第五章舞剧创作1
舞剧创意方案
舞剧创意方案1. 引言随着时代的发展和观众需求的变化，舞剧作为一种融合了舞蹈、戏剧和音乐等艺术形式的综合性表演艺术，不断吸引着人们的关注。
本文将探讨舞剧创意方案，以提供给舞剧创作团队在新作品开发过程中的灵感和指导。
2. 创意背景舞剧是一种充满创造力和想象力的艺术形式，其创作过程需要从源头上具备创意。
为了创造一部引人入胜的舞剧作品，我们需要考虑以下几个方面的元素：2.1 主题主题是舞剧创作的核心，是舞剧整体呈现的基础。
选择一个独特、富有内涵的主题对于给观众留下深刻印象很重要。
可以通过探讨社会现象、人际关系、文学经典等不同领域的主题来启发创作。
2.2 故事情节故事情节是舞剧表达主题和内容的关键部分。
通过设计合理的故事情节，可以让观众更好地理解和感受到舞剧所要表达的情感和意义。
故事情节可以从历史、文学、传统文化等多个领域寻找灵感。
2.3 舞蹈和动作设计舞剧的核心在于舞蹈和动作设计。
舞蹈和动作需要与主题和故事情节相匹配，通过独特的编舞和动作设计来突出故事的发展和角色的人物性格。
可以结合不同的舞蹈风格和技巧，使舞剧更加多样化和有吸引力。
2.4 视觉效果和舞台设计视觉效果和舞台设计是舞剧作品的重要组成部分。
通过创造引人注目的视觉效果和独特的舞台设计，可以提升舞剧的观赏价值和艺术感染力。
利用灯光、道具、服装和舞美等元素，打造独特的舞剧氛围。
3. 创意方案基于以上创作元素，我们提出了以下舞剧创意方案：3.1 主题：人与自然的关系选择一个关于人与自然的主题，探讨人类与自然环境之间的互动和影响。
通过舞蹈和动作设计来表达对大自然的赞美、敬畏和保护之情。
3.2 故事情节：人类与四季的故事故事情节围绕一个主人公展开，他在四季更迭的背景下经历了成长、爱情、挣扎等人生阶段。
通过不同的舞蹈和动作设计，展示四季变迁对人类情感和心理的影响。
3.3 舞蹈和动作设计：以花朵为灵感在舞蹈和动作设计中，以花朵为灵感来展现动作的优雅和舞蹈的美感。
当代舞剧剧本创作
当代舞剧剧本创作舞台上，灯光昏暗，一缕柔和的光线照亮了舞台中央。
一个身着黑色长裙的女子缓缓走出，她的舞姿优美而矫健，宛如一只自由翱翔的孔雀。
她的舞蹈带着一种神秘而独特的魅力，让观众陷入了深深的沉思。
这是一场当代舞剧，通过独特的舞蹈语言和剧情表达，展现了当代社会中人们面对自由、束缚、追求和困惑的心理状态。
舞剧剧本的创作过程充满了挑战和创造，需要将舞蹈、音乐、舞美等元素有机地融合在一起，以达到情感共鸣和艺术的完美呈现。
首先，舞剧剧本的创作需要有一个清晰的主题和故事线索。
例如，可以选择一个具有代表性的社会议题，如自由与束缚、人际关系的复杂性等，作为舞剧的主题。
在主题的基础上，通过剧情的发展和角色的塑造，将观众带入一个虚拟的世界，让他们对现实生活有更深刻的思考和体验。
其次，舞剧剧本的创作需要注重舞蹈语言的表达。
舞蹈是舞剧的核心，通过舞蹈的动作和姿态，可以更直接地表达角色的情感和内心世界。
创作者需要深入理解舞蹈的技巧和美学，将其与故事情节相结合，创造出独特而富有感染力的舞蹈形式。
同时，音乐在舞剧中也起着重要的作用。
音乐可以为舞蹈提供节奏和情感的支持，使观众更加沉浸在舞剧的氛围中。
在创作舞剧剧本时，需要与音乐创作人员密切合作，将舞蹈和音乐相互融合，形成一种和谐而统一的艺术效果。
此外，舞美设计也是舞剧剧本创作中不可忽视的要素。
