国画进行审美具有现实的意义。从深层次的看，构成画面形式的基本因素是点、线、面和色的黑、白、灰因处理手段不同所产生不同的情绪和性味。而笔墨是传统中国画的主要造型和表现手段。通常把产生线条的方式及其结构如勾勒、皴擦、点，叫做用笔，把墨色的色相如焦、浓、淡、重、清或含水多少不同而引起的枯湿效果叫用墨。关于中国画的笔墨理念的发展。从古代文人画到现代出现的商品画，都在讨论笔墨的问题。第一感觉冲击力给观众以最直接的审美感受，中国画的形式可以千变万化，但它的核心原则归结为天人合一的特点。中国传统画中笔墨，经过上千年的发展，已经形成一套形式美的规律，他指导着中国画的创作和发展，成为民族绘画的精粹。创新艺术才能保持其本质的精魂，故艺术创作不能墨守成规，那么如何看待我们中国传统绘画在笔墨上的遗产，如何正确吸收现代在与中西文化碰撞之下的有益成分和发展中国的笔墨形式之美，这就值得去深入思考探索的问题。本文就笔墨这方面来进行论证。中国绘画特别是中国写意画作为一种独特的艺术门类，有比较显著的特点：对自然美的表现力。正因如此，中国写意画作品创作命题是永远的形式美。人们生活在形式美的的汪洋大海中，从日常生活用品及装饰品，其选择角度主要是形式和形式美。小是不起眼睛的东西，大到衣、食、住、行，人们都有这种选择的经历。在艺术欣赏方面，园林建筑、音乐、书法等门类的形式美欣赏，已经近乎必然。惟独对绘画这个最具有强的形式美的艺术门类，却往往站在具象的角度进行挑剔和品评。栩栩如生很像已成为庸俗评论的习惯。这和绘画的原始功能物状写实的影响分不开的，但不管怎么样，撇开形式美来论中国绘画，很不妥当。构成画面的形式美的基本因素是作为形的点、线、面和作为色的黑白灰。而中国画偏偏具备这些特点，具备有独特的审美价值。中国画也叫水墨画。画中国画要用笔墨，鉴赏中国画要论笔墨的形式美展开来论的。笔墨是中国画最重要的，不可缺少的造型手段和表现手段。国画大师石涛认为，笔墨的功能：一是行天地万物;二是从于心。即主张再现与表现统一。石涛的笔墨论，除了讲究以上功能之外，在相对独立的形式美方面，主张笔墨分中有合，合中有分，和谐统一。形式主义，自然主义与他的相对论是相对立的。一、笔墨的概念及关系笔墨是构成绘画色彩形象的技法手段的总称。通常把产生线条的方式及其结构如皴，擦、勾、染、点，叫做用笔，把墨色的色相如焦、浓、淡、重、清或含水多少不同而引起的枯湿效果叫用墨。笔墨是构成中国艺术特色的一个重要组成部分。绘画的意境，构图都最终靠笔墨来完成，笔墨具有材料学和色彩学形象的双重内涵，因此，对笔墨的研究必然成为探讨中国画的一个重要问题。笔法和墨法在理论上是可以分开的，但是，墨随笔出，笔法必兼用墨法，笔中有墨，墨中有笔，所以二者关系是相互依存，难以分开的。李可染说实际说来，笔和墨是难以分开的，用墨好多由于用笔好，不善于用笔而善用墨的很少见。笔墨中国画充分运用毛笔的

浅论中国画表现方法的抽象性

浅论中国画表现方法的抽象性各位读友大家好，此文档由网络收集而来，欢迎您下载，谢谢何为“抽象”呢?“沃林格(德国艺术家)指出‘抽象’的形式……与写实性的形象移情之不同在于‘抽象’表现的是对生命和现实世界的隔离、否定,是为了消灭具体时空以求超越有限,是对永恒的追求……并不是模拟自然的动植物,不是知性的象征符号,而是直接与心灵对应的抽离,这种‘抽离’在对于挣脱现实世界及自然事物的变动不已和有死有生的生命,以得到宁静、永恒、幸福的绝对、必然和法则,这就是‘抽象’的形式美的根源”。 ①“抽象是指艺术中不可辨识的,与外在世界无直接关系的内容,它虽然也属于一种反映,可是这种反映并不是像镜子似的忠实的反映而是一种主观化,情绪化的反映,它没有具体的形象,它只是点、线、面色彩的一种有意味的组合”。②由以上解

释我们可以从中对“抽象”的含义有所了解,抽象是以特定的方式对现实的高度概括和集中,从哲学角度来解释,是指思想活动的一种特性,即在思想中抽取事物的本质属性,撇开非本质的属性。由具体的形式变为抽象的形式,要经历一个不断由内容到形式的积淀过程,经由这样一个积淀过程,抽象的表现较之于具体的再现所表达的感情内容、想像内容、理解内容更加复杂,更加深刻,其目的是”得到宁静、永恒、幸福的绝对、必然和法则”。中国画作为华夏民族文化传统和人文品格的集中体现,有其独特的表现方式,其中蕴涵着一定的“抽象”因素。一、笔墨表现方式所具有的抽象性线条、笔墨是中国画的主要表现语言,董其昌云:“以境之奇怪论,则画不如山水,以笔墨之精巧论,则山水决不如画。” ③注重笔墨,追求笔墨的精妙在传统中国文人画中居于首要地位,在这里笔和墨已具备了独立的审美意义,具有一定的抽象性。以“笔”而论,正所谓:“石如飞白木如

