美国公共艺术发展现状和美国艺术教育的考察
美国为何如此重视艺术教育
美国为何如此重视艺术教育艺术的益处，一在学生，二在社会。
它有益于学生，因为它能够培养完整的人，在发展直觉、推理、想象、技巧以及表达和交流的独特形式和过程中，逐渐形成丰厚的文化修养。
这种过程不仅需要灵活的大脑，而且要求思维的训练有素。
艺术教育还有助于学生激发多种感知和思维方式。
由于儿童教育在早期重在语言和数学技能的获得，儿童逐渐无意识地学会，“正常的”思维方式只能是线性的和序列的，理解的路径只能是从始到终，从因至果。
在这种占统治地位的早期教育模式作用下，学生学会的主要是对那些符号体系的信仰。
这些符号是词语、数字和抽象概念。
这样，一个在经验中发展成长的人却与其实际经验主硬地割裂开来。
而艺术教育则不然。
有时，艺术行走的也是与上述相似的道路。
不过，在更多的情形下，它们是以另一种位置为起点的。
艺术培养的是直接的感觉经验，知识的合理来源在艺术看来是非冥想的闪念和顿悟。
艺术的目标，旨在直接联系人与经验，架起词语和非词语之间以及严密逻辑和情感之间的桥梁，以便更完美地理解整体世界。
这两种方式都是有力的和必需的，否认其中的任何一种学习郁会遭致学生的无能。
艺术教育还有益于社会，因为学生学习艺术能够获得有力的工具。
它有助于：理解人类的古今经验。
学会借鉴、尊重其他人(往往是很不同)的思维方式、工作方式和表达方式。
学会解决问题的艺术方式，为各种人类的环境提供表达、分析和发展的工具(例如：人们常说的教学“艺术”，政治“艺术”等)。
理解艺术的影响。
例如，艺术在形成和反映各种文化中的力量，对我们日常生活中实际上所有方面的影响，以及艺术对更广范围中观念和行动的作用。
在没有标准答案的情境中的决策。
分析非词语的交流，井对有关文化的产物和问题做出有见识的判断。
用各种方式交流他们的思想和感情，有力地增强自我表达的内涵。
在充满令人困惑的信息的世界里，艺术教育还有助于年轻人探索、理解、接受和运用模糊性和主观性的事物。
如同生活，艺术中往往不存在明确的或“正确”的答案。
美国的艺术教育国家标准
美国的艺术教育国家标准美国一直以来都被认为是一个艺术和文化发展非常活跃的国家，其艺术教育体系也备受瞩目。
美国的艺术教育国家标准是指美国教育部针对艺术教育所制定的一系列教学指导原则和目标要求。
这些标准旨在帮助学校和教师提供高质量的艺术教育，培养学生的创造力、表现力和艺术鉴赏能力。
本文将对美国的艺术教育国家标准进行介绍和分析，以期为我国的艺术教育改革提供借鉴和启示。
首先，美国的艺术教育国家标准包括视觉艺术、音乐、舞蹈、戏剧和媒体艺术等多个领域。
这些标准的制定是基于对学生学习和发展的认知、情感和技能的全面考量，旨在促进学生全面发展。
在视觉艺术领域，标准要求学生通过创作、表现和理解视觉艺术作品，培养他们的审美能力和创造力。
在音乐领域，标准要求学生通过演奏、创作和欣赏音乐，培养他们的音乐才能和表现力。
在舞蹈和戏剧领域，标准要求学生通过舞蹈和表演，培养他们的身体协调能力和表现能力。
在媒体艺术领域，标准要求学生通过数字媒体和视听媒体的创作和理解，培养他们的媒体素养和创新能力。
其次，美国的艺术教育国家标准注重跨学科教学和综合能力培养。
标准要求艺术教育与其他学科相结合，促进学生在艺术创作和表演中运用科学、历史、社会等知识，培养他们的综合能力和批判性思维。
这种跨学科的教学模式不仅有助于提高学生的学科综合素养，还能够激发学生对艺术的兴趣和热爱，培养他们的创新精神和团队合作能力。
再次，美国的艺术教育国家标准强调学生的个性发展和多元文化意识。