舞美设计可以通过舞台布景、灯光效果、服装等元素来营造舞剧的视觉效果，增强观众的观赏体验。
在创作舞剧剧本时，需要与舞美设计师紧密合作，将舞蹈的表达和舞美的呈现相互协调，创造出一个独特而有力的舞台形象。
最后，舞剧剧本的创作还需要注重观众的情感共鸣。
通过舞蹈的表演和故事的叙述，舞剧可以唤起观众内心深处的情感，引发他们对生活和社会的思考。
创作者需要深入洞察人性，通过舞剧的形式和内容，触动观众的心灵，使他们在欣赏舞剧的过程中获得情感的共鸣和启发。
舞剧剧本的创作是一项复杂而有挑战性的任务，需要创作者具备丰富的舞蹈知识和艺术素养。
舞剧 创排故事
舞剧创排故事【原创版4篇】目录（篇1）1.舞剧的概述2.舞剧的创作过程3.舞剧的排练过程4.舞剧的故事情节5.舞剧的演出效果正文（篇1）舞剧是一种以舞蹈为主要表现手段，结合音乐、舞台美术、灯光等元素的综合性舞台艺术。
在我国，舞剧的创排故事一直以来都是艺术家们关注的焦点。
本文将围绕舞剧的创排故事展开，探讨舞剧的概述、创作过程、排练过程、故事情节以及演出效果。
首先，舞剧的概述。
舞剧作为一种舞台艺术形式，既可以表现现实生活，也可以展现虚构的世界。
舞剧的主题和风格多种多样，有的以传统文化为背景，有的以现代生活为题材，有的则以历史故事为基础。
舞剧的表演形式包括独舞、双人舞、群舞等，通过舞蹈动作、音乐、舞台美术、灯光等元素的综合运用，为观众呈现出一幅富有表现力和感染力的舞台画卷。
接下来，我们来了解舞剧的创作过程。
舞剧的创作通常包括选题、构思、编舞、作曲、设计舞台美术和灯光等环节。
在选题阶段，创作者需要确定舞剧的主题和风格，选择合适的故事背景和表演形式。
在构思阶段，创作者需要将故事情节、角色塑造、舞蹈动作、音乐等元素融合在一起，形成一个完整的艺术构思。
编舞阶段，编导需要根据故事情节和角色性格，创作出具有表现力和技巧性的舞蹈动作。
作曲阶段，音乐家需要为舞剧创作出优美动听的音乐，与舞蹈动作相得益彰。
而在设计舞台美术和灯光阶段，设计师需要根据舞剧的主题和氛围，设计出符合剧情的舞台布景和灯光效果。
然后，舞剧的排练过程。
在排练过程中，导演和编导需要对舞者进行严格的训练，确保他们能够准确地表现出舞蹈动作和角色情感。
此外，排练过程中还需要不断地进行舞台合成、音乐合成，使舞剧的各个元素能够完美地融合在一起。
在排练的最后阶段，舞剧需要进行预演，以便对剧中的不足之处进行修改和完善。
紧接着，我们来关注舞剧的故事情节。
舞剧的故事情节通常围绕着某个主题展开，如爱情、战争、历史、神话等。
在情节设置上，舞剧要求简洁明了，通过舞蹈动作和音乐来表达角色的情感和故事的发展。
用舞蹈述说故事我心爱的编舞创作
用舞蹈述说故事我心爱的编舞创作用舞蹈述说故事：我心爱的编舞创作舞蹈是一种具有身体语言特点的艺术形式，通过舞姿、动作和节奏来表达情感与故事。
作为一名舞者和编舞者，我喜欢用舞蹈来诉说生活中的点滴和内心的情感。
在这篇文章中，我将分享我心爱的编舞创作以及其背后所蕴含的故事。
第一章: 创作灵感的源泉每一个编舞作品都有着独特的背后故事，它可以来自于书籍、音乐、电影，甚至是日常生活中的一些细微瞬间。
从这些灵感的源泉中，我汲取到了舞蹈作品的灵感。
第二章: 舞蹈语言的运用在舞蹈创作中，舞蹈语言是不可或缺的一部分。
通过舞蹈动作的选择、组合和表达，我能够更好地传达我想要表达的情感和意义。
