编曲概论
音乐的创作和编曲
音乐的创作和编曲音乐是一门艺术，它可以让我们沉浸到一个完全不同的世界中。
每个人对音乐的品味和喜好都不同，但是无论是经典还是现代音乐，每首歌曲都有一个共同点，那就是它们都经过了创作和编曲。
创作和编曲是音乐创作的两个重要环节，下面就来了解一下这两个环节吧。
创作音乐的创作是一个非常有创造性和个性化的过程。
这个过程几乎可以是无限的，因为音乐家可以从各种各样的灵感中汲取灵感来创作一首歌曲。
有些创作过程可能是短暂的，只需要几分钟就能完成，而有些歌曲需要数小时，数天甚至数月才能完成。
创作的过程通常会以歌曲的主旋律开始，主旋律是歌曲的灵魂。
然后，音乐家会决定其他的元素，如节奏、和弦、歌词等。
有些音乐家会先写好歌词，然后基于歌词编写和弦和旋律，还有一些则会先确定和弦和旋律，然后再写歌词。
创作的过程需要具备创造力、想象力和技术。
编曲编曲是音乐制作流程中一个非常重要的环节，它可以让音乐更加丰富和多样化。
编曲的过程通常是针对已有的旋律或歌曲进行音乐元素的添加和调整。
演奏者或音乐制作人会考虑如何使用各种乐器来表达音乐家的感情和意图。
此外，他们还会考虑如何使用和弦、和声、鼓点和其他元素来增强歌曲的情感和感染力。
编曲的目的是创造某种特定类型的音乐，中心思想是让歌曲更好地达到听众所期待的风格和情感。
不同的流派和风格将需要不同的编曲风格，有些歌曲需要简单明了的编曲，有些则需要像音乐剧一样的复杂编排。
例如，流行音乐通常需要简单的编曲，以减少听众困惑，而爵士乐则需要更多的复杂编排，以表达音乐家的即兴精神。
不同的流派和风格会有不同的编曲规则和标准，但最终的目的是为了最好地表达音乐家的意图和感情。
总结创作和编曲是音乐制作流程中最重要的两个环节，没有创作就没有歌曲，没有编曲就没有多样化的音乐。
真正优秀的音乐家需要不断提升自己的创作技巧和编曲能力，从而创造出更多更好的音乐作品。
而对于我们普通人来说，欣赏音乐也需要了解这两个环节，这样才能更好地欣赏和理解音乐，享受它所带来的美好。
音乐编曲基础教程
音乐编曲基础教程音乐编曲是指通过对音乐进行重新编排、重新创作，使其形式、曲调和结构发生改变的一种艺术创作形式。
音乐编曲可以在原曲的基础上添加一些新的元素，比如各种乐器的演奏、声音效果和和声等，以达到创作出更具个性和新颖的音乐作品的目的。
音乐编曲的基础是对音乐理论和乐器的掌握。
首先，我们需要了解音乐的基本要素，如旋律、节奏、和弦和音色等。
旋律是音乐的灵魂，是乐曲最主要的表现形式之一。
在编曲中，我们可以通过修改原曲的旋律来创造新的音乐效果。
节奏是音乐的基本单位，它可以决定音乐的节奏感和动感。
在编曲中，我们可以通过改变节奏的强弱和速度来打造不同的音乐氛围。
和弦是音乐的基础构成，通过合理地运用和弦可以使音乐更加丰富多样。
音色是指音乐的质感，不同的乐器演奏出的声音具有不同的音色特点，通过运用不同的音色可以使音乐更加生动有趣。
在进行音乐编曲时，我们需要运用一些专业的音乐软件和设备。
目前市面上有许多音乐软件产品，如Logic Pro、Ableton Live、Cubase等，它们可以提供丰富的音乐创作工具和效果器。
通过这些软件，我们可以录制、编辑和处理各种音频。
在编曲中，我们可以运用这些音乐软件来进行音乐的多轨录制和混音，以及添加各种音频效果和处理。
此外，还可以通过MIDI控制器来演奏和控制各种乐器的声音，使得音乐更加真实和生动。
在实际的音乐编曲过程中，我们需要遵循一定的创作原则和技巧。
首先，我们要对原曲进行分析和理解，找出其中的亮点和特色。
在此基础上，可以进行创作的改编和重新编排。
其次，我们要合理运用各种乐器和音色，注重平衡和和谐。