中国画临摹教案

中国画菊花临摹教案名称：中国画菊花临摹教案科目：五年级美术教案教案版本：人教版执教人：王文英教学目的： 1、了解中国画传统写意花卉的技巧特点，学会欣赏中国画作品，并从中领会到画的意境，激发学生热爱祖国，珍惜今天幸福生活的情感和任务。 2、学习中国画写意菊花的简单画法，进行笔墨基本功训练。教具： 1、学生用具：中国画颜料、墨汁、毛笔两支{一支为狼毫小笔用于勾勒线条，一支为羊毫用于点、染色（如大白云）}、调色盘、水罐、一张旧报纸代替垫布、八开生宣纸。 2、教师用具：绘画工具一套、放大的菊花范画一张、分步步骤图一张、空白生宣纸1张。教学重点：本课重点是提高学生对中国画的认识，练习用毛笔、宣纸作写意花卉画的技巧。教学难点：本课难点是用笔用墨和掌握适当的水分表现不同的浓淡墨色。教学过程：一、组织教学检查学生学习用具准备情况。二、导入新课 1、课件出示：菊花各色图例（让学生体会古人热爱菊花，将菊花作为君子的象征，不但常常赞美还画菊花。）菊花自古以来就是诗人赞美的对象，战国时期的爱国诗人屈原在《离骚》中写道：“朝饮木兰之坠露，西餐秋菊之落英。”晋代陶渊明诗：“采菊东篱下，悠然见南山。”宋代陆游诗：“菊花如端人，独立凌冰霜。…… 纷纷零落中，见此树枝黄，高情守幽贞，大节凛介刚。”古今名人都喜欢

菊花的高风亮节，赞美它的不畏严寒，欣赏它那顶风冒雪怒放的精神。敢于百花争艳，敢于风霜博斗，它的勇气令人折服。另外菊花虽没有茉莉的芳香，没有玫瑰的引人注目，却有自己的美。它美，不只美在外表，美在那不屈不饶的精神，更美在它的奉献上。它的花瓣可以制菊花茶，清香宜人，还有药用价值。2、今天这节中国画课，我们一起来学习菊花的画法。（板书解题：菊花中国画）正式学习前我们一起回忆中国画荸荠和樱桃、西瓜等写意画法。三、讲授新课 1、启发谈话由刚才老师的介绍，你们知道菊花什么时候开花吗？（指名回答）生：它是深秋时独自开放。师：深秋之日天气已经开始变冷，为什么菊花还会开花呢？师（补充）：因为菊花不怕冷，不畏严寒，故它能在深秋独放，而正是它的这种特性，能引起人们的心理共鸣，且不同心境的人均可从中寻觅出不同的寓意。菊花以黄色显示自己的容貌。《礼记·月令》：“季秋之月，鞠有黄华。”“黄花”在诗人笔下成了菊花的代词。“忽见黄花吐，方知素节回。”初唐王绩见到菊花吐艳，醒悟到重阳节的来临。杜甫在战乱中度过重阳，“旧采黄花賸，新梳白发微”；“苦遭白发不相放，羞见黄花无数新”。——从时序的推移中觉察到自身的衰老。李白却用“九日龙山饮，黄花笑逐臣”；“黄花不掇手，战鼓遥相闻”，显示他所特有的豪情。诗人喜欢菊花，看重的是“寒花开已尽，菊蕊独盈枝”（杜甫）。元稹说得更直接：“不是花中偏爱菊，此花开后更无花。”既赞菊花的品格亦隐喻自己的情操。你们看，一朵小小的菊花竞然寓意这么大，今天我们就用菊花这种傲然的精神来学画菊花吧！ 2、读画

浅谈中国画与中国文化

浅谈中国画与中国文化高三（9）班黄旖韵摘要：中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。中国画博大精深，内容多而杂，反映了中国古代的哲学、文化、建筑、雕塑等方方面面，是中国艺术的精髓。关键字：国画，本质特性，博大精深正文：中国画又名国画，是现代人为区别于西洋画而对中国传统绘画的泛称。它包括水墨画、墨笔画、彩墨画、工笔重彩画、白描画等。中国画是我们中华民族灿烂文化的组成部分，在世界美术艺苑中独树一帜。中国画融诗、书、画、印为一体，代表了一个国家、一个民族的文化修养和内涵，是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。中国画有着悠久的历史，早已是中国文化的重要组成部分，因此它必然受到中国文化的巨大影响，或者说中国画体现着中国文化的特点。历朝历代有着众多的著名画家，有着数不尽的作品，可时至今日，画中国画的人，看中国画的人，很多并没有弄清楚中国画的本质特征，这就影响了从文化的高度欣赏中国画，影响了判断中国画与西方画的各自特性，影响了画家坚守中国画独特优势的自信心。所以弄清这个问题是很重要的。下面就从几个方面分析中国画的本质特征。一、注重个体心灵体悟中国画之所以被称作中国画首先是因为中国文化的宇宙观是它的理论基础。众所周知，人类的精神文明受不同的宇宙观制约。依照不同的宇宙观而产生不同的民族精神，产生不同的审美观和不同的艺术观，创造不同的艺术表现方法和产生不同的艺术效果，这是民族艺术发生发展的生命路线。宇宙观是指人与宇宙万物的关系，也就是人对世界万物的看法，以及人怎样与它们相处。我们的祖先与西方先人相比有其独特的地方，西方文化比较看重人与神、人与物之间的关系，形成了西方文化中宗教与科学交错而行、并行不悖的特色。中国的先哲几乎从一开始就着力从人与人之间的关系上探玄求奥，而不看重人与“天”(神)、人与“地”(物)的关系，从而中国文化中宗教文化贫乏，在人与物关系上，强调感情色彩的“役万物为人所用”。中国文化思考方式是整体性的，所谓“天人合一”就是中国文化信奉人与自然合一的观念。庄子云：“天地与我并生而万物与我为一。”也就是人与自然始终处于一种和谐的融为一体的关系之中。由此形成中国文化中的“以和为贵”、“中庸之道”等精神品质，渗透到审美意识中就是“万物静观皆自得”、“无为”、“不着意”、“以人之天而合天之天”，崇尚自然优美。由这种理论所产生的审美意识一旦用于艺术创造，必然产生独特的观察事物的方法和表现事物的方法，展现出这种艺术区别于其他艺术的本质特征。这就形成了中国画是最心灵化的艺术。中国画注重个体心灵的体悟，常常于静寂观照中，求返于自己内心深处的心灵节奏，以结合宇宙内部的生命节奏。中国画不是纯客观刻板的自然描绘，而是把作画的客体作为传达情感的载体，来抒发画家自己内心的情绪，用笔墨的浓淡、点线的交错，去创作意境深远的胸中画面。作画首要是观察自然，中国画家是在行动中观察自然、感悟自然，边走边观察景物，逐渐将自己融入景物之中。此时在画家的心目中“物”即“我”，“我”即“物”，只有这样才最能表达画家感