标准要求教师在教学中尊重学生的个性差异，鼓励他们表达自我，培养他们的自信心和自主学习能力。
同时，标准还要求教师在教学中注重多元文化教育，引导学生了解和尊重不同文化背景下的艺术表达形式，促进跨文化交流和理解。
最后，美国的艺术教育国家标准注重评估和持续改进。
标准要求学校和教师对艺术教育的教学效果进行评估和反思，及时调整教学方法和内容，不断提高教学质量。
这种以学生学习和发展为中心的评估理念，有助于促进教学的改进和创新，提高学生的学习成效和综合素质。
2024年公共艺术设计市场发展现状
2024年公共艺术设计市场发展现状引言公共艺术设计市场是近年来迅速发展的领域之一，它不仅引起了大众的关注，也成为了艺术和设计领域创意的一部分。
本文将探讨2024年公共艺术设计市场发展现状，并分析其趋势和挑战。
当前市场概述随着城市化进程的加快，公共艺术设计市场呈现出快速增长的趋势。
公共艺术设计不仅美化了城市环境，还丰富了人们的精神生活。
市场上涌现出了越来越多的公共艺术设计项目，例如雕塑、壁画、景观设计等，为城市增添了一道亮丽的风景线。
市场发展趋势1.多元化的设计风格消费者对艺术设计的需求越来越多样化，市场上的公共艺术设计项目也呈现出多元化的设计风格。
无论是传统的文化主题，还是现代的抽象主义，都有其独特的市场空间。
2.数字技术的应用数字技术的快速发展为公共艺术设计带来了新的可能性。
例如，通过增强现实技术，可以在城市中创造出虚拟的艺术作品，为人们带来前所未有的观赏体验。
3.可持续发展的关注公共艺术设计越来越注重可持续发展。
设计师将材料、能源和环境等因素考虑在内，致力于创造出对环境友好的艺术作品。
这种可持续发展的关注不仅满足了人们对美的追求，也符合社会的责任意识。
市场挑战1.市场竞争加剧随着市场的发展，公共艺术设计市场的竞争也变得越来越激烈。
不同设计师和设计公司纷纷进入这个领域，竞争压力加大。
2.艺术与商业的平衡公共艺术设计的市场化发展使得商业利益与艺术创作之间的平衡成为一个关键问题。
一方面，商业需求推动了市场的发展；另一方面，过度商业化可能导致艺术创作的质量下降。
3.资金问题公共艺术设计项目需要大量的资金投入，包括设计费用、制作费用等。
资金问题一直是市场发展的一个限制因素，需要政府和企业的支持和投入。
未来发展机遇1.城市更新和再生未来，城市更新和再生将成为公共艺术设计的重要机遇。
通过公共艺术设计，可以为城市带来全新的面貌，吸引更多的游客和消费者。
2.文化交流与合作文化交流和合作将进一步推动公共艺术设计的发展。
国外美育研究现状
国外美育研究现状国外美育研究现状导言美育是指通过艺术教育来培养人们的审美素质和创造力，从而提高他们的综合素质。
在国外，美育教育被广泛应用于学校、社区和博物馆等场所。
本文将从以下几个方面介绍国外美育研究现状：美育教育的理论基础、美育教育的实践经验、美术馆与博物馆的美育教育。
一、美育教育的理论基础1.1 美学理论美学理论是美育教育的重要理论基础。
西方哲学家康德认为，审美经验是一种纯粹感性的体验，它能够激发人们对艺术作品的兴趣和欣赏能力。
此外，西方哲学家黑格尔也提出了“艺术自由”这一概念，即艺术家应该有权利表达自己的想法和情感。
1.2 教育心理学教育心理学是另一个重要的理论基础。
在西方，心理学家弗洛姆认为，艺术教育可以帮助人们更好地理解自己和他人的情感，从而增强自我意识和社会意识。
此外，教育心理学家皮亚杰也认为，艺术教育可以帮助儿童提高思维能力和创造力。
二、美育教育的实践经验2.1 学校美育教育在国外，学校是美育教育最重要的场所之一。
在美国，许多公立学校都会开设艺术课程，包括音乐、舞蹈、戏剧和视觉艺术等。