通过巧妙地组合和运用各种音色，可以使音乐更加丰富多样，增加其层次感。
另外，在编曲过程中还需要注意整体的音乐结构和节奏感。
通过合理地安排和设计，可以让音乐的起伏和过渡更加自然流畅。
除了学习和掌握编曲的技巧和知识，音乐编曲还需要大量的实践和创新。
在实际的编曲过程中，我们可以尝试不同的风格和形式，跨界合作，跟随自己的创作灵感，不断地进行尝试和探索。
编曲需要什么基础
编曲需要什么基础
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编曲需要什么基础
总的来说，编曲就是为旋律配制伴奏，或者是制作主题配乐。
但展开来说，编曲又是一个很复杂的过程。
它涉及到很多要素。
1、乐理和乐感
有些人觉得乐理枯燥晦涩，而且不如乐感那么直接。
其实这两者有很大程度上的相关性。
乐感是身处所在的音乐环境中，长期熏陶而来的对音乐的感觉；乐理则是前人对无数音乐作品的经验总结，而这些作品往往都是符合听觉审美的。
也就是说形成我们乐感的作品，绝大部分都是符合乐理的。
2、配器
制作编曲，除了熟悉乐理之外，还要对乐器有基本的了解，最好能会弹奏一两样乐器。
如果没有那么多时间和精力，起码要懂得乐器的发声方式，甚至乐器的“情绪”。
乐器的发声方式有四种：弹拨类，拉奏类，吹奏类，以及打击类。
打击类通常用来表达起伏比较大的章节或者情绪激烈的主题；舒缓和连续性的感觉则可以用拉奏类和吹奏类来表现。
当然演奏方式并不是决定“情绪”的唯一要素，还要看乐器本身的材料，发声频段，演奏力度，技巧等因素。
3、文学戏曲等艺术理解力
音乐作为一种艺术表现形式，通常与其他形式一起，相辅相成，
共同表达同一主题。
影视、游戏、广告、宣传片、专题片、广播……
音乐已经影响到我们生活的方方面面。
相应主题的音乐，需要有相应的理解，才不至于在面对要求的时候脑袋空空，无任何联想。
如何学习编曲
如何学习编曲编曲，就是将编写好的音乐进行编排和处理，从而成为一首完整的音乐作品。
在现代音乐创作中，编曲是一个至关重要的环节。
它可以帮助我们将音乐变得更加丰富而动听，使得音乐的呈现更加生动有力。
那么，我们该如何学习编曲呢？一、打好基础知识在学习编曲之前，我们需要掌握一些基本的音乐理论知识。
比如，音阶、和声、节奏、乐器等等，这些都是开展编曲创作的基础。
如果你没有接触过这些内容，那么建议你可以先学习一些音乐基础课程，加深一下自己的音乐素养。
二、熟悉软件和设备学习编曲需要用到各种各样的软件和设备，比如数字音频工作站、音频接口、音乐合成器等等。
在选择使用软件和设备之前，可以先了解一下哪些软件和设备对编曲有比较好的支持，然后选择一款适合自己的就可以。
但是别忘了，熟悉软件和设备同样也需要时间和精力的投入。
三、听取其他作品学习编曲需要理解什么样的音乐叫好听，并且善于吸收和借鉴他人成功的经验。
所以我们需要花时间去听取别人的作品，包括各种类型的音乐，这样有助于我们扩展自己的音乐视野和审美。
四、学会掌握编曲技巧尽管在学习编曲之前需要打好音乐基础和熟悉软件设备，但是最终学习好编曲只有掌握好编曲技巧才能够做到。
编曲技巧是对制作时的细节进行创造性的处理，使得音乐能够更加丰富，这包括和声处理、鼓点设计、乐器编排、混音、效果器处理等等。
需要多做实验和尝试，不断进行创新和摸索，逐渐积累经验和技能。
五、追寻自己的风格每个人在学习编曲时，都会有自己独特的想法和风格。
建议我们要对自己的风格有充分的认知和把握，在业余时间多进行实践和探索，逐渐找到自己的风格和风格特点。
这样能够更好地理解自己的创作需求，从而更好地实现创作目标。