舞蹈语言的正确运用能够使观众更好地理解我的编舞意图。
第三章: 编舞创意的发展过程一个编舞作品的创意发展过程往往是复杂而繁琐的。
从构思到彩排再到演出，每一个阶段都需要付出大量的时间和努力。
在这个章节中，我将详细描述我的编舞创作中的每一个过程，并分享其中的难点和挑战。
第四章: 舞蹈编排与舞台效果的考量除了舞蹈语言的运用，舞蹈编排与舞台效果的考量也是编舞过程中需要着重关注的部分。
通过场景、服装、灯光等元素的搭配，我能够将我的编舞作品更好地呈现给观众，产生更大的视觉冲击力。
第五章: 舞蹈创作中的挑战与收获在编舞创作的过程中，不可避免地会遇到各种挑战。
例如，对于舞者的技术要求、情感表达的精准度、观众和评委的认可等等。
然而，每一次的挑战和困难都使我不断成长，并收获了更多的经验和认知。
第六章: 我心爱的编舞作品最后，我将分享我创作过的几个特别的编舞作品，描述它们的主题和表达方式。
通过舞蹈，我能够用不同的故事和情感触动观众的内心，并带给他们独特的体验。
结语用舞蹈述说故事是我心爱的编舞创作方式。
通过舞蹈语言、编舞创意和舞台效果的综合运用，我希望能够向观众传递出更多的情感与意义。
舞蹈是我表达内心的媒介，也是我与观众心灵交流的桥梁，这是我一直热爱并且执着追求的艺术形式。
舞剧创作实施进度方案
舞剧创作实施进度方案1. 引言本文档旨在详细说明舞剧创作实施的进度方案。
舞剧创作是一个复杂的过程，需要艺术家、编舞家、舞者等多个角色的紧密合作。
本文档将按照时间顺序，介绍舞剧创作的每个阶段及其具体任务，并提供了每个阶段的时间安排。
2. 创作阶段2.1 舞剧主题确定在这个阶段，艺术家和编舞家将讨论舞剧的主题和概念，确定一个能够贯穿整个舞剧的核心理念。
他们将对该主题进行深入研究，收集相关的资料和灵感，并进行头脑风暴。
最终，他们将达成共识并确定舞剧的主题。
2.2 剧本创作在这个阶段，编舞家将依据舞剧的主题和概念，创作出一份完整的剧本。
剧本将包含场景设定、角色设定、情节发展等关键要素。
艺术家将对剧本进行审查和修改，确保其符合舞剧的整体理念和表达方式。
2.3 舞蹈编排在这个阶段，编舞家将根据剧本的要求，将舞蹈动作编排成完整的舞蹈片段。
他们将考虑舞蹈动作的流畅性、美感和表达力，并与舞者一起进行排练和调整。
舞者将学习和熟悉舞蹈动作，并与编舞家一起进行讨论和反馈。
3. 实施进度安排3.1 阶段一：舞剧主题确定•时间安排：1周•任务：–艺术家和编舞家讨论舞剧主题和概念–深入研究和收集相关资料和灵感–头脑风暴，并最终确定舞剧的主题3.2 阶段二：剧本创作•时间安排：2周•任务：–编舞家根据舞剧主题和概念创作剧本–艺术家审查和修改剧本，确保其符合整体理念和表达方式3.3 阶段三：舞蹈编排•时间安排：4周•任务：–编舞家将舞蹈动作编排成舞蹈片段–舞者学习和熟悉舞蹈动作–编舞家与舞者一起进行排练和调整4. 风险管理4.1 时间延误风险在舞剧创作的过程中，由于各种原因可能导致进度延误。
为了降低这种风险，我们将在每个阶段设定充足的时间，并密切监控进展情况。
如果发现进度存在延误的迹象，我们将及时采取措施进行调整，以确保整个创作进程能够按时完成。
4.2 沟通和合作风险舞剧创作需要多个角色的紧密合作，因此沟通和合作的问题可能会对进度产生负面影响。
关于中国当代舞剧创作问题的分析详细内容