此外，许多私立学校也会注重艺术教育，例如纽约市的拉加迪亚高中就以其优秀的音乐、舞蹈和戏剧节目而闻名。
2.2 社区美育教育社区是另一个重要的美育教育场所。
在美国，许多社区艺术中心都会开设各种类型的课程，包括绘画、雕塑、摄影和表演等。
此外，在一些欧洲国家，如德国和荷兰等地，政府会资助社区艺术项目，以促进民众的文化素质。
三、美术馆与博物馆的美育教育美术馆和博物馆也是重要的美育教育场所。
在国外，许多博物馆都会开设各种类型的教育活动，包括讲座、工作坊和导览等。
此外，一些博物馆还会与学校合作，开展校园巡展等活动。
例如，英国的大英博物馆就曾经与伦敦市内的学校合作，组织了一次名为“探索古埃及”的活动。
结论综上所述，在国外，美育教育已经成为了一种重要的文化现象。
其理论基础主要来自于美学理论和教育心理学。
在实践中，美育教育主要通过学校、社区和博物馆等场所进行。
国内外高校公共艺术教育现状与启示
摘要：本文以国内三所高校为研究对象，通过对课程开设情况、师资队伍、学生态度等方面对公共艺术教育进行研究；并通过国外高校以伦敦大学、哈佛大学、东京大学为例，探讨借鉴西方艺术教育理论与经验的基础上，形成本国艺术教育特色，为艺术教育研究提供参考。
关键词：公共艺术教育普通高校现狀启示虽然我国普通高校公共艺术教育较西方发达国家起步晚，在我国高等教育体系中依然处于边缘化地位，即便在政策与制度的保障下，取得一定成绩，但还存在一些的不可避免的问题与制约因素，本文将对国内外高校公共艺术教育现实状况进行系统分析，掌握其发展状况，为艺术教育研究提供参考。
一、国内普通高校公共艺术教育现状本文采取问卷调查的方法，以国内三所高校为研究对象，通过对课程开设情况、师资队伍、学生态度等方面对公共艺术教育进行研究。
普通高等院校按照办学水平可分为：国家“985工程”重点大学、国家“211工程”重点大学、一般本科大学，针对三类大学各选取一所进行分析，分别为清华大学、上海大学和东北石油大学。
学生的年级分布从大一到大四，共发放问卷800份，其中清华大学260份，上海大学240份，东北石油大学300份，实际回收了721份，回收率为90.1%；有效答卷675份，有效率为84.4%；清华大学发放的260份问卷中，有效问卷为218份；上海大学发放的240份问卷中，有效问卷为201份；东北石油大学发放的300份问卷中，有效问卷为256份。
据统计，大一的学生数为165人，占总人数的24.4%；大二的学生数为132人，占总人数的19.6%；大三的学生数为216人，占总人数的32%；大四的人数为162人，占总人数的24%。
从总体上看，文科、理科、工科均有涉及，样本分布较为合理。
1.公共艺术教育课程开设情况三所高校均开设公共艺术课程，清华大学2015-2016学年度秋季学期文化素质课程分为八个课组，一共开设155门，其中艺术与审美课组开设37门，占总开设课程数的23.87%，文化素质课程还包括新生研讨课和为新雅书院单独开课，除此之外还开设全校任选课111门，其中艺术教育中心开设30门，占总开设课程数的27.03%，远远超出10%的标准；上海大学核心通识课程分为三个领域五大模块，其中艺术被列入人文类通识课的艺术修养与审美体验模块，共计25门，占总开设课程数的19.85%；东北石油大学2015-2016学年第2学期开设公共选修课53门，其中艺术类课程开设6门，占总开设课程数的11.32%。
国外美育研究现状
国外美育研究现状一、介绍美育（Art Education）指的是通过艺术教育培养学生的审美能力、创造能力和艺术修养的教育方式。