总结，编曲不仅需要音乐基础和熟悉软件设备，还需要借鉴和吸收其他作品的优点，掌握好编曲技巧，并追寻自己的音乐风格。
尽管可能需要花费更多时间和精力，但只要坚持不懈，相信大家都能够在这个领域里取得不错的成果。
音乐编曲的创造力
音乐编曲的创造力音乐编曲是一门艺术，它通过改编和重新编排原始音乐素材，为音乐作品注入新的元素和风格。
在音乐编曲过程中，创造力发挥着重要的作用。
本文将探讨音乐编曲中的创造力，并分析其在不同方面的表现。
一、音乐编曲的定义与重要性音乐编曲是指对音乐进行重新呈现和改编的过程。
它包括修改和调整原创音乐的结构、和声、节奏、乐器选择等，以实现对音乐风格的个性化塑造。
音乐编曲旨在通过创造性的手法，使音乐更富有表现力和艺术感染力。
音乐编曲的重要性体现在以下几个方面：1. 丰富音乐表达：通过编曲，原本简单的乐曲可以得到更加细腻和复杂的表达，使得音乐的主题更加鲜明，情感更加丰富。
2. 塑造个性化的音乐风格：编曲可以通过改变节奏、和声和乐器的运用等手法，为音乐赋予独特的风格，使得作品具有辨识度和个性。
3. 提升音乐听众的体验：优秀的编曲能够创造出流畅、和谐的音乐体验，加深听众对音乐作品的理解和感受，提升其欣赏音乐的满足感。
二、音乐编曲中的创造力表现音乐编曲的创造力体现在以下几个方面：1. 乐器选择与编排：创造力在音乐编曲中首先体现在对乐器的选择和编排上。
不同乐器的组合和运用，能够为音乐赋予不同的音色和表现力。
编曲者需要根据音乐的主题和风格，巧妙地选择和组合乐器，以实现音乐效果的最佳呈现。
2. 和声与声部编排：和声是音乐的灵魂，合理的和声能够为音乐增添层次和深度。
在音乐编曲中，创造力在于将原始和声进行改编和调整，以实现更丰富和谐的音乐效果。
声部编排则是将不同乐器的音符进行安排和组合，使得各声部之间相互呼应，发挥各自的优势。
3. 节奏与音乐结构：节奏是音乐的基础，创造性的节奏处理能够使音乐更具韵律感和动感。
编曲者可以通过改变节奏的速度、强度和分布等手法，使音乐更富有层次感和变化性。
音乐结构的创造力则表现在对原始音乐结构进行重新设计和安排，使得音乐更具张力和完整性。
4. 特殊效果与处理：音乐编曲中的创造力还包括对特殊音效和效果的运用。
音乐学中的音乐编曲与编配
音乐学中的音乐编曲与编配音乐是一门艺术，它能够触动人们的情感，传递信息，甚至改变人们的心情。
而音乐编曲与编配则是音乐创作过程中不可或缺的环节。
本文将从音乐学的角度探讨音乐编曲与编配的重要性以及其在音乐创作中的应用。
一、音乐编曲的定义与重要性音乐编曲是指对原曲进行重新编排、重新创作的过程。
通过改变曲调、节奏、和声、乐器等元素，使得原曲更具个性化和艺术性。
音乐编曲可以使一首曲子更加丰富多样，增加音乐的层次感和表现力，同时也能够适应不同的演唱者和演奏场合。
音乐编曲在音乐创作中扮演着重要的角色。
它能够使得音乐更具创新性和独特性，为作品注入新的活力。
通过音乐编曲，作曲家可以将自己的思想和情感更好地表达出来，同时也能够更好地与观众产生共鸣。
二、音乐编配的定义与应用音乐编配是指为一首曲子选择合适的乐器和声部，并进行合适的分配和安排。
通过音乐编配，可以使得曲子更加丰满、和谐和平衡，同时也能够突出乐器的特点和音色。
音乐编配在音乐创作和演奏中都起着重要的作用。
在音乐创作中，作曲家可以通过音乐编配来决定乐器的选择和运用，从而达到自己想要表达的音乐效果。
在演奏中，音乐编配能够使得乐团或乐队的合奏更加和谐，每个乐器都能够发挥出最大的作用，形成整体的音乐效果。
三、音乐编曲与编配的技巧与要点1. 创新与保留的平衡：音乐编曲与编配不仅要注重创新，还要保留原曲的特点和风格。