关于中国当代舞剧创作问题的分析详细内容中国当代舞剧创作是一个复杂而庞大的话题，涵盖了多个方面的问题。
在本文中，将以观众、创作者、艺术形式、主题等几个方面进行分析和讨论。
希望通过对这些问题的探讨，能够更好地理解和推进中国当代舞剧创作的发展。
一、观众问题观众是舞剧创作的最终受众，因此他们的需求和喜好是决定创作方向和创作内容的重要因素。
然而，目前中国当代舞剧的观众群体相对较小，主要集中在一些大城市的文化艺术爱好者中。
这意味着创作者在创作过程中应当考虑如何吸引更多的观众，并符合他们的审美趣味。
为了解决这个问题，创作者可以从以下几个方面着手。
首先，要注重舞剧的宣传工作，通过媒体和网络平台向更广泛的观众群体传播信息。
其次，要关注教育工作，发展舞蹈教育课程，提高观众舞蹈欣赏能力。
最后，要注重多样性和创新性，创作出符合不同观众口味的作品，增加观众的选择性。
二、创作者问题中国当代舞剧创作者面临的一个主要问题是找到自己的风格和表达方式。
由于历史的限制和传统的束缚，很多创作者在创作过程中难以突破传统的舞蹈形式和故事情节。
然而，艺术的创新和突破是舞剧创作发展的关键。
因此，创作者要有勇气和决心去创造出与传统不同的作品。
他们应当敢于尝试新的艺术形式，挑战传统的舞蹈技巧，并通过创新的表达方式来呈现自己的想法和情感。
同时，创作者也应该注重自己的文化根基，以中国独特的文化元素和语言来丰富作品的内涵。
三、艺术形式问题艺术形式是舞剧创作的重要组成部分，它直接影响到作品的观赏效果和艺术品质。
目前，中国当代舞剧的艺术形式相对单一，以舞蹈为主，缺乏其他艺术形式的结合和创造。
这就导致了一些作品在形式上显得相似，缺乏创新性和多样性。
要解决这个问题，创作者可以尝试将不同的艺术形式结合在一起，创造出更丰富多样的作品。
例如，可以将戏剧元素、音乐元素、视觉元素等融入到舞剧创作中，使作品更有艺术张力和表现力。
同时，还可以借鉴国际舞台上的一些成熟作品，吸取其中的成功经验，丰富自己的创作技巧。
第五章 舞蹈编导的创作与排练(3)
第五章舞蹈编导的创作与排练(3)（四）编舞一般情况下是有了舞曲才进入舞蹈语言（台词）的创作。
在这以前多是编导的创作构思阶段，有人把它称为“案头工作”。
产生舞曲以后，就要设计舞蹈语言了—包括舞蹈动作、组合和构图等的创作。
通过编舞把作品的人物、内容赋予舞台表演的艺术形象。
舞蹈动作的来源，如前儿章所说：一是来自生活动作的提炼；一(本贴来自领舞网)是来自中、外、古、今的“舞蹈素材”。
所谓“素材”，就是创作的材料。
要使它成为作品中的“舞蹈语言”，就必须根据内容、人物的需要去提炼、雕琢，而不能生搬硬套。
怎样着手编舞呢？1.感情是动作的信息。
情动于衷而形于色，于是产生了舞蹈动作。
但有的编导往往不自觉地陷入片面追求动作、构图美不美的圈子中徘徊。
编舞首要弄清的是你要表现人物的什么感情和性格，有经验的编导往往首先按舞蹈结构的线索设计出人物连绵不断的心情、意识甚至潜台词，循着这个脉络去雕琢动作。
而富有演员经验的编导，就使自己首先进入角色，让作品中的人物在自己身上活起来；在深入角色的基础上，从·自己积累的生活、舞蹈素材中物色、提炼出此时此地、此情此景所需要的舞蹈形象来。
这种类似戏剧演员小品练习时的创作方法，是符合舞蹈创作规律的—即把体验感清作为动作的原动力。
Z．动作的典型性。
这是成功之要点。