在国外，美育研究已经得到了广泛的重视和发展。
本文将深入探讨国外美育研究的现状，包括其发展历程、研究内容、方法和成果等方面。
二、发展历程1. 美育研究的起源美育研究起源于欧洲，在19世纪中叶开始兴起。
当时，欧洲一些国家开始将艺术教育纳入学校教育体系，并开始进行相关的研究工作。
这些研究主要集中在艺术教育的目标、内容和方法等方面。
2. 美育研究的发展随着时间的推移，美育研究逐渐扩大了研究范围，涉及到了更多的领域和学科。
不仅仅局限于学校教育，美育研究还涉及到了社区教育、博物馆教育、艺术治疗等方面。
同时，美育研究也开始关注艺术对个体发展的影响，研究艺术对心理健康、认知能力和创造力等方面的积极影响。
三、研究内容1. 美育目标的研究美育研究探讨了美育的目标与价值，包括培养学生的审美能力、创造能力、文化意识、艺术修养等方面。
研究者通过实证研究和理论分析，探讨了美育对个体发展的积极影响，并提出了相应的教育理念和方法。
2. 美育内容的研究美育研究还关注美育的内容，包括艺术教育的课程设置、教学材料的选择和教学方法的设计等方面。
研究者通过分析不同课程模式的实施效果，寻找最佳的艺术教育内容和方法。
3. 美育评价的研究美育评价是美育研究的重要内容之一。
研究者通过开展实证研究，探讨了不同评价方法的可行性和有效性。
他们提出了一些量表和评价工具，用于评估学生的艺术修养和创造能力等方面。
4. 美育政策的研究美育研究还涉及到美育政策的制定和实施。
研究者通过比较不同国家的美育政策，总结了一些成功的经验和做法。
他们提出了一些政策建议，以促进美育在教育体系中的发展。
四、研究方法美育研究采用了多种研究方法，包括实证研究、案例研究、文献综述等。
实证研究通过实地调查和统计分析，探讨了美育对个体发展的影响。
案例研究通过深入分析具体的案例，揭示了美育在不同环境下的作用和效果。
西方城市公共艺术规划发展历程
THANKS
公共艺术规划的目的和意义
1 2
3பைடு நூலகம்
增强城市竞争力
通过公共艺术规划，打造具有特色的城市形象和文化品牌， 吸引更多游客和投资，提高城市竞争力。
促进社会交流
公共艺术规划有助于促进公众参与和交流，培养公民的艺术 素养和文化自信。
推动经济发展
公共艺术规划可以带动相关产业的发展，如文化旅游、艺术 品市场等，为城市经济发展注入新的活力。
美国的城市美化运动
在第一次世界大战后，美国开始关注 城市美化，出现了许多城市公园、广 场和街道装饰等公共艺术项目。
欧洲的城市美化运动
在欧洲，城市美化运动主要体现在建 筑和城市规划上，如巴黎的改造计划 和伦敦的公园建设等。
第二次世界大战后的重建和公共艺术规划
战后重建
在第二次世界大战后，许多城市需要重建，公共艺术成为重建计划的一部分。
公共艺术的全球化和国际化也 带来了新的挑战和机遇，如文 化差异、知识产权保护等问题 需要妥善处理。
05 未来展望
公共艺术规划的创新和发展
公共艺术规划的新模式
随着城市发展和公众对艺术的需求变化，公共艺术规划需 要不断创新，探索新的发展模式，如社区艺术计划、艺术 与科技结合等。
多元化和包容性
未来的公共艺术规划应更加注重多元化和包容性，鼓励不 同背景和文化的艺术家参与，反映城市文化的多样性和包 容性。
实验性的实践
公共艺术的实验性实践体现在其与 城市环境的互动和影响上，艺术家 开始尝试在公共空间中进行创新和 实验。
与城市规划的结合
公共艺术规划也开始与城市规划相 结合，成为城市更新和发展的一部 分。
公共艺术项目的实施和管理
实施策略
公共艺术项目的实施需要采取有 效的策略，包括选择合适的艺术 家、确定项目的目标和定位、制