中国画论文：浅析中国画的艺术特征

中国画论文：浅析中国画的艺术特征张静（武警政治学院，上海200435）摘要：中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。中国画的艺术特征主要体现在五个方面：一、以形写神，畅神达意；二、以线造型，笔精墨妙；三、以虚带实，虚实相生；四、以大观小，散点透视；五、诗书画印，综合艺术。通过认识中国画的艺术特征，可以更好地欣赏中国画，进而陶冶情操，提高修养。关键词：中国画；艺术特征；写意；笔墨中国绘画艺术历史悠久，源远流长。她植根于华夏文化沃土，跨越不同时空，历经不同阶段，形成了融汇民族文化素养、思维方式、审美意识和哲学观念的完整的艺术体系，是世界艺术领域中的一朵奇葩，更是我们中华民族的国之瑰宝和骄傲。她所体现的艺术美蕴含昭示了深刻的人生道理及宇宙意义的最高境界。传统中国画在长期的历史发展中，形成了独特的艺术语言及审美特征。当然，“五四”运动以后，西学东渐，近现代中国画借鉴了西方写实主义的观念和技法，力图中西合璧。而当代的中国画更是不断创新，形式多样。但万变不离其宗，中国画的主要特征依然不变。笔者将中国画的主要艺术特征概括为以下五个方面，其中第一与第二个方面尤为典型和重要。一、以形写神。畅神达意 “形”指外在的形象，“神”是内在的精神。中国画不满足于“形似”，而要求“神似”。早在大约一千多年前，东晋画家顾恺之就提出了“以形写神”的原则。相传他画人物，数年不点睛，人问其故，答云：“四体妍媸，本无关于妙处；传神写照，正在阿堵中。”“阿堵”是六朝和唐代的常用语，相当于现代汉语的“这个”，在这里指“眼睛”。这句话指出，绘画的关键不在于对象的美与丑，而是重在“画龙点睛”，表达出人物的内心世界或精神意境，使其“含情而能达，会景而生心，体物而得神”。顾恺之的“传神论”奠定了中国画以形写神、重在传神的基础框架。中国画坛先辈虽然很早就提出了“以形写神，形神兼备”的原则，但他们也很早就看到了“形似”并不一定“神似”，为了更好地传神，形的表现可以很灵活，可以夸张变形，甚至不求“形似”。例如宋代苏轼曾说“论画以形似，见与儿童邻”。元代倪瓒曾说“仆之所谓画者，不过逸笔草草，不求形似，聊以自娱耳”，现代国

浅谈中国画写生与创作的关系

浅谈中国画写生与创作的关系摘要：中国画的写生是其创作的重要基础，虽然中国画的创作有很多种途径，但是可以说写生是中国画创作最有效的一种手段和方式，同时，写生也是中国画学习的重要的训练环节。随着绘画理论和绘画技法的不断发展和创新，我们知道一幅好的中国画作的诞生如果仅仅依靠绘画技法是很难实现的，只有将写生与技法完美的结合才能创作出具有艺术性的中国画。本文通篇论述了中国画写生与创作的关系，让我们从中能够看出写生对创作的重要性。关键词：中国画；写生；创作；关系；浅谈生动率真的绘画表现方式和纯粹性的绘画语言是写生作品的非常重要的特点，也是其与其他类型作品最大的区别之处，美术史上的很多佳作都是写生作品，写生作品具有很强的感染力和真实性，让欣赏者百看不厌，爱不释手，并且看过之后会给人深刻的印象。中国画采用笔墨线条进行勾勒造型，因此，中国画的写生具有很强的开放性和自足性，中国画通过写生，实现形象的转换，将绘画者心中的意象描绘在画纸之上。一般情况下,每论及创作,许多人会马上想到基于照片以及素描稿的基础所“改编”的作品,没有考虑到写生作为材料所构设的作品。因而,在部分大规模的美术展览中基本上无法见到出色的写生作品,很多作品实际上是通过描绘照片的方式获得的。中国画写生是绘画者通过临摹的方式提高自己绘画的技巧和技法，掌握其要领，并完善自己的表现手法，同时，写生有利于绘画者积累创作经验与素材，掌握绘画对象，更有利于培养绘画者的审美能力。历史上所说的“师造化”就是指绘画的写生，“师古人”就是指绘画的临摹，在长期的绘画实践过程中，我国的画家将中国画的写生总结为“写意写生”与“写实写生”两个方面。“写实写生”是对具体物象进行写生；“写意写生”是在掌握写实的基础上，涵泳自然，对景物进行意象的描述，而不对其做如实的体现，“写意写生”一般是为了通过绘画表达绘画者心中的某种情感态度，创作与写生既相互联系又存在一定的区别，与创作相比，写生是低层次的绘画实践活动，创作作品中不仅包含了作者的情感态度以及价值观，而且其具有更高水平的画面形式美。中国画创作的重要环节就是写生，绘画者通过欣赏大自然的美景，积累绘画素材，凝练绘画语言，并进一步提升感受力以及拓展绘画视野。写生是美术专