典型性的舞蹈动作不是综合的越宽越好而是个性越强越好—一要有突出的性格；二要有明晰的感情。
人有七情：喜、怒、哀、惧、爱、恶、欲。
高兴时会欢呼跳跃；悲愤时会跺脚挥拳；希望使人昂首向上；失望使人垂头丧气；……。
设计舞蹈动作首先要说清楚是什么感情。
但人有男、女、老、少，古代和现代，这个民族和那个民族之分，他们表达感情的方式各异，因此，、动作还要性格鲜明。
性格包括角色的个性及其民族的风采，一例如：《红绸舞》运用了“解放秧歌”的动作，既有汉族农民的鲜明性格又充满了翻身做主的胜利豪情，这种动作是典型的。
很多实践经验说明，，从民族民间（包括戏曲）舞蹈素材的基础上提炼所需要的舞蹈语言是成功的捷径，这些从长期民族生活中锤炼、积蓄起来的民间舞蹈动作，已具有突出的典型性格，如果运用得当，会塑造出生动感人的舞蹈形象。
浅谈舞剧浅谈舞剧创作的形成和发展
浅谈舞剧浅谈舞剧创作的形成和发展舞剧是一种将舞蹈、戏剧和音乐结合在一起的综合艺术形式。
它以舞蹈为主要表现手段，通过舞者的身体动作、表情和肢体语言来诠释情节和主题。
舞剧创作的形成和发展是一个长期而复杂的过程，下面将从历史、舞剧形式和创作风格等方面进行浅谈。
舞剧的形成可以追溯到古代的舞蹈和戏剧。
中国古代的舞蹈和戏曲中常常出现舞者的表演，奠定了舞剧的基础。
而西方舞剧的形成则起源于古希腊时期的舞剧，如由剧作家埃斯库罗斯创作的《被索引的普罗密修斯》等作品。
这些早期的舞剧往往是以史诗性的故事为基础，通过舞蹈来诠释剧情和角色。
随着时间的推移，舞剧开始吸收各种艺术形式的元素，逐渐形成了独特的创作风格。
在舞剧的发展过程中，出现了各种不同形式的舞剧。
其中最重要的是古典舞剧和现代舞剧。
古典舞剧是指传统的古典芭蕾舞剧，它起源于十八世纪的法国，并在十九世纪得到了巨大的发展。
古典舞剧以芭蕾舞为主要表现手段，通常讲述一些经典的故事和文学作品，如《天鹅湖》、《吉赛尔》等。
古典舞剧追求舞蹈的优雅和精确性，强调舞者的技巧和表演力。
而现代舞剧则更加注重创新和超越传统，它以自由的动作和表达方式为特点，表现出更多的个性和内涵。
现代舞剧通常以抽象的方式来诠释主题和情感，如玛莎·格雷厄姆的《隐私》和皮娜·包讷斯的《决战奥德赛》等作品。
舞剧的创作风格也随着时代的发展而不断演变。
早期的舞剧主要以故事性和戏剧性为主，强调剧情和人物性格的表现。
而现代舞剧则更加注重舞蹈的技术性和创意性，追求舞者的个人表达和舞蹈语言的探索。
在创作过程中，舞剧的编导通常会充分调动各种艺术形式的元素，如音乐、舞美、服装等，以丰富舞剧的内涵和视觉效果。
此外，舞剧的创作也需要有一支优秀的团队来完成，包括编导、舞者、音乐家、设计师等。
只有团队的密切合作和共同努力，才能创作出充满艺术感染力和观赏性的舞剧作品。
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第一节舞剧基本理论一、舞剧词解舞剧—“以舞蹈为主要手段,表现一定的戏剧情节内容的舞蹈形式”。
(见《中国舞蹈词典》第130页)舞剧—“以舞蹈为基本手段的戏剧”。
(见((美学词典》540页)两种解释的差别在于,一种认为舞剧是舞蹈的戏剧,可以区别于歌唱的戏剧(歌剧),语言的戏剧(话剧)等,重点强调是以舞蹈为基本手段的。
也就是说,舞剧应该有它的独立存在价值,就像《奥涅金》,不能因为先有了歌剧《奥涅金》就使舞剧《奥涅金》逊色、多余。