美国当代艺术教育(上)
了解 美国的艺术学院教 育， 我们有
用， 所以那 时 谁要想 成为艺 术家
引言：
在美国， 艺术教育并不是一个 热门的话题 ， 而且当人们谈及艺术 教育时， 一般是指普通艺术教育即
公共艺术教育。 它包括美术博物馆
必要了解一些欧洲艺术学院的历
作 ， 上 则临 摹 师傅的 作 品。 晚 这 种 师徒教学 关系是西方文艺复兴 之前和文艺复兴时期 的美术教育
其他 的专业 尤其是与高科 技专业
的教育相比， 艺术教育在改革方面
显得 缓慢 ， 因也许 是 因为艺 术 原
说 全世界艺 术学 院和教学模式 都
是以欧洲美术学院为样板的。
的当代艺术教学模式。 要进一步
什么和怎么教都 已流失在历史的
长河之中。 早在 公元 ９ 纪 ， 洲 世 欧 已有大学。 虽然那时 的大学远 不 如现 在的大 学完善 ， 已具 有 教 但 授、 教学 课程、 考试及学位等大学 应具 有 的基 本要素 。 可是这 些大 学都 不 教授 艺 术 类课 程 。 在文 ④ 艺 复兴 之前唯一可学 习艺 术的地 方是艺 术作 坊 ， 因为艺 术作 坊除 了制作 各 类艺 术 品如 绘画 ， 雕塑
方艺术教 育的了解还是有价值 和
有必要的。
方古代文学 中我们知 道在希腊和
古罗马时 期就有 美术学校 但 ， 是这 些学校 是怎样 的学 校， 教些
不是 一个能稳 定赚 钱的 职业 。 但
是 无论 如何 ， 术学 院的建 立是 艺 艺 术教育由艺术作 坊到学院的一
艺术 设计 研 究 ａ 玉
个飞 跃 。 了１ 世 纪末 文艺复兴 到 ６ 晚期 ， 大利 的卡拉西 画家三兄 意 弟安格提努（ ｇ ｓ ｎ ａｒｃｉ Ａ ｏｔ ｏＣ ｒ ｃ） ｉ ａ 、 鲁度维 科（ ｕ ｏ ｉｏＣ ｒａ ｃ 和 Ｌ ｄ ｖｃ ａｒｃｉ ） 安尼＂Ａｎ ｉａ ａｒｃ ｉ共同建 ￣ ｎｂ ｌ Ｃ ｒ ｃ ｅ ａ ） 立了欧洲 最著名的艺术学 院之一 的卡拉西学 院 卡拉西学 院的建 。 立是有针对性 的。当时 意大 利文 艺复兴正在走下坡路， 文艺复兴高 峰 时大师们 的艺术 已被人渐渐遗 忘， 或更确切地说不再流行。 卡拉 西学 院所确立 的三项 教学 目 就 标
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美国公共艺术发展现状和美国艺术
教育的考察
一个偶然的机会，本人被学校派遣到美国学习。
到达美国后，原本以为离公共艺术发源地越来越近，会看得越来越清楚。
但通过本人与部分美国艺术家深入交谈，以及对美国大多数大学艺术专业教育的调查显示：在美国大学基本没有公共艺术专业，因此非常失望。
然而，美国公共艺术现状并非如此，本人到美国各地参观了很多公共艺术现场和展览，一个意外的现象是：美国拥有很多优秀的公共艺术作品，这些作品普遍的特点是：（1）观念奇特；（2）材料新颖；（3）技术跨界；（4）文化交融；（5）构成简练，非常具有国际范。
带着一些
疑问和不解，本人走进了美国艺术教育课堂去体会中美艺术教育的差异，从中发现了很大的不同，以西俄勒冈大学为例：
中国论文网/7/view-12949888.htm
（一）艺术课堂认真、活跃。
（1）在美国艺术课堂教师上课非常认真，甚至每次上课打两次考勤，进来一次出去一次；
（2）老师备课非常的详细，他们在课程开始、中间、甚至结束的时候有选择地播放名家的作品，并且随时会邀请专家进课堂与学生互动；（3）教师每次课程结束都会进行课堂总结，很多老师会在课程完成后举办一个班级party，要求学生自己带一份食品参加，学生在聚会中谈自己创作中的问题和收获，甚至包括烹饪的体会；因此课堂气氛非常活跃。