中国画与西画的比较和区别

中国画与西画的比较和区别玉林师范学院学院摘要：绘画鉴赏实际上是一个审美接受的问题。其间表达了我们这一代人对古今中外经典作品的理解。在现代科学、哲学、心理学、思维学发展的当代，必然把绘画鉴赏提高到一个崭新的阶段，必然把经典作品的理解提高到一个崭新的层次。关键词：中西绘画鉴赏比较区别中西绘画不仅有一个形式上的区别（包括绘画形态、形式及其工具的区别），更重要的是审美视角与思维方式的区别，因此，切忌把西方人的观念移植过来理解中国画，反之，当然也切忌用中国画的观念来否定西方绘画。绘画是一种文化形态和艺术门类，它必然显现出文化特征和旁类艺术的思维方法，它必然渗透当时人的审美观念和对宇宙人生的理解。因此，要达到对绘画作品的较完全的理解和鉴赏，不把握文化特征及其文化门类是不可能的。中国文化是以儒学为主，兼以道释为补的文化思想体系，中国古代画家必然渗透这一文化思想与思维特征，因此他们必然把这一思想文化有意无意地渗进绘画绘画形式之中。绘画思想与观念形式的发展都是文化发展的影响。当然，绘画也可能对文化有影响与促进，并丰富之。比如，中国画的两个重要发展阶段，即魏晋与宋元时期，正是通过这两个时期的发展才逐步形成中国画形态与特征的。魏晋玄学兴起与佛学东进，促进了中国文化的发展与绘画的发展。魏晋时著名画家都是佛学家，可见佛教对中国画的影响与发展之巨大。中国画发展的第二个阶段则是宋元文人画的形式。文人画的形成实得力于禅宗思维方式的出现与理学价值之道德人品即“士气”的倡导。在宋代，绘画不再仅是宫廷与庙宇的装饰，不再是职业画工画家的独享，它也应该是文人舒泄倾闷与表现心志的一种艺术形式。文坛领袖欧阳修提出应该把诗的特征带进画中，从而使绘画发生了深刻的变化。西方文化显然与中国文化有很大的区别。西方文化的构成是科学哲学与人文哲学，不像中国哲学那样始终关心社会伦理价值与精神的逆向的审美追求。赫拉克星将的哲学显然是解剖物质，表达了人对客观世界的认识。“人不可能站在同一河流之中。”由此导致了帕拉图与亚里士多德的模仿“艺术”理论。古希腊的雕刻艺术后来成为文艺复兴意大利绘画的理想模式，他们藉此进一步使绘画科学化与世俗化。所谓科学化，即使绘画雕刻化写实化，使之在平面纸上的图像想圆雕一样拥有立体感，拥有三度空间。于是他们建立一套科学的绘画理论

试论中国画笔墨的当随时代

试论中国画笔墨的当随时代 [摘要]:本文总结了笔墨的含义和笔墨运用的发展，论述了对笔墨当随时代观的看法，强调了笔墨作为中国画的精髓，应该与时俱进，不断产生新的活力，如今社会日新月异,中国画中的笔墨只有适应时代才能发展下去。 [关键词]:中国画;笔墨;当随时代笔墨是中国画中特有的元素，也是中国画区别于西方并引以为傲的组成部分。笔墨既是一种形式和技法，同时也是艺术家用以宣泄自身情感的载体。随着时代的更替和发展，笔墨在中国画中也在技法上产生着诸多的变化，正如清代原济在跋画中说：“笔墨当随时代，犹诗文风气所转”。[1]本文就中国画笔墨传承和当随时代谈点看法。一、对中国画笔墨的认识笔墨通常理解为笔法和墨色，笔法有勾、勒、皴、擦、点等，墨通常指五色以及烘、染、泼等技法。笔墨的运用是为了表现客观物象。北宋韩拙说：“笔以立其形质，墨以分其阴阳，山水悉从笔墨而成。”[2]同时笔墨两者相互联系，相互补充，有笔而无墨或者有墨而无笔的画面总会缺乏趣味，难怪荆浩说：“吾当采二子之长，成一家之体。”他所指的二子就是吴道子和项容。基于大学三年的绘画实践，我本人对于笔墨的认识是一种情感的表达，墨随笔出，笔随心出，笔墨在符合规矩的基础上加之以情感的宣泄，那么画面就会产生意外的效果，每个人对于笔墨都有不同的感受，不同的情感表达也就形成了个性。二、历代笔墨运用的发展中国文化历史悠久，每个朝代都有自身的绘画特色和风格，早期的有关笔墨的画论可以追溯到晋代，顾恺之在《摹拓妙法》中强调了用笔的技巧性，而很少提及墨色，而且当时的绘画色彩也都是以平涂为主，大多以矿物质颜料渲染，可以推断早期绘画更注重用笔的表现。隋唐时期的画家如吴道子也是强调笔法的表达，张彦远在《历代名画记》的论述也能体现出在当时笔法的重要性，墨法的运用还没有达到一种新的高度，都只是停留在表现多彩的颜色层面。到了宋元，以笔墨为主的形式是中国画的发展一个新的发展阶段，也是着色山水向水墨山水的转变期，北宋提倡水墨表现，由绚烂的重彩画归于平淡，侧重笔墨情趣，深化了水墨的精神内涵，丰富了水墨的表现手法，使水墨发展到一种空前的艺术境地。元代更加强调“画与书一源” [3]，增加了书法和绘画的联系，增强了笔法形式的丰富感。明清以来，水墨盛行，水墨写意在画坛中占据了十分重要的地位，有关于笔墨的画论也层出不穷，在绘画不断丰富和完善的过程中，画家更加注重技巧性的表达，在中侧锋的运用上就展开了许多讨论。三、中国画笔墨继承创新傅抱石说：“思想变了，笔墨就不能不变，笔墨技法，不仅仅源自生活并服从一定的主题内容，同时他又是时代的脉搏和作者的思想、感情的反映。”“由于时代变了，生活、感情也跟着变了，通过新的生活感受，不能不要求在原有的笔墨技法的基础之上，大胆地赋以新的生命，寻找新的形式技法，使我们的笔墨能够有力地表达对新的时代新的生活的歌颂与热爱。”[4]我很赞同他的观点，历史不断在更迭，新事物不断在产生，每件事物都是当时社会历史的产物，艺术家本身也是，在继承传统绘画技法的同时应该不断地变化和