舞剧中的舞蹈,特别是主要人物表现主要情节的舞段,应该是优秀的乃至精彩的舞段。
另一种解释认为有戏剧内容的舞蹈形式,可以区别于抒情舞如抒情性的独舞、双人舞、三人舞、集体舞等。
“抒情舞是舞蹈艺术的本质属性,而舞剧要求舞蹈表现手段必须有叙事的功能。
因此,抒情性与叙事性的完美和谐结合是舞剧的基本美学原则。
”(见《美学辞典》第540页)舞剧之所以区别于舞蹈主要在于它有叙事性舞蹈,即情节舞,也就是那种能表现特定人物在特定情节中的舞蹈,特别是能展现矛盾冲突的舞蹈(如《奥涅金》三幕双人舞;《驯悍记》中驯悍双人舞)。
这样才不至于名为舞剧,实则舞蹈只是陪衬,只用于描绘地方特色、时代色彩,一到主要人物的主要情节就只能用哑剧、标语、字幕、说明书完成。
或者是安排了情节舞却没有编出特定人物的特定舞蹈,语无伦次、含糊不清,缺乏魅力也不能使观众满意。
所以我们的教学大纲要求学生在完成情节舞单元之后才学习舞剧。
在舞剧中情节舞要力求达到“抒情与叙事完美和谐结合”。
这是创作舞剧的关键。
讨论: 1.能否按照自己的观念概括说明什么是舞剧?2.舞蹈和舞剧的区别。
二、舞剧的特征舞剧的特征是相对于一般的非舞剧舞蹈而言的。
在时间上,一般大型舞剧的时间为90一100分钟,中型舞剧40一50分钟,而一般的晚会舞蹈有3一5分钟的,也有6-9分钟的,1 0一巧分钟就比较长了。
所以,大、中型舞剧时间长便是特征之一。
舞剧具有特定的人物、情节,因而比非舞剧复杂。
例如,大型舞剧有三幕六场的篇章式,一般最少四章,其中每一场都有若干段,全剧独舞、双人舞、三人舞、集体舞、场面调度等搭配,编舞量大,需要一个庞杂的组织机构才能运转。
如果在人力、财力、物力、时间上没做好准备绝对不能轻易开始,一旦开始,编导就要应对来自各方面的层出不穷的问题。
这也是大型舞剧的特点。
舞剧规模较大,因此对于编导在创编上的要求相对会高,不仅要拿出好本子,还要编出好舞,在导演能力上也要比一般舞蹈编创更强。
舞剧导演要具备在纷繁复杂的过程中始终抓住舞剧中心环节的能力,与剧组各方面人员相互合作共同创造的能力,工作开始前及进行中的组织能力,充分准备之后还要有很强的应变能力,身陷具体琐事而对最后演出的预见能力等等。
如何才能具备以上的能力?主要是靠实践。
以后我们会学一些工作程序和方法,但是学习任何方法都不能替代实践。
选择编导专业要有坚强的性格,勇于拼搏、探索成功之路。
著名戏剧导演焦菊隐说得好:“宁肯失败在探索上,也不能失之平庸”(焦菊隐《戏剧散论》)。
舞剧是“一组以戏剧、音乐、舞蹈、舞台艺术四种成分组成的综合性的舞台表演艺术”(见《中国舞蹈词典》)。
而戏剧、音乐,舞美在舞剧中都有各自的特征。
在说特征以前先了解一下共性,也就是上面引用的那句话中的“舞台表演艺术”这个词。
舞台表演艺术是“需要有参与者—作者、演员、观众等”(见《简明不列颠百科全书》第八卷第496页),要“有当众表演的直观性”,是“通过—当场表演—使观众获得—审美体验”(见((美学辞典》第485页)的艺术。
作者通过演员,演员通过舞台表演使观众获得审美体验,这是一切舞台表演艺术共同的规律,舞剧也不例外。
这就提醒作者(编导)两点:一是编导要熟知演员动作的可能性及舞台的局限和规律,一切创造要在这种可能性和规律之内才有效。
二是创作的一切要素—编导、演员、舞台的运用等,都是为了观众满意而不是自己满意。
观众是舞台表演艺术的上帝,也是舞剧的上帝。