（二）老师对学生的授课方式不同。
在美国的艺术课堂上，教师的授课方式基本以鼓励为主，哪怕有的同学做的方
案很差，他们都会给予极大的鼓励然后适当地给予一些建议，让该学生充满信心。
对于那些特别不爱学习的学生，他们会在课后打分的环节毫不留情。
另外，在手工操作课程中授课方式也有很大的差异，如：老师在前期会非常耐心地讲解和回答学生提出的疑问；在具体实施方案阶段，老师除了讲一些工具的使用外，一般不会主动指导学生，只有学生遇到问题主动找老师请教时，老师才会进行指导。
（三）授课思路不同。
（1）在美国艺术课堂，老师不会刻意地要求学生有多强的写实功底，但是他们会特别对学生强调创新的重要性，会要求学生去归纳和总结，从而形成自己的想法，尤其是在作品后期加工方面，老师特别强调作品工艺的完整性，因此，在抽象思维方面美国的学生放得开，创新能力较强。
（2）美术史的学习方法不同，在美国，美术史论的学习也是上大课，但是美国的美术史老师会结合专业特征，要求同
学按照不同时期的艺术特点完成一些相关风格的创作。
（3）专业课的跨界明显，西俄勒冈大学课堂大胆地引进国内外的艺术种类，甚至将它们设置为艺术专业的主要方向，如：中国的陶艺已经成为该校的艺术主修课程，而漆画、刺绣、编织同样在选修课之列，而且这种现象在美国艺术教育中非常普遍，甚至本人在耶鲁大学校园内，也看见男生和女生在一起刺绣。
（四）工作室的设备差异。
美国大学艺术工作室非常明显的特征是教学设备非常齐全，甚至只要有的专业，工作室的设备都相当齐备，如：雕塑的工作室，工具齐全到学生的各类作业基本可以不出教室完成，如：“石雕，木雕，金属作品”。
工作室甚至连洗手液，擦手纸，绘图纸，转笔刀、口罩、耳塞等等一应俱全。
另一方面，工作室特别清洁，几乎每台可能产生灰尘的机器都会配备有吸尘器，工作室的天花板上密密麻麻
的排气管道非常有序，因此尽管工作室的设备非常多，但都保持得干干净净。
（五）工作室管理方式不同；工作室管理基本是教授负责制，一位主要教授负责一个工作室。
主要负责工作室课程的设置、清洁的监督、设备的操作以及学生专业选课和学生的心理辅导等等。
工作室的责任管理更为明确，当老师示范讲解每件工具的使用后，每个同学会被要求签一份免责声明。
这避免了很多不必要的纠纷。
另外不同还体现在一个方面：他们课程的设置是以工作室为中心，从初级到高级的课程是固定循环的，学生可以根据自己的需求选择自己学习的课程。
只要人数达到一定的量就开班，否则就会停开，因此工作室负责人压力大。
（六）工作室应急设备完善。
在美国的艺术工作室都有一个公共使用的急救箱，里面有很多急救的医疗物品，如创可贴、纱布、酒精等等，以防学生受伤。
（七）课程的展览要求不同。
每一个课程结束后基本上都有学生作品展览，有的在很专业的展厅（学生中心）；也有在很随意的展厅，如：走廊，甚至阳台都是展览的场所。
学生根据自己作品的需要自己选择布展的地方，因此学生表现非常积极主动。
课程展览没有开幕式，展览周期一般是一个学期（11周左右）。
（八）毕业要求不同。
BA（Bachelor of Art）文学学士和BS（Bachelor of Science）理学学士，学习4年，学分270左右；
BFA（Bachelor of Fine Arts）艺术学士学位，学习5年，学分要求达到330分左右。
西俄勒冈大学毕业条件严格按照学分制毕业，只要学生修满学分就可以随学期毕业。
因此，美国的学生几乎全年随时有人毕业。
（九）大学图书馆管理不同。
西俄勒冈大学的图书馆藏书比较多，图书管理分为四部分：（1）本校图书馆图书管