在进行编曲和编配时，需要综合考虑原曲的节奏、旋律、和声等要素，使得编曲和编配后的作品既能够与原曲保持一致，又能够有新的突破和发展。
2. 乐器的选择与运用：音乐编配需要根据曲子的风格和表达要求来选择合适的乐器。
不同的乐器有不同的音色和表现力，合理运用乐器可以使得音乐更加生动和丰富。
同时，还需要注意乐器之间的平衡和协调，避免出现过于单一或过于杂乱的音响效果。
3. 和声与节奏的处理：音乐编曲与编配要注重和声和节奏的处理。
和声是音乐的基础，通过合理的和声处理可以使得音乐更加和谐和丰满。
高中音乐编曲技术创作的技巧
民族音乐元素：运用民族音乐元素，增加作品的地域特色和文化内涵
古典音乐元素：运用古典音乐元素，提升作品的艺术价值和审美情趣
流行音乐元素：运用流行音乐元素，增加作品的时尚感和流行度
跨界音乐元素：运用跨界音乐元素，丰富作品的表现形式和艺术风格
技术融合：将不同的音乐风格和技术融合在一起，创造出独特的音乐风格
音乐编曲技术在高中音乐教育中的地位和作用将随着科技的发展和教育改革的推进而不断提升。
汇报人：
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创新教育：音乐编曲技术将更加注重创新教育，培养具有创新思维和能力的音乐人才
国际化：音乐编曲技术将更加注重国际化，吸收借鉴各国优秀音乐文化，推动音乐文化的交流与融合。
人工智能技术的应用：AI技术将越来越多地应用于音乐编曲中，提高创作效率和质量
虚拟现实技术的应用：VR技术将使音乐创作更加真实、生动，增强听众的沉浸感
音乐编曲是音乐创作的重要环节，通过编曲可以更好地表达音乐的情感和意境。
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音乐编曲可以丰富音乐的表现力，使音乐更加生动、有趣。
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音乐编曲可以增强音乐的艺术性和感染力，使音乐更加深入人心。
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音乐编曲可以提升音乐的商业价值和市场影响力，为音乐人带来更多的机会和收益。
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音乐编曲的技术基础
音高：音阶、音程、和弦等基本概念
节奏：节拍、速度、节奏型等基本概念
旋律：旋律线、旋律发展、旋律结构等基本概念
调式：大调、小调、五声调式等基本概念
和声：和弦、和声进行、和声结构等基本概念
曲式：主题、变奏、回旋曲式等基本概念
选择合适的音乐制作软件，如Cubase、Logic Pro等
掌握音频编辑、混音、母带处理等技术
初中的音乐编曲技巧归纳
初中的音乐编曲技巧归纳音乐编曲是指通过改编音乐作品，使其具有新的风格和特色。
在初中的音乐学习中，学习音乐编曲技巧可以帮助学生提高对音乐的理解和创造力。
本文将归纳初中阶段常见的音乐编曲技巧，帮助学生更好地进行音乐编曲。
1. 弦乐编曲技巧弦乐是音乐中常用的乐器之一，使用弦乐编曲技巧可以使音乐更富有情感和层次感。
其中包括以下几个方面：1.1 和弦编曲：通过改变和弦的进行和顺序，可以赋予音乐不同的情感色彩。
例如，将原曲的和弦进行重新排列，可以使音乐更加丰富多样。
另外，通过使用转位和弦、替代和弦等技巧，也可以使和弦更加丰满和和谐。
1.2 独立音乐编曲：将原曲的旋律分配给不同的弦乐器演奏，可以使音乐更加丰富多变。
通过运用不同的音色、音高和强弱的变化等技巧，可以使编曲更加丰富多样。
1.3 和声编曲：通过在原曲旋律上加入和声部分，可以使音乐更具层次感和和谐。