再来看“舞剧是以戏剧、音乐、舞蹈、舞台美术四种成分组成……”这句话,由于其中是以舞蹈为主、为基本、为核心,使得其他三种成分都因此而有了舞剧的特征。
</P< p> 为了发挥舞蹈善于抒情的优长,舞剧中的戏剧成分往往要简化。
我们常见的由文学作品为依据结构为舞剧的作品,过多的人物要省去,次要的人物要合并,几个事件只留一个最主要的,而将主要人物个性鲜明的舞段、感情或心理波澜大的环节、事件的矛盾冲突处,设置成完整的舞段大加发挥,例如《奥涅金》三幕的双人舞。
所以,曾有这样的说法:“舞剧中不能超过四个人物,不能超过三个事件”这虽然不是法律禁令,但说明舞剧不长于叙事而长于抒情,它的戏剧成分要简练、集中,人物要鲜明,相互间反差要大,这也是舞剧的显著特点。
由于舞蹈是舞剧的核心,那么与之相关的舞台美术,包括布景、灯光、服装、化装、道具也就有了特点。
舞美往往实景较少,将舞台空间留给舞蹈;而灯光变化用得较多,烘托不同时空的转换以及营造意境、氛围;服装一般穿得较少,以便突出人体动作,比如传统芭蕾的男主角,不论是王子还是牧羊人约定俗成都穿紧身裤;化装的头饰帽子一般从简,特别是主角,比如唐女子高髻,如果是女主角就要缩小降低,否则头长压了躯干和四肢动作不美或限制了头的动作。
道具在外国舞剧中用得较少,有时在象征身分时用一下,到舞蹈时就放下,便于展现人体动作。
中国人有所不同,中国的舞蹈历来使用的道具很多。
小至扇子、手绢、袖子、绸子、刀、枪、剑、戟,大至狮子、龙灯。
中国舞蹈中,道具非但不是舞蹈的妨碍,反而是手的动作的延长,从而产生了许多独特而丰富的道具舞。
利用周围一切资源来舞,中国人的武术、戏曲能够与环境中的任何物体共舞,不只是用手。
你们看成龙的武打片,桌子、椅子、柱子、衣服、楼窗、树、房顶……没有一样不能利用的,那种机智、趣味、丰富真是中国人的优长。
在中国的舞剧中,道具有其特别的意义,它可以突出人物个性,推动剧情发展,组织丰富的舞蹈。
舞台美术的总体原则是简,以一当十是非常必要的,能减则减,能免则免。
布景、灯光、服装、道具、化装也不例外。
舞剧的音乐服从于舞剧结构,时间长且结构复杂,因而舞剧音乐一般是一部结构完整的交响乐曲。
编导要将意图告诉作曲家,给予其充分的自由,这样,作曲家才能写出一部优秀的舞剧音乐。
好的舞剧音乐即使编导能力不够,若干年后有才能的编导会让它重新立在舞台上,《天鹅湖》就是最好的例子,可见舞剧音乐的重要。
不要过于拘泥节拍多少,以致将音乐拆得支离破碎。
以上所讲舞剧中的戏剧成分、舞台美术、音乐的特征都指的是一般规律,是从已有的大多数成功或失败的作品中总结出来的。
但也有例外,毕竟,随着舞剧的发展又会总结出新的规律,因此任何规律在创作中不能视为禁锢,一定要根据“这一个”剧目的需要灵活运用。
三、舞剧的分类古今中外已有的舞剧可以说是一个海洋,可惜我们所能见到的却很少。
但仅是我们见到、听到或了解到的那一小部分就千差万别。
这里,我们用比较简便的方法进行分类说明,大致分成三类。
(一)戏剧式这种舞剧按照戏剧的开端、发展、高潮规律结构,是传统的舞剧结构方式。
说传统是因为从is世纪意大利、法国把舞蹈用来“表现故事”起就是如此,如《关不住的女儿》(法国)。
中国20世纪50年代舞剧的创作是从两届“苏联专家舞剧编导班”开始的,那时候学习的主要就是戏剧式创作方法,所以,我国20一世纪50年代的舞剧《小刀会》、《宝莲灯》都是用这种方式来表现中国历史及神话的舞剧。