浅谈中国传统绘画的特点

浅谈中国传统绘画的特点中国画这一艺术形式之所以能在世界绘画史上占有极其重要的地位，是因为它代表了东方民族特殊的艺术审美观念。纵观中国绘画史，我们会清醒地发现，创新并不是现在才提出的问题。从隋代的展子虔到清代“四僧”再到近代的黄宾虹、齐白石、徐悲鸿等，哪一个不是在创新中崛起、发展、壮大的呢？艺术贵在创新。对于这一点，中国画家似乎没有太大的分岐。但关于中国画传统与创新之间的关系怎样把握、如何去创新等问题倒是众说纷纭，因此，我们很有探讨的必要。对于传统，多数画家仅把画史上几个著名画派的技巧及风格当做传统的本质而加以继承。画派的技巧和风格是形成与发展传统的重要因素，是传统的具体体现，但绝不能代替传统。所谓传统，笔者认为，指的是对具有民族特色的艺术观点、艺术方法、艺术形式、艺术风格等的概括，具有本质性。什么是中国画的传统？根据中国画发展的特点，笔者将其概括为以下五点：一、以形写神、形神兼备，是中国画创作的一个重要原则。中国画讲究气韵、追求意境。一个画家应具备“画得像”的功

夫。但如果作品有形无神，那么即使画得再像也不是中国画所要达到的目的。有形无神的画是存在的，而有神无形的画是不存在的。写形是为了传神、为了畅神。形可在“似与不似之间”。我们要知道，“以形写神”的最终目的是“达意”。苏轼曾言：“文以达吾心，画以适吾意。”没有“形”的支架，“神”无处依附。相传五代荆浩为松写生的画集达几万册，所以用笔能够“运转变通”、“如飞如动”，用线既不专以浑朴胜，也不专以娟丽胜，而是达到了所谓“神化”的境地。中国画历来要求以“形”这个支架表现“神”。这个“神”指的是客观对象的生命力、生动气韵和本质特征。“形”是次要的，而“神”是主要的。现代大家齐白石、黄宾虹都提出“妙在似与不似之间”的画才算是好画。也就是说，画得太像就太俗了；画得一点儿也不像，更不是中国画。所谓“意象造型”就是这个道理。而从西方绘画史来看，古希腊以及文艺复兴以后的绘画着重于形的逼真再现；发展到现代派，则走上了另一极端。现代派画家主张绘画是“自我表现”的凭借，因此，可以随意摆弄“形”。既然如此，“神”就更谈不上了。二、中国画以线、墨为主，讲究笔法，追求“笔精墨妙”的艺术效果，讲究骨法用笔。这些都是对笔墨内涵的要求。“骨法”又作“骨力”，指书写点画中蕴蓄的笔力。它是构成点画与形体的支柱，也是表现神情的依凭。画家以挺劲的笔法将自己

山水画临摹的心得体会

山水画临摹的心得体会刚开始画山水画。感觉总掌握不了毛笔。慢慢地在老师的指导下，有了一定的进步。想说下我对这几周的山水画学习的心得体会。中国山水画这一高雅艺术形式的产生，成为独立的画科并形成鲜明的特色，从美术史研究的成果来看，至今已有1500年的历史，比西洋风景画的出现提早了千余年。在这漫长的演进过程中，山水画能够得以持续地发展，应得力于历代画家倡导并躬行的“外师造化”(写生)与“传移模写”(临摹)这两个途径。与这两种途径相似，山水画人才的培养亦有“写生——创作”和“临摹——创作”的两种方式。唐代以前的山水画，没有形成独立的画科，山水景物仅为主题人物画的点缀与陪衬，东晋顾恺之《洛神赋》图卷上的山水景物即代表着这种绘画状况。现存我国最早的隋代展子虔的《游春图》亦只有山石轮廓，树木造型简单，着青绿重色的山水画。隋唐以后，山水画逐渐从人物画中脱离开来，画家们创造了各种适宜表现不同结构对象的笔墨语言和山水景物的组合形式，与此同时形成了山水画写生创作的理论与主张，这是艺术实践与表现技法发展一定阶段的规律性总结。在一般情况下，常人游山观景只注意其形状、纹理即物理属性，而画家则看到美的形式与蕴含，或者是凭借景观媒介联想到笔墨形式和组合美的符号。山水画的笔墨语言形式和象形符号，是画家在不同的山水景观中经观察、模写与艺术提炼亦即是写生与造化的结果，南北朝、隋唐五代，山水画家就已认识到创作与客观对象的关系。近、现代山水画名家，也不乏写生探索的例子，尽管他们都有过“传移模写”(临摹)的实践经验。钱松岩在华山写生时，发现古人的“荷叶皴”走了样，写生便根据了自己所观察到的石理纹路、水迹斑痕的对象。傅抱石写生中综合了“乱柴”、“乱麻”二皴法，形成勾、点、擦、刷、泼墨、烘染等多种技法并用的灵活多变的独特技法——“抱石皴”，他在陕北高原的写生画稿，给人以身临其境的真实感。黄宾虹不拘泥于古人法度，“非超出古人理论之外不可”，“爱好溪山为写真，泼将水墨见精神”。这也正是他山水画艺术特色的自我写照。李可染坚持画写生创作，一定要摒弃中国画的糟粕——“公式化”，写生创作使他