通过使用不同的音程、动态和音色等技巧，可以增强和声效果。
2. 打击乐编曲技巧打击乐是音乐中常用的节奏创作乐器，使用打击乐编曲技巧可以使音乐更具节奏感和动感。
以下是一些常见的打击乐编曲技巧：2.1 节奏篇章编曲：通过改变节奏的重心和顺序，可以增强音乐的节奏感。
例如，使用重音、边音和滚奏等技巧，可以使编曲更富有动感和韵律感。
2.2 打击乐演奏技巧：学习不同的打击乐演奏技巧，如音量控制、音色变化、使用不同的打击面和击打方法等，可以使编曲更加多样且富有表现力。
2.3 打击乐和声编曲：通过使用不同的打击乐器进行和声创作，可以增强音乐的层次感和和谐度。
例如，使用木琴、铃铛和钢片琴等乐器进行和声编曲，可以使音乐更加丰富多样。
3. 键盘编曲技巧键盘乐器在音乐编曲中广泛应用，学习键盘编曲技巧可以使作品更加丰富和多样。
以下是一些常见的键盘编曲技巧：3.1 和弦进行编曲：使用键盘乐器演奏和弦进行，可以增加编曲的层次感和丰满度。
通过改变和弦进行和弦音色、紧凑度和声部分配等技巧，可以使音乐更加饱满。
音乐与表演知识：音乐中的编曲和编排技巧
音乐与表演知识：音乐中的编曲和编排技巧编曲和编排是音乐创作中的两个关键概念。
简单来说，编曲是指为一首歌曲或音乐作品决定并安排不同音乐元素（如旋律、和声、节奏、打击乐、弦乐等）的方式，从而创造出特定的音乐质感和风格。
而编排则是针对一个特定的演出团队或场合，决定各个乐器和歌手的位置和动作，以及整个演出中的节奏、挥舞和动态。
编曲技巧是音乐创作中最为基础和重要的技能之一。
正确的编曲能够带来非凡的音乐体验，从而让听众更加享受音乐。
编曲需要将各个音乐元素的特性和特点合理地融合在一起，从而产生协调的感觉。
传统上，编曲分为三种方式：横向编曲、纵向编曲和研究性编曲。
横向编曲是指在一段时间内音乐元素的水平运用。
也就是说，针对一段旋律或节奏，将不同的乐器和音符以横向的方式运用到其中，从而形成一种和谐的音乐效果。
纵向编曲则是指将不同的乐器和音乐元素按照时间段进行编排，从而使整个乐曲在时间上的变化更为顺畅。
研究性编曲则是指对于一个特定类型的音乐进行深入的研究和分析，从而找到最适合的编曲方式。
与编曲不同，编排涉及到更加复杂的要素。
编排需要在演出中对整个舞台的安排和乐手的位置有精细的安排，从而确保演出能够顺利进行。
一般来说，编排需要考虑到各个乐器在演出中的位置、演出的速度和节奏，以及演出中的其他重要要素，如舞台灯光和特效。
为了更好地编排，需要具备以下技能：1.了解乐器：编排师需要了解各个乐器的特点和乐手的能力，并确保他们能够最大程度地发挥自己的技能。
2.能够编写方便演奏的曲子：编排需要编写一些小样曲进行测试，看看这些小样曲是否适合乐手们演奏。
3.能够快速处理演出中的问题：编排师需要时刻准备好应对突发情况，如乐器失灵或乐手生病等。
4.能够根据演员的特点和个性来进行安排：编排师需要了解演员的特点和个性，以便安排他们在最适合的位置和角色。
在编排中，通常会采用下列流程：1.分析音乐作品或歌曲的风格和要素。
2.确定艺术家的角色和位置，以及展现他们各自特点的方式。
音乐制作基础编曲技巧与方法总结
音乐制作基础编曲技巧与方法总结音乐制作是一门综合技术，其中编曲是一项至关重要的技术。
通过编曲，我们能够为音乐增添更多的层次感和表现力。
本文将为你总结音乐制作中的基础编曲技巧与方法，帮助你更好地运用这些技巧来创作出优秀的音乐作品。
一、了解乐器特性首先，作为一名编曲师，你需要对各种乐器的特性有一定的了解。
不同乐器有不同的音色和演奏技巧，准确理解这些特性对于创作出丰富多彩的编曲是至关重要的。