理，如果本校学生想借非常方便，只要有就可以，并且借书的时间可以很长，超时间收费比较便宜；（2）跨馆图书管理，由于他们的图书管理基本实现全国统一，因此有很多书可以通过网上跨馆借阅，但这种图书借的周期比较短，并且超过时间罚款特别重；（3）网上阅读图书管理，只要本校学生上学校的图书馆平台，有相当多的书籍可以通过图书馆网站阅读，因此图书资源特别宽广；（4）图书馆展览策划，美国大学图书馆有一个非常重要的功能，他们会定期举办各种展览，尤其是外校或国外的艺术作品展。
他们有专门负责策展和布展的人员。
艺术家只要提供相应的资料和作品，所有海报、卡片、签名册设计打印全部免费，甚至包括展览的会餐都免费提供。
�之，美国的艺术教育和管理与中国相比较的确存在很大的差异，也可能正是这些差异导致了最终出来的作品完全不同。
从这些差异中我们会发现中国
艺术教育的确存在一些不足，如：其一，专业的深度不够。
在我们国家，很多所谓的艺术学院的教学改革都停留在口头上，如：在公共艺术教育方面，我们经常会看到很多网上、书本上、甚至在很多名家的讲座中会把公共艺术的概念放宽到漫无边际，无所不包，有的老师将此概念引入公共艺术教学当中，这种理论会让学生无所适从，不知从何学起。
相反在谈到这一方面的话题时，美国艺术教授反映：他们的方法是和学生一对一交流，在交流中根据学生专业方向和兴趣爱好，拟定一个合理而简单的学习方案，在方案中包括：主修、辅修和公共课供学生选择。
这样不会让学生在学习中感到茫然，并且会向着自己感兴趣的方向纵深发展。
其二，专业的跨界融合度不够。
在这方面中国的艺术教育普遍处于劣势。
这与我国学生早期的艺术教育过多地强调以考试为导向息息相关，如：为了应付高考，学国画的学生不会书法，学画
水粉的不会画水彩，一切以通过考试为宗旨。
考上大学后，很多大学也没有从基础课程的设置上解决专业跨界融合的问题，因此专业的融合存在严重鸿沟。
而在当代，艺术学科发展得如何，艺术跨界起着举足轻重的作用。
因此，处理好艺术跨界问题是中国艺术教育发展亟待解决的问题。
其三，中国艺术教育越来越没有自己的文化特色。
作为历史文明古国――中国，有些当代青年学子盲目地崇拜西方文化，而这种现象与大学艺术教育息息相关。
在国内，甚至有一些专业性艺术院校的艺术教育中，很多传统艺术正在慢慢丢失或已经丢失，如：漆画、剪纸、刺绣、编织、玉雕、蜡染、根雕等等，甚至连选修课都没有，令人非常痛心。
因此激活和如何发扬中国传统艺术文化已经迫在眉睫。
总之，如何借鉴西方的优势来促进我国艺术教育的发展已经成为当下攻坚课题，对此本人有以下建议：第一，重
视传统艺术的发展。
在中国艺术本科教育中，应该把中国传统艺术列为艺术必选课或者任选课，大胆邀请民间艺人和专家进入大学课堂传承各种民间艺术的独特加工工艺和技巧；第二，强调跨界课程的融合。
在中国艺术教育中多设置跨界基础训练课程，增强学生的跨专业融合能力；第三，夯实专业的纵深培养。
延长本科和研究生学习时间，对一些专业性极强的专业延长学习时间，实行本科5年，甚至6年制培养。
如，雕塑、油画、版画、国画等，增强和提高学生的专业水品，为社会输入高精人才，取缔没有实践意义的艺术专业博士学历。
同时，把工作室的设备齐全作为考量一个专业设置的最基本的合格标准，着重打造一流的工作室，为艺术专业的纵深发展创造条件。
第四，取消本科毕业时间限制。
严格实行科目考试结业制度，按学分毕业，让更多有特殊情况的学生可以有机会继续接受教育或转专业再学习。
第五，增设国粹艺术跨界作品奖项，
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