浅谈书法艺术之美

摘要：中国书法是一门独特的视觉造型艺术，和其他形式的艺术一样，它也有自己艺术美的多种表现形式。关键词：线条美墨色美形体美气韵美意境美文字本是用来代表语言传达思想的工具，有其特有的实用价值。中国的方块汉字具有多样变化，除了实用价值之外还有高度的艺术价值。汉字作为中国文化的重要组成部分，最能表现华夏儿女审美人格心灵世界，它是中华上下五千年历史文化的集中体现，是一个民族厚重发展史的沉淀。自殷商以来纷呈，秦汉之古拙，魏晋之风韵，隋唐之法度，宋元之意态，明清之朴趣。书法在晋唐之间称为书势，日本人称中国书法为书道。中国的传统书法有它独特的艺术美，无愧为中国美学之灵魂。中国的书法艺术美，主要有以下几个方面。一、书法的线条美中国书法是由线条组成的，书法的线条就是“点画”，两者是一致的。而在竹木简、纸帛上留下点画墨痕的工具，是毛笔。由动物毛制作，它柔软而富有弹性，有吸墨多和吐墨自由的特色，东汉的蔡邕在《九势》中说：“惟笔软则奇怪生焉”。正因为毛笔是软的，才能写出抑扬顿挫、变化莫测的线条来。中国书体分为五类，决定书体不同的关键不在造型，而在线条特点。由于线条自身艺术质的不同，故造成书体美感就有差异。篆书线条因无明显“提”、“按”，都是均粗直曲线条构型，故线条单调，书法美感因素相对较弱。隶书线条因提按分明，波、磔夸张，线条意态生动，故书体美感因素较强。草、楷、行线条因特别追求提、按、顿、挫、转、折，而且讲究墨色变化，所以线条骨丰肉润。意态丰富，入妙通灵，故书体美感趣味无穷。由此可见线条的变化，推动了书体的变化，线条的美感强弱，决定了书体美感的强弱。线条是书法艺术的语言，书法是抽象线条的王国。书法美其实是由长短粗细不等的线段，按照一定美的规律的组合。可以说，书法艺术是线条的艺术。书法线条无不具有一定的质感，有的粗涩凝重，有的细润华滋，但都显示出了一定的质感。《书谱》中所谓“重若崩云”、“轻如蝉翼”；《笔阵图》中形容点画如“千里阵云”、“高山坠石”、“万岁枯藤”等，这是审美感受，其实要说明的是线条的质感。书法线条的立体感是书法艺术的生命。蔡邕在《九势》中提出了“令

中国画以形写神

教学目标： 1、通过“马”的线索让学生对中国古代艺术作品的主要特点有所了解、产生兴趣。通过对“美”的追求激发学生的民族自信心、自豪感。 2、中国美术作品中的以形写神，及象征意义的表达。教学难点：中国画形与神的关系教学设计：教师引导，学生参与，教师总结。教具准备：多媒体教学课件、课本教学过程：长河漫步一、提出问题，导入新课。二、欣赏视屏资料，引出话题 1、马与人类的关系，马在历史发展中的地位——武力的象征——秦始皇兵马俑（特点，价值） 2、马在战争中的作用——名将与名马（项羽、关羽、秦琼等人的坐骑，学生回答）霍去病（可以让学生结合历史叙述故事）---引出作品《马踏匈奴》（地位、艺术特点、风格、）第一次提到形与神3、由《马踏匈奴》引出《马踏飞燕》重点讲述优美的

造型、独特的想象力——中国旅游标志。与外国作品的比较——想象力 4、（设置问题）中国古代专门考察画家想象力的题目1踏花归来马蹄香，马蹄的“香”如何体现？2野渡无人舟自横，舟的“ 横”如何体现？3深山无人藏古寺，古寺的“藏”如何体现？——含蓄的美。——想象力 5、小结汉代以前的艺术特点，存在形式。社会的进步使中国绘画进入了新阶段。（纸的发明，理论的完善等） 6、唐朝绘画的“马”体现了中国绘画的以线造型，同时传达了时代的风貌——盛世的肥美、宽大（设置问题）唐朝的盛世景象如何通过美术作品来体现？ 7、宋代绘画的“马”对比例，神态线描、墨染这说明在技法上除继承传统之外，又精研马的比例，神态，而使画马艺术发展到更高的水平。（以线造型与外国绘画的光影块面的对比） 8、（设置问题重点讨论）文人画家介入画马使画的内容寄托了人文情怀，人文情思。结合课本提示独立欣赏元代任仁发的《二马图》 9、明代画马有成就的不多。大多是摹拟宋，元笔法，缺少新意，缺乏独创性。画马有意大利人郎士宁他的特