例如，木管乐器的音色较为柔和，而铜管乐器则具有较为明亮的音色。
通过了解乐器特性，你能够更好地选择合适的乐器来丰富你的编曲作品。
二、重视和声运用和声是编曲中非常重要的一个方面。
通过合理运用和声，能够使你的乐曲更加丰满和完整。
在进行和声编排时，可以运用一些常见的和声规则，如和弦进行的规范、音程的合理选择等。
同时，要注意在运用和声时保持和谐感和音乐性，避免过度堆砌和声而导致听众感到混乱。
三、节奏感与鼓点设计节奏感对于音乐作品的编曲同样至关重要。
要使乐曲更加生动有力，你需要设计合理的鼓点和节奏，以增加乐曲的动感。
可以尝试使用不同的鼓器来塑造不同的节奏层次。
同时，注意节奏的稳定性，确保整个编曲作品的节奏感流畅有序。
四、运用合适的合成器和效果器合成器和效果器是音乐制作中常用的工具，它们可以帮助你创造出各种独特的音色和效果。
在编曲中，根据需要选择合适的合成器和效果器来调整音色、增添音效等，能够使你的音乐作品更加丰富多样。
五、有效处理音轨与混音在音乐制作中，多音轨合成是常见的编曲技巧之一。
将不同的乐器音轨进行合理的组合和安排，可以创造出更加立体、丰富的音乐效果。
同时，在混音阶段，你需要注意合理控制各个音轨的音量、音色等参数，使得不同的音轨在整体编曲中能够和谐地融合在一起。
六、灵活运用编曲技巧编曲技巧是灵活运用的，具体的运用方法在不同的音乐作品中可能有所不同。
因此，作为编曲师，你需要不断学习和探索，灵活运用各种编曲技巧来完善你的音乐作品。
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編曲概論2013/6/18編曲與作曲編曲與作曲是兩回事。
必頇再次聲明的是一首歌當中，作曲是歌曲主旋律的創作，只負責了演唱者的部分；但編曲掌握的，是歌曲氣氛的起伏帶動。
編曲的內容會因為不同歌曲風格而有所不同，所以一樣的旋律，常常可以唱成多種版本。
就如同模特兒穿上不同的衣服一樣，或者，我們也可以比喻成化上不同的妝。
一個好的作曲如果配上不好的編曲，可能就像是金城武穿上難看的衣服，聽了覺得好可惜；但倘若差勁的作曲配上好的編曲，也頂多是禿頭老穿上西裝，牛牽到北京還是牛。
作曲決定了一首歌的架構，從基礎和弦走向、節拍速度的設定，到自身旋律起伏的音樂性。
80年代之前的好歌都沒有現在如此炫麗的編曲，卻能流傳至今，而現在的音樂有很多清唱都是不能聽的，不知各位是否曾想過這個問題？不過歌曲清唱難聽，應該說，清唱時聽不出音樂的起伏，也可能是因為作曲者把和聲起伏的巧思隱含在和聲與編曲之中。
作曲包含和弦的選用，如何讓這些和弦發揚光大，就是編曲者的工作範疇與專業。
總歸一句，作曲人如果沒有打穩地基，編曲人怎麼加蓋或點綴裝潢，讓這棟房子再漂亮，終究也只是一棟危樓。
想要拯救難聽的命運是微乎其微。
編曲人的工作一個編曲人需要具備甚麼條件？簡單來說，要學編曲就甚麼都得涉略一些。
首先，編曲這個工作也必頇具備作曲能力，與作曲人無中生有旋律的不同點是，編曲人是從已存在的旋律「衍生創作」，發展出其他樂器的副旋律與和聲搭配，或是以模進方式去複製旋律中動聽的元素，以增加歌曲的可聽性。
編曲人也必頇懂一些混音的概念，因為音樂的五大要素是一脈相承的。
編曲人在五大要素當中讓樂器做清楚的工作分配，混音工程師接到音軌後才能快速進入狀況。
況且，編曲人在把詴聽帶(Demo)給混音工程師做參考之前，都必頇先經過粗混(Rough Mix)，所以編曲人必頇具備基礎混音能力。
過去的理論作曲編曲都必頇鑽研「對位法」(如何下根音)、「和聲學」(如何下和弦)、「配器法」(如何運用樂器)等從古典音樂年代到現在所彙整的音樂知識，光聽到就令人頭大。
但是在沒有這麼嚴謹的流行音樂年代，創作是可以不用拘束的。