这一类舞剧的戏剧成分比较多,例如较多运用哑剧、生活场景、戏剧场面等。
有人会问,这种戏剧式的舞剧是否过时了?答案是否定的,克兰柯的《奥涅金》、《驯悍记》及他学生创作的《茶花女》等等,至今在世界各国广受欢迎。
在《奥涅金》中,据说克兰柯在主要人物舞段中都设定了潜台词,舞蹈正是表达了潜台词。
在戏剧“斯坦尼斯拉夫斯基”的表演体系中,正是从分析剧本的最高任务人手,分析角色的最高任务,分析每个角色的台词找到恰当的“潜台调”,即角色此时此地的心理活动。
所以克兰柯这么做并非偶然,他是在编过许多抽象的音乐式舞蹈作品之后,并且到苏联学习了戏剧式舞剧编导方法之后,于20世纪60年代创作了《奥涅金》、《驯悍记》这一类舞剧的。
除去戏剧式的结构,克兰柯在舞剧中运用了大段的戏剧场面、细节。
例如,《奥涅金》第一幕第二场,女主角达姬雅娜睡不着觉,于是写信,写了又撕,很长一段一点舞蹈都没有,与大段的双人舞自然衔接观众居然乐意接受。
这种传统的戏剧结构方式在中国比较容易被广大观众接受,因为中国大多数观众习惯于欣赏具象的、有人物、故事的表演艺术,如((红色娘子军》、《白毛女》等。
剧目分析:《奥涅金》作剧目介绍,并将要分析的提纲,如:内容、意图、结构、全剧风格、分场、各场风格的区别、主要人物、主要舞段、优秀舞段分析等事先分别布置到每一位同学,然后放录像观摩,引导同学逐个问题发言讨论,教师对必要的问题进行讲解;最后交剧目分析文字卷。
教学实践证明,只有详细分析了剧目才能学会如何结构及创作舞剧。
分析《驯悍记》、《茶花女》、《乡村一月》等经典舞剧。
(二)音乐式19世纪末20世纪初,西方现代艺术思潮兴起,在美术方面出现了“绘画摆脱对文学、历史的依赖”、“绘画不作自然的奴仆”的观念,在舞剧界也形成了舞剧摆脱叙事性、摆脱对戏剧依赖的思潮。
巴兰钦彻底抛弃了文字戏剧的拐杖,创出了音乐芭蕾,也就是所谓的“跳音乐”—将完整的交响乐、奏鸣曲、协奏曲等等在舞台上由芭蕾演员跳出来。
据说有许多著名的作品,可惜我们见到的不多。
比如:一组演员跳第一声部小提琴,另一组跳第二声部大提琴;如果音乐是“卡侬”,舞蹈也就按间隔依次模仿。
这被称为“看得见的音乐”,使观众得到视听统一谐和的审美满足。
因为是在跳交响乐也叫“交响芭蕾”,所以摆脱了戏剧,在结构上从属了音乐。
我们见到过大量既不摆脱具象也不摆脱戏剧成分的“交响芭蕾”,这是以格里戈洛维奇为代表的编导,他使舞蹈从总体上来说努力靠近音乐而减少(不是排斥)戏剧成分。
在结构上它虽然仍遵循着开端、发展、高潮的规律,但也可以说是按照音乐作品中善于表现富有戏剧性冲突的奏鸣曲式:呈示部、展开部、再现部的结构。
因为在有人物形象、有戏剧性冲突的结构中,这二者的结构是相通的。
这类舞剧以独舞、双人舞、三人舞、集体舞等舞蹈来表现,场面舞蹈化,同时,尽量减少哑剧,去掉生活细节,使之更为音乐化。
比如:《斯巴达克斯》、《爱情的传说》。
在编舞中广泛使用交响编舞法,大大丰富和扩展了我们的编舞思维和编舞手法。
“交响编舞法是在舞蹈创作中借鉴交响乐的思维逻辑,以舞蹈特有的规律为主,力求达到音乐与舞蹈高度统一的一种编舞方法”(肖苏华)。
在介绍“交响芭蕾”和系统传授“交响编舞法”方面,肖苏华老师在我国起了重要的作用。
剧目分析:《斯巴达克斯》、《爱情的传说》、《伊凡雷帝》、《童年》。