浅析中国传统文化的基本内涵及其特点

浅析中国传统文化的基本内涵及其特点摘要：中国优秀传统文化不仅是我们国家和民族的瑰宝，也是推进我国现代化建设的推动力。因此，应重视传统文化的传承和创新。中学生作为国家建设的未来栋梁，其传统文化素质如何，影响着未来我国物质和精神文明的发展方向。作为传承中国传统文化的主要阵地之一的中学，只有先廓清传统文化的基本内涵以及其具有的发展创新性、融合性、凝聚性、民族性和世界性、两面性等特点，才能更好地实现优秀传统文化的教育。关键词：中国传统文化；内涵；特点中国优秀传统文化是民族强大和团结的源泉，是国人心灵的活水，也是国家建设和发展的推动力。中华传统文化历经艰辛，经过数千年的演绎与扬弃，已深深地融入全体华人的思想意识和行为规范之中，渗透到社会政治、经济，特别是精神生活的各个领域，成为影响社会历史发展，支配人们思想行为和日常生活的强大力量。因此，作为传承中国传统文化的主要阵地的中学，要想更好地实现传统文化教育，首先应廓清传统文化的基本内涵和特点。一、传统文化的基本内涵中国传统文化作为一个概念，不仅是指“文化”，而是强调“文化”与“传统”的结合。文化有广义和狭义之分。广义的“文化”，指人区别于动物，人类社会区别于自然界的本质特征，是人类卓立于自然的独特生活方式，是人类生活的总和，包括精神生活、物质生活和社会生活等极其广泛的方面。狭义的“文化”，则是排除了人类社会历史生活中关于物质创造活动及其成果的部分，即只包括精神创造及其成果，是意识、观念、心态和习俗的总和。一般而言，我们通常使用和研究的文化，主要指狭义的文化。中国文化是中华民族在生息繁衍中形成和创造的文化，涵盖古今。所以，这里我们又要突出中国文化的传统性。“传统”是指世代传承的具有自身特点的社会历史因素，是历史延传下来的思想文化、制度规范、风俗习惯、宗教艺术乃至思维方式、行为方式的总和，具有时间上的历史性、延续性以及空间上的拓展性和权威性的特点。将“传统”与“文化”有机结合起来的中国传统文化，作为中华民族生息繁衍过程中形成的，影响着民族发展进程的一切物质和精神，从纵向分析主要指我国传统社会的文化，到清朝晚期之前的文化。横向来看主要指中国传统社会中民族的整体生活方式和价值系统，除儒家、道家、法家和佛教学说外，还包括自然科学、人文科学的各个门类，如艺术、法律、哲学、道德等以及历史、地理、文物、书法、服饰、陵墓、医学、天文、农学等古籍文书。总之，中国传统文化可概括为“以中华民族为创作主体，于清晚期以前，在中国这块土地上形成和发展起来的，具有鲜明特点和稳定结构的、世代传承并影响整个社会历史的宏大的古典文化体系”。传统文化中有精华有糟粕，我们应正确分析其精华和糟粕，在现实的基础上批判地继承，用科学的方法去粗取精、去伪存真、去旧赋新，取其精华去其糟粕。二、中国传统文化的特点中国传统文化丰富多样，居中心地位的是以儒家伦理道德为核心的，一种以扬善抑恶、以真善美相统一，以文化教化为目的的伦理政治型文化。“如果把西方的文化视为‘智性文化’，那么中国文化则可以称为‘德性文化’”。它是一种德智统一、以德摄政的文化，是带有一种民族的、独特的、重伦理价值取向的特色。中国传统伦理政治思想，不仅决定了中国古代人的文化人格，而且决定中国传统文化的民族特征。除了伦理政治型文化这一总的特征之外，中国传统文化还具有以下特点： 1.具有顽强的生命力和发展创新性正如毛泽东所说："中国是世界文明发达最早的国家之一，中国已有了将近四千年的有文字可考的历史"。在世界四大文明古国中，中华文明是唯一延续时间最长、未曾中断的文化系统。它不像埃及、巴比伦、印度等文化那样无以后

国画与书法对现代生活的影响

龙源期刊网 https://www.360docs.net/doc/f81967210.html, 国画与书法对现代生活的影响作者：胡定义来源：《文艺生活·下旬刊》2018年第02期摘要：中国国画与中国书法承载着华夏数千年文明的原始基因与古老的辉煌，当它从古老的中华文化源头走向现代的时候，与中华民族重新构建“民族复兴”中国梦的历史叙述不期而遇。文章对国画与书法对现代生活的意义和影响方面做相关讨论，供文学爱好者阅读参考。关键词：国画书法；现代生活；影响中图分类号：F324.1；J222 文献标识码：A 文章编号：1005-5312（2018）06-0014-01 一、前言中国的绘画与书法做为各自独立的艺术门类，在中国早已渊远流长，两者相互渗透，相得益彰。因它们具有强烈的本土性和民族性，所以使之矗立于世界之林并具有独特的审美价值，处处彰显着华夏文化的博大精深。中国书法和中国绘画的用笔同出一源，书法于以绘画特别的基础，当中蕴含的绘意修养对于书法也十分重要。书法水平的高低通常也可以在笔墨的文化含量方面反应出来。而反过来说，好的书法又得益于绘画当中美的意念的助力。二、中国早期绘画与书法的关系中国的绘画和书法同为中国的民族文化，根植于华夏文明古老的文化土壤之中，是中国文化的重要组成部分。它们并不是单纯的拘于形似，而是更注重和强调神似。通常以毛笔、宣纸和水墨为材料，自由而大胆地构建了独特的思维想象力，不拘于时空的限制，创造出具有丰富想象力和高度概括力的作品。这种巧妙的手段与高深的技巧，使得中国传统的绘画与书法具有独特的艺术魅力。时而传神，时而行云流水，两者的精髓来自于一种意境的体现，几千年来被人们视为向往和追求的境界。意境是一直客观存在的，但对它的描述一直也不能很具体，笼统的说意境是一种特殊的表达方式，而且这种方式一直沿用至今。中国的绘画与书法当中的文化元素对现代的设计方面产生了很深的影响，具体表现在大多数的中国设计师都追随以意境为核心的设计理念，这是传统文与现代的文化碰撞，为处于现代的我们带来了许多新颖的成果和欣喜的结果，这些现代艺术品无不具有深厚的东方底蕴和特色。三、国画与书法对现代生活的意义和影响 1.绘画与书法是陶冶情操的重要途径。在经济迅速发展的现今，社会生活可谓物欲横流。在利欲熏心的情形面前，人们极为迫切地在探索一种宁静的、淡雅的生活及休闲方式，使自己沉静下来。因此，绘画和书法这种蕴含着中华文明博大精深的艺术元素的表现形式成为众人的首选，使人们感受到其中乐趣的同时也起到修身养性的重要作用。