二十世紀現代音樂甚至可以無調，完全拋棄所有過去建立的音樂觀念。
這兩個例子都是極端，但流行音樂是跟著大眾口味在走的，不會有古典的沉悶，也不會有現代的混亂。
我們必頇要有些基礎，但不需要太艱深的音樂和聲概念。
在流行音樂的世界，仍然要注重的是經驗法則。
無論編曲與作曲，都必頇懂得基本的樂理知識，「對位法」、「和聲學」未必要學透、完全遵循。
讓音樂的架構好聽，是作曲時就必頇具備的能力，但要增進自己的「編曲能力」，必頇做以下的功課：A. 了解並分析各流行音樂之類型與風格B. 熟悉並靈活運用幾項主要樂器的彈奏手法與音域範圍C. 對編曲相關軟體、硬體設備有相當的認識，遇到問題能夠移難排解D. 對手邊可用的VSTi外掛操作熟練、運用自如E. 時常實作練習，把聽過的或心裡想要呈現的音樂實際做出來編曲人的煩惱1. 編曲過程的摸索沒有專人指導，編曲很容易走入一個撞牆期。
如果沒有特地去觀察演唱會或樂團表演當中樂手演奏的內容，第一次接觸編曲的人一定是胡亂摸索。
可能擅長的樂器會先開始著手，結果編得太過豐富、塞得太滿，以致於其他的樂器加不進來。
當第二個樂器好不容易填好了，卻又發現好像與第一個樂器有節奏或和聲上的衝突。
最後就是樂器很多很亂，沒有章法。
要解決這個問題，必頇先了解各樂器在歌曲中所扮演的角色。
不管是哪個樂器扮演甚麼角色，我們都必頇知道，身為伴奏就應該不能太搶戲，搶走了主唱的風采。
喧賓奪主之下，我們很容易忘記歌曲原來的主題與訴求、想強調的是甚麼。
再者，歌曲的和弦與節奏早就該在編曲前就有明顯的定義與計畫。
任何編曲過程中的即興，或是一時的趣味創意，都以不悖離原來計畫的歌曲氣氛為原則，否則很容易編出四不像的歌曲。
編曲前就必頇與原作曲者有良好且充分的溝通，如果呈現的不是原作的訴求，很有可能只是在做白工。
歌曲中樂器可分為三組、五要素、八種角色：A. 旋律組(Melody)I. 主題旋律(Lead) ┬主旋律(Major Lead)└副旋律(Minor Lead)II. 過門(Fill) ┬旋律過門(Melody Fill)└打擊過門(Percussion Fill)B. 背景組(Background)III. 襯音(Pad) ┬和弦襯音(Chord Pad)└氣氛音(Atmosphere)C. 節奏組(Grooving)IV. 主律動(Foundation)V. 碎拍(Rhythm)後面節奏組的兩個要素也同時為樂器所扮演之角色，關於這方面的介紹之後社團會推出更加詳細的編曲教學文章。
2. 疑難排解編曲最要命的不是樂理，而是電腦軟體。
電腦的效能與編曲的效率有直接的關係，不管是MIDI錄音中VST音色的讀取、進行過帶後Audio音軌的播放與效果器掛載、或是進行波形剪接等後製工作，都是需要龐大的電腦運算。
所以電腦設備的規格絕對不能太差，否則不是電腦速度慢而已，還可能當機。
另外必頇強調的一點是，即使電腦已經功能齊全、足以應付編曲工作，過程中軟體有時候還是會擺爛給你看。
玩數位音樂不是只有音樂，還要知道一點電腦的基本常識，如軟體資料夾的存放位置、VST的dll檔案或音色庫要灌在硬碟的哪裡等。
另外還要具備基礎的英文能力，目前大部分的數位音樂工作軟體都是英文版(Sonar有中文版)，操作上，所有的專業術語與執行工作都是英文。
最新的Cubase 7也有推出簡體中文版，但是真正在玩數位音樂的人都知道，DAW的介面是中文的時候，反而不知道意思。
因為在數位音樂領域中，中英文的專有名詞還沒有統一，所以看起來很亂，況且中文版的DAW看起來真的很LOW。
跳出錯誤視窗、讀不到音色等疑難雜症出現時，一時沒有人可以解決你的問題，只能上國外論壇爬文，尋求解決之道。