插画论文：浅谈中国画表现技法在我国当代插画设计中的应用

浅谈中国画表现技法在我国当代插画设计中的应用摘要：本文分析了中国当代插画现状、中国传统艺术运用在插画设计所带来的视觉效果，提出中国当代插画设计应当秉承历史的使命，传承传统绘画艺术精神，结合现代技术手段和理念，塑造民族风格中国插画，让中国插画在世界同行业领域独树一帜。关键词：插画艺术；传统绘画；技法；民族引言中国画以其博大精深的艺术内涵体现了独特的民族特色，在世界绘画艺术领域占据着举足轻重的地位。我国插画艺术的发展与传统艺术的发展密切相关，传统的中国画技法应用于插画创作中，已有数百年的历史，保留了大量经典、颇具传统风格的传世佳作。一、我国当代插画现状中国的插画发展历史是漫长的，从先秦到近现代时期，不同时代的画家热衷于插画的创作，他们将中国传统绘画艺术的语言通过插画带到了大众的世界。创作者继承了传统绘画的技法以及而且不同的创作者之间相互借鉴，促使插画艺术的水平不断地提高。近年来，我国现代插画在积极吸纳国外新潮思维的同时出现了令人忧患的问题：越来越多的插画作品一味跟随国际画风，自上世纪80年代起，日本、欧美的插画影响了一代插画者的创作和成长。国外插画的色彩和造型弥漫着强烈的异域风情，被国内的读者热衷。为了迎合市场，中国的许多插画家们进行了风格的变迁，插画风格已经变得中面目全非。在全球化的今天，艺术的个性化逐渐会遭受被大众化模糊的挑战，我国的插画艺术理应“稳住阵脚”，立足与本土文化的基础之上，在艺术历史的积淀成果获取可贵的“营养”，创作出具有民族性的、具备持久生命力的艺术作品。二、中国画表现手法赋予当代插画艺术深邃的艺术精神 1.线之美在当代插画中的体现宗白华先生《中国美学史中重要问题的初步探索》一文中谈到中国画与西画不同，它不是团块的，而是线纹的结构，“尤其注重线条”，而且“由于把形体化为飞动的线条，着重于线条的流动，因此，中国绘画带有舞蹈的意味。”① 在任何绘画类别中，没有手法，情感都无以表达。线条是中国画的生命。中国绘画传统注重线条之美，线描是中国画造型的基础。画家用线的疏密、抑扬、节奏和墨色的变化来描绘情感化的物体，从而达到“物我合一”，巧妙地运用线条变化来触发人对现实生活的联想，

中国画临摹范文

中国画临摹范文中国画临摹【1】【内容摘要】在中国的艺术院校，中国画的学习包括两种基本技能训练，一个是西化的素描、色彩，另一个是中国画的临摹，而这两种基本技能并不存在紧密的内在联系。文章试分析中国画基础教学中，中西两种不同思路之间的关系以及 * 画学习 * ，并阐述临摹在现代中国画学习过程中起到的桥梁作用。【关键词】中国画临摹在中国的艺术院校，中国画学习一般都围绕临摹、写生、创作三个环节展开。从中国画专业的课程设置就可以看出这一教学模式的共同性，不同的是各大院校课程中各个环节所占的课时比重以及主导思想的差异。其中临摹作为一个基础的训练方式，一般都会得到重视。从临摹入手是中国画学习的一贯方式，在历史上也是如此，不过具体方法可能与现代的学院教育有所不同。从历代中国画家的绘画实践来看，临摹是中国画学习过程中切实有效的途径，很难想象不经过临摹直接去写生或创作是一种什么效果。大约所有的艺术学习都要解决一个基础或者基本功的问题，而这个基本功的训练有专门的方式与途径，其不同于创作，或者说从创

作行为中很难全面地解决基础问题，所以基础问题一般需要单独解决，需要专门的时间和专门的方式，这样或许才能事半功倍。现代中国画的基础教学已经不像过去那样单纯，实际上，当今的中国画面临两个基础技能问题，一个是素描及色彩，另一个是临摹，这两个基础对于中国画的作用以及训练方式未必是统一的。而一个中国画专业的学生是不能回避这个问题的。中国画的基础训练与其他画种有所不同，例如油画专业一般没有严格的、大量的临摹课程，学生在素描、色彩的基础上可以直接步入写生或创作，而且素描、色彩本身也可以说是一种写生与创作，所以这里几乎不存在一种强烈的、鲜明的转换或过渡，对于学生来说，这个过程是自然而然的。然而中国画则不同，学生往往在从素描到国画的课程过渡中就会产生一系列的空虚与困惑，似乎在思想上也要经历某种跳跃或矛盾的转化。从素描到中国画的确存在一个转变问题，因为素描、色彩关于对象的观看方式、表达方式与中国画有所不同。中国画有自己的特点和属性，这是区别于油画、水彩、水粉等其他画种的。正是由于中国画的观看方式、表达方式的特性，使其与素描有着明显的差异，一者是由中国文化孕育而来，一者是由西方文化孕育而来。从历史上来看，相对而言，一者重精神，一者重物理。