3. 遇到不好處理的案子編曲人最大的煩惱就是，不是做自己的音樂，而且要全盤接收各種程度參差不齊作曲人的委託。
常常是遇到不懂和弦、旋律寫的沒有章法、不懂編曲卻有一堆奇特要求、難以溝通的合作對象。
這沒有方法可以解決，就是考驗編曲者耐心的時候了。
4. 音源的問題光是有了數位音樂工作軟體還不能編曲，《數位音樂概論》中有提到，必頇要有軟、硬體音源或音色庫，才能讓MIDI訊號發聲。
但是這些軟硬體音源要去哪裡取得？不管是數位音樂工作軟體，或是軟體音源，我們都知道正版的價格實在是非常昂貴。
正版的DAW都是萬元起跳，軟體音色大廠賣出冷門音色一套要49-79美元左右、熱門音色149-349、管弦樂這種大型的更可能要300-500不等。
要解決這個問題，只有兩條路可以走：A. 線上免費版本的編曲軟體或音色下載來暫用等開始賺錢後再逐漸添購正版B. 有一個好用的工具叫做BT，其他不解釋5. 法律問題相信很多音樂人都知道盜版的問題，如果站在正版的立場，一定會譴責盜版讓自己賺不到錢。
但是站在一個編曲新人的立場，我們不可能先把這些昂貴的東西都弄到手之後，才來等案子上門。
所以在音樂界，從盜版起家是一個大家都不會在檯面上講的小秘密。
成功的時候，我們譴責盜版；但是想當初，還不是靠著盜版慢慢打下江山？這裡要特別提到的是，如果有在使用盜版的朋友，千萬要切記，做事要低調，案子與編曲事業不要接太大，以免變成正版公司的目標。
先想辦法慢慢從小案子存錢，把自己的設備與軟體陣容撐起來之後，再來完成偉大的夢想，否則在往高處爬之前，一定會遇到不少絆腳石。
法律問題是很嚴重的，不要在還沒靠編曲賺到半毛錢之前，先賠了一大筆，還可能弄到負債累累，得不償失。
編曲的「錢」景很多打算投身進入編曲這行的音樂工作者，第一個關心的問題就是，編曲能為我帶來多少利益？首先，我們先必頇衡量自己的能力，到底能夠應付怎樣的客戶。
如果要靠編曲賺到錢，至少手邊最新的作品要給身邊的人聽過。
不管專業或是一般聽眾，已經達到多半人都挑不出瑕疵的時候，才真正代表這項技能已經到可以為自己創造財富的時候。
不過要奉勸一句，音樂的世界裡，人脈與關係有時候比實力更重要，這是不爭的事實。
所以在把自己培養成這樣的編曲能力者之前，最好開始著手擴充自己在音樂界的交友圈。
有時候就碰巧經過朋友的朋友認識到某個藝人、某個製作人也說不定。
而掌握到認識這些人的管道之後，有機會在不經意地展現自己的作品，也許就會一點機率被發掘。
除了網路，現在坊間有很多知名音樂工作室，如果覺得自己程度夠了，不妨去拜訪或是請益、討教。
可以是去拜師，上幾堂課之外，順便探聽編曲這行的生態，適不適合自己發展。
多問多聽多看，參考其他人走過的路，可以為自己省下很多因為嘗詴失敗而浪費的時間。
談到編曲的收費，就要看談的對象。
A. 配樂類計價的方式沒有明顯的規定B. 卡拉OK重製最差的工作，從市面上的流行音樂重新製作伴唱帶，只需要複製的能力一首歌大約2000-3500左右C. 宗教音樂教會或是佛教團體委託編曲，為了讓宗教音樂聽起來像流行歌一首歌大約5000-10000左右D. B咖唱片編曲可能來自知名度不是很高的唱片公司的委託一首歌大約10000-25000左右E. A咖唱片編曲一線編曲人的工作，為時下最流行的歌手專輯進行編曲工作一首歌(編曲新人)18000-25000左右專業級的酬勞可以上看35000-50000左右這有點像是練功升等一般，要能夠越接近第一線的專業編曲，就要慢慢打開自己的知名度。
在編曲界沒有所謂的看學歷，想晉身A咖未必要留美留德，但是要拿出自己的實力，豐富的音樂經歷。
曾創作過的作品、受委託的歌曲知名度越高、越紅，當然就可以順勢提高價碼，一步一步往上邁進。